Iliazd, nato a Tbilisi nel 1894, ha trascorso la sua vita tra le pieghe della poesia e le sfide della tipografia, lasciando un segno indelebile non solo in Francia, dove si è stabilito dopo aver abbandonato la Russia, ma anche nel cuore di chi ama l'arte. La mostra, curata con maestria da Eva Brioschi e Julia Marchand, svela il genio di un artista che ha collaborato con nomi illustri del Novecento, come Pablo Picasso e Coco Chanel, creando opere che sono veri e propri oggetti d'arte.

Il percorso espositivo si articola attorno alla pratica del libro d'artista, un linguaggio che Iliazd ha saputo reinventare, facendolo diventare un mezzo per esprimere la sua visione della "toutité", una filosofia che abbraccia ogni forma di espressione artistica. Dalla tipografia alla moda, dall'architettura alla poesia, la toutité rappresenta un'idea di creatività che non conosce limiti, un invito a vedere il mondo con occhi nuovi.

Non perdere l'occasione di immergerti in questo affascinante mondo. La mostra è un viaggio che trascende il tempo e lo spazio, un'opportunità per comprendere l'essenza di un artista che ha saputo trasformare la sua vita in un'opera d'arte. Scopri i volumi iconici e i progetti che hanno definito la sua carriera e lasciati ispirare dalla magia di Iliazd.

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Curata da Edoardo Milesi, l'esposizione non è solo una celebrazione del lavoro di Rota Nodari, ma un invito a interrogarsi sul mestiere dell'architetto in un'epoca di rapidi cambiamenti, dove il digitale ha trasformato il modo di progettare. "L'architettura non è solo costruzione", afferma Milesi, "ma un atto di pensiero politico e visione sociale". In questa sinfonia di idee, Rota Nodari si erge come un maestro che, pur abbracciando le nuove tecnologie, non dimentica le radici artigianali e il legame profondo con il territorio.

Un aspetto distintivo della mostra è il convegno “Il mestiere dell’architetto”, in programma il 21 novembre, dove relatori illustri discuteranno dell'importanza dell'architetto come interprete non solo dello spazio fisico, ma anche delle dinamiche sociali e ambientali. La conversazione si estenderà a esplorare relazioni complesse tra l'uomo e il mondo naturale, un tema che invita a riflettere sulla nostra esistenza e sul nostro impatto sul pianeta.

In un'epoca in cui l'architettura deve affrontare sfide senza precedenti, la mostra di Cesare Rota Nodari ci ricorda che ogni progetto è un'opportunità per sognare, ascoltare e trasformare. Non perdere questa occasione unica di immergerti nell'universo di un architetto che ha saputo coniugare passato e futuro, tradizione e innovazione.

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Costruita all'inizio del XX secolo, la Medník House ha subito una radicale trasformazione nel 2010. Ma, come un abito che non calza più, la necessità di un'espansione si è fatta sentire. Il progetto di ampliamento ha saputo rispondere a questa chiamata, realizzando un nuovo spazio che si fonde perfettamente con l'esistente, rispettando la memoria storica del luogo.

Il team di progettazione, composto da talenti come Miloš Munzar e Tomáš Kovalčík, ha saputo trarre ispirazione dalla natura circostante, utilizzando materiali come legno, vetro e pietra, per creare un dialogo continuo tra interno ed esterno. Ogni elemento, dalla scelta delle finestre INTERNORM ai dettagli di illuminazione forniti da Delta Light, è stato selezionato con cura per riflettere la bellezza intrinseca del sito.

La Medník House è molto più di un semplice ampliamento: è un esempio di come l'architettura possa rispondere alle esigenze contemporanee senza dimenticare le proprie radici. È un luogo dove le famiglie possono crescere, sognare e costruire ricordi. Un rifugio che, con il suo fascino senza tempo, invita a fermarsi e a contemplare la bellezza della vita.

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Costruita in un periodo di fervente attività bellica, la strada fu realizzata dall'esercito austro-ungarico in un tempo record: poco più di tre mesi. Immaginate, per un attimo, il fragore dei picconi e il sudore di prigionieri russi e donne locali, tutti uniti per forzare la roccia e dare vita a questo capolavoro, dove ogni curva racconta storie di determinazione e resistenza.

Il Passo San Boldo, a 706 metri di altitudine, non è un valico qualunque; è un corridoio di storia, un luogo dove si intrecciano le vite di soldati, pellegrini e mercanti. Gli antichi sentieri, testimoni di secoli di passaggi, vennero trasformati in una via strategica per il trasporto di uomini e materiali durante la Prima Guerra Mondiale, un percorso che, malgrado la sua difficoltà, si rivelò cruciale per le operazioni militari.

Ma come si giunse a questo risultato? Negli anni del conflitto, la necessità di un'occupazione per i disoccupati portò all'assunzione di 500 operai, e il progetto per la strada venne approvato in un batter d'occhio. Tuttavia, i lavori si fermarono di fronte a un ostacolo quasi insormontabile: un'imponente parete di roccia. Fu allora che entrò in gioco un tenente colonnello austro-ungarico, Nikolaus Waldmann, che con genio e determinazione progettò cinque gallerie a tornanti, capaci di trasformare l'impossibile in realtà.

La Strada dei 100 Giorni, inaugurata nel 1918, non solo facilitò il movimento delle truppe, ma divenne anche un simbolo di come la necessità possa generare bellezza. Oggi, percorrendo questo tragitto, si può riflettere su quanta storia è passata attraverso quelle gallerie, mentre i colori autunnali avvolgono il paesaggio in un abbraccio di calore e nostalgia.

Dal punto di vista paesaggistico, il tratto più arduo è regolato da semafori, garantendo una circolazione sicura. Ma la vera magia della Strada dei 100 Giorni è nell'esperienza: percorrere i tornanti, sentirsi piccoli di fronte alla grandezza della natura e della storia, è un viaggio che va oltre il semplice spostamento.

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Il progetto che ha catapultato De Lucchi sul podio è il restauro e la riconversione delle Gallerie d'Italia a Torino, un'opera che ha saputo trasformare spazi storici in luoghi di cultura e conoscenza, dedicati alla fotografia e alla videoarte. La giuria, presieduta dall'architetta messicana Tatiana Bilbao, ha elogiato la capacità del progetto di recuperare ambienti una volta destinati a usi bancari, trasformandoli in musei interattivi e vibranti.

Il restyling degli spazi ipogei di Palazzo Turinetti, completato nel 2022, è stato descritto come un'opera di grande raffinatezza, capace di combinare funzionalità e estetica con una particolare attenzione ai dettagli e ai materiali utilizzati. De Lucchi e il suo team hanno dimostrato una maturità progettuale rara, offrendo una nuova vita a spazi che, altrimenti, sarebbero rimasti dimenticati nel tempo.

Non solo De Lucchi ha brillato in questa edizione della Festa dell'Architetto. Anche lo studio facchinelli daboit saviane ha ricevuto il premio "Giovane Talento dell'Architettura italiana" per il progetto della Nuova Scuola Secondaria di Primo Grado a Puos d'Alpago, un'opera che ha catturato l'attenzione per la sua innovativa rigenerazione di spazi esistenti, dimostrando come l'architettura possa rispondere alle esigenze contemporanee con creatività e sensibilità.

Questa edizione ha visto anche menzioni speciali per progetti di notevole impatto, come il Bicocca Superlab a Milano e il padiglione Hortus Conclusus a Mestre, che hanno saputo reinterpretare il concetto di rigenerazione urbana in chiave moderna, creando connessioni tra didattica e ambiente.

La Festa dell'Architetto 2025 non è solo un riconoscimento, ma un invito a riflettere sull'importanza della progettazione architettonica nel nostro quotidiano. È un appello a lavorare insieme per una Legge per l'Architettura che tuteli le comunità e permetta di costruire un futuro migliore per tutti.

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Questo riconoscimento, conferito dall'Italian Language Inter-Cultural Alliance, è un tributo a coloro che, come Samà, portano avanti i valori estetici e culturali italiani. Davanti a un pubblico di oltre 300 illustri ospiti, tra cui artisti e imprenditori, l'architetto ha condiviso la sua gioia e gratitudine, sottolineando l'importanza delle sue radici calabresi.

Originario della Calabria, Samà ha saputo trasformare la sua passione in una carriera internazionale, realizzando progetti che spaziano da residenze private a boutique hotel. La sua opera è caratterizzata da un senso innato di equilibrio tra natura, luce e proporzione, creando spazi che evocano emozioni e benessere. Ogni progetto racconta una storia, quella del luogo che lo ispira e delle tradizioni che lo accompagnano.

Il suo studio a New York è diventato un faro per coloro che cercano l'autenticità del design italiano. In un mondo sempre più globalizzato, Samà riesce a mantenere vivo il legame con la sua terra, portando un pezzo di Calabria in ogni sua creazione. La sua filosofia è semplice ma profonda: ogni spazio deve essere capace di emozionare.

Nel ricevere il premio, ha affermato: "Questo riconoscimento ha per me un valore speciale: rappresenta non solo un traguardo professionale, ma un simbolo di come la creatività italiana continui a ispirare e a unire le persone nel mondo". Le sue parole risuonano come un eco di speranza, un richiamo a non dimenticare da dove veniamo, anche mentre costruiamo il futuro.

La serata si è conclusa con un lungo applauso, un tributo a un uomo che, con il suo talento e la sua determinazione, non solo rappresenta la nuova generazione di creativi italiani, ma funge anche da ponte tra le culture, unendo Italia e Stati Uniti in un dialogo senza fine.

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La mostra, inaugurata il 16 ottobre e aperta al pubblico fino al 25 gennaio, si articola in sei sezioni che pongono in dialogo le opere di Picasso e Modigliani con quelle di altri artisti pionieristici come Braque, Léger, Miró e Calder. È un percorso che non si limita a esporre, ma invita a riflettere sulla grande rivoluzione che ha caratterizzato il secolo scorso, un secolo che ha visto nascere le avanguardie e una nuova concezione dell'arte.

Con oltre 8.500 opere d'arte, il LaM non è solo un museo, ma un laboratorio internazionale di idee e scambi, dove ogni pezzo racconta una storia di innovazione e cambiamento. La mostra diventa così un'occasione imperdibile per immergersi in un'epoca che ha trasformato il nostro modo di vedere l'arte e il mondo.

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La società americana Ekn Development, che ha ottenuto la concessione per 99 anni del Grand Hotel, ha scelto il gruppo Lombardini22 per realizzare un progetto di fattibilità che ambisce a coniugare raffinatezza estetica e innovazione tecnologica. Con i suoi 18.200 metri quadrati di eleganza, il complesso ospiterà 118 camere di lusso, una spa all'avanguardia e aree comuni rinnovate, pronte a sedurre visitatori da tutto il mondo.

Ma la sfida non è solo estetica. Come sottolinea l’architetto Alessandra Magri, “si tratta di un’analisi chirurgica della struttura impiantistica esistente”, un passo fondamentale per restituire vita a questo monumento della storia italiana. La Sovrintendenza avrà un ruolo cruciale, poiché il recupero dovrà rispettare il fascino del Liberty, l’epoca in cui il Grand Hotel è nato, senza dimenticare l'evoluzione del tempo.

In parallelo, le QC Terme, già un punto di riferimento nel benessere, stanno progettando un ampliamento che trasformerà gli spazi dell’ex stabilimento termale in un nuovo polo del relax e della salute. Abbandonando l'idea di un centro commerciale, l’attenzione si concentra su un’esperienza di lusso che unisce storia e comfort moderno, in perfetta armonia con il contesto circostante.

La cifra di investimento per il progetto è di 64 milioni di euro, e l’apertura è prevista tra il 2028 e il 2029. Un atteso ritorno a un’epoca di splendore, dove il passato e il presente si fondono per creare un futuro incantevole. Come afferma Ebrahim Nakhjavani, CEO di EKN Development, “Siamo certi che il progetto verrà portato avanti con eccellenza e visione”.

Il Grand Hotel San Pellegrino non è solo una struttura alberghiera, ma un simbolo di eleganza e cultura. La sua rinascita è un invito a riscoprire l'arte del ricevere, l'arte di vivere un'esperienza unica, dove ogni dettaglio racconta una storia, dove ogni angolo è un ricordo di un passato che ritorna, rivisitato in chiave contemporanea.

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La collezione, disponibile sul sito di Inkiostro Bianco e presso rivenditori autorizzati, presenta dodici grafiche originali che catturano l’essenza di una danza che parla di passione e movimento. Con forme organiche e texture tattili che invitano al tocco, i rivestimenti murali di Flamenco non sono semplici decorazioni, ma vere e proprie opere d’arte che respirano e vivono. Ogni progetto è un esperimento unico, curato nei minimi dettagli, un viaggio di esplorazione attraverso il design.

La forza di Flamenco risiede nell’expertise di Inkiostro Bianco nel creare superfici continue e rivestimenti personalizzabili, dove opacità e lucentezza si intrecciano in un gioco di sfumature che arricchisce l’esperienza visiva e tattile. Ogni composizione è una riflessione, un invito a giocare con lo spazio e la luce, a riscoprire l’arte dell’abitare. Con pattern che si possono personalizzare, la collezione diventa un ponte tra l’estetica raffinata e la libertà espressiva, in grado di adattarsi a qualsiasi ambiente, privato o professionale.

Inkiostro Bianco, fondato nel 2013 in Italia, è un laboratorio di ricerca visiva e decorativa che riunisce artisti e designer per dare vita a creazioni sontuose, permettendo a chiunque di immaginare e realizzare la decorazione del proprio spazio. Con Flamenco, la casa di design riafferma il suo impegno verso un design immersivo, capace di risuonare emotivamente con chi lo osserva.

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Era il 22 ottobre 1907, e Le Corbusier, con solo diciannove anni, stava intraprendendo un viaggio che lo avrebbe portato a esplorare le meraviglie dell’Italia. Dalla panchina al sole, dove si era concesso un riposo, il giovane architetto decise di abbandonare l’itinerario previsto per tuffarsi nella bellezza del lago, un cambiamento di rotta che si rivelò cruciale. Riva del Garda, all’epoca un angolo di raffinatezza mitteleuropea, lo accolse con le sue limonaie e un panorama che sembrava scolpito da un maestro.

Rigo suggerisce, con una punta di meraviglia, che forse le immagini di quel paesaggio affascinante hanno lasciato un’impronta indelebile nell’anima di Le Corbusier. La luce che giocava tra le montagne e le acque del Garda, il profumo della vegetazione mediterranea, tutto contribuiva a creare un’atmosfera che ispirava non solo i viaggiatori, ma anche gli architetti del futuro. Le lettere scritte a Charles L’Eplattenier rivelano un entusiasmo contagioso, un amore per la bellezza che si rifletteva in ogni angolo.

Ma cosa rimase di quell’incontro fugace? Rigo si chiede se Le Corbusier, contemplando le limonaie, possa aver intuito il concetto di pilotis, quell’idea che avrebbe rivoluzionato l’architettura moderna. O se la luce del Garda, con il suo “gioco sapiente e magnifico dei volumi” non abbia influenzato il suo modo di concepire lo spazio. Un pensiero affascinante, che riporta il Garda al centro della scena artistica e intellettuale.

Oggi, mentre Riva del Garda continua a brillare, possiamo immaginare quel giovane architetto, con gli occhi pieni di meraviglia, mentre osserva il lago e le montagne, elementi che avrebbe poi fuso con maestria nei suoi progetti. Perché, come scrisse lui stesso, “l’architettura è il gioco sapiente, rigoroso e magnifico dei volumi assemblati nella luce”. E quella luce, un giorno d’ottobre del 1907, brillava in modo speciale sul lago di Garda.

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Il premio per il miglior edificio pubblico è andato alla Scuola Primaria e all'Asilo di Võsu, situata nel suggestivo Parco Nazionale di Lahemaa in Estonia. Progettato dallo studio 3+1 Architects, l'edificio si distingue per la sua struttura a forma di fienile, rivestita con una gamma di prodotti Thermory, che abbracciano il calore e la semplicità del legno. La giuria ha elogiato l'abilità degli architetti di reinterpretare le tradizioni locali attraverso un design contemporaneo, creando un ambiente scolastico che invita i bambini a esplorare e a sentirsi a casa.

In un angolo pittoresco di Haapsalu, una villa progettata da Apex Arhitektuuribüroo OÜ ha conquistato il titolo di miglior casa privata. Con una facciata argentata e pannelli di pino radiata, questa dimora affacciata sul mare non è solo un'abitazione, ma un omaggio all'eredità architettonica estone, dove il legno si trasforma in un delicato pizzo architettonico. I giudici hanno descritto la villa come una fusione di artigianato audace e armonia con il paesaggio costiero, rivelando una bellezza che sfida le aspettative.

Ma non sono solo le strutture esterne a catturare l’immaginazione. Jõelähtme Juveel, un progetto sviluppato da Lasita – Perfecting Views, ha ricevuto il premio per il miglior design d'interni. Qui, l'architettura incontra la filosofia giapponese del wabi-sabi, abbracciando l'imperfezione e la transitorietà. Un'atmosfera di eleganza è stata creata attraverso l'uso di pareti in termo-ash di Thermory, che donano profondità e calore a ogni spazio.

Infine, l'Under Armour Performance Centre dei Baltimore Ravens, progettato dallo studio ZGF Architects, ha trionfato nella categoria miglior spa e sauna. Con un soffitto in termo-magnolia personalizzato e uno spazio idroterapico inondato di luce naturale, questo centro è un'esperienza immersiva, dove il legno e l'acqua si intrecciano in un abbraccio sensoriale che invita al relax.

La giuria di quest'anno, composta da architetti di spicco, tra cui l'italiano Alberto Salvadori, ha celebrato la versatilità e la sostenibilità del legno, sottolineando come queste opere possano modellare spazi innovativi, progettati per durare nel tempo e in armonia con la natura. I Premi di Design Thermory non sono solo un riconoscimento, ma un invito a riflettere sulla bellezza del legno, un materiale che continua a ispirare architetti e designer in tutto il mondo.

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La visione di Djernes & Bell è chiara: l'architettura deve abbandonare l'idea di essere un oggetto isolato e diventare parte integrante della riparazione ecologica. Come ha affermato Justine Bell, partner dello studio, "Un edificio può diventare un laboratorio vivente per la pratica rigenerativa, non solo riducendo l'impatto ambientale, ma migliorando attivamente i sistemi circostanti". Questo centro è un esempio tangibile di come gli spazi possano riflettere i paesaggi e le culture costruttive che li hanno generati, rendendo visibili le relazioni tra esseri umani, terra e tempo.

Collaborando con artigiani locali e specialisti di materiali circolari, il team ha esplorato il paesaggio per trovare risorse naturali da utilizzare, conservando e restaurando edifici esistenti come una vecchia scuola in pietra. I mattoni recuperati sono stati riutilizzati, mentre l'interno è stato abbellito con intonaci di argilla e legno recuperato, creando spazi di lavoro e di vita che parlano di una cultura del riuso e della riparazione.

Il laboratorio di Hedeskov si distingue per il suo impegno nella ricerca. Gli studenti dell'Università BUILD di Aalborg monitoreranno il clima interno, le emissioni e il comportamento dell'umidità, contribuendo a una comprensione più profonda delle pratiche sostenibili. In questo contesto, ogni mattone, ogni trave, racconta una storia di cicli stagionali e conoscenza artigianale antica. La struttura si erge non solo come un centro di apprendimento, ma come un simbolo di un futuro dove l'architettura e la natura possono coesistere in armonia.

Con un tetto verde che accoglie un laboratorio e una cucina, Hedeskov si presenta come un esempio luminoso di come l'architettura moderna possa abbracciare il passato, reinventando gli spazi per le generazioni future. Qui, il rosso profondo delle strutture in legno richiama le tradizionali stalle agricole danesi, mentre ampie finestre circolari e lucernari creano un dialogo tra l'antico e il nuovo.

In un mondo in cui l'architettura è spesso vista come un peso, Hedeskov emerge come una boccata d'aria fresca, un invito a ripensare il nostro rapporto con gli edifici e il nostro ambiente. È un richiamo a esplorare non solo come costruire, ma come vivere e co-creare con la terra.

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Le Corbusier, il grande innovatore, non era solo un mentore ma anche un burlone. I racconti di Khushnu rivelano l'anima giocosa di un uomo che, mentre progettava città e edifici, amava anche scherzare, sfidando così i suoi allievi a esplorare il lato ludico della creatività. "L'architettura non è solo costruire," diceva. "È anche divertirsi nel farlo."

La loro relazione, simile a quella tra un nonno e una nipote, era caratterizzata da un profondo rispetto e ammirazione. "Mio nonno considerava Le Corbusier come un secondo nonno," continuò Khushnu. "Ogni mattina guardava una foto di lui e si rifletteva in essa, come se stesse ricevendo una benedizione per la giornata. Era un legame unico, un'ispirazione continua."

Questa eredità di gioia e libertà si manifestò nel lavoro di Doshi, il cui portfolio è un caleidoscopio di stili e forme. "Non seguiva un'unica estetica; ogni progetto era un nuovo inizio," affermò Khushnu. "Le Corbusier gli aveva insegnato che ogni mattina nasceva nella pelle di un asino, pronto a reinventarsi. E mio nonno prese questo consiglio a cuore."

Il suo approccio all'architettura non si limitava a emulare il maestro, ma abbracciava la filosofia di seguire il proprio cammino. "La vera essenza era quella di rimanere fedeli a se stessi, senza la pressione di dover replicare il passato," aggiunse, riflettendo su come il suo nonno avesse voluto liberarla da qualsiasi peso legato alla sua eredità.

La sua ultima creazione, il Doshi Retreat, è un esempio perfetto di questa libertà creativa. Inizialmente concepito come uno spazio di meditazione ridotto, Doshi, con il suo carattere giocoso, trasformò il progetto in una struttura di 75 metri. "Se non viene costruito, non importa. L'importante è divertirsi!" ripeteva, trasmettendo la sua leggerezza anche nei momenti di sfida.

"Ogni giorno è un'opportunità per esplorare, per giocare con le idee," concluse Khushnu, con un sorriso che rifletteva l'eredità di un uomo che ha saputo fondere serietà e creatività. Una lezione che va oltre l'architettura, un invito a vivere la vita con curiosità e gioia.

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Sotto il tema evocativo del Tocco, la fiera ha presentato le ultime novità in fatto di interior design, mobili, illuminazione e accessori. La curatrice Päivi Helander, a capo del CollaboratorioCreative di Habitare, ha affermato che il contatto con i materiali è essenziale per stimolare creatività e immaginazione. "Quando il mondo diventa tecnico e distante, desideriamo avere attorno a noi oggetti che abbiano una consistenza, che possano parlare ai nostri sensi," ha detto Helander, sottolineando come la necessità di toccare e sentire sia una parte integrante della nostra umanità.

La fiera ha creato spazi multisensoriali che invitavano i visitatori a esplorare come le texture degli oggetti influenzino la nostra esperienza dello spazio. L'area Neighbours, curata dall'interior designer Laura Seppänen, ha cercato di evocare l'atmosfera di un blocco residenziale, riflettendo come le personalità e gli stili di vita si manifestano all'interno delle abitazioni. "Neighbours invita a riflettere su come le personalità e le circostanze di vita si manifestano nell'ambiente domestico," ha affermato la fiera.

Ogni oggetto esposto era una porta aperta a sensazioni, un invito a esplorare la profondità del tatto. "Il tema del Tocco si esprime in tutto lo spazio attraverso scelte materiali, contrasti e stratificazioni – tutto può essere toccato, e ogni domanda è benvenuta," ha spiegato la fiera. In un mondo dove tutto sembra effimero e usa e getta, il contatto fisico diventa un atto di curiosità e avventura.

Habitare non si è limitata a celebrare il tatto, ma ha anche messo in evidenza le tendenze emergenti nel design, come un rinnovato focus sui materiali tradizionali e l'apprendimento di abilità manuali, insieme all'uso crescente di biomateriali. Con la sua divisione Habitare Pro, la fiera ha creato uno spazio per aziende e professionisti del settore per connettersi e discutere il futuro del design.

Al termine di questa esperienza immersiva, Habitare 2025 ha dimostrato che, in un mondo sempre più digitale, il tatto e la sensorialità non sono solo aspetti dell'estetica, ma sono fondamentali per la nostra connessione con l'ambiente che ci circonda. La fiera ha avuto luogo dal 2 al 6 settembre a Helsinki, lasciando un segno indelebile nel panorama del design.

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Il lungo e meticoloso restauro si è concluso, e dal 7 novembre 2025, il pubblico potrà immergersi in queste scene affascinanti che raccontano la vita quotidiana dei monaci nel deserto di Tebe d’Egitto. La scoperta, avvenuta attraverso un lavoro di recupero che ha portato alla luce affreschi nascosti da strati di imbiancature, è stata una rivelazione, un piccolo miracolo che ha unito passato e presente in un abbraccio eterno.

Le immagini, realizzate in monocromo di ocra rossa, si snodano in una narrazione visiva che esalta la lotta tra virtù e vizio, riflettendo un impianto iconografico raffinato che invita alla riflessione e alla contemplazione. Queste opere non sono solo dipinti; sono finestre su un’epoca, su una spiritualità che si fa carne e colore, e che i confratelli della Compagnia dei Disciplinati hanno venerato nei loro riti penitenziali.

Il restauro è stato possibile grazie al generoso contributo della Fondazione Vaseppi, e rappresenta una delle più significative scoperte artistiche degli ultimi decenni. La storia di questi affreschi è un viaggio che inizia nel 1999, quando l’architetto Guido Canali scoprì le prime tracce di questo tesoro sepolto. Poi, nel 2021, l’operazione di completo recupero si è finalmente realizzata, consentendo a tutti noi di godere di questo patrimonio culturale.

Il ciclo pittorico si fa portavoce di una narrazione profonda, ispirata dalle Vite dei santi Padri di fra’ Domenico Cavalca, un’opera che ha saputo tradurre in immagini la spiritualità cristiana dell’epoca. Le storie di santi come san Paolo Eremita, sant’Antonio Abate e san Girolamo non sono solo racconti, ma veri e propri insegnamenti, espressioni di una ricerca di salvezza che risuona ancora oggi.

La presentazione ufficiale del restauro avverrà il giovedì 6 novembre alle ore 16 nella Sala Sant’Ansano, e le visite guidate saranno disponibili per tutti coloro che vorranno immergersi in questa esperienza unica. Non lasciatevi sfuggire l’opportunità di scoprire un capolavoro che, come un eco lontano, continua a raccontare storie e a ispirare anime.

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La facciata della torre è un poema visivo che riflette il ritmo delle onde, danzando sotto la luce di Busan. Le sue bande orizzontali, che si ripetono come un canto, sfumano il confine tra vetro spandrel e vetro visivo, trasformando la verticalità in un gesto fluido, simile ai movimenti dell'acqua. Questo gioco di trasparenze e colori, che varia dal trasparente al delicatamente colorato, risponde alla luce e ai toni del cielo costiero, creando un'armonia visiva che incanta chiunque si fermi a osservare.

Il design della Torre Lotte è un esempio di come la moderna architettura possa dialogare con la natura. Le volumi curvi e trasparenti si sovrappongono in una composizione che suggerisce movimento, riflettendo l'ondulazione delle onde. I materiali scelti, come il vetro e l'alluminio, non solo permettono alla luce di danzare sulla facciata, ma creano anche un ritmo calmo, attenuando la scala imponente del grattacielo. Ai piani superiori, le linee orizzontali si dissolvono in eleganti lamelle che filtrano la luce e il vento, offrendo uno spazio di transizione all'osservatorio panoramico, dove città, mare e cielo si incontrano in un unico, vasto orizzonte.

La Torre Lotte non è solo un edificio: è un invito a esplorare la continuità tra l'architettura e il contesto marittimo di Busan. Kengo Kuma evita la monumentalità, favorendo invece una connessione profonda con il paesaggio circostante. Questa torre riflette il suo contesto, permettendo alla luce e all'acqua di animare la sua superficie durante tutto il giorno. Visto dal porto, l'edificio appare come un'estensione verticale della costa, la sua facciata scintillante assorbe i colori dell'alba e del crepuscolo. Di sera, la luce interna morbida mette in risalto le linee orizzontali, creando l'illusione di una corrente luminosa che sale attraverso la torre, mentre dal livello stradale, i volumi curvi in vetro incorniciano scorci di vita urbana, unendo il ritmo della vita metropolitana con la cadenza dell'approdo.

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Il fascino di Canale di Tenno sta nei dettagli: porte scolpite che raccontano storie, scale che si arrampicano come radici e angoli che sussurrano segreti dimenticati. In questo periodo dell'anno, il borgo si veste di rame e oro, un vero e proprio dipinto naturale. Non è solo un luogo da visitare, ma un’esperienza da vivere. Durante l’anno, eventi come Rustico Medioevo trasformano il borgo in un vivace mercato medievale, dove artigiani e musicisti riportano in vita antiche tradizioni, creando un’atmosfera vibrante e coinvolgente.

Ma Canale di Tenno non è solo storia e cultura; è anche un paradiso per gli amanti della natura. I sentieri che partono da qui offrono panorami mozzafiato sul Lago di Tenno, famoso per le sue acque turchesi. Camminare tra i boschi, con il foliage autunnale che abbraccia il paesaggio, è un’esperienza che riempie il cuore e lo spirito. Gli escursionisti più avventurosi possono salire verso il Monte Misone, dove si trova uno dei punti di vista più spettacolari sul lago, un balcone naturale che lascia senza fiato.

Per visitare Canale di Tenno, basta un’ora per immergersi nella sua essenza, ma la vera magia si svela solo a chi si concede il tempo di esplorare ogni angolo, assaporando i gusti del Trentino in una delle sue piccole osterie. Le temperature autunnali, miti e piacevoli, rendono ogni passeggiata un vero piacere. Se desideri prolungare la tua visita, fermati in uno dei B&B disseminati tra le case in pietra, dove il silenzio racconta storie di secoli e la vista sul lago ti riempie di meraviglia.

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1. Il Toro Monumentale di Spagna
Immaginate un toro di metallo alto oltre 300 metri, che si erge come un faro nel panorama spagnolo. Questo progetto, sostenuto dall'Accademia Spagnola della Tauromachia, ha l'ambizione di diventare l'icona nazionale della Spagna, sfidando la Torre Eiffel per il titolo di monumento più visitato al mondo. Un'idea audace che pone interrogativi su tradizione e modernità, sulla cultura e l'identità.

2. N'Arrow House a Creta
Nell'incantevole paesaggio di Creta, una villa a forma di freccia si inserisce delicatamente nel contesto naturale. Progettata per fondersi con le colline, la N'Arrow House incarna un'architettura che rispetta l'ambiente, con linee pulite e materiali che dialogano con la terra. Un rifugio che promette di offrire una vista mozzafiato, ancora in fase di costruzione, ma già avvolto nell'aura del potenziale.

3. Il Giardino Verticale di Singapore
Un grattacielo che rifiuta le convenzioni, avvolto da un giardino verticale di 100 piani. Questo progetto ambizioso non solo mira a ridefinire il concetto di abitare in città, ma anche a restituire spazio alla natura nel cuore di un’urbanizzazione frenetica. Un vero e proprio polmone verde che si arrampica verso il cielo, trasformando l'idea di architettura in una sinfonia di vegetazione e struttura.

4. La Casa del Futuro in Giappone
Immaginate una residenza che si adatta alle esigenze dei suoi abitanti, un luogo dove la tecnologia si integra perfettamente con la vita quotidiana. La Casa del Futuro, in costruzione in Giappone, è un esempio di come l'architettura possa evolversi in risposta ai cambiamenti sociali e ambientali, un concept che sfida le convenzioni e abbraccia il domani.

5. La Torre dell'Universo in Cina
Concepita come un omaggio all'umanità e alle sue aspirazioni, la Torre dell'Universo promette di essere una delle strutture più alte mai realizzate. Un simbolo di progresso e innovazione che, con i suoi design futuristici, mira a ispirare una nuova generazione di architetti e sognatori. Una struttura che non solo guarda al cielo, ma invita tutti noi a farlo.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

La struttura, di forma circolare, si adagia delicatamente sotto un manto di vegetazione, e da un'altezza aerea, appare un prolungamento del territorio. Solo una parete bianca, curva e sinuosa, rivela la sua esistenza, racchiudendo un giardino che si erge come una collina artificiale, un abbraccio morbido tra arte e natura.

Fujimoto racconta: "Il design dell'edificio è concepito per creare un dialogo continuo con il paesaggio. La vista che si apre dall'interno, con l'oceano cristallino in lontananza e la vegetazione lussureggiante a fare da cornice, invita a un'esperienza sensoriale senza pari". Gli spazi comuni, aperti e ariosi, si affacciano su una piscina a sfioro, che pare fondersi con l'orizzonte marino.

La villa ospita fino a dieci persone ed è parte della rete Not A Hotel, un'esperienza immersiva pensata per chi cerca il contatto profondo con luoghi iconici. Qui, ogni dettaglio è studiato per garantire il massimo comfort, dal soggiorno alla sala da pranzo, fino alle tre camere da letto, dove il calore dell'architettura giapponese contemporanea si fa avvolgente.

Al piano inferiore, un'area benessere regala momenti di relax, con sauna e piscina fredda che riflettono la luce del sole attraverso i lucernari. "È come essere in fondo all'oceano", spiega l'architetto, evocando un'immagine che trasporta chiunque in un mondo di tranquillità e armonia. Un progetto paesaggistico curato da Taichi Saito arricchisce l'esperienza con una vegetazione che celebra la biodiversità locale.

In questo rifugio, dove il verde si fa tetto e la casa diventa parte del paesaggio, Fujimoto ha realizzato non solo un'abitazione, ma un vero e proprio manifesto ecologico, un invito a riflettere sulla nostra relazione con la natura. "Non voglio che la mia casa entri in competizione con il paesaggio; desidero che lo estenda e lo celebri".

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Il film, diretto con maestria da Jim Venturi, il figlio dei due protagonisti, non è solo un racconto di mattoni e cemento, ma un’ode a una vita condivisa, a una danza di idee, conflitti e scoperte. La telecamera si muove con delicatezza, quasi come un amante che esplora il viso del proprio partner, rivelando non solo l’architettura, ma anche l’umanità che ci sta dietro. Venturi e Scott Brown, due anime in un’unica visione, hanno saputo scardinare dogmi e pregiudizi, abbracciando la complessità e la contraddizione come essenze vitali del loro lavoro.

Con Complexity and Contradiction in Architecture, pubblicato nel 1966, hanno sfidato la tirannia del minimalismo, mentre Learning from Las Vegas ha aperto le porte a un’architettura popolare e ironica, capace di dialogare con il caos della realtà. Non si trattava più di eleganza austera, ma di abbracciare il ‘diverso’, il ‘non convenzionale’ e, perché no, anche il ‘banale’ come linguaggio architettonico.

Il film non celebra, indaga. Non costruisce monumenti, ma lascia che le ombre parlino. La domanda centrale è affascinante: può la creatività coesistere in due menti? Il viaggio di Bob e Denise, tra Philadelphia e Venezia, è un continuo dialogo, un flusso di pensiero che ci invita a riflettere sulla forza dell’amore e della collaborazione. L’immagine finale, di due viaggiatori che continuano a esplorare insieme, ci ricorda che l’architettura, come l’amore, è un atto di costruzione.

In un mondo che spesso premia il consenso, Venturi e Scott Brown hanno scelto la libertà, pagando il prezzo del silenzio. Ma il loro lascito è uno di quelli che brilla come polvere di stelle, illuminando il cammino di chi verrà dopo. Stardust è, quindi, non solo un film, ma una riflessione profonda sulla vita, sull’amore e sull’architettura, che ci invita a guardare oltre le superfici e a scoprire il mondo che ci circonda con occhi nuovi.

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La Belle Époque, quel periodo di luci e ombre, di sfarzo e miseria, viene catturata nei suoi tratti audaci e nei colori vibranti. I suoi personaggi, le ballerine e i borghesi, danzano in un mondo di illusioni e desideri, dove il confine tra amore e affare è labile. Toulouse-Lautrec non idealizza: ritrattista della verità, mette in luce l’anima dei suoi soggetti, senza veli, senza pietà.

Alle sue tavole, ogni sorriso stanco di una prostituta, ogni sguardo languido di una ballerina, raccontano storie di speranza e disillusione. La sua piccola statura non gli ha mai impedito di vedere il mondo da un’angolazione unica: un occhio che sa cogliere il sublime nel quotidiano, il sublime nella fragilità umana. Ecco perché l’arte di Toulouse-Lautrec è un canto alla vita, un inno alla diversità.

La mostra a Firenze, con oltre cento opere esposte, è una porta aperta su questo universo. Manifesti, litografie e disegni dialogano con il passato, invitando il visitatore a perdersi in un viaggio che è anche un ritorno. Un ritorno a quella Parigi che, sebbene lontana nel tempo, continua a pulsare nel nostro presente, con la sua bellezza e la sua miseria, con il suo vizio e la sua poesia.

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La fabbrica, custode di un'epoca dorata per la Bugatti, chiuse i battenti nel 1995, lasciando dietro di sé un vuoto incolmabile. A causa di una crisi che sembrava inimmaginabile, quel luogo, un tempo pulsante di vita e creatività, cadde nell'oblio. Un oblio che oggi rischia di diventare definitivo, se non si interverrà per salvaguardarne il patrimonio.

Negli anni, la Fabbrica Blu è stata mantenuta in vita grazie agli sforzi della famiglia Pavesi, custodi appassionati di una storia che non può essere dimenticata. Ma ora, con la vendita dell'area a un investitore, il futuro dell'edificio è incerto. Un progetto di riqualificazione era stato annunciato, ma è stato bloccato da controversie legali. La fabbrica è ora abbandonata, e il rischio di distruzione è reale.

Nel 2022, Benedini ha tentato di proteggere questo patrimonio presentando una richiesta di riconoscimento al Ministero della Cultura, ma la risposta è stata negativa. “È stata espressa una miopia delle istituzioni”, afferma l'architetto, sottolineando l'importanza storica e culturale dell'edificio. Un appello che merita di essere ascoltato, perché ciò che è stato creato non può andare perduto.

La storia della Fabbrica Blu è una storia di passione, di sogni infranti e di lotte per la salvaguardia della bellezza. È un richiamo a non dimenticare le nostre radici e a preservare ciò che, nonostante il degrado, continua a raccontare una storia di eccellenza e innovazione. Non possiamo permettere che questo tesoro architettonico cada nell'oblio.

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Ricordiamo la Casa sulla Cascata di Frank Lloyd Wright, un capolavoro che si fonde con il paesaggio, quasi come se fosse stata plasmata dalla corrente del fiume sottostante. Questa visione di architettura non è nuova, ma si sta riappropriando del suo posto nella nostra epoca, segnata da crisi ecologiche e da una crescente necessità di riconnettersi con la natura.

Ma cosa rende l’architettura organica così affascinante? È il suo rifiuto delle rigide convenzioni del modernismo tradizionale. Mentre i movimenti come il Bauhaus e il Brutalismo prediligono la funzionalità e la linearità, l’architettura organica abbraccia il caos e la bellezza imperfetta. Pensiamo alle opere di architetti come Bruce Goff, la cui Bavinger House esprimeva un universo onirico di forme e colori, un rifugio di creatività che sfidava ogni logica. La sua demolizione nel 2016 ha riacceso il dibattito sulla necessità di preservare queste architetture eccentriche.

In un’epoca di incertezze, l’architettura organica fiorisce. È un rifugio per i nostri sogni, una risposta visiva e tangibile alle crisi che affrontiamo. Case come la Casa Orgánica di Javier Senosiain ci trasportano in un mondo dove le pareti diventano giardini e i tetti sembrano nuvole. Ogni angolo è un invito a esplorare, a sentirsi parte di qualcosa di più grande, di un ecosistema vivente. Qui, il design non è solo estetica; è un’esperienza sensoriale.

Ma non è solo una questione di forma. È anche una filosofia, una riconnessione con la terra. Architetti come Antti Lovag e Imre Makovecz ci mostrano come il legno e la pietra possano raccontare storie, come ogni struttura possa essere un poema dedicato alla natura. La residenza di Lovag, il Palais Bulles, è un esempio lampante di come l’architettura possa diventare un’opera d’arte, un sogno che si materializza nel paesaggio.

In un’epoca in cui la sostenibilità è fondamentale, l’architettura organica ci offre una via per riconsiderare il nostro modo di costruire. Non più semplici edifici, ma case che respirano, che vivono, che ci parlano. Siamo pronti a riscoprire il meraviglioso mondo dell’architettura organica, dove ogni casa è un organismo, e ogni organismo è parte di un tutto?

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Il progetto è stato realizzato dai locali Good City Studio e Hexagon Studio Architects, che hanno lavorato in sinergia per ridisegnare l'area, ora parte di un complesso misto chiamato The Battery, che include spazi residenziali e commerciali. La ristrutturazione è stata principalmente condotta dallo studio di architettura Strada.

La sala turbine, con i suoi 23 metri di altezza e senza colonne, offre uno spazio ideale per gli sport di squadra, come sottolineato dalla fondatrice di Good City Studio, Amanda Potter. "Il soffitto grandioso e l'ampio spazio libero hanno reso l'ambiente perfetto per gli sport indoor," ha dichiarato.

All'interno di Ballers, i campi sono disposti su più livelli, con aree sociali e un ristorante che si integrano armoniosamente con l'architettura industriale dell'edificio. La decorazione è stata ispirata dallo stato abbandonato della centrale, con graffiti artistici che adornano le pareti, realizzati da talentuosi artisti locali.

Tra gli elementi distintivi, un bar centrale è incastonato in una struttura di cemento, mentre pezzi vintage e personali arricchiscono gli spazi interni, come una gabbia in acciaio giallo brillante, simbolo della passione di Potter per il design degli anni '90.

Ballers non è solo un hub sportivo; è un esempio di come le strutture storiche possano essere riutilizzate in modi innovativi e funzionali. Con altre due location già in programma a Boston e Los Angeles, Ballers sta rapidamente diventando un punto di riferimento nel panorama sportivo americano.

L'installazione amplia la seduta intrecciata della sedia in bambù in una struttura imponente, realizzata attraverso l'uso di sottili strisce di bambù disposte in parallelo e estese su un telaio metallico esagonale, creando una superficie a reticolo continuo. Questa composizione richiama il carattere cinese per 'persona' (人), sottolineando l'importanza dell'equilibrio strutturale e della connessione umana.

La geometria aperta dell'opera incoraggia i visitatori a muoversi al suo interno, a riunirsi e ad interagire. La luce filtra attraverso i livelli di bambù, creando ombre cangianti che animano il terreno e offrono aree ombreggiate sotto la cupola. All'interno, i panchine di bambù sono disposte in varie configurazioni e altezze attorno a una piantagione centrale di vegetazione locale di Taoyuan, invitando alla riflessione e all'interazione sociale.

Attraverso la magnifica reinterpretazione di un oggetto domestico comune, il Meeting Dome di Cheng Tsung Feng trasforma un mestiere utilitario in un'esperienza architettonica unica. L'interazione tra bambù e metallo unisce la matericità tattile alla chiarezza strutturale, mentre l'installazione nel suo complesso riflette sulla memoria, sulla comunità e sul ruolo degli oggetti quotidiani nella definizione degli spazi condivisi.

Nel mese di aprile 2025, il team di ArchDaily ha avuto l'opportunità di visitare il cantiere, osservando i progressi nella costruzione degli edifici residenziali, degli spazi pubblici e delle strutture storiche restaurate che definiranno questo nuovo distretto urbano. Il villaggio rappresenta un elemento chiave del Piano Regolatore dell'Ex Deposito Ferroviario di Porta Romana e avrà un duplice scopo: ospitare gli atleti durante l'evento e trasformarsi in alloggi per studenti e abitazioni a prezzi accessibili successivamente.

Questa iniziativa non solo sottolinea l'impegno di Milano e Cortina per l'innovazione e la sostenibilità, ma rappresenta anche un'opportunità unica per riqualificare un'area storica e renderla accessibile alla comunità.

In un mondo dove lo spazio è un lusso, MEII Estudio ha saputo trarre ispirazione dall’esplorazione spaziale. I moduli abitativi, simili a quelli utilizzati nelle missioni spaziali, rappresentano un esempio di come la funzionalità e il design possano fondersi in un’armonia perfetta. Ogni elemento è stato pensato per massimizzare l’efficienza e il comfort, creando un rifugio che va oltre le convenzioni.

Con una superficie di 200 m², questo progetto non è solo un’abitazione: è un’esperienza. La luce naturale penetra generosamente, mentre gli spazi si aprono e si chiudono in un gioco di volumi che invita alla scoperta. L’architettura diventa così un dialogo tra l’ambiente e l’individuo, un luogo dove sentirsi a casa è un atto semplice.

Il team di MEII Estudio, guidato da Jose María Mateo e Elvira Carrión, ha saputo integrare tecnologia e materiali sostenibili in un progetto che guarda al futuro. La loro visione non è solo estetica, ma anche etica, ponendo l'accento sulla sostenibilità e sull’eco-compatibilità. Ogni scelta progettuale è un passo verso un habitat che rispetta l’ambiente, senza compromessi.

In questo contesto, il Habitat Module rappresenta una risposta alle sfide abitative del nostro tempo. Con un occhio attento all’innovazione e alla qualità della vita, MEII Estudio ci invita a riflettere su come vogliamo vivere e quale eredità vogliamo lasciare.

Commenti come "triste vedere la mancanza di rispetto per il contesto" e "questo progetto uccide il carattere della città" evidenziano un sentimento diffuso tra i residenti e gli appassionati di architettura. La domanda provocatoria di un commentatore, "Are malls back?" invita a riflettere se stiamo assistendo a un ritorno di queste strutture commerciali, spesso criticate per la loro omogeneità e mancanza di identità locale.

Ma cosa significa realmente per le città moderne? I centri commerciali possono coesistere con il patrimonio storico? Alcuni sostengono che la presenza di centri commerciali possa danneggiare i piccoli negozi che offrono un’identità unica ai quartieri. In contrasto, altri vedono nel rinnovamento un’opportunità per rivitalizzare le aree urbane e attirare visitatori.

In parallelo, notizie come quella di Gustaf Westman e il suo piatto IKEA per polpette hanno destato l'attenzione, dimostrando che anche nel design di oggetti quotidiani ci sono tendenze che si scontrano con il gusto e la funzionalità. La discussione sui commenti si è allargata, sollevando interrogativi su cosa vogliano realmente i consumatori e come si evolverà il mercato.

In conclusione, i centri commerciali sono tornati? O stiamo solo assistendo a un'evoluzione nel modo in cui concepiamo lo spazio commerciale all'interno delle nostre città storiche? È un tema complesso, e il dibattito è aperto.

La serie attualmente comprende sette modelli, ognuno dei quali esplora un tema unico. L'ultimo, Experiment 007: 80s Futurism, trae spunto dall'estetica digitale dei film degli anni '80. Questo veicolo non è solo una motocicletta, ma un esperimento visivo che gioca con luce, geometria e movimento, tracciando linee rosse che illuminano la sua forma. Le sue superfici riflettono l'illuminazione artificiale, creando un'atmosfera futuristica che cattura l'immaginazione.

Un altro modello memorabile è l'Experiment 005: Drake Airplane, che trae ispirazione dal design esclusivo del Boeing 767 di Drake. Qui, il blu chiaro e i dettagli dorati evocano il lusso della private aviation, mentre il telaio della motocicletta si trasforma in un richiamo all'estetica del gioiello, con dettagli che rimandano a interni raffinati e a uno stile di vita elitario.

Ma non è solo il mondo dell'aviazione a ispirare DAB Motors; anche il mondo delle corse ha un ruolo centrale. Experiment 003: 90s Racing riporta alla mente le vibranti livree delle auto da corsa degli anni '90, mettendo in luce come i colori e le strisce possano raccontare storie di velocità e progresso. La motocicletta diventa così un palcoscenico per narrazioni visive, dove ogni colore ha un significato.

Un altro modello, Experiment 004: Jewelry, trasforma la motocicletta in un oggetto di lusso, con una finitura blu gemma e un design che evoca la permanenza e la precisione, un vero e proprio gioiello su due ruote. È un invito a riflettere su come la mobilità possa esprimere non solo funzionalità, ma anche un senso di identità e appartenenza.

Attraverso questa serie, DAB Motors dimostra che le motociclette elettriche possono essere molto più di semplici mezzi di trasporto; possono essere opere d'arte che celebrano la cultura pop, il design e l'innovazione tecnologica. Ogni giovedì, il team di DAB Motors ci regala un nuovo experiment, un passo verso il futuro della mobilità sostenibile, dove estetica e funzionalità si fondono in un'unica visione.

Questo progetto, completato nel 2024, si estende su una superficie di 3840 m², rappresentando un'interpretazione contemporanea delle memorie architettoniche locali. Gli architetti Liu Kenan e Zhang Xu, insieme al loro team, hanno saputo trasformare un terreno incolto in un luogo di ritrovo per la comunità, dove sport e attività ricreative si intrecciano con la cultura e la storia del luogo.

La scelta dei materiali, come vetro, acciaio e cemento, non è casuale. Questi elementi, pur nella loro modernità, richiamano l'identità del contesto circostante, permettendo al centro di integrarsi armoniosamente nel paesaggio. La luce naturale penetra attraverso ampie vetrate, creando spazi luminosi e accoglienti, dove ogni angolo invita alla socializzazione e all'attività fisica.

Il progetto si distingue non solo per la sua funzionalità, ma anche per l'atmosfera che riesce a evocare. Gli architetti hanno saputo creare un ambiente sereno e stimolante, capace di ispirare i visitatori e promuovere un senso di appartenenza. Ogni dettaglio è stato pensato per offrire un'esperienza unica, dove il design moderno si sposa con il calore della comunità.

In questo modo, il Centro Sportivo Comunale di Aranya diventa più di una semplice struttura: è un ponte tra generazioni, un luogo dove il passato viene celebrato e il futuro costruito. Attraverso un approccio progettuale sensibile e innovativo, Atelier XÜK ha dato vita a uno spazio che non solo soddisfa le esigenze contemporanee, ma fa anche da custode della memoria collettiva di un'intera comunità.

Non si tratta di un'estensione utilitaria, ma di un enclave curata che incarna celebrazione, spirito e connessione. Ogni decisione progettuale è stata influenzata dalla personalità vibrante e stilosa del cliente, creando un ambiente che non solo accoglie incontri, ma li ispira.

L'architettura della Gathering Grove Residence è caratterizzata da un linguaggio giocoso e raffinato, dove le fluidità dei collegamenti interni ed esterni, le scelte audaci dei materiali e l'illuminazione ambientale si uniscono per evocare un senso di occasione. Il risultato è uno spazio che diventa una tela vivente per esperienze condivise, adatto a serate intime o a vivaci soirées.

Grazie all'attenzione ai dettagli e all'innovazione, la Gathering Grove Residence si distingue come un esempio di architettura che celebra la vita e le relazioni umane, trasformando il concetto tradizionale di outhouse in una zona di festa vivace e coinvolgente.

Scopri di più su questo progetto affascinante e sull'opera di R+R Architects visitando ArchDaily.

Curata dall’Associazione LP, questa VI edizione non è solo una mostra, ma un vero e proprio laboratorio di pensiero. Gli spazi storici di Pisa – dalle logge agli arsenali – diventeranno luoghi di discussione e riflessione, unendo architetti, cittadini e amministratori in un’unica narrazione. La missione? Riscoprire i legami tra l’uomo e la natura, promuovendo una conversione ecologica ed etica che sfidi le convenzioni del passato.

Il presidente del Comitato Scientifico, Massimo Pica Ciamarra, ci ricorda che per affrontare questa sfida servono coraggio e immaginazione. La Biennale, da sempre, si è proposta come un dispositivo civico, cercando soluzioni innovative per il benessere collettivo. Ogni progetto esposto sarà un tassello di un mosaico che unisce architettura, salute, paesaggio e tecnologia, invitando a ripensare il nostro modo di vivere gli spazi urbani.

Sei ambiti di ricerca guideranno la narrazione di quest’anno: dall’importanza delle infrastrutture verdi alla connessione tra città e natura, dal ruolo dell’acqua nella rigenerazione urbana alla creazione di spazi lavorativi più sostenibili. Ogni tema sarà esplorato attraverso mostre, conferenze e talk, offrendo una panoramica a 360 gradi su come possiamo costruire un futuro in sintonia con l’ambiente.

La Biennale di Architettura di Pisa 2025 non sarà solo un evento da osservare, ma un’occasione per partecipare attivamente a una riflessione condivisa. La qualità della vita e la tutela dei paesaggi fragili saranno al centro di questa manifestazione, che si preannuncia ricca di spunti e incontri.

L'interno, caratterizzato da cemento levigato e acciaio inossidabile locale, è un omaggio all'industria e alla manualità. Le tende in PVC, artigianalmente realizzate, permettono una flessibilità che varia tra trasparenza e opacità, creando spazi intimi e accoglienti. Il soffitto originale, esposto, si unisce a linee luminose di LED che accentuano la geometria del design, offrendo un'illuminazione controllata e uniforme, ideale per il lavoro degli artisti.

La modularità è al centro del progetto: BLOK consente fino a quattro artisti di lavorare simultaneamente, adattandosi a diverse configurazioni grazie a partizioni mobili e sistemi di illuminazione regolabili. Questo studio non è solo un luogo di lavoro, ma un laboratorio di creatività dove si intrecciano la cura, l'arte e il corpo umano.

Il tavolo Canova, una creazione unica progettata attraverso scansione 3D e codifica binaria, rappresenta la ricerca di XAARCHIVE sulle intersezioni tra dati e materialità. Qui, l'architettura diventa strumento di esplorazione, un modo per indagare la relazione tra l'arte del tatuaggio e il benessere del corpo.

La bellezza di BLOK risiede nella sua capacità di mescolare funzionalità e arte, creando transizioni fluide tra tatuaggi, pittura e momenti di riposo. La calma funzionale è enfatizzata da arredi minimali e pavimenti in cemento, mentre le opere d'arte e gli strumenti convivono in un interno mutevole, concepito per la creazione e il riposo.

Quando cala la notte, la luce calda avvolge lo spazio, rivelando un ritmo silenzioso e accogliente che invita alla contemplazione. La luce rossa filtra attraverso le tende traslucide, trasformando l'ambiente industriale in un caldo abbraccio, dove ogni angolo racconta una storia di creatività e passione.

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Il dibattito su ciò che è migliore per il mondo è complesso. Da un lato, la centralizzazione può portare a decisioni più rapide ed efficaci, mentre dall'altro, la decentralizzazione può favorire la diversità e la resilienza. In questo contesto, è fondamentale analizzare le implicazioni di entrambe le scelte e capire quale direzione stiamo prendendo come società.

La progettazione dell'aeroporto tiene conto del clima tropicale locale, con un tetto che si espande in un abbraccio di acciaio e vetro, in grado di evocare le maestose architetture dei palazzi e dei templi cambogiani. Ogni elemento architettonico è pensato per riflettere l'identità culturale del paese, mentre il design modulare permette una facile navigazione anche nei momenti di maggiore affluenza.

Le colonne in acciaio che sostengono il soffitto modulare si trasformano in un invito a scoprire ulteriormente, con spazi interni che ospitano piante e sculture artigianali, tra cui un'imponente statua di Buddha in bronzo. La fusione di materiali caldi e accoglienti garantisce un comfort senza pari, mentre l'illuminazione notturna crea un'atmosfera di serenità, avvolgendo i passeggeri in un abbraccio luminoso.

Foster + Partners non ha solo creato un aeroporto, ma ha dato vita a un nuovo gateway per la Cambogia, un simbolo di sostenibilità e connessione con il mondo esterno. Con piani per una stazione ferroviaria ad alta velocità e un parco pubblico che circonda la struttura, il progetto si inserisce in una visione più ampia di sviluppo urbano e culturale, trasformando l'esperienza di viaggio per milioni di visitatori ogni anno.

Insomma, l'Aeroporto Internazionale Techo è molto più di un semplice scalo. È un viaggio nell'anima della Cambogia, un canto di celebrazione della vita, della cultura e della luce. Un luogo dove ogni arrivo e ogni partenza sono accompagnati dalla promessa di nuove scoperte.

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Immaginate un “terminal in un giardino” a Bengaluru, dove la natura si intreccia con la funzionalità, oppure un duo di edifici moderni a Londra, un raro gioiello architettonico che riporta alla luce la bellezza del passato. E che dire dell'aluminio industriale prodotto al 100% con materiali post-consumo? Questi sono solo alcuni dei progetti che brillano nella shortlist, un segno tangibile che il design può e deve essere al servizio del pianeta.

Tra i candidati, spicca la costruzione più grande in legno massiccio della Finlandia, un'opera d'arte architettonica che utilizza 7.600 metri cubici di abete e frassino. Un esempio lampante di come si possa coniugare innovazione e sostenibilità, dimostrando che il futuro dell'architettura è già qui.

Ben Saltmer, giudice dei Dezeen Awards e responsabile del design lifestyle di Bentley, ha sottolineato che “la shortlist della sostenibilità dimostra una vasta gamma di creatività”. Ogni progetto, una risposta alle sfide contemporanee, è un invito a riflettere sul nostro impatto ambientale.

Per chi desidera immergersi in questa celebrazione del design, i biglietti per la festa dei Dezeen Awards 2025 sono già in vendita. Un'occasione imperdibile per festeggiare insieme a designer, vincitori e giudici in un'atmosfera di creatività e innovazione.

Rodin, considerato il padre della scultura moderna, ha dato vita a opere che sfidano le convenzioni, catturando l’essenza umana con una forza senza tempo. La sua creazione più iconica, il Pensatore, è un manifesto di emozioni che si esprimono attraverso ogni curva e ogni piega del bronzo. Rodin, con la sua visione audace, ha saputo distaccarsi dall’idealismo classico, immergendo l’arte in un universo di dinamismo e vitalità.

Ma non è solo la genialità di Rodin a rendere questo museo un luogo di culto: l’Hôtel Biron, residenza settecentesca che ospita il museo, è un capolavoro architettonico a sé stante. Con il suo giardino, che un tempo seguiva la rigida geometria francese, oggi abbraccia un profumo di natura selvaggia che arricchisce l’atmosfera. Rodin, innamorato di questo spazio, ha deciso di donare le sue opere affinché potessero vivere in un contesto che avrebbe esaltato la loro bellezza.

Oggi, i giardini del Musée Rodin continuano a ispirare stilisti e creativi. Maria Grazia Chiuri, direttrice creativa di Dior, ha scelto questo luogo magico per presentare le sue collezioni, mescolando moda e arte in un abbraccio avvolgente. Collaborazioni storiche, come quella con l’artista tessile Judy Chicago, hanno trasformato le sale del museo in un palcoscenico di dialogo tra passato e presente, invitando a una riflessione profonda sul ruolo delle donne nella società.

Grazie a recenti restauri, l’Hôtel Biron ha ritrovato la sua raffinatezza originaria: le pareti, ora rivestite di un elegante grigio, riflettono la luce in un gioco di ombre e luci che incanta. Camminare tra queste sale significa immergersi in un universo dove la moda e l’arte si intrecciano in un racconto senza tempo, creando un’atmosfera che continua a stimolare la creatività di artisti e designer di ogni epoca.

In questo luogo incantato, il Musée Rodin si erge come simbolo di un dialogo tra generazioni, dove ogni scultura racconta una storia e ogni giardino un sogno. Venite a scoprire un mondo dove l’arte e la moda danzano insieme, in una sinfonia di forme e colori che lascia senza fiato.

I prodotti Comelit sono progettati per adattarsi a ogni esigenza abitativa, garantendo un utilizzo facile, pratico ed efficiente. Grazie all’innovazione tecnologica, Comelit contribuisce a rendere le residenze di Feel UpTown non solo più intelligenti ma anche più sostenibili.

Essere parte di un progetto come Uptown District significa abbracciare un ecosistema abitativo orientato al benessere delle persone, dove ogni elemento è pensato per migliorare la qualità della vita. La sinergia tra design e tecnologia si traduce in un ambiente che guarda al futuro, con un focus sul comfort e sulla sicurezza degli abitanti.

Per ulteriori informazioni sui prodotti e le soluzioni domotiche di Comelit, visita il loro sito ufficiale o contattali direttamente:

Il progetto, risultato dell'unione di due abitazioni storiche, mantiene viva la memoria del passato mentre celebra la luce e lo spazio. Gli architetti affermano che “ogni dettaglio è concepito per incoraggiare il tatto, il movimento e la connessione”. Ed è proprio questo che si percepisce varcando la soglia: un'atmosfera che invita a respirare, a muoversi, a vivere.

Le tonalità tenui dei materiali naturali – beige sabbia, grigi delicati, bianchi luminosi – si mescolano armoniosamente con il paesaggio circostante. Legno di rovere e pietra calcarea color tortora raccontano di una scelta consapevole, un richiamo alla terra e al mare. I pavimenti a listoni e le modanature suggeriscono un legame profondo con l'architettura scandinava, mentre le ampie vetrate creano un dialogo continuo tra gli spazi interni e il mondo esterno, cancellando i confini e amplificando la sensazione di libertà.

La ricerca del warm minimalism raggiunge il suo apice negli interni, dove ogni elemento è in perfetta armonia con l'altro. Arredi dalle linee morbide e trame calde si intrecciano con la solidità di un camino in pietra e la delicatezza di una scala curva, creando un'atmosfera di intimità e serenità. Ogni soggiorno, ogni camera, ogni bagno è un mondo a sé, rifugio di tranquillità, quasi un mini SPA dove il tempo sembra fermarsi.

Al piano superiore, la dimensione più intima si svela: la camera da letto padronale, un angolo di pace, è affiancata da spazi per i più piccoli, mentre i bagni evocano l'essenza di una caverna di lusso, un abbraccio di pietra e ombre. La geometria della copertura scolpisce lo spazio, modulando i riflessi della luce che danzano durante il giorno, così come nel giardino, dove alberi secolari custodiscono la memoria di questa villa, pronta ad accogliere ospiti nella sua dependance e a regalare momenti di relax nella nuova piscina in pietra, un tocco di Mediterraneo in una cornice nordica.

Questo rifugio marino non è solo un'abitazione; è una poesia architettonica, una celebrazione della vita, un invito a fermarsi, a riflettere, a godere di ogni attimo. In questa villa danese, il passato e il futuro si intrecciano in un abbraccio senza tempo.

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Con un diametro di 43 metri, il padiglione è progettato per essere facilmente smontabile e verrà successivamente trasferito su Awaji Island come centro culturale. La struttura è realizzata con un sistema in acciaio a giunti sferici, rivestita da una membrana bianca sintetica che riflette la luce in modo etereo, creando un'atmosfera quasi incantata. All'interno, i visitatori possono esplorare spazi espositivi interattivi suddivisi in tre zone tematiche: Storia della Vita, Corpo e Mente / Legami. Ogni area ospita installazioni uniche, tra cui una scultura a forma di albero che racconta l'evoluzione e un cuore coltivato in laboratorio, simbolo dell'innovazione biomateriale.

Il percorso espositivo è pensato per ottimizzare l'esperienza dei visitatori, con un'altezza del soffitto che raggiunge i 16 metri, creando un senso di grandezza che stimola meraviglia e apprendimento. Inoltre, un sistema di raffreddamento ad acqua riveste la superficie esterna del padiglione, riducendo la necessità di aria condizionata e riutilizzando l'acqua piovana. Al calare della notte, l'illuminazione cambia, accentuando le curve del guscio e proiettando effetti luminosi che trasformano il padiglione in un'opera d'arte visiva.

Il progetto di The Design Labo non è solo un esempio di architettura innovativa, ma anche un invito a riflettere sul nostro rapporto con la natura e sull'importanza della salute fisica e mentale nel contesto della società moderna. Con il suo design distintivo e la sua missione educativa, il Pasona Natureverse Pavilion è destinato a diventare un punto di riferimento per le generazioni future, testimoniando la bellezza della simbiosi tra uomo e natura.

I sei designer – Andu Masebo, Eddie Olin, Joe Armitage, Jaclyn Pappalardo, Isabel Alonso e Lewis Kemmenoe – hanno creato una varietà di pezzi, tra cui sedie, tavoli e armadi, utilizzando il legno e le attrezzature disponibili presso la vasta fabbrica di Ercol a Buckinghamshire.

Max Radford, fondatore della galleria, ha dichiarato che i designer hanno visitato la fabbrica più volte, esplorando le capacità del luogo e interagendo con il CEO di Ercol, Henry Tadros, per comprendere meglio i materiali e le tecniche di lavorazione.

Tra le opere esposte, spiccano i Seconds Stools di Masebo, realizzati con parti difettose di mobili, che conferiscono a ciascuno uno stile unico. Lewis Kemmenoe ha presentato una sedia a dondolo dal design contemporaneo, mentre Isabel Alonso ha creato dei tavoli geometrici che richiamano la forma iconica della sedia Windsor di Ercol.

Jaclyn Pappalardo ha progettato un armadietto dal nome evocativo Mezza Luna, caratterizzato da porte che si curvano verso l'interno, mentre Eddie Olin ha dato vita a una serie di panchine e tavoli con dettagli in acciaio inossidabile. Infine, Joe Armitage ha realizzato una collezione di sedie e pouf ispirati all'architettura modernista del Keeling House a Londra.

La mostra Grain Pile è un esempio brillante di come tradizione e innovazione possano fondersi, offrendo una nuova vita al legno e alla lavorazione artigianale. Non perdere l'opportunità di vedere queste opere dal 13 al 21 settembre durante il London Design Festival.

La casa, con i suoi quattro camere, si distende su una superficie di 2800 piedi quadrati, abbracciando il concetto di minimalismo. Ogni angolo è pensato per riflettere l'essenza dell'architettura tropicale del Kerala, reinterpretata attraverso un linguaggio moderno che invita alla contemplazione. Qui, le linee pulite e le forme essenziali si intrecciano con materiali locali, rendendo omaggio alla cultura e al paesaggio circostante.

All'ingresso, il visitatore è accolto da un'atmosfera di calma e serenità, grazie a una progettazione attenta alla sostenibilità e all'integrazione con l'ambiente. Le ampie vetrate incorniciano la vista del verde circostante, permettendo alla luce naturale di permeare gli spazi interni, mentre l'uso di ceramiche Emcer e altri materiali di alta qualità, come quelli forniti da Jaquar e Saint-Gobain, aggiunge un tocco di eleganza e funzionalità.

Ma cosa rende davvero speciale la Teal House? È il modo in cui riesce a catturare l'essenza dello spirito monsonico, trasformando l'esperienza della pioggia in un'opportunità di connessione con la natura. I progettisti, Adarsh Rajendran e Shabin S Shajahan, hanno saputo plasmare una dimora che non è solo un rifugio, ma un manifesto architettonico della bellezza e della resilienza.

In un'epoca in cui la sostenibilità è al centro dell'attenzione, questo progetto si erge come esempio di come l'architettura possa rispondere alle sfide del nostro tempo, senza rinunciare all'estetica e al comfort. La Teal House invita a riflettere su come possiamo vivere in armonia con il nostro ambiente, celebrando la bellezza della tradizione e l'innovazione del design contemporaneo.

La geniale invenzione di Chicas non si limita a una semplice raccolta di dati: grazie all'intelligenza artificiale, il dispositivo analizza in tempo reale le informazioni, identificando segnali di sovraccarico termico. “Volevamo creare qualcosa di facile da indossare, che i lavoratori potessero dimenticare di avere addosso”, ha dichiarato Chicas, sottolineando l'importanza di un design che non disturbi, ma che al contempo protegga.

Questo biopatch non è solo un dispositivo tecnologico, ma un gesto d'amore verso coloro che, con il sudore della fronte, sostengono la nostra società. Cresciuta ascoltando le storie di fatica del padre, Chicas ha sentito il dovere di rispondere a una chiamata, quella di garantire la sicurezza di chi lavora in condizioni estreme. “Essere bilingue e biculturale mi ha permesso di colmare un divario”, riflette, “ma ho capito che era necessario avere una comprensione più profonda delle condizioni mediche e dei piani di trattamento”.

Il biopatch SENSE è il risultato di un attento studio condotto su 178 lavoratori agricoli, i cui feedback hanno guidato la progettazione di un dispositivo che non solo monitora, ma coinvolge attivamente gli utenti. In questo mondo frenetico, dove il caldo può diventare un nemico silenzioso, Chicas e il suo team hanno creato una soluzione che promette di fare la differenza, migliorando la qualità della vita di chi lavora all'aperto. Il SENSE Biopatch è più di un semplice dispositivo: è una promessa di salute, sicurezza e dignità.

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Immagina un interno che si svolge attorno a un nucleo centrale, un fulcro dove ogni elemento trova la sua armoniosa collocazione. Fairda Matziaraki, partner di Cometa Architects, descrive il progetto come un'apertura sequenziale, una coreografia di luce e spazio che invita a esplorare. La nuova configurazione dell'appartamento emerge come un abbraccio che organizza il movimento e la luce, dando vita a un'esperienza abitativa senza precedenti.

Al centro di questa danza architettonica si erge una scala bianca sospesa, un'opera d'arte che collega i vari livelli di vita. Questa scala non è solo un elemento funzionale, ma un simbolo di elevazione, che ci conduce verso una terrazza di 135 metri quadrati, un angolo di paradiso dove il cielo di Barcellona si fonde con la terra.

Ma non è solo la scala a catturare l'attenzione. Cometa Architects ha deciso di celebrare il contrasto tra il minimalismo degli interni e le pareti in mattoni a vista, creando aperture nel soffitto che permettono di respirare e dialogare con il passato. "Volevamo che il soffitto respirasse", afferma Matziaraki, un desiderio di dare profondità e gravità a ciò che ci sovrasta, trasformando la superficie in una topografia viva.

La palette di colori rimane in un elegante bianco, un abito sobrio che riflette la luce e gioca con le texture. I dettagli, come le tradizionali piastrelle restaurate, aggiungono calore e contrasti visivi, mentre le pietre bianche scolpite, scelte dall'abile proprietario, raccontano una storia di delicatezza e forza. Ogni elemento è pensato per risuonare, per creare un'armonia visiva e tattile.

Cometa Architects, uno studio di design e costruzione, ha curato ogni aspetto del progetto, selezionando materiali di alta qualità dal suo showroom. Gli interni riflettono un equilibrio tra precisione, calore e artigianato, un connubio che rende l'appartamento un luogo dove si può davvero vivere e sognare.

In questo angolo di Barcellona, l'architettura non è solo una questione di spazi, ma di emozioni, relazioni e storie che si intrecciano in un dialogo continuo. E così, come un ventaglio che si schiude, l'appartamento Éventail si apre al mondo, invitando tutti a scoprire la sua bellezza e la sua essenza.

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Il progetto, completato nel 2024, è certificato come Three-star Green Building, il che significa che rispetta elevati standard di sostenibilità e efficienza energetica. L'ospedale può ospitare fino a 1,100 letti, garantendo un servizio sanitario di alta qualità alla comunità di Tonglu e oltre.

La struttura è stata progettata con un'innovativa struttura in acciaio, in grado di garantire durata e resistenza. Inoltre, la posizione strategica vicino alla stazione della ferrovia ad alta velocità di Hangzhou-Huangshan ne facilita l'accesso, rendendolo un punto di riferimento non solo per Tonglu, ma per tutta la provincia di Zhejiang.

Grazie al lavoro di un team di esperti architetti, tra cui Chen Jian, Zhang Minmin e Wang Xiaodong, il progetto integra elementi di design moderno con tecnologie avanzate per offrire un ambiente accogliente e funzionale per pazienti e operatori sanitari.

In conclusione, l'Hangzhou First People's Hospital Tonglu Branch non è solo un ospedale, ma un simbolo di progresso e innovazione nel settore della sanità, dimostrando come l'architettura possa influenzare positivamente la qualità della vita delle persone.

Con una superficie di 135.000 piedi quadrati, il centro si erge come una porta d'accesso verso il futuro, un varco che invita studenti e docenti a esplorare le meraviglie della scienza multidisciplinare. La sua struttura, un insieme di volumi sovrapposti e ruotati, crea un atrium centrale che funge da cuore pulsante, un crocevia di idee e conoscenze.

Bjarke Ingels descrive il concetto come "una serie di volumi paralleli, interconnessi da spazi pubblici". Ogni livello, ruotato di 45 gradi rispetto a quello sottostante, non solo offre una vista affascinante, ma stimola anche la collaborazione tra diverse discipline, da quella informatica a quella delle scienze della vita. Questo è il luogo dove il sapere si intreccia, dove studenti e insegnanti si incontrano in un ambiente di apprendimento tridimensionale.

La facciata dell'edificio, rivestita in calcestruzzo rinforzato con fibra di vetro, non solo cattura la luce ma trasferisce anche una sensazione di calore, mentre all'interno, le travi in acciaio triangolari rivestite in Douglas fir creano un'atmosfera accogliente. I 11.000 piedi quadrati di pannelli solari sul tetto generano circa 342 megawattora di elettricità all'anno, contribuendo a raggiungere l'obiettivo di sostenibilità LEED Gold.

All'interno, il caffè e le scale sociali animano l'atrio, mentre opere d'arte come la scultura "Magnetic Field" di Damien Ortega, che fluttua a trenta piedi da terra, arricchiscono l'esperienza visiva. Ogni angolo del centro invita alla scoperta, con aule e laboratori che si affacciano su panorami mozzafiato, unendo la bellezza naturale del Mount Baldy con l'architettura contemporanea.

La ristrutturazione, curata dallo studio barcellonese Mesura, rappresenta un delicato equilibrio tra restauro e innovazione, restituendo vita a spazi che sono stati inaccessibili per decenni. L'intervento architettonico si distingue per l'introduzione di un soffitto in metallo curvo, stampato con motivi concentrici che evocano l'acqua, simbolo della fluidità e del cambiamento.

Un Dialogo tra Passato e Futuro

La nuova iniziativa, denominata Casa Batlló Contemporary, non è solo una galleria, ma un palcoscenico per il dialogo tra il genio di Gaudí e le espressioni artistiche attuali. L'inaugurazione sarà segnata dalla mostra Beyond the Facade, realizzata dal collettivo londinese United Visual Artists (UVA), che esplorerà i cicli della vita attraverso opere che utilizzano luce e movimento per coinvolgere e stupire il pubblico.

Un Progetto per il XXI Secolo

Questa apertura si allinea con le celebrazioni del centenario dalla morte di Gaudí e con il riconoscimento di Barcellona come Capitale Mondiale dell'Architettura. La galleria si propone di essere un faro culturale, unendo la conservazione rigorosa della storia con un'attiva reinterpretazione del presente. Maria Bernat, direttrice del programma, sottolinea come l'obiettivo sia quello di creare un ponte tra epoche, dando nuova vita a un patrimonio che continua a ispirare.

Casa Batlló non è nuova a interventi artistici innovativi, avendo già collaborato con artisti digitali dal 2021. Con l'introduzione di Casa Batlló Contemporary, il luogo si trasforma in un centro culturale dinamico, capace di attrarre visitatori e di stimolare la creatività contemporanea.

Settori di Selezione

Il bando riguarda quattro principali settori:

• Gestione di progetti nel settore edilizio (153 posti)
• Architettura e gestione di progetti (75 posti)
• Ingegneria elettrica e gestione di progetti (93 posti)
• Ingegneria del riscaldamento, ventilazione e condizionamento dell'aria (HVAC) e gestione di progetti (90 posti)

In totale, sono 411 posti a disposizione per professionisti qualificati.

Requisiti di Candidatura

Per candidarsi, è necessario avere una laurea in architettura o ingegneria, con specifiche esperienze lavorative richieste a seconda del grado di istruzione. Inoltre, è fondamentale avere una conoscenza approfondita (minimo C1) di una lingua ufficiale dell'UE e una soddisfacente (minimo B2) di un'altra.

Cosa Fanno i Funzionari?

I funzionari nei settori di gestione progetti ed architettura saranno responsabili della pianificazione concettuale e della supervisione tecnica e amministrativa degli edifici delle istituzioni dell'UE. Le aree di intervento includono ristrutturazioni, nuove costruzioni e sostenibilità.

Fasi del Concorso

Il concorso è articolato in quattro fasi: presentazione della candidatura, prove scritte e test di ragionamento, assegnazione del punteggio e compilazione degli elenchi di riserva. La candidatura deve essere presentata entro il 17 ottobre 2025 alle 12:00, ora di Bruxelles.

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Per ulteriori informazioni, consulta l'articolo pubblicato su: www.professionearchitetto.it

Il progetto si integra armoniosamente nel paesaggio circostante, fondendosi con i campi di riso e la vegetazione nativa, grazie a un design che minimizza l'intervento umano. Gli architetti hanno tratto ispirazione dalle caratteristiche esistenti del sito, come alberi, pietra vulcanica, bambù, legno recuperato e terracotta, creando spazi abitativi interconnessi.

La collaborazione tra il designer principale di RF Studio, Rafael Freyre, e la Yayasan Bali Purnati è iniziata nel 2002, quando Freyre è giunto sull'isola con disegni e visione artistica. Questa residenza arricchisce l'amfiteatro e il palco della fondazione, rendendo l'architettura parte di un sistema vivente. Gli interni sono stati realizzati in stretta collaborazione con artigiani locali, con mobili e accessori progettati specificamente per il sito.

La Yayasan Bali Purnati è una piattaforma dove le tradizioni balinesi si intersecano con l'esperimentazione contemporanea, accogliendo artisti di diverse discipline, tra cui danza, musica e arti visive. Con l'apertura di questa nuova residenza, la fondazione rafforza la sua capacità di ospitare artisti internazionali, offrendo un'alternativa allo sviluppo rapido dell'isola. Esperienze quotidiane come riposare, bagnarsi e prendersi cura dei giardini diventano parte di un'esperienza performativa più ampia.

Rafael Freyre ha creato un'opera architettonica nel cuore della principale fondazione artistica internazionale di Bali, rinnovando una tradizione che ha avuto inizio 26 anni fa nei campi di riso a sud di Ubud.

Immaginate un luogo dove gli abitanti locali possono apprendere le tecniche di gestione delle risorse costiere, prepararsi a calamità naturali e sviluppare un turismo sostenibile che rispetti l’ambiente. Questa è la missione del CODEC, un progetto che si è evoluto attraverso un processo di costruzione graduale, coinvolgendo artigiani e lavoratori della comunità, assicurando così che la conoscenza e le competenze siano trasferite direttamente ai membri della comunità.

Con una superficie di 7333 piedi quadrati, il centro non solo offre spazi per la formazione, ma è anche progettato per integrarsi armoniosamente nel contesto naturale circostante. La scelta dei materiali, come il mattone, riflette un impegno per la qualità e la sostenibilità, rendendo il centro un esempio luminoso di architettura educativa.

In un mondo che cambia rapidamente, il CODEC Training Centre emerge come un faro di innovazione, dove l’educazione si sposa con la tradizione, creando un futuro luminoso per le generazioni a venire. La sua importanza va oltre le mura; è un catalizzatore per il cambiamento, un luogo dove le idee fioriscono e le comunità si uniscono per affrontare le sfide del futuro.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

Un esempio contemporaneo è Le Plongeoir a Nizza, dove la roccia diventa il basamento e una passerella funge da infrastruttura di accesso. Questo progetto non si limita a creare un oggetto architettonico, ma introduce un sistema che integra spazi abitabili distribuiti su diverse altimetrie. Le aree di sosta, le terrazze e le scale si fondono con il paesaggio marino, creando un dialogo tra natura e architettura.

La storia di Le Plongeoir risale alla fine dell’Ottocento, quando un salotto sospeso collegava la terraferma a un rocher. Con il passare degli anni, il progetto è stato aggiornato con un linguaggio architettonico più essenziale, mantenendo però la stratificazione storica. L’uso di materiali come il teak e l’acciaio inox, insieme a una palette ridotta di colori, rende l’opera coerente con l’ambiente marino e facilmente manutenibile.

Tipologicamente, Le Plongeoir rappresenta un manuale su come rendere praticabile un margine. L’architettura non nega lo scoglio, ma lo traduce in una sequenza di stanze all’aperto, dove l’acqua diventa un elemento essenziale e l’orizzonte non è solo una scenografia, ma una misura. Questo approccio crea un equilibrio tra la città e il mare, dove il paesaggio resta protagonista e l’architettura, con pochi elementi ben congegnati, rende accessibile ogni frammento di roccia.

In conclusione, l'architettura minima non è solo un concetto estetico, ma un metodo per fondare luoghi dove prima c’era solo roccia, restituendo alla comunità spazi vivibili e condivisi.

Ultimato di recente, il Grand Canal Gateway Bridge si estende per 390 metri, unendo le sponde est e ovest di uno dei canali più antichi e lunghi del mondo, patrimonio dell’UNESCO. Qui, l'acqua scorre come un filo di seta, collegando il passato con il presente, e offrendo ai residenti e ai visitatori un nuovo modo di vivere il paesaggio.

La struttura, leggera e affusolata, è un gioco di archi d'acciaio che si intrecciano, riflettendo l'arte della ricamo tipica della regione. Ogni curva e ogni angolo sono pensati per armonizzarsi con il contesto naturale, creando spazi pubblici dove la comunità può riunirsi e interagire. Il ponte non è solo un passaggio; è un luogo di incontro, un palcoscenico dove la natura e l’architettura danzano insieme.

La scelta di materiali sostenibili e il design innovativo, che prevede l'uso di elementi modulari prefabbricati, dimostrano un impegno verso la sostenibilità. Con una illuminazione LED alimentata da fonti rinnovabili, il ponte si illumina di notte, tracciando un percorso luminoso che invita a esplorare le sue curve, mentre l’eco del fiume e il fruscio della vegetazione creano una melodia di sottofondo.

Così, il Ponte Serpentino non è solo un’opera di ingegneria, ma un racconto che si snoda lungo le acque del Grand Canal, unendo passato e futuro, tradizione e innovazione, in un abbraccio senza tempo.

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Dettagli dell'evento

Sede: Sala eventi Pronema, Agrate Conturbia (NO)
Data: Venerdì 3 ottobre 2025
Orario: 14.00 – 19.00

Non dimenticare che l'evento è a numero chiuso e aperto a tutti, ma con priorità ai progettisti iscritti all’ordine. Assicurati di prenotare il tuo posto per non perdere questa opportunità unica di apprendere da esperti nel campo.

Docenti

Alessandro Palazzo: Consulente CasaClima, guiderà i partecipanti nella scelta delle schermature più adatte a ogni progetto.

Fulvio Julita: Formatore e autore del libro “Scrivere con l’AI” (editore Hoepli), accompagnerà i professionisti alla scoperta delle potenzialità dell’AI generativa.

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Questo è il primo progetto di pub per la celebre firma architettonica, e si presenta come una sfida avvincente: come preservare l’anima di un luogo intriso di storia, mentre si introduce un tocco di modernità? La risposta risiede nella collaborazione con gli architetti del patrimonio Donald Insall Associates e nella visione del team di Foster + Partners, che punta a mantenere intatto il carattere originale dell'edificio sottoposto a tutela.

Il piano di ristrutturazione prevede la creazione di spazi di lavoro informali al piano superiore per l'Ellison Institute of Technology e un caffè al piano terra, destinato a trasformare l'Eagle and Child in una meta quotidiana per residenti e visitatori. Gerard Evenden, capo dello studio, sottolinea come ogni intervento sarà delicato, volto a rispettare le molteplici stratificazioni della storia di questo pub. Il progetto prevede anche il restauro del famoso 'Rabbit Room', dove gli Inklings si ritrovavano, e la rinascita di due salotti, con un occhio attento a preservare elementi storici, come le imperfezioni nelle riparazioni in pietra e i lucernari degli anni '80.

La parte posteriore dell'edificio vedrà l'aggiunta di una sala da pranzo, progettata per integrarsi armoniosamente con l'architettura esistente, il tutto incorniciato da un giardino rinnovato e da un passaggio storico che collegherà il pub al caffè. Un percorso che si snoda tra il passato e il futuro, dove ogni pietra racconta una storia e ogni angolo invita a una nuova conversazione.

Foster + Partners, fondato dal premio Pritzker Norman Foster, dimostra ancora una volta la sua abilità nel creare spazi che non solo soddisfano le esigenze moderne, ma celebrano e onorano il passato. La ristrutturazione dell'Eagle and Child non è solo un progetto architettonico, ma un atto di amore verso un luogo che ha ispirato generazioni di pensatori e creativi. Un luogo che, grazie a questo rinnovamento, continuerà a vivere e a raccontare le proprie storie nel corso dei decenni a venire.

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All'inizio, la scelta di un appartamento era ben lontana dall'essere semplice. La nostalgia per Parigi cresceva, e ogni giorno trascorso in un bungalow di Silver Lake sembrava un invito a esplorare nuove possibilità. Finalmente, dopo due anni di ricerca, ha trovato il suo angolo di paradiso: un appartamento che emanava storia e potenziale, con pavimenti in legno antico e una cucina aperta che prometteva convivialità.

Il passaggio da un bagno monocromatico rosa a un elegante marmo cioccolato rappresenta non solo un cambio di estetica, ma un'affermazione di stile. Masarin ha collaborato con architetti e designer per trasformare l'appartamento in una vera e propria “scatola di gioielli”, dove ogni dettaglio è stato pensato con cura. Le pareti, ora illuminate da tonalità calde di bianco e giallo burro, creano un'atmosfera accogliente e rilassante.

Ogni elemento della casa racconta una storia: il divano vintage Le Bambole, rivestito in mohair, si fonde con un tappeto a stampa tigre, mentre il tavolo da pranzo di Chapo Creations celebra la tradizione artigianale francese. Masarin ha scelto di arredare la casa con pezzi di seconda mano, dando nuova vita a oggetti carichi di storia e carattere.

Ma non è solo il design a fare di questo appartamento un luogo unico; è anche l'armonia che si respira. La luce naturale fluisce attraverso gli spazi, creando un’atmosfera di serenità e ispirazione. La cucina, ampliata per accogliere più luce, diventa il cuore pulsante della casa, dove l'arte di vivere si esprime in ogni pasto condiviso.

In questo nido parigino, Masarin ha trovato il suo equilibrio tra lavoro e vita privata, con un angolo studio personalizzato che invita alla creatività. Ogni mattina, il suo risveglio è accompagnato dalla bellezza del design, dal profumo del caffè e dalla dolcezza della musica, un elemento essenziale per rendere ogni spazio ancora più vivo.

In conclusione, l'appartamento di Mélanie Masarin è molto più di un semplice luogo in cui vivere; è una celebrazione di identità, eleganza e nostalgia. La sua storia ci ricorda che a volte, la vera bellezza risiede nella capacità di reinventarsi e nel valore delle radici.

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Le maniglie sono state accuratamente selezionate: circa 1.400 maniglie in resina sono state pulite e valutate per eventuali difetti visivi, come graffi o ammaccature. Ogni imperfezione è stata considerata come un elemento da celebrare, riflettendo l'uso e il contatto con i passeggeri nel corso degli anni. Questo approccio permette di trasformare componenti che altrimenti sarebbero stati scartati in opere d'arte funzionali.

La lampada è composta da nove anelli di maniglie, impilati per formare un paralume. Piccole fessure tra gli anelli permettono alla luce di filtrare delicatamente, creando un'atmosfera calda e accogliente. Le gambe in acciaio lucidato, che sorreggono la struttura, richiamano il design originale delle maniglie, con una curvatura che simula le cinghie che una volta le collegavano ai treni.

La maggior parte del processo produttivo della WA lamp è stata realizzata da artigiani locali a Tokyo, dove ha sede la Tokyu Corporation. Akasaki & Vanhuyse sperano che queste lampade trovino posto non solo negli uffici e nelle informazioni delle stazioni, ma anche in ambienti residenziali più informali.

La WA lamp non è l'unica creazione che celebra il riutilizzo di materiali. Altri designer, come Sara Regal e Yuma Kano, hanno trovato modi creativi per trasformare rifiuti di cantiere in mobili e complementi d'arredo. La WA lamp si inserisce perfettamente in questa tendenza di design consapevole e innovativo, dimostrando che si può creare bellezza anche partendo da ciò che è considerato scarto.

In conclusione, la WA lamp di Akasaki & Vanhuyse non è solo un'illuminazione, ma una testimonianza del potere del design di trasformare l'ordinario in qualcosa di straordinario.

BIENALSUR, concepita dall'Universidad Nacional de Tres de Febrero di Buenos Aires, si distingue per la sua natura umanistica e per la capacità di affrontare le sfide contemporanee. Con una mappa culturale che si estende per oltre 18.000 chilometri, questa biennale non è solo un evento artistico, ma un movimento che abbatte le barriere geografiche e culturali, creando una rete di connessioni tra artisti, pubblico e comunità.

Il tema di quest'edizione, "Invocazioni", trae ispirazione dalle riflessioni del psicoanalista James Hillman, evocando la necessità di un richiamo a forze invisibili e a una trasformazione collettiva. Le mostre, curate con un approccio aperto e inclusivo, sfideranno le convenzioni e inviteranno a riflettere sulla nostra interazione con l'ambiente e con l'arte stessa.

Milano sarà la cornice di "Divenire Animale", una mostra che esplora la relazione fra uomo e natura, invitando a superare le dicotomie tradizionali. A Roma, il Museo di Palazzo Braschi ospiterà opere che riflettono sulla rappresentazione della natura selvaggia delle Americhe, mentre Napoli e Biella offriranno spazi di residenza per artisti emergenti, promuovendo un dialogo vitale tra culture diverse.

In questo contesto, ogni città diventa un laboratorio di idee, un crocevia di esperienze artistiche che arricchiscono il tessuto culturale italiano. BIENALSUR non è solo un evento; è un invito a partecipare a un'esperienza condivisa, dove l'arte diventa un veicolo di riflessione e trasformazione.

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Iniziamo con Zero House nel Regno Unito, un'opera di Rae Morris e Ben Garrett, dove il legno scuro e i toni del mogano evocano le atmosfere del film horror Shining. Qui, l'arte di giocare con le luci e le ombre si trasforma in un'esperienza sensoriale, perfetta per le notti di Halloween.

Passiamo a Casa Tres Árboles in Messico, un esempio di come le tonalità scure possono contrastare la calda luce del legno. Le camere da letto, dipinte con colori cupi, creano un'atmosfera intima e accogliente, ideale per rifugiarsi mentre il vento ulula fuori.

In Nuova Zelanda, l'Openfield House offre un'esperienza unica con il suo lucernario circolare che incornicia le montagne circostanti. La camera da letto, immersa nell'ombra, ricorda un set cinematografico, dove ogni angolo racconta una storia.

Il Shkrub in Ucraina, progettato da Sergey Makhno, è un capolavoro di design che utilizza tavole di legno scuro e illustrazioni evocative per creare un'atmosfera quasi onirica, perfetta per chi ama perdersi nei propri pensieri durante le lunghe notti invernali.

Non possiamo dimenticare la Shadow House in Australia, un'estensione di legno bruciato che gioca con la luce, trasformando la camera in un luogo di ombre danzanti e mistero. Ogni finestra è una cornice di storie non raccontate.

In Texas, l'Austin House di Melanie Raines sperimenta con colori audaci per creare un ambiente che è tutto tranne che convenzionale. Le pareti blu scuro e il letto in pelle si fondono in un abbraccio di eleganza e stranezza, perfetto per una notte di racconti spettrali.

Infine, il Kawakawa House in Nuova Zelanda, con i suoi soffitti inclinati e pareti di betulla scura, si inserisce perfettamente nel bosco circostante, offrendo un rifugio che sembra quasi uscito da un racconto di fantasmi.

Queste otto camere da letto, ognuna con il proprio carattere, ci ispirano a creare spazi che riflettono le nostre paure e desideri. Perché in fondo, anche nell'oscurità, si può trovare bellezza.

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Il progetto si inserisce in un ambizioso piano di adattamento infrastrutturale decennale, vincitore di un concorso indetto da Concéntrico e Porto Academy. Con una superficie di 250 m², il padiglione si propone di ospitare installazioni temporanee, un modo per rinnovare e rivitalizzare la comunità ogni due anni.

La bellezza del Scenius 26003 non risiede solo nella sua struttura, ma nella sua concezione: un luogo che invita alla riflessione, alla scoperta e all'incontro. Realizzato con materiali come pietra e plastica, il padiglione si integra armoniosamente nel paesaggio urbano, creando un dialogo tra passato e futuro. Daryan Knoblauch, con il suo studio berlinese, ha saputo dare vita a un progetto che non è solo un semplice rifugio, ma un simbolo di innovazione e speranza.

In un'epoca in cui la sostenibilità è al centro delle discussioni architettoniche, il Scenius 26003 si pone come esempio luminoso di come l'arte possa influenzare positivamente il nostro ambiente. Ogni visitatore è invitato a scoprire non solo un padiglione, ma un'esperienza che trascende il tempo e lo spazio.

Immagina due volumi distinti, elegantemente posizionati ai lati di uno spazio aperto, creati con materiali che raccontano storie di adattabilità e ingegno. Le coperture, realizzate con pannelli fotovoltaici orientati a sud, si intrecciano con policarbonato ondulato e rete metallica, creando un gioco di luci e ombre che affascina i visitatori.

Ma non è solo un meraviglioso spettacolo visivo. Questo padiglione è un cuore pulsante di energia rinnovabile, alimentando ventilatori sospesi e luci, un'oasi di freschezza in una città calda e soleggiata. "I pannelli forniscono ombra. I ventilatori generano una leggera brezza. L'energia è gratuita", afferma il team di progettazione, sottolineando la bellezza di un'architettura che risponde alle esigenze quotidiane di chi lo frequenta.

Il padiglione rappresenta una fusione di sistemi industriali adattabili e pensiero di rete, un approccio che invita alla riflessione su come possiamo vivere in armonia con il nostro ambiente. In un mondo dove il cambiamento climatico è una preoccupazione crescente, strutture come questa offrono speranza e ispirazione.

Che tu sia un amante dell'arte, un appassionato di architettura, o semplicemente un visitatore in cerca di un luogo fresco dove sostare, il padiglione del Departamento del Distrito è un invito a riflettere sul futuro del design urbano, dove ogni componente è pensato per arricchire l'esperienza e la vita quotidiana.

Kundig, architetto di Seattle e co-fondatore dello studio Olson Kundig, ha sempre visto la casa come un luogo di interazione diretta con i materiali e il paesaggio circostante. Ogni progetto racconta una storia, una risposta alle sfide del contesto, dall’arcipelago boscoso del Pacifico Nordovest ai deserti aridi del Messico, fino ai terreni vulcanici delle Hawaii. La monografia offre uno sguardo approfondito su trentotto residenze selezionate, dodici delle quali sono pubblicate per la prima volta, accompagnate da fotografie suggestive, schizzi a mano e interviste che rivelano le influenze che hanno plasmato la sua carriera.

Ciascuna casa progettata da Kundig è un'esplorazione del movimento e dell’adattabilità. Grandi finestre girevoli, pareti scorrevoli e facciate operabili sfumano i confini tra l'interno e l'esterno, creando un dialogo continuo con la natura. In questo contesto, Kundig non si limita a costruire strutture; egli crea esperienze tattili, dove la sensibilità al mestiere e la presenza fisica del materiale sono palpabili.

La monografia non è solo una celebrazione del passato, ma un punto di partenza per riflessioni future. Ogni progetto, indipendentemente dalla sua lontananza o dalla sua raffinatezza, riflette una costante indagine su come l'architettura possa mediare tra le persone e il luogo in cui vivono. La copertina, rilegata in un tessuto vibrante con uno schizzo in rilievo, invita il lettore a un'esperienza di lettura che è, a sua volta, un atto tattile.

Per Kundig, la casa è sia un rifugio che un laboratorio. Un luogo in cui le idee di design vengono testate e affinate prima di essere tradotte in progetti più ampi. “Ogni casa è un'opportunità per testare un'idea, perfezionare un dettaglio o correre un rischio,” afferma, sottolineando la natura dinamica e in continua evoluzione della sua pratica. La monografia rappresenta un momento di riflessione, un tentativo di catturare qualcosa che è sempre in movimento, esattamente come il suo lavoro.

Entrando nel Palazzo Fendi, ci si sente avvolti da un'atmosfera che ricorda l'osservazione ravvicinata di un’immagine digitale, dove i pixel, in continua mutazione, creano un paesaggio in movimento. Le modelle, sfilando, interagiscono con questo sfondo, rendendo ogni abito una parte integrante di un'opera d'arte collettiva. I colori audaci della collezione risuonano con quelli del set, creando un dialogo visivo che cattura l'attenzione e invita alla riflessione.

La collezione SS26 di FENDI non è soltanto un insieme di capi, ma un'esperienza sensoriale. Giacche strutturate, cappotti ampi e vestiti fluttuanti si stagliano contro le scatole pixelate. I materiali, che spaziano dall'organza al jacquard, dal cotone alla pelle, si combinano in un gioco di pieni e vuoti, enfatizzando le silhouette e il volume di ogni pezzo. I colori si susseguono in un'armonia di bianco, giallo, turchese, rosso, rosa e corallo, creando un'onda di emozioni che coinvolge chi osserva.

La colonna sonora, composta da Frédéric Sanchez, accompagna il tutto con melodie che richiamano il cinema italiano, l'opera e la musica elettronica, creando un ritmo che si intreccia con il movimento delle modelle e la trasformazione dei colori sul set. Ogni nota, ogni passo, ogni colore si fondono in un'esperienza unica, in cui il design di Marc Newson si fa custode di un concetto di trasformazione e bellezza.

Situato a Lebanon, New Hampshire, questo edificio è parte del quartier generale di Adimab, un leader globale nello sviluppo di anticorpi per malattie infettive e autoimmuni. Richards e il suo team hanno progettato un edificio di 27.000 piedi quadrati, che si sviluppa su tre piani, permettendo una notevole espansione senza compromettere l'ambiente naturale.

Utilizzando un sistema strutturale in legno massiccio, tra cui legno lamellare incrociato (CLT), l'edificio presenta elementi in legno esposti che enfatizzano la bellezza dei materiali naturali. Le facciate sono rivestite con cedro atlantico, sostenibile e di grande impatto visivo, mentre la base è avvolta in pannelli specchiati che sfidano le convenzioni di peso e massa.

La struttura non solo riflette il paesaggio circostante, ma permette anche alle due piani superiori di apparire come se fluttuassero sopra il terreno, creando un'illusione di leggerezza. Gli interni sono progettati per favorire la collaborazione e la creatività, con laboratori, sale riunioni e aree lounge che godono di abbondante luce naturale grazie a grandi finestre.

Il progetto ha richiesto anche la costruzione di un parcheggio per i dipendenti, accessibile tramite una sinuosa rampa di 55 metri che si snoda attraverso il bosco, realizzata in acciaio corten, che ricorda le forme monumentali degli artisti contemporanei.

Ogni dettaglio dell'edificio è pensato per attrarre e mantenere i migliori talenti nel settore biotecnologico, confermando l'impegno di Adimab per l'innovazione e la sostenibilità.

La protagonista indiscussa è una scala scultorea, dipinta in un azzurro che ricorda le acque di una piscina estiva. Non è solo un elemento funzionale, ma il cuore pulsante di questo spazio, che organizza in modo armonioso la cucina, il soggiorno e la zona notte. La scala, con la sua forma fluida e leggera, guida il visitatore attraverso un percorso di forme e colori, rendendo l’esperienza domestica unica e memorabile.

La cucina, realizzata in acciaio inox, è volutamente semplice ma efficace. I volumi netti e il piano continuo si contrappongono alle manopole “spinose”, un omaggio al mondo ludico dei videogiochi. Di fronte, un divano arancione, morbido e accogliente, insieme a una libreria a griglia dello stesso colore, creano un contrasto vivace con il grigio del pavimento in cemento levigato. L’armonia visiva è palpabile, ogni elemento è studiato per incastrarsi perfettamente senza l’ingombro di muri superflui.

La zona notte, invece, è un rifugio di tranquillità, grazie all’uso del vetrocemento che offre un gioco di luci e ombre, consentendo di mantenere la privacy senza rinunciare alla luminosità. È un richiamo contemporaneo alla storica Maison de Verre di Pierre Chareau, un esempio di come il design possa unire funzionalità e bellezza. Il bagno segue la stessa filosofia: un box ceramico verde, uno specchio tondo arancione e rubinetteria in acciaio che sfida la convenzionale estetica degli spazi ristretti.

Questa mini-casa non è solo un esperimento di design, ma un manifesto della cultura visiva. I rimandi ai cartoni animati, da Roger Rabbit a Space Jam, si mescolano con un approccio pragmatico che punta alla semplicità e all’efficacia. Gli arredi su misura, pur eccentrici, mantengono il giusto equilibrio tra funzionalità e carattere. Qui, l’ordine non è imposto dai cassetti, ma orchestrato da una regia che racconta la casa e i suoi spazi.

Tra le sue creazioni, spicca una lampada in legno piegato, progettata in modo da ricordare una farfalla appuntata al muro. Realizzata in compensato di betulla spesso solo 0,4 millimetri, la lampada può essere montata in una forma curva, grazie a bastoncini di betulla curvati a vapore che la sostengono. Quando questi bastoncini vengono rimossi, la lampada può essere facilmente imballata per il trasporto.

“Mi piace pensare a questa lampada come a una farfalla appesa al muro,” ha dichiarato Mikkonen, sottolineando l'effetto luminoso creato dalla lampadina che illumina la sottile ombra di legno da dietro.

Oltre alla lampada, la collezione include anche altri pezzi in legno, come la sedia Volymmi, realizzata in abete finlandese e concepita per essere ambigua nel suo utilizzo. “Non credo che i mobili debbano avere una forma prestabilita,” ha affermato Mikkonen. “Mi piace provare a vedere le cose in modo diverso.”

La collezione comprende anche un tavolo laterale realizzato con quattro pezzi di pino interconnessi e un banco-tavolo in pino scuro. Mikkonen ha utilizzato una tecnica di pressatura e saldatura manuale per creare i suoi pezzi in acciaio, evidenziando il “processo grezzo” della loro manifattura.

Una delle ultime opere presentate è Void, una mensola a parete in stile brutalista, realizzata in acciaio forato spesso un millimetro, progettata per testare i limiti della creazione di strutture rigide con materiali minimi.

“Tutti i miei lavori sono molto prototipali,” ha aggiunto Mikkonen. “Credo che la bellezza del creare risieda nella libertà creativa.” La collezione di Mikkonen rappresenta un perfetto equilibrio tra innovazione e tradizione, rendendolo uno dei nomi più promettenti del design contemporaneo.

In molte culture visive, l'idea di un armadio ordinato e funzionale è stata rappresentata in modo umoristico, come nei cartoni animati. Personaggi come Doug Funnie o Dexter hanno mostrato come un armadio possa semplificare la vita quotidiana. Per figure iconiche come Steve Jobs, indossare un'uniforme quotidiana ha eliminato la piccola ma ripetitiva decisione di 'cosa indossare?', liberando tempo ed energie per questioni più importanti.

Per altri, il momento della scelta di cosa indossare è un piacere, capace di influenzare il tono della giornata e il proprio stato d'animo. In questo senso, il guardaroba diventa un'estensione dell'identità, un luogo dove le scelte pratiche e simboliche si incontrano. Espressioni come 'uscire dal guardaroba' o 'scheletro nell'armadio' evidenziano la dimensione culturale di questo elemento della casa.

Nella progettazione contemporanea, l'armadio ha acquisito nuove sfumature: può guidare la circolazione in uno spazio, influenzare la percezione e persino plasmare l'atmosfera di un ambiente. In questo articolo, esploreremo come gli armadi possano diventare vere e proprie dichiarazioni architettoniche, in grado di elevare l'estetica e la funzionalità degli spazi domestici.

Questo innovativo complesso culturale combina la biblioteca centrale della città con un museo d'arte metropolitano, creando un modello istituzionale nuovo e integrato. Il Taichung Green Museumbrary si trova all'interno del Central Park, un'area verde di 67 ettari che fa parte del più ampio Shuinan Trade and Economic Park, un'ex base militare dismessa nel 2004.

Il design di SANAA si basa sull'idea di "una biblioteca in un parco e un museo d'arte in una foresta". La struttura è elevata dal suolo, permettendo alla luce naturale e alle brezze del parco di fluire liberamente attraverso piazze ombreggiate, offrendo accesso aperto e permeabile da tutti i lati.

Uno Spazio Aperto che Connette Cultura e Natura

Il progetto dissolve le divisioni tradizionali tra gli spazi del museo e quelli della biblioteca all'interno di un interno aperto e inclusivo. Le aree lettura e le zone espositive si sovrappongono, incoraggiando l'interazione e la programmazione incrociata. La biblioteca ospiterà oltre un milione di risorse fisiche e digitali.

Sulla cima dell'edificio, il team di design di SANAA ha creato un giardino all'aperto che offre una vista panoramica sul Central Park e sullo skyline di Taichung. Concepite come un paesaggio pubblico e un'estensione culturale dell'edificio, le aree verdi sul tetto migliorano la continuità tra l'ambiente costruito e quello naturale.

La facciata a doppio strato combina rivestimenti in vetro o metallo ad alte prestazioni con uno strato esterno in rete metallica espansa in alluminio. Questo velo argentato produce una sensazione di trasparenza, migliorando al contempo le prestazioni ambientali. La facciata e la struttura elevata enfatizzano leggerezza, apertura e integrazione con il parco circostante.

All'altezza del suolo, le piazze ombreggiate fungono da soglie pubbliche dove la città incontra il museo e la biblioteca, creando un ambiente dinamico e accogliente per tutti.

All'ingresso, una scala simmetrica rivestita in marmo Calacatta macchia vecchia extra attira immediatamente l'attenzione, con il suo design che enfatizza la profondità grazie a scanalature verticali. Le ringhiere in vetro sfaccettato riflettono la luce, mentre i corrimano in ottone creano un contrasto affascinante. La scelta dei mobili include pezzi della Capital Collection e di Eichholtz, mentre un lampadario personalizzato da Studia 54 pende dal soffitto a cupola in vetro colorato.

La zona piscina, di 150 mq (1.615 sqft), introduce un motivo di design unico: opere d'arte in resina epossidica con glitter incorporato che evocano un cielo stellato. Le venature blu della resina si intrecciano con il marmo, creando un effetto suggestivo. Il bar, di 100 mq (1.076 sqft), offre un contrasto tra il marmo chiaro e il quarzo Cristallo Smeraldo, mentre pannelli metallici galvanici mettono in risalto le bottiglie esposte come in una vetrina.

La terrazza, che si estende per 316 mq (3.401 sqft), è progettata per ospitare eventi di diversa natura, con pavimenti in marmo chiaro e scuro disposti geometricamente. Tavolini in ottone e illuminazione integrata creano un'atmosfera sofisticata, mentre piante e vegetazione si integrano nel design complessivo. Mobili di marchi come Flexform, Belissima Casa, Holly Hunt, e Formitalia completano l'arredamento.

Il progetto di Studia 54 si distingue per l'uso coerente di materiali come marmo, vetro sfaccettato, ottone, quarzo naturale e superfici in resina, creando un'identità spaziale che bilancia gesti monumentali e finiture dettagliate.

Annunciato dal designer bioregionale e direttore del programma Aral School, Jan Boelen, durante il World Design Congress a Londra, il corso di sei mesi si svolgerà a Nukus, Uzbekistan. Il programma è aperto a studenti post-laurea in architettura, design e altre discipline come artigianato, biotecnologia e informatica. La prima coorte parteciperà da gennaio a giugno 2026 in quello che Boelen ha definito un "laboratorio per il nostro futuro globale" per sviluppare urgentemente soluzioni ecologiche, culturali ed economiche nella regione del Mar d'Aral.

Il Mar d'Aral, un lago salato interno un tempo grande quanto la Svizzera, è stato ridotto a circa il 10% della sua dimensione originale dagli anni '60. Entro gli anni '80, si era ridotto a meno della metà della dimensione originale, e nel 2007 la porzione nordorientale del mare si era prosciugata, causando una perdita catastrofica di biodiversità e vita ittica. L'Aral School vedrà studenti internazionali e regionali collaborare con esperti di design e ingegneria dell'Uzbekistan e del Karakalpakstan per sviluppare soluzioni innovative per lo sviluppo ecologico, sociale ed economico dell'area.

Due team di 10 studenti, guidati da mentori esperti, svilupperanno proposte focalizzate su due temi: cibo e acqua. Ogni argomento sarà affrontato utilizzando un metodo in quattro fasi per identificare le risorse locali e ripensarle attraverso il design. Una volta sviluppati i prototipi, le soluzioni saranno implementate coinvolgendo le comunità locali, con l'obiettivo di rigenerare gli ecosistemi danneggiati.

I progetti in fase di sviluppo saranno presentati al Salone del Mobile nell'aprile 2026, seguiti da un'esposizione e pubblicazione al 2026 Aral Culture Summit. "Il mondo sta evolvendo, ma il campo del design è a volte bloccato in vecchi paradigmi", ha affermato Boelen. "In un certo senso, il Mar d'Aral è un luogo dove si riuniscono le preoccupazioni più urgenti di oggi. Terra, acqua, energia, cibo, tessuti e qualità dell'aria: questi sono i temi che dobbiamo affrontare se vogliamo sopravvivere sulla Terra".

Il programma multidisciplinare è aperto per le candidature fino al 5 ottobre 2025. Un webinar per i potenziali candidati si svolgerà il 1° ottobre. Per ulteriori informazioni sull'iniziativa e per candidarsi, visita il sito web della Aral School.

Situato sulla penisola di Quang An, affacciato sul lago Trì, l'Isola della Musica non è solo un'opera architettonica; è un manifesto di innovazione e bellezza. Con una capienza di 2.000 posti, l'opera ospiterà eventi culturali e politici di rilevanza nazionale, diventando il cuore pulsante della vita artistica della città. La sua struttura, ispirata alla superficie ondulata del lago, si erge come una cupola scintillante, capace di catturare e riflettere le sfumature del paesaggio circostante.

Renzo Piano, già celebre per opere iconiche come il Centre Pompidou di Parigi e The Shard di Londra, ha applicato per la prima volta a Hanoi le tecnologie delle strutture a guscio sottile. Questo gioco di forme e luci si traduce in una pelle esterna rivestita di piastrelle ceramiche, che variano in dimensione per creare una texture pixelata, capace di brillare come una madreperla al mutare della luce e delle condizioni atmosferiche.

Il progetto non si limita alla sola costruzione dell'opera; è parte di una più ampia iniziativa di riqualificazione urbana che prevede il ripristino di stagni e corsi d'acqua circostanti. I fiori di loto, simbolo di bellezza e purezza, torneranno a fiorire, integrando l'architettura nel suo contesto naturale. Con otto nuovi pontili per imbarcazioni e una passeggiata pedonale che collegherà il tutto, l'Isola della Musica si preannuncia come un luogo di aggregazione e creatività, dove l'arte incontra la vita quotidiana.

Con una superficie totale di 191.000 metri quadrati, l'Isola della Musica non è solo un auditorium, ma un vero e proprio parco culturale e artistico, unendo spazi pubblici e aree per la ricreazione. Gli auditori, dotati di ingegneria acustica all'avanguardia, offriranno esperienze sonore uniche, adattandosi a diversi tipi di performance, un lusso riservato a pochi teatri nel mondo.

Il sogno di Renzo Piano si materializzerà entro il 2027, aprendo le porte a un nuovo capitolo per Hanoi, dove l'arte e la natura danzeranno insieme in un'armonia senza tempo. L'Isola della Musica non è solo un'opera da ammirare, ma un invito a immergersi in un'esperienza sensoriale che promette di arricchire le vite di chi vi si avvicina.

La casa, un tempo appartenuta alla famiglia di un governatore dell'India portoghese, ha mantenuto il suo originale profilo. Il tetto in tegole di terracotta e le finiture in stucco tradizionale sono stati preservati, mentre nuovi spazi si sono aggiunti con garbo. Un cortile interno funge da collegamento tra la struttura esistente e una nuova zona che accoglie bagni e camere da letto, ampliando così l’idea di spazio e convivialità.

Il balcao, una caratteristica veranda goana, è stato sapientemente trasformato in un'accogliente verandah, adatta alle scale sociali moderne. Ogni dettaglio, dalla poltrona in pietra originale, rimontata con cura, alla cucina centrale, progettata per essere il cuore pulsante della casa, parla di una reinterpretazione attenta e raffinata. Qui, il tetto è stato sollevato per far posto a un mezzanino, creando aperture che inondano di luce gli ambienti, mentre una nicchia di preghiera nel cuore della cucina rimane un omaggio alle tradizioni passate.

L'originale pavimentazione in ossido rosso è stata restaurata, abbinata a pareti in intonaco di calce e mobili in teak riciclato. Nella nuova sezione, il pavimento in micro-concreto dalle tonalità terrose riecheggia i materiali storici, creando una continuità visiva e sensoriale. Le travi troppo fragili per essere riutilizzate sono state trasformate in un elegante pavimento a motivo che arricchisce il mezzanino, aggiungendo un tocco di originalità e storia.

Ogni elemento, dalle finestre incorniciate a pilastri decorativi, fino a un crestino che risale al 1860, è un atto di continuità, un modo per radicare il design in una storia vissuta. Mangalgiri e il suo team di Grounded hanno saputo coniugare il passato e il presente in un’armonia perfetta, creando non solo un’abitazione, ma un luogo dove la vita quotidiana si intreccia con il patrimonio culturale.

Il Monte Rokko è stato ampiamente estratto per granito durante il periodo Edo, portando a un'ampia deforestazione e declino ambientale. Durante l'era Meiji, sforzi di riforestazione graduali hanno ripristinato il territorio. Oggi, la montagna porta le tracce stratificate sia dei danni che del recupero. Berlino, la base degli artisti, riflette un ciclo simile di distruzione e rigenerazione nella sua storia urbana.

Concepite da Riku Ikegaya, Kohei Hayashi e Yu Kamijo, le sculture cubiche installate a Rokko e Berlino sono punteggiate da aperture tubulari strette, richiamando la forma dei telescopi. All'interno di esse, dispositivi video proiettano la vista dal sito abbinato: l'installazione di Rokko mostra l'attività urbana di Berlino, mentre quella di Berlino trasmette immagini dell'ambiente naturale di Rokko.

Questa installazione funge da dispositivo percettivo e monumento. Le registrazioni catturano realtà contrastanti ma parallele. A Berlino, gli spettatori vedono il passaggio di persone, veicoli e ritmi cittadini. A Rokko, le immagini rivelano vegetazione, cambiamenti climatici e movimenti animali. Insieme, queste prospettive connettono ambienti distanti, inquadrando la coesistenza di condizioni naturali e urbane.

Il progetto esamina come la visione possa collegare spazio e tempo, operando come un dispositivo percettivo e un monumento. Il titolo fernsehen, che in tedesco significa 'vedere lontano', sottolinea la dualità della distanza e della mediazione, inquadrando l'installazione come un'esplorazione di come la percezione, la tecnologia e il contesto influenzino il modo in cui i paesaggi vengono compresi nel tempo e nello spazio.

In un recente aggiornamento sui commenti, molti utenti hanno sollevato interrogativi sull'impatto di queste superfici riflettenti sulla fauna locale. Un lettore ha commentato: "Mentre soggiornare in una di queste cabine sarebbe meraviglioso, con la natura su tre lati, odio pensare a cosa possano fare le superfici a specchio agli uccelli". Un altro lettore è stato ancor più critico, affermando che "questi ragazzi devono odiare davvero gli uccelli". Un'opinione simile è stata espressa da un altro utente, che ha dichiarato: "Basta con gli edifici a specchio!".

Il dibattito non si ferma qui. Alcuni lettori, come Lasztóczi Péter, hanno definito l'uso eccessivo delle superfici riflettenti come sintomo di una mancanza di idee su come integrare un edificio nell'ambiente. Ma non tutti concordano: un lettore ha difeso le cabine, chiedendosi perché ci si preoccupi tanto degli uccelli, insinuando che nessuno di coloro che commentano mangia carne.

Un altro tema caldo che ha acceso la discussione è stato l'aumento della carne coltivata in laboratorio. Alcuni lettori sostengono che non chiamarla "carne coltivata" sarebbe un inizio per cambiare le abitudini dei consumatori. Mentre alcuni ritengono che questo tipo di carne rappresenti una soluzione, altri sostengono che il vero problema risieda nel tornare a comprare cibo fresco e locale.

Infine, il progetto di costruire un'arena UFC nel giardino della Casa Bianca ha suscitato indignazione. "Pensavo avessimo toccato il fondo, ma questo è sotto il livello" ha commentato un lettore, mentre altri hanno proposto di abbattere la Casa Bianca per fare spazio a una sorta di stadio.

La rivista di architettura e design Dezeen continua a ricevere migliaia di commenti ogni mese, e i lettori sono invitati a unirsi alle conversazioni su questi temi affascinanti.

Il risparmio energetico è la chiave per aprire una porta verso un futuro più sostenibile. Adottare buone abitudini, come regolare i termostati a temperature ragionevoli, utilizzare le tapparelle per controllare la luce solare o scegliere lampadine a risparmio energetico, può fare la differenza. Immagina un mondo in cui ogni scelta, anche la più piccola, contribuisce a un grande cambiamento.

Ma non è solo una questione di abitudini. È fondamentale investire in interventi mirati che possono trasformare la tua casa in un rifugio energetico. Un cappotto termico per le pareti, finestre moderne con doppi o tripli vetri, e un attento isolamento del tetto possono ridurre significativamente la dispersione termica. Ogni angolo della tua abitazione merita attenzione e cura, e ogni miglioramento si tradurrà in un notevole risparmio economico.

Non dimentichiamo, infine, le opportunità offerte dalle detrazioni fiscali. Chiunque desideri rendere la propria casa più efficiente può beneficiare di bonus e agevolazioni, rendendo il percorso verso il risparmio ancora più accessibile. È un invito a tutti, proprietari, inquilini e condomini, a partecipare a questa rivoluzione energetica.

I ricercatori convertono i sacchetti in particelle molto piccole, note come carbon quantum dots (CQDs), che sono più piccole di un virus. La produzione di queste particelle avviene attraverso l'uso combinato di due metodi: pirolisi e trattamento idrotermale. La pirolisi implica il riscaldamento della plastica senza ossigeno, mentre il trattamento idrotermale consiste nel riscaldare il materiale in acqua sotto pressione.

Durante il processo, viene aggiunto meno del sette percento di perossido di idrogeno per aiutare a decomporre il polietilene, e l'intero procedimento richiede circa dieci ore. Il risultato è una soluzione contenente i CQDs, che brillano sotto la luce UV, diventando fluorescenti. Questo fenomeno di emissione luminosa è dovuto alla struttura degli atomi di carbonio e ai gruppi chimici attaccati alla superficie dei CQDs.

Il bagliore dei sacchetti di plastica riciclati può quindi essere utilizzato per rilevare metalli tossici nell'acqua potabile. Maggiore è l'intensità della luce, minori sono i metalli tossici presenti nell'acqua. I ricercatori hanno testato i CQDs con diversi metalli e hanno osservato che reagiscono specificamente con gli ioni ferrici, evidenziando la presenza di ferro carico di tre. Quando i CQDs si attaccano a questo ferro, il bagliore diventa più debole, indicando una maggiore concentrazione di metallo nell'acqua.

Finora, i sensori sono in grado di rilevare anche concentrazioni di 9,50 micromolari, sufficienti per verificare se l'acqua potabile è contaminata. I risultati dello studio sono stati accurati e ripetibili. Inoltre, i ricercatori hanno analizzato l'efficacia del bagliore dei CQDs usando un parametro chiamato quantum yield, che misura l'emissione di luce rispetto alla luce assorbita. I CQDs realizzati con sacchetti di plastica hanno raggiunto un quantum yield del 10.04%, dimostrando che possono emettere una luce sufficientemente intensa per essere utilizzati come sensori.

Attualmente, i ricercatori credono che questa scoperta possa essere applicata in kit di test per l'acqua portatili a basso costo, grazie all'uso di sacchetti di plastica riciclati come sensori.

Immagini: Teslariu Mihai via Unsplash, Daniele Levis Pelusi via Unsplash, Naja Bertolt Jensen via Unsplash.

Questo articolo è ispirato all'articolo pubblicato su: designboom | architecture & design magazine.

Camminando per le strade del quartiere Nakagyo-ku, ci si imbatte in un panorama di machiya, le classiche abitazioni giapponesi, quando improvvisamente, la Face House rompe il silenzio della tradizione. La sua facciata, che ricorda un volto umano, è una provocazione visiva che invita a riflettere sulla funzione e il significato dell'architettura. Una vera e propria opera d'arte che invita a sorridere.

La concezione di Yamashita è chiara: “Ho cercato di trovare una soluzione semplice ed economica, arricchendo la facciata con dettagli piccoli ma significativi.” E così, la casa si trasforma in un gioco di elementi. Gli occhi sono finestre, il naso è una finestra che lascia entrare la luce, mentre le orecchie, che si rivelano come balconi, si nascondono timidamente alla vista. L’ingresso, che appare come una bocca sorridente, accoglie chiunque voglia scoprire il suo interno.

Un perfetto incrocio tra casa e ufficio, la Face House ha mantenuto nel tempo la sua essenza. Anche se oggi non ospita più il suo progettista, dal 2016 ha trovato nuova vita come galleria d'arte e cartoleria, il Creative Studio & Shop OOO. Qui, viaggiatori e locali si ritrovano, creando una comunità che celebra la creatività e l'innovazione, in un luogo che continua a fare storia.

La Face House non è solo un edificio; è una riflessione su come l'architettura possa giocare con le convenzioni. In un contesto urbano dove tutto sembra immutabile, questo edificio rappresenta una risposta ludica alla modernità, un modo per ricordarci che l'arte e il design possono anche essere divertenti. E così, mentre celebriamo i suoi 50 anni, non possiamo fare a meno di chiederci: quali altre sorprese ha in serbo per noi?

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su share.google.

In questo dialogo ricco di riflessioni, l'architetto esplora le molteplici scale e stili delle opere esposte, sottolineando come ogni forma, ogni curva, racconti una storia unica. La mostra, che si chiuderà il 12 ottobre 2025, è un viaggio attraverso 27 progetti suddivisi in sette capitoli tematici, unendo il passato e il futuro in un abbraccio armonioso.

Yansong ricorda con nostalgia gli anni '90 in China, un'epoca di esplosivo sviluppo culturale e architettonico. “Fino a quel momento, tutto era in mano a istituti di design statali,” racconta. “Ma quel periodo portò un'ondata di possibilità.” E così, MAD ha trovato la sua voce, creando opere tanto audaci da far dubitare i visitatori della loro reale esistenza. “Molti pensavano che fossero proposte speculative,” aggiunge Chen, evidenziando l'impatto visivo delle creazioni di Yansong.

Ma la conversazione non si arresta qui. Yansong riflette sulla necessità di un equilibrio tra tradizione e avanguardia. La sua concezione di una 'Shan Shui city' invita a pensare a una nuova architettura che non dimentica le radici, ma che si proietta verso un futuro luminoso e sostenibile. “Dobbiamo interrogarci su come le nostre città possano riflettere non solo il nostro passato, ma anche il nostro domani,” afferma con passione. La sua progettazione per il Fenix Museum of Migration a Rotterdam è un esempio tangibile di questa visione, dove la storia si fonde con la modernità in un dialogo continuo.

Queste due collezioni, premiate agli Architizer A+Product Awards, rappresentano l'essenza di un ambizioso obiettivo: armonizzare precisione ed espressione. Vibia non si limita a fornire soluzioni di illuminazione, ma offre strumenti che abilitano una nuova narrativa, dove il design della luce diventa parte integrante dell'architettura stessa. La modularità di Bind consente di superare le rigidità tradizionali, permettendo ai designer di comporre la luce come un'opera d'arte, mentre Class, con il suo vetro fluted, crea un'atmosfera calda e accogliente, fondendosi con il paesaggio e trasformando l'ordinario in straordinario.

La Vela, con il suo tetto ondulato che ricorda le vele delle navi, non è solo un edificio; è un invito a esplorare, a connettersi con l'ambiente circostante. La sua struttura in legno massiccio non solo abbraccia l'estetica, ma si impegna anche in una filosofia di sostenibilità, con interni ottimizzati per la luce naturale e un tetto che produce energia attraverso pannelli fotovoltaici.

Questo centro sarà dotato di due auditorium, ampi spazi espositivi, sale riunioni e un ristorante, il tutto incorniciato da facciate in vetro e legno che richiamano le caratteristiche case a graticcio tipiche della Normandia. La facciata più alta, rivolta verso il fiume, si erge come un saluto ai viaggiatori, mentre il lato che guarda verso la città offre rifugi ombreggiati, estendendo il foyer in un paesaggio pubblico a misura d'uomo.

Come un'opera d'arte che si fonde con il suo ambiente, La Vela non è solo un centro congressi, ma un hub culturale che abbraccia tutti coloro che visitano Rouen. Sostenuto da una visione che guarda al futuro, questo progetto è destinato a diventare un simbolo di inclusività e innovazione per la comunità.

Un insieme di dettagli: vendite, acquisti, tecniche e materiali utilizzati, trasformano queste pagine in un diario intimo, un racconto che si snoda come un filo sottile tra emozione e professione. Non è solo un elenco di opere, ma un racconto di esperienze, un archivio di ricordi che testimoniano la passione e la dedizione di un artista moderno, lontano dalle luci della ribalta, ma profondamente presente nel mondo dell'arte.

Ogni opera racchiude in sé non solo la visione del suo creatore, ma anche il dialogo silenzioso con i suoi acquirenti, le storie di chi ha scelto di portare un pezzo di quell'universo nelle proprie vite. Così, le pagine del Libro delle Opere diventano il palcoscenico di un’esistenza dedicata all’arte, dove ogni tratto è un passo, e ogni colore è un’emozione vibrante.

In un mondo che corre veloce, De Lucchi ci invita a fermarci, a riflettere, a osservare. In questo libro, l’arte non è solo un gesto estetico, ma un modo di essere, un modo di raccontare il mondo attraverso gli occhi di un artista che ha scelto di vivere in modo autentico.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Progettato dallo studio Architettura Tommasi, questo spazio retail di 50 metri quadrati è una danza armoniosa tra il patrimonio architettonico e il design contemporaneo. Situato a pochi passi da Piazza dei Signori, il negozio si presenta come un rifugio ludico, dove ogni angolo è pensato per stimolare la curiosità e l’immaginazione dei bambini.

La ristrutturazione ha saputo mantenere il rispetto per l’eredità storica del luogo, integrando elementi moderni che creano un'atmosfera giocosa. Ogni dettaglio, dalla scelta dei materiali all’illuminazione curata da iGuzzini, è stato studiato per trasformare l’esperienza di acquisto in un’avventura. Sedie colorate di Sitland invitano a sostare, mentre le finiture in legno di Artwood raccontano storie di calore e accoglienza.

Ma non è solo un negozio: è un laboratorio di idee, un luogo dove i bambini possono interagire con l'ambiente che li circonda, imparando a scegliere e a sognare. La ristrutturazione è stata curata nei minimi dettagli, dalla selezione dei materiali fino alla restaurazione di elementi preesistenti affidata a Soppelsa, per garantire un equilibrio perfetto tra antico e nuovo.

In questo spazio, il confine tra il gioco e la realtà si dissolve, e ogni visita diventa un'opportunità per scoprire, esplorare e, perché no, anche inventare. Zoii Kids non è solo un negozio di abbigliamento: è un viaggio nel mondo dell'infanzia, dove ogni bambino può sentirsi protagonista di una storia unica.

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Quest'anno, i premi si sono distinti per tre temi principali: la rappresentazione architettonica, i progetti concettuali e le visioni architettoniche. Ogni categoria ha offerto uno spettacolo di creatività, dove l'immagine ferma e in movimento ha preso vita, rivelando l'essenza dell'architettura attraverso fotografie, rendering, disegni a mano e film. I vincitori, scelti da una giuria di esperti tra cui nomi illustri come Steven Holl e Daniel Libeskind, rappresentano una voce potente nel dialogo globale sulla comunicazione del design.

Tra le opere premiate, Tower di ZOA Studio ha conquistato il titolo di Rendering Artist of the Year, mentre Populus di Jason O'Rear ha brillato come Best Photo - Architecture & Details. Ogni progetto è un racconto visivo che sfida le convenzioni spaziali e propone nuove modalità di vivere e costruire. Un'ode alla visione architettonica che non conosce confini.

Oggi, ci troviamo all'alba di una nuova era, dove l'intelligenza artificiale si erge come un architetto invisibile, capace di raccogliere informazioni in un battito di ciglia e di generare immagini su comando. L'AI non è solo uno strumento, è un compagno di viaggio, che ci invita a ripensare il nostro approccio alla creazione. Ci offre efficienza, ma solleva anche interrogativi profondi sull'autorialità e sull'essenza del mestiere. Cosa significa creare, quando il processo può essere accelerato a velocità inimmaginabile?

Il design, nella sua essenza, è un riflesso del nostro tempo. Dalla penna all'AI, ogni evoluzione degli strumenti ha segnato un cambiamento nel nostro modo di pensare e di sentire. L'era post-bellica ha visto la nascita di una semplicità industriale, un minimalismo che rispondeva a necessità di ricostruzione. Oggi, mentre ci abbandoniamo alla potenza dell'AI, la domanda rimane: come possiamo mantenere la nostra voce in un coro di algoritmi?

Caratterizzato da forme morbide e avvolgenti, il divano Anfibio è un invito al relax e alla condivisione. Le sue dimensioni generose e la struttura in acciaio rettangolare offrono una stabilità senza pari, mentre l’imbottitura in poliuretano indeformabile ad alta densità, combinata con fibre acriliche termosaldate, garantisce un comfort che dura nel tempo. Ogni parte è sfoderabile, un dettaglio che riflette l’attenzione al design funzionale e pratico.

Ma il divano Anfibio è molto più di un semplice arredo: è una funzione trasformativa. La sua versatilità lo rende ideale per ogni tipo di spazio, dalla piccola abitazione alla grande sala. Con il suo carattere innovativo, si adatta perfettamente alle esigenze moderne, fungendo da divano, letto e angolo relax, tutto in un unico oggetto. Un vero e proprio camaleonte del design, capace di rispondere alle diverse preferenze del vivere contemporaneo.

Giovannetti, con la sua tradizione artigianale e il suo impegno nella qualità, ha reso Anfibio un simbolo di eccellenza made in Italy. Ogni pezzo è frutto di un amore per il progetto che trascende il tempo e le mode, rendendo questo divano un classico senza tempo.

1. Racconta una storia chiara con la tua presentazione. La tua candidatura deve brillare, e per farlo avrai bisogno di alcuni elementi essenziali: nome del prodotto, data di lancio, descrizione (massimo 300 parole), collaboratori (opzionale), categorie selezionate e risorse grafiche. La descrizione del prodotto è la tua prima occasione per colpire. Mantienila concisa, ma assicurati di comunicare ciò che rende il tuo prodotto unico: non solo di cosa si tratta, ma perché è stato creato e come risponde alle esigenze di architetti, designer e clienti. Mettendo in evidenza funzionalità, scelte materiali e il problema che il tuo prodotto risolve attraverso creatività ed eleganza, potrai catturare l'attenzione della giuria.

2. Scegli le categorie strategicamente. Quest'anno, il programma è strutturato attorno a due importanti gruppi di categorie. Partecipare a entrambe le categorie è il modo migliore per massimizzare le tue possibilità di successo. Rifletti su quali categorie 'Miglior Tipo di Prodotto' si adattano meglio al tuo prodotto, e quali premi 'Migliore dell'Anno' riflettono al meglio l'etica e la missione del tuo brand. I prodotti devono essere disponibili ora o lanciarsi entro il 28 febbraio 2026 per qualificarsi.

3. Adatta la tua candidatura ai criteri di valutazione. Leggere i criteri di valutazione è il primo passo per descrivere i tuoi prodotti e presentarli visivamente. Estetica, prestazioni e impatto sono le tre aree chiave in cui i prodotti saranno giudicati. La giuria valuterà la qualità visiva, la funzionalità tecnica e come il tuo prodotto può influenzare il futuro dell'architettura. Assicurati che la tua candidatura comunichi chiaramente come il tuo prodotto soddisfa questi criteri.

Vincere un A+Product Award non è solo un riconoscimento, ma segna anche il tuo posto tra i leader nel design e nell'innovazione. Preparati a far brillare il tuo prodotto e a condividere la tua visione con architetti e designer in tutto il mondo. Una volta raccolti i materiali per la tua candidatura, puoi inviarli immediatamente. Buona fortuna!

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Immaginate un ambiente in cui il mattoni, il calcestruzzo, l'acciaio e il vetro danzano insieme, creando giochi di ombre e luci. Ogni angolo della Casa MM è pensato per esaltare la bellezza intrinseca dei materiali, rendendo omaggio alla filosofia del gruppo, che predilige l’uso di elementi nella loro essenza più autentica.

La progettazione di questa casa non è solo una questione di estetica, ma un atto di poesia architettonica. Gli spazi sono concepiti per dialogare con l’esterno, per accogliere la luce naturale e per invitare la vita a entrare, creando un’atmosfera di calore e accoglienza. Casa MM diventa così un rifugio, un porto sicuro dove l'armonia regna sovrana.

Ogni dettaglio, dalla scelta dei materiali all’orientamento degli ambienti, è pensato per massimizzare il comfort e il benessere degli abitanti. Ciò che emerge è un'opera che non solo soddisfa le esigenze funzionali, ma che si fa portavoce di un messaggio più profondo: l’architettura può e deve dialogare con il contesto in cui si inserisce.

In un mondo che spesso sembra sovraccarico, Gruppo Lordi Arquitectura ci invita a riflettere sull'importanza di tornare all'essenziale, di riscoprire la bellezza della semplicità. La Casa MM è un manifesto di questa filosofia, un esempio di come l’architettura possa essere al contempo innovativa e rispettosa delle tradizioni.

In conclusione, ogni volta che varchiamo la soglia della Casa MM, ci troviamo di fronte a un invito a sognare, a esplorare e a vivere in armonia con gli spazi che ci circondano. È un viaggio che promette di rimanere impresso nella memoria, un'esperienza che va oltre il semplice abitare.

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Community Creativa Globale

Le proposte dei lettori di designboom offrono ad architetti, designer e creativi una piattaforma per condividere i propri progetti con un vasto pubblico internazionale. Questa iniziativa promuove un dialogo aperto e inclusivo all'interno della nostra comunità creativa globale. Ogni proposta riceve un articolo nella pagina dei lettori di designboom, con i progetti più interessanti selezionati dal nostro team editoriale per una promozione più ampia.

Progetti in Evidenza

HomeBox di Seung Keun Kim

HomeBox è una soluzione di stoccaggio intelligente sviluppata per affrontare i crescenti problemi di furto di pacchi e gestione delle consegne. Questo prodotto unisce durata, sicurezza e connettività in una forma discreta, integrandosi perfettamente con l'ambiente domestico.

Unthinkables! di BBH Singapore

Per celebrare il 60° compleanno di Singapore, BBH Singapore ha introdotto Unthinkables!, un chewing gum legale che sembra e sa di chewing gum ma è realizzato senza una base di gomma.

SELLO di Antonio Lanzillo & Partners

Il SELLO unisce le funzioni di sedia e sgabello in un pezzo innovativo, rispondendo alle esigenze di design contemporaneo.

CANOVA Toothpaste Dispenser di Mara Pezzotta

Un dispenser di dentifricio scultoreo che trasforma la routine mattutina in un rituale di tranquillità.

Electric Beer di Einride Design

Una birra senza alcol consegnata interamente da camion elettrici, simbolo di una fusione tra tecnologia e tradizione birraria.

Heritage di Paged Furniture

Una collezione che riporta in vita un design polacco degli anni '50, reinterpretato per il pubblico contemporaneo.

Fuse di Seung Keun Kim e Wenqi Zheng

Un frullatore personale elegante e intuitivo, concepito per un'esperienza di preparazione fluida e sensoriale.

Se sei ispirato da queste innovazioni, non aspettare! Condividi il tuo progetto con il nostro pubblico globale.

La CLT House nel Regno Unito cattura l'attenzione con la sua vernice giallo banana, avvolgendo un ingresso sovradimensionato. La porta pivotante, con bordi delicatamente arrotondati, si fonde con catene da pioggia in stile giapponese, progettate per minimizzare il disordine visivo dei tubi di scarico, creando così un'armoniosa sinfonia visiva.

In Australia, la 19 Waterloo Street gioca con la sua facciata vibrante grazie a una porta d'ingresso semi-circolare in bronzo fuso, opera dell'artista Mika Utzon-Popov. I suoi corrimano contorti e il design che si inserisce perfettamente nel muro in mattoni danno vita a un'entrata che sembra danzare.

Passiamo ora in Giappone, dove la Hokuriku Residence No. 3 presenta una porta che funge anche da specchio a tutta altezza. Questo ingegnoso ingresso, protetto da un tetto sporgente, si sposa perfettamente con l'estetica industriale della casa, mentre il meccanismo scorrevole offre un'esperienza unica ad ogni apertura.

La Brockley House di Londra reinterpreta la tradizionale porta britannica, adornata da un portico tempestato di colori pastello. La porta verde menta, accarezzata da un tetto rosa, è immersa in un gioco di luce creato da un muro di blocchi di vetro, evocando un'atmosfera di dolcezza e accoglienza.

Negli Stati Uniti, la Lil Shingle si distingue con la sua porta blu baby che aggiunge un tocco di colore all'esterno della casa. Un finestrino circolare e un pianterreno coordinato definiscono l'area d'ingresso, invitando gli ospiti a scoprire il fascino interiore della residenza.

La Yamaguchicho House, con la sua facciata in legno annerito, rischia di nascondere la sua porta d'ingresso. Ma grazie a un astuto box in acciaio invecchiato, il passaggio è ben visibile, senza compromettere l'estetica minimalista.

In Taiwan, la Living Lab si distingue con una porta scorrevole rossa che contrasta vividamente con la storia di un edificio dormitoriale di 90 anni. Questo ingresso è un manifesto di come le tradizioni possano vivere e respirare in un contesto moderno.

La Peckham House a Londra gioca con le forme, invertendo l'arco del fanlight sopra la porta, creando un ingresso che invita a entrare e che rappresenta una casa familiare piena di vita.

Infine, il MMS House a San Paolo, Brasile, sfoggia porte in acciaio verde che si stagliano su un'estetica altrimenti discreta, con un numero civico che svetta sulla parte superiore del telaio, rendendola una presenza che non passa inosservata.

Ogni porta racconta una storia, un carattere, una visione. Scegliere quella giusta significa scegliere come si desidera comunicare al mondo. E tu, quale storia vuoi raccontare attraverso la tua porta d'ingresso?

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Il progetto per il negozio Figlio è un viaggio audace oltre i confini dell'architettura tradizionale. Foguel, designer e artista con un background nella scenografia, infonde nel suo lavoro una sensibilità teatrale, dove i materiali e i simboli si intrecciano in un dialogo continuo. All'interno, i rivestimenti in marmo, i tavoli in legno a forma di cono e le vasi che raccontano ogni gusto di gelato si mescolano in un'esperienza sensoriale senza pari.

Al centro di questo spazio creativo si erge una scultura ibrida di sette metri, un omaggio contemporaneo ai capolavori greco-romani, capace di evocare la grandezza di Michelangelo e le meraviglie dell'antichità attraverso un filtro ironico e postmoderno. L'eleganza di questo eccesso ornamentale trascende il semplice commercio, trasformando il negozio in un ambiente monumentale, dove tecnologia e natura si incontrano in un abbraccio sorprendente.

Foguel, fondatrice di questo studio innovativo a Buenos Aires, celebra così l'architettura come un atto di fantasia. In questo luogo, ciò che di solito si scioglie e svanisce viene immortalato nella pietra, permettendo a ogni visitatore di vivere un sogno che sfida la realtà. Qui, l’architettura non è solo funzionale, ma è un racconto, un gioco intellettuale e istintivo che trasforma il quotidiano in un'opera d'arte.

Il tendone centrale, con la sua superficie interna stampata con un cielo nuvoloso, offre un'illusione di spazio aperto, mentre torri nere alte fungono da sistema di illuminazione e diffusione sonora. Ogni torre è dotata di pannelli luminosi rettangolari che illuminano il catwalk, creando un ritmo visivo che accompagna la sfilata.

I partecipanti si siedono su blocchi cubici, il cui colore richiama la terra, a sottolineare un legame diretto con la natura. Questo design non solo coinvolge il pubblico, ma rappresenta anche la filosofia creativa del direttore artistico Daniel Lee, che ha voluto esplorare il rapporto tra abbigliamento e identità musicale, ispirandosi ai musicisti e ai diversi generi musicali.

La colonna sonora dell'evento, curata da Benji B, include brani storici dei Black Sabbath, simbolo della cultura musicale britannica, rafforzando il legame tra moda e performance musicale. Con un mix di elementi naturali e artistici, Burberry riesce a creare un'esperienza immersiva che celebra l'estate britannica.

Questo progetto rappresenta non solo un'innovazione per il Louvre, tradizionalmente legato alle arti figurative, ma anche un dialogo profondo con il passato e il presente. Les 4 temps, visibile nella Salle de la Chapelle dal 22 ottobre 2025 al 19 gennaio 2026, ci invita a riflettere su come l'arte possa raccontare storie di vita e di luoghi, intrecciando la narrazione con la realtà urbana e le esperienze personali dell'artista.

La collaborazione tra il Louvre e Bourouissa è iniziata nel 2024, attraverso un progetto innovativo che ha visto l'artista gestire l'account Instagram del museo. Ogni settimana, ha condiviso un video che catturava l'essenza dei giardini, trasformando la quotidianità in poesia visiva. Questo dialogo ha dato vita a un'opera autonoma, in cui la colonna sonora è stata creata registrando le vibrazioni delle piante, un'armonia che si fonde con il battito della città.

Mohamed Bourouissa, nato a Blida nel 1978 e oggi una delle voci più promettenti dell'arte contemporanea, utilizza la sua arte per esplorare temi complessi come l'identità, la memoria collettiva e la periferia. Le sue opere, che hanno trovato spazio in prestigiose istituzioni come il Palais de Tokyo e il Centre Pompidou, sono un invito a riflettere sulla nostra esistenza e sulla società che ci circonda.

Questa nuova acquisizione segna un passo significativo nella storia del Louvre, aprendo la strada a un futuro in cui l'arte contemporanea e quella classica possono coesistere e dialogare, arricchendo l'esperienza del visitatore e celebrando la creatività in tutte le sue forme.

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Guidato dallo studio di design SLA, il team SLA comprende anche VITA Engineers, Urban Agency, Aaen Engineering, Pihlmann Architects, Buro Happold, Kerstin Bergendal, Holdbart e Aiming Spaces. Il concetto di "parco naturale" rappresenta una fusione tra paesaggi culturali plasmati dall'uomo e strategie di sviluppo regionale, supportando le comunità locali e promuovendo un uso consapevole del territorio.

Questo progetto si propone di diventare una piattaforma per la ricreazione, l'eco-turismo, l'educazione ambientale, la ricerca e la crescita regionale, rendendo il parco un punto di riferimento per residenti e visitatori.

Per ulteriori dettagli sul progetto, visita ArchDaily Global.

Varcando la soglia, si viene accolti da una palette di colori primari – blu, rosso e giallo – che danzano armoniosamente su un fondo bianco, creando un'atmosfera di calore e vivacità. I pavimenti, rivestiti con piastrelle geometriche, introducono un ritmo ripetitivo che invita a esplorare ogni angolo di questo spazio, dove il design e il cibo si intrecciano in un abbraccio inusuale.

ABRA non è solo un luogo dove gustare prelibatezze, ma un'esperienza sensoriale completa. I dolci non sono esposti in file ordinate, ma presentati come opere d'arte, quasi come prototipi di un processo creativo, incoraggiando i visitatori a riflettere sul significato di ciascuna creazione. La semi-apertura tra la cucina e il negozio permette di osservare il lavoro che avviene dietro le quinte, trasformando ogni visita in una scoperta. Qui, il confine tra produzione e consumo si dissolve, e ogni morso diventa un atto di partecipazione a un rituale di creazione.

In questo angolo di Parigi, il design diventa un compagno insostituibile della gastronomia. Le scaffalature, ornate da oggetti geometrici e stampe, richiamano l'idea di modularità e composizione, mentre la luce naturale che filtra attraverso la facciata in vetro conferisce un senso di apertura e accoglienza. Ogni dettaglio è pensato per stimolare la curiosità, per raccontare una storia che va ben oltre il semplice assaggio.

ABRA è un esempio lampante di come un patisserie possa incarnare un concetto così profondo, dove il gusto si fonde con l'estetica, creando un'esperienza unica e memorabile.

Situato sulla collina piatta di Jinfang, il mercato di Kunming accoglie visitatori ogni giorno, ma come molti mercati, è attivo solo per metà giornata. L'innovativa proposta di D'Arkwave mira a estendere la vitalità di questo spazio, introducendo il concetto di "Park + Market". Così, durante le ore di mercato, l'area vibra di attività, mentre, una volta chiuso, si trasforma in un parco pubblico dedicato alla comunità.

Questa doppia funzionalità non solo ottimizza l'uso dello spazio, ma incoraggia anche l'interazione sociale e la coesione tra residenti e visitatori. Il progetto, completato nel 2021, è un esempio di come l'architettura contemporanea possa rispondere alle esigenze di uno spazio urbano in continua evoluzione.

Scopri di più su questo affascinante progetto e sul lavoro di Studio D'Arkwave visitando il sito ufficiale di ArchDaily.

Un altro caso interessante è WO House in Indonesia, progettata dallo studio Matter of Something. Qui, la rigenerazione urbana ha permesso di trasformare spazi dimenticati in abitazioni eleganti, dimostrando come l'architettura tropicale possa abbracciare la sostenibilità senza compromettere l'estetica.

La MS House di Studio Saransh ad Ahmedabad è un esempio audace di come il brutalismo possa integrarsi con la natura, creando un dialogo unico tra cemento e vegetazione. Questo progetto sfida le convenzioni, mostrando che l'architettura può e deve rispondere alle esigenze ambientali contemporanee.

In un contesto urbano diverso, The V Penthouse al Cairo rappresenta un esperimento di lusso minimalista, dove linee scultoree e stili diversi si uniscono in un'armonia sorprendente. Questo attico è un perfetto esempio di come il design contemporaneo possa essere sia funzionale che visivamente stimolante.

Infine, Casa TB5 a Lisbona invita a riscoprire gli spazi dimenticati, come i giardini, trasformandoli in elementi centrali della vita domestica. La riprogettazione di questo appartamento dimostra come gli interni possano essere adattati per accogliere la vita moderna, mantenendo un equilibrio tra estetica e funzionalità.

In conclusione, i progetti di architettura contemporanea non solo ridefiniscono gli spazi, ma anche il nostro modo di vivere e interagire con l'ambiente. Questi esempi ci ispirano a immaginare un futuro in cui sostenibilità e innovazione siano al centro del design architettonico.

Ispirato all'articolo pubblicato su: www.marmomac.com

Curata da Diana Campbell e incentrata sul tema "Ricette per Cuori Spezzati", la Biennale si svolge nell'arco di dieci settimane in una costellazione di siti recentemente restaurati, tra cui madrasse, caravanserragli e moschee, tutti parte del patrimonio mondiale dell'UNESCO di Bukhara. Oltre a fungere da piattaforma espositiva, la biennale è inserita in un piano di sviluppo più ampio, posizionando la cultura come catalizzatore per la trasformazione urbana e il rinnovamento del patrimonio.

Questo evento rappresenta non solo un'opportunità per scoprire l'arte contemporanea, ma anche un momento cruciale per riflettere sulla storia e sull'identità culturale dell'Uzbekistan. La Biennale di Bukhara non è solo un festival, ma un'esperienza immersiva che invita a esplorare le intersezioni tra il passato e il futuro, tra tradizione e innovazione.

Tuttavia, secoli dopo, questo lascito affronta un destino incerto. Con il declino delle vocazioni religiose a partire dagli anni '60, innumerevoli conventi e monasteri sono stati venduti, distrutti o riproposti come hotel, centri culturali o residenze. Anche quelli che mantengono la loro funzione originale spesso mancano di aggiornamenti strutturali per soddisfare le esigenze contemporanee.

In questo contesto, l'architettura assume un ruolo cruciale: come possono questi spazi essere ristrutturati e riutilizzati senza diventare meri set, privi della spiritualità e della memoria che li caratterizzava? Esploriamo otto progetti innovativi che cercano di rispondere a questa domanda, unendo passato e presente in un dialogo continuo.

Progettata da Susan Marinello e l'architetto dello Smith Architectural Group, Pietra Mare è una fusione di stili, un dialogo tra passato e presente. Ogni stanza è un'opera d'arte, curata nei minimi dettagli per riflettere il desiderio dei nuovi proprietari di vivere in un ambiente che incarna sia la sobrietà che l'eleganza. Con otto camere da letto e quindici bagni, questa residenza di oltre 2600 mq è un vero e proprio palazzo, dove il comfort si unisce alla raffinatezza.

La designer ha saputo valorizzare ogni ambiente, creando spazi che si integrano perfettamente con l'esterno. In questo contesto, il blu intenso dell'oceano e il verde vibrante del giardino si fondono in una palette cromatica che avvolge ogni angolo di freschezza e leggerezza. La luxury pool, incastonata in un peristilio romano, diventa il fulcro di questa meraviglia architettonica, perfettamente attrezzata per resistere alle intemperie degli uragani, grazie a un ingegnoso sistema di drenaggio sotterraneo.

1. Umbra Pavilion di Pauline van Dongen
Una meraviglia architettonica realizzata con heliotex, un tessuto alimentato dal sole. Sotto il suo tendaggio di filati di poliestere riciclato, potrai vivere l'incanto della luce che danza al calar del sole, rivelando un design che sfida le intemperie.

2. Mostra di Laurea della Design Academy Eindhoven
Circa 200 progetti in mostra, realizzati da una generazione di designer che affrontano tematiche ardue come la crisi climatica e la giustizia sociale. Un viaggio attraverso le menti brillanti del domani.

3. Classe del 25
Un'esposizione che celebra il talento di studenti provenienti da università europee, presentando progetti che riflettono il zeitgeist attuale e le ambizioni dei designer di domani.

4. Kruisstraat Design District
Un'esposizione che esplora il concetto di 'interesse essenziale per la cultura olandese', interrogandosi su cosa significhi realmente essere parte di una comunità creativa.

5. In Azione: Kiki & Joost e Amici
Due compleanni in una grande celebrazione, dove arte e design si mescolano in un vivace parco giochi creativo, presentando opere audaci e tappeti di esperimenti.

6. Workshop Wanted di Teun Zwets
Un progetto che denuncia le difficoltà degli artigiani indipendenti nel trovare spazi di lavoro accessibili, carico di ironia e provocazione.

7. Gaza Travel Agency
Un'agenzia di viaggio speculativa che porta alla luce il diritto al ritorno dei palestinesi, un'iniziativa che utilizza il design come strumento di giustizia e dignità.

8. Redesigning Design Weeks
Un ciclo di eventi che mette in discussione l'impatto sociale ed ambientale delle settimane del design, invitando a riflettere su come queste manifestazioni possano connettersi meglio con le città che le ospitano.

9. Show Not Show
Un'esposizione che esplora la fase concettuale nel design, un invito a comprendere il processo creativo prima che il prodotto finale prenda forma.

10. Forward Furniture
Una mostra dedicata al design di mobili futuristico, con partecipazioni internazionali che promettono di stupire e ispirare.

La Dutch Design Week 2025 non è solo un evento, è un'esperienza da vivere, un invito a riflettere e a immaginare. Non perderti questa opportunità di essere parte di qualcosa di straordinario!

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Tan, fondatore dello studio Tan Architecture, ha colto l'occasione per celebrare la vita di città, creando aperture alte e strette che garantiscono un equilibrio tra privacy e connessione con l'ambiente urbano. "Questo sito presentava un'opportunità unica per costruire una casa che interagisse direttamente con il marciapiede," ha dichiarato Tan, evidenziando l'importanza dell'interazione faccia a faccia tra i residenti e i passanti.

L'architettura di Melville è stata progettata per rispondere a una modifica del livello terreno di 1,2 metri, che ha permesso di elevare il piano terra e di sostituire un vecchio accesso per veicoli con un nuovo marciapiede. All'entrata, un corridoio metallico conduce a un garage per biciclette, mentre all'interno, una breve scala porta alle aree abitative, divise in una zona pubblica, rivolta verso la strada, e una zona privata che si affaccia su un giardino posteriore.

La disposizione degli spazi è stata studiata per massimizzare la funzionalità: il soggiorno si trova nella parte anteriore della casa, mentre la cucina e la sala da pranzo si affacciano sul patio del giardino, grazie a una porta scorrevole in vetro che apre l'ambiente verso l'esterno. Al primo piano si trovano le camere per i bambini e uno studio, mentre la camera matrimoniale è collocata in un volume metallico al secondo piano, con accesso a un deck privato.

Per garantire la privacy degli abitanti, Tan ha progettato finestre che limitano la visibilità diretta dalla strada, conservando al contempo una connessione visiva con l'ambiente circostante. L'uso di vetri doppi spessi e rivestimenti in mattoni contribuisce a ridurre il rumore del traffico, creando un rifugio sereno in un contesto urbano vivace.

Gli interni di Melville sono caratterizzati da un design minimalista, con pareti bianche e pavimenti realizzati in legno recuperato, riflettendo un'estetica sobria e contemporanea. Questa casa non è solo un'abitazione, ma un esempio di come l'architettura possa rispondere alle esigenze della vita urbana, creando spazi che incoraggiano interazioni sociali e un senso di comunità.

Con Melville, Jos Tan dimostra che è possibile costruire in modo intelligente e responsabile, celebrando la vita di città e contribuendo a un ambiente urbano più coeso e interattivo.

Il primo passo è stato l'illuminazione. Ho sostituito i lampadari pesanti con una lampada leggera in bambù, permettendo alla luce di diffondersi in modo naturale e di alleggerire l'ambiente. È sorprendente come un semplice cambio di fonte luminosa possa cambiare la percezione di una stanza, portando un equilibrio nuovo.

Il secondo intervento ha riguardato i tessili. Sostituendo tende pesanti con tessuti leggeri in lino naturale, ho visto la stanza aprirsi e respirare. Non era necessario cambiare i divani; bastava giocare con i colori e le texture per eliminare quel senso di pesantezza.

Successivamente, ho affrontato le pareti. Ho optato per tonalità moderne come il verde salvia e il bordeaux profondo, piuttosto che il tradizionale bianco. Anche solo una parete di contrasto ha spezzato la monotonia, rendendo i mobili più interessanti e vivaci.

Un altro dettaglio fondamentale sono state le maniglie. Sostituendo i pomelli con versioni moderne in ottone satinato, ho conferito ai miei pezzi classici un tocco di freschezza. È sorprendente come un piccolo cambiamento possa avere un impatto così grande sulla percezione di un mobile.

Infine, ho aggiunto complementi di design che dialogano con il classico: uno specchio dorato e un tavolino in vetro hanno trasformato la prospettiva della stanza, creando un contrasto affascinante che valorizza l'arredamento esistente. Dettagli come stampe moderne e piante in vaso dal design pulito completano il quadro, arricchendo l'identità della casa senza rinnegare il passato.

In conclusione, il risultato non è stato una rivoluzione, ma un'armonizzazione. La casa ha mantenuto il suo calore e la sua presenza, ma ora convive con elementi freschi e moderni che ne esaltano la bellezza.

Zero House, Regno Unito

La Zero House è la casa di Londra del duo musicale Rae Morris e Ben Garrett, che hanno ristrutturato questa proprietà di metà secolo. I pavimenti in mahogany sottile rivestono il camino a tutta parete, accentuato da un divano arancione bruciato e soffitti in legno di tonalità rossastra. Le porte scorrevoli a tutta altezza offrono una vista sul lussureggiante giardino con i suoi numerosi alberi.

Appartamento di Parigi, Francia

Lo studio Atelier HA ha utilizzato il colore come elemento strutturale in questo appartamento parigino, situato in un edificio ottocentesco. Un bancone da cucina a strisce definisce il tono dello spazio open-plan, caratterizzato da arredi morbidi in arancione e elementi luminosi in verde brillante.

Tidal House, Scozia

La Tidal House è una casa costiera sulla Solway Coast, costruita dallo studio Brown & Brown. L'apertura dell'area living open-plan con pareti cremisi e divani marrone nocciola crea un'atmosfera accogliente, attorno a un camino sospeso di grande impatto.

Shadow House, Australia

Realizzata dallo Grotto Studio, la Shadow House è un'estensione in legno bruciato di un cottage luminoso a Perth. L'area living open-plan è caratterizzata da pannelli in legno chiaro e opere d'arte rosse, illuminate da una finestra clerestory.

Hybrid House, India

Situata ai piedi dei monti Aravalli in Rajasthan, la Hybrid House di Sketch Design Studio presenta un'ampia area living open-plan con pareti in intonaco di calce e pavimenti in terracotta, arricchita da dettagli in kolam e piante verdi che aggiungono un tocco di freschezza.

Casa Magarola, Spagna

Lo studio Raúl Sánchez Architects ha scelto un intonaco di tonalità arancione bruciato per la facciata della Casa Magarola, ripetendo il colore all'interno con telai di finestre e una scala a chiocciola drammatica.

Somers House, Australia

Costruita dallo studio Kennedy Nolan, la Somers House è caratterizzata da una palette di colori terrosi progettata per evocare un senso di pace, con toni di sughero e piastrelle marrone violaceo che dominano il design.

Courtyard House, USA

La Courtyard House, progettata da No Architecture, presenta un giardino centrale con alberi decidui. All'interno, un grande tappeto arancione completa l'area living open-plan, armonizzandosi con l'ambiente circostante.

Questo è l'ultimo della nostra serie di lookbook, che fornisce ispirazione visiva dall'archivio di Dezeen. Per ulteriori idee, consulta i precedenti lookbook dedicati a cucine in marmo, bagni in terrazzo e case in ex fabbriche.

Curata con passione da Dr. Souraya Noujaim e Dr. Carine Juvin, l'esposizione presenta oltre 270 opere esclusive, provenienti da 34 istituzioni di tutto il mondo. Oggetti che spaziano dai metalli preziosi ai manoscritti, dai tappeti alle ceramiche, rivelano un linguaggio visivo che continua a risuonare con il design contemporaneo. Juvin sottolinea che i Mamluks erano grandi designer, capaci di trasformare colori vivaci e geometrie complesse in opere di straordinaria bellezza.

La mostra si apre con un teatro delle ombre, un richiamo alle forme di intrattenimento popolare del tempo, immergendo i visitatori nella storia affascinante di questi sovrani. Dalla loro origine come giovani schiavi a una posizione di potere a Cairo e Damasco, i Mamluks sono diventati architetti della cultura e dell'arte, creando oggetti che non solo adornavano i palazzi ma narravano storie di potere e autorità.

Ma l'esposizione non si limita ai soli sovrani; essa esplora anche una società più complessa, evidenziando il contributo di donne influenti e minoranze religiose. Manoscritti commissionati da donne e oggetti decorati con motivi distintivi ci raccontano di un'arte che abbraccia diverse culture, rendendo omaggio alla ricchezza e alla diversità della società mamluka.

La scenografia dell'esposizione, arricchita da schermi interattivi e dettagli architettonici, invita il pubblico a esplorare storie individuali all'interno di una narrazione più ampia. Il culmine di questo percorso è rappresentato dal Baptistero di San Luigi, un capolavoro del XIV secolo che incarna la fusione tra arte islamica ed europea, simbolo della mobilità degli oggetti e della potenza del design nel superare le barriere culturali.

Con questa esposizione, il Louvre Abu Dhabi si propone di connettere le civiltà, rivelando la complessità e la ricchezza della storia dei Mamluks. È un invito a riflettere su come il loro passato possa ancora influenzare il nostro presente e futuro. Un'esperienza da non perdere, che promette di illuminare le menti e sorprendere i cuori.

Organizzato in un lungo anello che segue il corso del fiume e la viabilità circostante, il padiglione non è un ostacolo, ma un interfaccia spaziale che favorisce l’incontro tra l’uomo e l’ambiente. Le sue moduli, realizzati in acciaio corten, si elevano sopra il suolo, creando un passaggio permeabile che invita la luce e la pioggia a danzare all’interno, mentre le forme si alternano in un ritmo di compressione e rilascio.

Attraverso quattro episodi spaziali - Pleasant, Powerless, Serendipitous e Expansive - il visitatore è guidato in un viaggio che evoca le varie fasi della vita di Su Shi. Si inizia con un piazzale d’ingresso che, con la sua pavimentazione in ghiaia e bordi di bambù, accoglie dolcemente, preparando l’anima a ciò che verrà. Poi, un corridoio di acciaio corten si stringe in un abbraccio, dove la luce filtra attraverso aperture sottili, rendendo ogni passo un momento di riflessione.

Alla fine del percorso, un padiglione circolare ospita un’installazione floreale dell’artista Chen Zhuo. Un omaggio alla natura, dove l’acciaio inossidabile riflette il mondo esterno, mentre una luce zenitale incornicia il fogliame di bambù, segnando la transizione da uno spazio chiuso a uno aperto.

Infine, il loop si espande verso il fiume, dove altalene di rete metallica si affacciano sull’acqua. Qui, il paesaggio aperto, la luce naturale e le superfici riflettenti creano un contrasto con l’intimità del corridoio, simbolizzando il passaggio dall’angustia alla libertà.

Attraverso il Floral Wander Loop, DL Atelier non solo costruisce uno spazio, ma intreccia una narrativa storica con il linguaggio architettonico contemporaneo, trasformando la poesia di Su Shi in una forma tangibile. È una celebrazione della vita, della natura e della bellezza intrinseca dell’architettura, un luogo dove ogni passo è una scoperta.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Diretto da Jim Venturi, figlio della coppia, il film sarà proiettato all'Auditorium del MAXXI e invita gli spettatori a immergersi in una narrazione che attraversa oltre cinquant'anni di successi e sfide. La visione innovativa di Robert e Denise ha cambiato il modo in cui percepiamo edifici e spazi urbani, introducendo un approccio che abbraccia la complessità e l'ironia, in netto contrasto con il rigore del modernismo.

Il documentario non si limita a esplorare le opere iconiche della coppia, come la Sainsbury Wing della National Gallery di Londra, ma si addentra anche nei loro momenti di vita quotidiana, rivelando l'intimità del loro rapporto. Attraverso interviste, materiali d'archivio e una colonna sonora che spazia da Serge Gainsbourg a Thelonious Monk, Stardust si presenta come una sinfonia visiva che riflette la bellezza dell'ordinario.

Jim Venturi ci regala uno sguardo profondo sulla vita dei suoi genitori, rivelando i battibecchi creativi e le intuizioni geniali che hanno caratterizzato la loro carriera. La loro storia è un atto di giustizia verso Denise Scott Brown, spesso trascurata nel riconoscimento del suo contributo, un’ingiustizia che ha segnato la loro vita professionale. Durante il film, si evidenziano anche le scelte radicali, come il celebre viaggio a Las Vegas, che ha segnato un punto di svolta nella storia dell'architettura.

Questa anteprima è particolarmente significativa in quanto coincide con il centenario della nascita di Robert Venturi, un legame che trasforma l'evento in un omaggio alla sua eredità. La bellezza architettonica e la complessità della vita di Roma hanno influenzato profondamente il pensiero di Venturi, rendendo questo film un tributo alla città che ha ispirato il suo viaggio creativo.

Con una durata di 85 minuti, Stardust si propone di restituire all'architettura il suo volto più umano, mostrando come ogni teoria si fondi su vite vissute e scelte difficili. È un invito a riflettere su come l'arte possa fiorire anche nei margini, come una storia d'amore che abbraccia la grandezza nell'ordinario.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Situato lungo la storica Guangling Road, il Jiangnan House si distingue per la sua straordinaria diversità architettonica. Qui, antichi edifici in legno si alternano a strutture più recenti, creando un dialogo visivo che racconta il passato e il presente della città. Ogni angolo, ogni facciata, è un invito a esplorare, a scoprire l'anima di un luogo che ha visto passare secoli.

L'architettura di questo progetto non è solo un esercizio di stile, ma un manifesto di sostenibilità e innovazione. Grazie al lavoro di un team di esperti coordinati da Shuhei Aoyama e Yoko Fujii, il Jiangnan House non solo accoglie gli ospiti in un ambiente raffinato, ma si impegna anche a preservare il patrimonio culturale. Le ristrutturazioni degli edifici esistenti sono state eseguite con la massima cura, garantendo che la storia di Yangzhou continui a vivere.

Ogni dettaglio è pensato per offrire un'esperienza unica, che va oltre il semplice soggiorno in hotel. Dalla sauna al design degli interni, ogni elemento è stato concepito per evocare emozioni, per trasportare i visitatori in un viaggio sensoriale che celebra la bellezza dell'architettura e della natura circostante.

La Cité Radieuse di Marsiglia, completata nel 1952, è un simbolo di questo ideale. Qui, un duplex di tipo G, abbracciando 127 metri quadrati di spazio, racconta storie di comunità e innovazione. Con un ingresso che si apre su un soggiorno dal soffitto alto, il design curato da Charlotte Perriand invita la luce e il mare a entrare, mentre una scala di Jean Prouvé conduce verso un’area notte che svela stanze per i bambini, ognuna pensata per stimolare la creatività e il gioco.

Proseguendo verso la capitale francese, il Molitor, un edificio che sfida il tempo con la sua facciata interamente vetrata, offre un appartamento ristrutturato di 112 metri quadrati, un angolo di modernismo che si affaccia sullo stadio Jean Bouin. Ogni dettaglio, dai materiali di alta qualità alle linee geometriche, è un omaggio al genio di Le Corbusier, creando un equilibrio perfetto tra funzionalità e estetica.

Infine, a Ginevra, il Clarté, noto anche come Maison de Verre, rappresenta l’essenza della modernità. Con 169 metri quadrati di spazio ristrutturato, l'appartamento conserva l'anima corbusiana attraverso volumi generosi e design innovativo. Qui, la luce gioca attraverso le facciate in vetro, rendendo ogni momento una celebrazione della bellezza architettonica.

Questi appartamenti non sono semplicemente immobili; sono la possibilità di vivere un'esperienza quotidiana immersa nel design moderno, di fare parte di una comunità che abbraccia il passato e il futuro. Scegliere uno di questi spazi significa non solo abitare, ma anche contribuire a mantenere viva la storia di Le Corbusier, trasformando idee audaci in realtà quotidiane.

In lista troviamo anche la restaurazione di una torre remota del XVI secolo, un hub educativo presso l'Università di Edimburgo e un progetto di rigenerazione di uno spazio pubblico. Questi edifici non solo offrono funzionalità, ma raccontano anche storie e culture locali, contribuendo a migliorare la comunità.

Inoltre, questa settimana, sono stati svelati render di un'arena per le arti marziali miste, progettata per essere costruita nel 2026 nel South Lawn della Casa Bianca. La struttura conterrà circa 5.000 spettatori e avrà un design innovativo con un arco coperto di luci.

In altre notizie, il presidente Donald Trump ha annunciato una tassa del 30% sui mobili imbottiti importati negli Stati Uniti, con l'obiettivo di limitare l'importazione di mobili stranieri.

Infine, lo studio di architettura Foster + Partners ha presentato un progetto per un edificio in legno curvilineo in Svizzera, che si ispira alle strade sinuose e ai contorni delle montagne circostanti.

La settimana si è conclusa con progetti che hanno catturato l'attenzione dei lettori, tra cui un complesso di edilizia sociale verde pastello a Barcellona e una serie di cabine a specchio in Oregon. Questi progetti dimostrano come l'architettura possa rispondere alle esigenze contemporanee e al contempo essere esteticamente appagante.

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Progetti che abbracciano tecnologie semplici, materiali locali e processi partecipativi ci insegnano che costruire può essere anche un atto educativo. Le strutture non sono più semplici contenitori, ma spazi di insegnamento reciproco, dove architetti e residenti si uniscono per condividere conoscenze e abilità, trasformando l'atto di costruire in un processo di apprendimento collettivo. Così come l'arrivo delle rondini annuncia la primavera, anche un singolo progetto esemplare può essere il seme di un cambiamento più grande.

Un esempio luminoso è la Scuola Primaria di Gando in Burkina Faso, dove l'architetto Diébédo Francis Kéré ha utilizzato blocchi di terra compressa prodotti localmente, coinvolgendo la comunità nella costruzione. Non si è trattato solo di erigere aule, ma di lasciare in eredità un'officina di costruzione funzionante, un laboratorio di competenze che ha rafforzato la comunità e ha permesso di replicare il modello altrove.

Analogamente, la Scuola Secondaria CEM Kamanar in Senegal ha visto la partecipazione attiva di mastri muratori e giovani del luogo, che hanno appreso tecniche costruttive tradizionali attraverso un processo che ha unito le risorse locali e le necessità della comunità. Questo tipo di architettura non importa modelli stranieri, ma cerca di fortificare pratiche locali e risorse disponibili, in un abbraccio che sa di casa.

Il Centro di Salute Rugerero in Rwanda, progettato da ASA Studio, ha dimostrato come l'architettura possa diventare un motore di trasformazione sociale. Qui, la costruzione è stata un'opportunità di formazione, dove la comunità ha appreso mestieri come la muratura e la falegnameria, creando le basi per futuri progetti collettivi. Allo stesso modo, in Brasile, il progetto USINA CTAH ha riunito famiglie in cooperative, trasformando ogni fase della costruzione in un momento di solidarietà e formazione tecnica.

In questo contesto, l'architettura si fa carico di un compito essenziale: diventare una pratica rigenerativa, capace di plasmare non solo spazi, ma anche persone. I progetti che funzionano come 'scuole di costruzione' non solo diffondono conoscenze, ma riducono le dipendenze esterne, lasciando un'eredità duratura. Ogni edificio può diventare un ambiente di apprendimento, un luogo dove le comunità possono crescere e prosperare.

In Perù, l'Associazione Semillas para el Desarrollo Sostenible ha dato vita a progetti che incarnano questa filosofia. Le scuole e i laboratori costruiti in contesti remoti dell'Amazzonia sono il risultato di workshop partecipativi che combinano conoscenze vernacolari con innovazioni sostenibili. Questi progetti non solo rafforzano la resilienza sociale e ambientale, ma trasformano il processo di costruzione in un atto di educazione condivisa e custodia collettiva.

In un'epoca di incertezze, gli architetti sono chiamati a essere mediatori tra conoscenze diverse, a formare lavoratori e a fornire soluzioni capaci di resistere al tempo e alla scarsità. La vera bellezza dell'architettura, quindi, risiede nella sua capacità di unire le persone in un processo continuo di apprendimento e emancipazione. Costruire conoscenza, non solo strutture, è la sfida che ci attende.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

La nuova estensione della casa, un volume di 22.5 metri quadrati, si apre verso il mondo esterno, accogliendo una cucina e una luminosa sala da sole. Il tetto a doppia falda, che dà il nome al progetto di Twin Pitches, è stato concepito per essere non solo funzionale, ma anche esteticamente gradevole, con una struttura in legno lasciata esposta e trattata con olio di lino. Questo dialogo tra materiali naturali e scelte costruttive sostenibili si riflette in ogni angolo della casa, dove il cartongesso lascia spazio a finiture in calce e legno.

Ogni superficie è stata pensata per evocare calore e comfort, mentre il design degli interni si è arricchito di tocchi audaci e colori vivaci. I dettagli, come il muro divisorio color verde scuro che richiama il camino originale, raccontano una storia di continuità e rispetto per il passato. E così, una casa che prima sembrava sofferente, oggi si erge con orgoglio, vestita di giallo e circondata da un'aura di vivacità e serenità.

La mia esperienza nel mondo dell’architettura mi ha insegnato che ignorare gli aspetti economici può portare a situazioni complicate. All'inizio della mia carriera, mi sono concentrato esclusivamente sul design, convinto che fosse l'unica cosa che contasse. Tuttavia, un giorno, sentendo una conversazione casuale su un progetto che era andato oltre il budget, ho capito che la mia ignoranza finanziaria poteva avere conseguenze dirette sul mio lavoro.

In un ambiente in cui la creatività è spesso vista come contrapposta al denaro, ho scoperto che la conoscenza delle dinamiche finanziarie non solo non limita l'immaginazione, ma la potenzia. Ho iniziato a pormi domande: come venivano stabiliti i costi? Quali erano le aspettative in termini di tempistiche e budget? Ogni risposta mi ha avvicinato a una comprensione più profonda del mio ruolo, non solo come designer, ma come parte di un sistema più grande.

Quando ho deciso di unirmi a uno studio più piccolo e collaborativo, ho trovato un ambiente in cui l'alfabetizzazione finanziaria era parte integrante della cultura aziendale. Qui, ho potuto partecipare attivamente alla discussione sui budget, contribuire alle proposte e capire come ogni decisione economica influenzasse il nostro lavoro creativo. Questa nuova consapevolezza ha trasfigurato la mia carriera, portandomi a ruoli di maggiore responsabilità.

La chiave per una professione architettonica sostenibile è quindi l’integrazione di una solida formazione finanziaria. Non si tratta solo di gestire i numeri, ma di sviluppare una visione strategica che permetta di affrontare le sfide del settore. Quando gli architetti comprendono le forze economiche che influenzano il nostro lavoro, possiamo non solo migliorare la nostra carriera, ma anche contribuire a un cambiamento positivo nell’intera industria.

In conclusione, abbracciare il lato business dell'architettura non è solo una necessità; è un'opportunità per crescere e innovare. Se vogliamo che il nostro settore prosperi, dobbiamo normalizzare l'alfabetizzazione finanziaria come parte della formazione architettonica. Solo così potremo costruire un futuro in cui creatività e sostenibilità possano coesistere.

La verità è che il design non è un gioco da ragazzi. Non è un semplice atto di creatività, ma una battaglia quotidiana contro la superficialità di chi crede che chiunque possa costruire un sogno. Ogni progetto richiede tempo, sudore e, sopra ogni cosa, un rispetto profondo per le persone che vivranno e lavoreranno in quegli spazi. Tuttavia, la pressione di budget ristretti e scadenze serrate può portare a compromessi dolorosi, dove la salute dell'architetto e l'integrità del progetto possono essere messe in discussione.

Ma ecco che l'intelligenza artificiale entra in scena, come un alleato silenzioso e potente. Attraverso algoritmi intelligenti e strumenti di progettazione avanzati, l'AI offre nuove opportunità per ottimizzare il processo creativo. Può ridurre i tempi di realizzazione, migliorare la precisione e, in ultima analisi, elevare la qualità del design. Non si tratta solo di lavorare più velocemente, ma di lavorare meglio, di riscoprire il valore intrinseco del nostro lavoro e di restituire all'architettura il suo giusto prestigio.

In questo momento cruciale per il nostro settore, è fondamentale abbracciare l'innovazione senza dimenticare la nostra missione: creare spazi che migliorano la vita delle persone. È così che possiamo rompere il ciclo di sacrifici e ristabilire il legame tra design e società, riscoprendo il vero valore di ciò che costruiamo.

La regione di Phan Rang–Tháp Chàm, spesso definita il "Deserto del Vietnam", è caratterizzata da un clima estremo: nove mesi di sole cocente e una terra che sembra parlare attraverso i suoi massi e le sue rocce. Ma in questo paesaggio inospitale, la Phan Rang House si presenta come un simbolo di vita, una casa che non teme le avversità ma le sfrutta per creare uno spazio unico.

Con una superficie di soli 104 m², il progetto, completato nel 2023, è un esempio di come l'architettura possa integrarsi perfettamente con il contesto naturale. I materiali utilizzati, scelti con cura per resistere alle intemperie, raccontano una storia di sostenibilità e rispetto per l'ambiente. Ogni angolo della casa è pensato per catturare la luce, per riflettere il calore e per trasformare l'esperienza di vivere in un luogo così estremo in un'opportunità di contemplazione e bellezza.

Le fotografie di Quangdam immortalano non solo la struttura ma anche l'anima di questo luogo, dove l'architettura si fa arte e l'arte si fa vita. La Phan Rang House non è solo un'abitazione; è un manifesto di speranza, una dichiarazione di come l'innovazione possa prosperare anche nei contesti più difficili.

Con l'aumento del numero di studenti, il college ha sentito la necessità di trovare nuove soluzioni per rispondere alle esigenze educative e alle attività extracurricolari. Così, il direttore del college, Janet Gardner, ha invitato i direttori di Studio DERA, Max Dewdney e Marcel Rahm, a reimaginare quello che era un tempo un luogo di svago in un centro di apprendimento innovativo. Attraverso una serie di workshop e consultazioni con educatori e studenti, gli architetti hanno creato un progetto che riflette le reali necessità del campus.

Il risultato è un luogo di 994 metri quadrati, suddiviso in cinque zone di apprendimento, ciascuna progettata per supportare stili di insegnamento diversi e gruppi di varie dimensioni. Un palcoscenico elevato è stato collocato all'estremità profonda della piscina, fungendo da fulcro per conferenze e spettacoli, mentre una nuova sala informatica sfrutta l'altezza originale della piscina per offrire un'infrastruttura digitale all'avanguardia. L'illuminazione naturale è stata massimizzata grazie all'ampliamento delle finestre, che ora portano luce e calore nel cuore dello spazio.

Le scelte materiali sono state guidate da principi di bassa emissione di carbonio e circolarità. Sono stati utilizzati legni certificati FSC, pannelli acustici riciclati e finiture a basse emissioni di VOC. Studio DERA ha lavorato per garantire che ogni elemento del design fosse in armonia con le esigenze operative, creando un ambiente che non solo è bello, ma anche funzionale e sostenibile. "Volevamo che questo spazio fosse un luogo che elevasse l'apprendimento degli studenti e la funzionalità del personale, portando gioia e ispirazione", ha affermato Dewdney. La piscina, ora rinata, rappresenta l'esempio perfetto di come la riqualificazione possa rinnovare l'architettura educativa in modo sostenibile e innovativo.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

La scultura, che trasforma i dati climatici in una forma tridimensionale, invita i visitatori a interagire visivamente e concettualmente. Entrando nel museo, l'attenzione viene subito catturata dalla vasta rete di Echelman, composta da fibre intrecciate e spliccate a mano, che si estendono in sfumature di arancione e blu, creando un soffitto di colori sopra la scala.

La rete multistrato genera una sensazione di movimento mentre la luce naturale filtra attraverso durante il giorno, e l'illuminazione programmata attiva l'opera dopo il tramonto, proiettando riflessi morbidi sulle pareti circostanti.

Questa installazione è il risultato di una partnership intensiva tra Echelman e Mueller, il cui lavoro nel gruppo Digital Structures del MIT ha informato l'innovazione strutturale del progetto. Insieme, hanno sviluppato una nuova tecnologia che amplia le possibilità geometriche delle forme basate sulla tensione, dimostrando come l'ingegneria architettonica possa fondersi con l'espressione artistica.

La forma di Remembering the Future trae ispirazione dai dati climatici che coprono l'ultima era glaciale fino alle proiezioni di futuri potenziali. Il climatologo del MIT, Raffaele Ferrari, ha fornito supporto alla modellazione dei dati, utilizzando un emulatore di modelli climatici per simulare i cambiamenti regionali in temperatura e atmosfera.

Accanto all'installazione, un chiosco digitale creato da Mueller consente ai visitatori di esplorare le dinamiche strutturali dell'opera. Attraverso un'interfaccia interattiva, gli ospiti possono regolare una versione virtuale della rete, osservando come tensione e equilibrio rispondono ai loro input, rivelando i principi ingegneristici che stabilizzano la scultura.

Questo lavoro segna l'inizio della stagione tematica TIME del MIT Museum, un programma annuale che esamina la natura del cambiamento temporale attraverso arte, scienza e tecnologia.

La collezione si ispira all'idea che la celebrazione non richiede un'occasione speciale, invitando tutti a creare momenti di gioia e connessione secondo le proprie modalità. Il primo pezzo svelato, il “trono” per le polpette svedesi, rappresenta la fusione tra l'arte del design e la convivialità.

Forme scultoree e colori audaci

La collezione di Gustaf Westman è caratterizzata da forme curvilinee e una palette di colori audaci. Le tonalità di rosso e verde richiamano il design festivo tradizionale, mentre il rosa bubblegum e l'azzurro baby offrono una reinterpretazione moderna e gioiosa. I piatti con bordi quadrati e fondi arrotondati creano una coesione simile a un mosaico, mentre una tazza e piattino di grandi dimensioni per il glögg evoca i ricordi d'infanzia di Westman legati alla generosità festiva.

Le lampade e i portacandele presentano un'inventiva scultorea, richiamando le forme dei piatti e aggiungendo un tocco di modernità alla tradizione svedese. L’oversized cup-and-saucer set è pensato per ospitare biscotti e creare un'atmosfera calda e accogliente.

Un Designer per una Nuova Generazione

Maria O’Brian, leader del Range Identity di IKEA, sottolinea che l'approccio di Gustaf al colore e alla forma è in perfetta sintonia con la filosofia del marchio. Westman, con la sua audace espressione creativa, ha saputo rendere il suo lavoro accessibile a un pubblico più ampio.

Questa collezione rappresenta non solo la prima collaborazione di design di prodotto di Westman, ma anche un invito a celebrare la bellezza della quotidianità con oggetti che non solo sono funzionali ma anche pieni di vita e carattere.

In conclusione, la collezione IKEA x Gustaf Westman non è solo un insieme di stoviglie, ma un vero e proprio manifesto di gioia e connessione quotidiana.

Scopri di più su questa emozionante collezione visitando il sito di IKEA.

Chi arriva a Venezia dalla laguna, non può immaginare la meraviglia che si cela dietro la facciata palladiana della chiesa del Santissimo Redentore. Dopo secoli di chiusura e il devastante evento dell'acqua granda del 2019, il giardino è tornato alla comunità grazie alla Venice Gardens Foundation e alla visione della comunità francescana. Questo luogo non è solo un giardino, ma un vero e proprio spazio di meditazione e riflessione.

Adele Re Rebaudengo, presidente della Venice Gardens Foundation, sottolinea l'importanza di restaurare un giardino come atto culturale e spirituale: “Restituire un luogo alla comunità urbana è fondamentale per creare spazi di incontro e ispirazione.” Il Giardino del Redentore incarna questa filosofia, proponendosi come un rifugio di pace interiore, in perfetta armonia con la natura.

Il restauro ha visto la piantumazione di circa 2.500 piante, tra cui cipressi, ulivi ed erbe officinali, secondo un progetto studiato da Paolo Pejrone. Un pergolato a forma di croce, realizzato con travi in castagno, ospita rose, glicini e viti, ripristinando la tradizione dell’orto-giardino monastico. Inoltre, il giardino mantiene un’anima produttiva con orti e un apiario, i cui frutti vengono utilizzati nel caffè interno, in linea con le antiche ricette conventuali.

Il restauro ha coinvolto anche gli edifici annessi, creando spazi per mostre tematiche e cappelle di meditazione, preservando l’essenza del luogo. La “sacca est”, un giardino ottocentesco affacciato sulla laguna, offre un punto panoramico ideale per osservare il tramonto, un invito a fermarsi e riconnettersi con la propria interiorità.

Il Giardino del Redentore rappresenta non solo un ecosistema complesso e delicato, ma anche un simbolo di sostenibilità e responsabilità verso la comunità e i visitatori. In un mondo che corre, questo giardino ci ricorda l’importanza di trovare momenti di pace e riflessione. È un luogo dove il tempo sembra fermarsi, permettendo di riscoprire il valore della bellezza e della spiritualità.

Il progetto si estende su una superficie di 150 m² e si distingue per l'utilizzo del legno, un materiale che non solo contribuisce all'estetica ma anche alla sostenibilità dell'edificio. La Cour Retreat è stato concepito pensando al rispetto per l'ambiente, integrandosi perfettamente nel paesaggio senza alterarne la bellezza.

Il team di design, composto da Jesper Korf, Lars Bo Poulsen e Ole Brandt, ha collaborato con ingegneri esperti come Kristian Møller di Møller & Jakobsen ApS e Peter Christensen di Keld og Johs, per garantire che ogni aspetto del progetto fosse curato con attenzione. Questo rifugio rappresenta un esempio di come l'architettura possa armonizzarsi con l'ambiente, offrendo al contempo comfort e funzionalità.

Per saperne di più su questo straordinario progetto, visita ArchDaily.

Il progetto prevede una struttura sinuosa in legno, disposta su tre piani, che include spazi espositivi, un club esclusivo e una zona sotterranea. Il livello più alto ospiterà un club privato, mentre il piano terra sarà dedicato a mostre e eventi pubblici, con ampie vetrate che si affacciano su spazi esterni attrezzati.

Un elemento distintivo di Gstaad House è la rampa che si snoda attorno all'edificio, progettata per facilitare la circolazione di pedoni e veicoli. Questa soluzione architettonica non solo migliora l'accessibilità, ma offre anche una vista panoramica mozzafiato sulla valle circostante.

La facciata dell'edificio, completamente rivestita in legno di larice, è caratterizzata da schermi ritmici che si alternano a superfici vetrate, permettendo alla luce naturale di filtrare negli spazi interni. Al primo piano, i visitatori potranno godere di terrazze esterne che affacciano sul paesaggio alpino, creando un'atmosfera di connessione con la natura.

Foster + Partners ha dichiarato che questo progetto non è solo un edificio, ma una esperienza di arrivo spettacolare, perfettamente integrata con l'ambiente montano. La progettazione di Gstaad House dimostra come l'architettura possa rispondere alle esigenze moderne senza compromettere l'estetica e l'armonia con il contesto.

In conclusione, Gstaad House rappresenta un ulteriore passo avanti nel design architettonico contemporaneo, combinando funzionalità e bellezza in un'unica soluzione. Per ulteriori dettagli, visitate il sito di Foster + Partners e scoprite altre opere straordinarie.

Quando si varca la soglia di questo spazio, si viene avvolti da un'atmosfera che invita alla contemplazione. Gli architetti hanno saputo catturare l'essenza del paesaggio circostante, rendendo omaggio alla bellezza dei dettagli quotidiani. Situato tra le onde verdi delle risaie, l'ufficio non è solo un luogo di lavoro, ma un'esperienza che solletica i sensi e invita alla riflessione.

Il tetto, che si erge con audacia verso est, disegna una silhouette decisa contro l'orizzonte, mentre le sue curve morbide guidano lo sguardo dell'osservatore. I riflessi del cielo e il cambiamento della luce si intrecciano sulla sua superficie, conferendo vita a una struttura che si integra armoniosamente con il dramma silenzioso della campagna. L'acqua piovana e le ombre giocano un ruolo fondamentale, rendendo il tetto non solo un riparo, ma anche un mezzo di percezione delle variazioni ambientali.

All'interno, il design continua a celebrare la connessione con l'esterno. Stanze spaziose, con ampie aperture, si affacciano sulle risaie, mentre cortili e verande creano un dialogo fluido tra interno ed esterno. Ogni angolo è pensato per incoraggiare momenti di pausa, dove la natura invade delicatamente lo spazio attraverso l'uso di materiali naturali e una disposizione attenta. Questi piccoli spazi di sosta, arricchiti da pietre e piante, dissolvono i confini tra architettura e paesaggio, regalando un senso di appartenenza.

Il prospetto sud, con le sue aperture generose, permette alla luce del sole di penetrare negli ambienti, mentre le eaves basse offrono riparo. Qui, il vento scorre liberamente, portando con sé i profumi e i suoni delle risaie, arricchendo l'esperienza quotidiana di chi lavora all'interno. L'ufficio di Hashima non è solo un luogo di lavoro, è un invito a riscoprire la bellezza della vita quotidiana, un'ode alla semplicità e alla meraviglia della natura.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Composta da forme tubolari intrecciate che si elevano e curvano in una silhouette simile a una piramide astratta, la superficie dell'installazione è ricoperta da un gradiente di tonalità arcobaleno, creando un effetto visivo abbagliante che cambia con la luce e la prospettiva. Da lontano, Pyramid Curbs appare come un enorme fascio di radici colorate al neon, mentre da vicino si trasforma in un labirinto percorribile dove i visitatori possono perdersi tra i muri gonfiabili.

Fedele alla pratica di Lancelin, l'opera sfuma i confini tra scultura, architettura e design di parchi giochi. La ripetizione e la variazione dei moduli geometrici creano una struttura che è sia monumentale che accessibile. L'installazione celebra la collettività e la gioia, incoraggiando persone di tutte le età a interagire fisicamente ed emotivamente con l'opera.

Il festival Return to the River fornisce lo sfondo per questa intervento urbano, riconnettendo il centro di Grand Rapids con il lungofiume attraverso arte, musica ed eventi pubblici. In questo contesto, Pyramid Curbs funge sia da punto di riferimento che da condensatore sociale, un luogo di incontro dove colore, scala e forma si fondono per ridefinire come può essere percepito uno spazio pubblico.

Invitiamo tutti a visitare questa straordinaria installazione e scoprire il labirinto interno, dove ogni angolo rivela una nuova sfumatura di gioia e meraviglia.

Con una vasta gamma di prodotti che spaziano dal segmento premium a quello mid-market e budget, gli architetti possono trovare il miglior tapware per i loro progetti grazie all'offerta di ABI Interiors. Ogni pezzo è pensato per armonizzarsi perfettamente con l’estetica e la funzionalità richiesta nei contesti commerciali, residenziali e nelle grandi opere.

In un mondo sempre più attento alla sostenibilità, ABI Interiors offre soluzioni che non solo soddisfano le necessità progettuali, ma che contribuiscono anche a un futuro più verde. Scopri di più su come ABI Interiors può supportare il tuo prossimo progetto.

Quando il conducente si avvicina all'auto, i sensori di movimento la attivano, creando una sequenza di accensione che fa sembrare l'auto viva. Esternamente, la Vision Xpectra presenta una precisione di taglio a diamante che conferisce superfici geometriche affilate, ispirate ai gioielli. La cabina in vetro prismatico utilizza una tecnologia avanzata di vetratura, permettendo alla luce di rifrangersi e offrendo una vista interna agli osservatori esterni.

Nell'interno della AVATR Vision Xpectra, troviamo una combinazione di pelle nubuck, tessuti lavorati in tre dimensioni e componenti gonfiabili che possono cambiare forma in base alle preferenze dell'utente o alle condizioni di guida. Il sistema di controllo centrale, chiamato Vortex, funge da intermediario tra il conducente e l'auto, apprendendo i modelli di comportamento dell'utente nel tempo, proprio come i servizi di streaming suggeriscono contenuti personalizzati.

Il Vortex elabora comandi vocali tramite un assistente personale vocale (VPA), creando risposte personalizzate con particelle visive, effetti di illuminazione e ambienti sonori su misura. All'interno della cabina, il concetto Alabaster Shimmer combina più texture e materiali per creare un ambiente confortevole. Gli elementi in vetro lavanda rifrangono la luce in modi specifici, creando effetti atmosferici, mentre le lamelle meccaniche si estendono all'apertura delle porte, espandendo fisicamente lo spazio interno.

La AVATR Vision Xpectra è dotata di un sistema di illuminazione multilivello. Le luci d'ombra integrate sotto i pannelli della carrozzeria creano un'illuminazione sottile che segue le linee geometriche dell'auto. L'illuminazione ambientale dinamica all'interno della cabina si adatta in base all'umore degli occupanti, alle condizioni esterne o allo stato del veicolo. Questo sistema di illuminazione si connette all'AI, consentendo all'auto di esprimere diverse emozioni attraverso colori e motivi di movimento.

Tra il conducente e il passeggero anteriore, il Vortex centrale può passare la vettura dalla modalità di guida assistita a quella completamente autonoma, gestendo le transizioni tramite comandi tattili e gestuali. Il cruscotto presenta un display panoramico trasparente che mostra le informazioni di guida, mentre il volante ha una superficie riflettente simile al tema futuristico della cabina.

Fino ad ora, AVATR ha introdotto Vision Xpectra come concept car durante l'IAA Mobility 2025 a Monaco, proponendo un'auto che non è solo un mezzo di trasporto, ma un'esperienza interattiva e personalizzata.

Il design spaziale, curato dallo Studio Dennis Vanderbroeck (SDV), ha reso l’evento accessibile a tutti, sostituendo le tradizionali sedute della passerella con un'esperienza interattiva. I partecipanti sono stati invitati a muoversi, cercare e prendere parte a un evento che ha ribaltato le convenzioni del mondo della moda.

Martens, insieme a modelli e partecipanti, ha partecipato attivamente a questa caccia, sfumando i confini tra designer, performer e spettatore. All'interno delle uova, la collezione SS26 ha messo in mostra abiti audaci, da vestiti a grembiule in denim satinato sfrangiato a giacche su misura ricche di dettagli biker e tasche utilitaristiche, fino a vestiti in maglia che sembrano tenersi insieme da una delicata rete.

La scelta di colori vivaci e materiali non convenzionali ha rafforzato lo spirito disruptive di Diesel, estendendo la sorpresa oltre i capi di abbigliamento al modo in cui sono stati rivelati. Questa iniziativa non solo ha celebrato la moda, ma ha anche creato un momento di condivisione e scoperta collettiva.

Diesel ha dimostrato che la moda può andare oltre i confini tradizionali, invitando tutti a partecipare a un'esperienza unica e coinvolgente.

Nato a Manchester il 1° giugno 1935, la sua carriera è una sinfonia di innovazione e impegno verso la sostenibilità. Cresciuto in una famiglia operaia, Foster ha sempre avuto un occhio per il disegno tecnico, un talento che ha affinato all'University of Manchester e alla Yale University. Qui ha forgiato legami con altri grandi visionari, come Richard Rogers, dando vita a un percorso professionale che ha portato alla fondazione del suo studio, Foster + Partners.

Con un approccio pionieristico, Foster ha saputo unire estetica e tecnologia, creando opere iconiche come il grattacielo “The Gherkin” a Londra e il Reichstag a Berlino, simbolo di trasparenza e sostenibilità. Ogni suo progetto è un inno alla bellezza e alla funzionalità, un connubio che ora si appresta a realizzarsi nel nuovo stadio di Milano.

Questo impianto non sarà solo un luogo di eventi sportivi, ma un esempio di come l'architettura possa dialogare con l'ambiente. Con linee guida precise stabilite dal comune di Milano, il progetto prevede che il 50% dell'area non venga cementificata e che oltre 80.000 metri quadrati siano dedicati al verde, restituendo così alla città un polmone vitale. Lo stadio avrà una capienza di 72.000 posti, con spazi per uffici, hotel e parcheggi, tutto concepito per armonizzarsi con il paesaggio urbano.

Il nome di Norman Foster è una garanzia di qualità e innovazione. La sua visione futuristica trasformerà Milano in un centro di attrazione globale, dove architettura e sostenibilità si intrecciano in un abbraccio perfetto.

Completato nel 2025, il negozio non solo si distingue per il suo design innovativo, ma anche per l'uso di materiali sostenibili e tecnologie avanzate, rispondendo così alle esigenze di un mercato in continua evoluzione. Il team di Fununit ha saputo integrare elementi del metaverso, creando un'esperienza unica per i visitatori, che possono interagire con il brand in modi nuovi e coinvolgenti.

Il progetto è stato accolto con entusiasmo anche dalla comunità locale, che vede in esso un esempio di come gli spazi commerciali possano evolversi per diventare luoghi di incontro e interazione sociale. La combinazione di design moderno e pratiche sostenibili rende il STARAY Store un modello per futuri progetti di retail.

Per ulteriori approfondimenti, visita il sito ufficiale di ArchDaily.

Il progetto, guidato da Zeynep Beren Kadioglu, mira a riportare la tradizione del floor dining a Londra, invitando le comunità turche e locali a riunirsi attorno al sini, trasformando il pasto in un'esperienza collettiva. Questo design non è solo un pezzo di arredamento, ma un invito a rivalutare il significato del cibo come esperienza condivisa.

Nel contesto di un mondo che sempre più si allontana dalle tradizioni, la Chelsea College of Arts si distingue per il suo impegno a coniugare design, cultura e innovazione. I corsi offerti, tra cui BA (Hons) Interior Design e BA (Hons) Product and Furniture Design, stimolano gli studenti a esplorare l'intersezione tra l'arte e il contesto sociale.

Inoltre, altri progetti presentati includono innovazioni nel design di illuminazione per combattere il Seasonal Affective Disorder e creazioni tessili che fondono tecniche tradizionali e moderne, evidenziando la ricchezza e la varietà delle pratiche artistiche contemporanee.

Scopri i lavori dei recenti laureati attraverso la UAL Showcase e partecipa agli open day per esplorare come la Chelsea College of Arts sta plasmando i futuri artisti e designer.

I nostri sistemi di copertura e sistemi di facciata sono progettati per rispondere alle esigenze moderne, garantendo non solo estetica, ma anche funzionalità. Tra le soluzioni più innovative troviamo il pannello coibentato Easy Wand e il Alu-Skin, una doga metallica per rivestimenti di edifici.

La nostra visione si estende oltre la semplice costruzione; infatti, abbiamo recentemente rinnovato il nostro libro La Quarta Dimensione Del Tetto, rendendo il contenuto ancora più fruibile e accattivante. Questo restyling non è solo un aggiornamento estetico, ma un vero e proprio passo verso l'innovazione nel design delle coperture.

Scopri di più sui nostri sistemi e come possiamo aiutarti a realizzare il tuo progetto con stile e funzionalità.

Foster ha affermato che dovremmo incoraggiare le città compatte e ad alta densità, disincentivando l'espansione urbana che invade la natura e la biodiversità. Secondo lui, le città compatte hanno una impronta di carbonio che è la metà rispetto a quelle suburbane, dove le auto dominano il paesaggio.

Ma anche se non ci interessa la salute del pianeta, è chiaro dove le persone vogliono vivere. Le città camminabili sono costantemente presenti nelle liste delle città più desiderabili da visitare e in cui stabilirsi. Foster ha detto: "Se non ci preoccupiamo troppo delle forze di mercato, ma della nostra salute, la città più sana è quella camminabile".

Un esempio emblematico del suo lavoro è il progetto di Trafalgar Square, trasformato da un'area trafficata a un salotto per Londra, dove l'accesso pedonale è stato migliorato. Foster ha criticato la proliferazione di auto che deturpava spazi storici, sottolineando l'importanza di progetti che coinvolgono attivamente le comunità locali.

In conclusione, le decisioni urbanistiche dovrebbero basarsi su dati e coinvolgere le persone che vivono in quelle aree, piuttosto che essere imposte dall'alto. La visione di Foster per il futuro delle città è chiara: dobbiamo promuovere la densità e la camminabilità per un mondo migliore.

Progettato da un team visionario, tra cui il designer Benjamin Uyeda e lo studio Gry Space, il Reset Hotel comprende 65 camere distribuite in cabin modulari, ognuna delle quali offre una vista straordinaria sulla wilderness desertica. La scelta di costruire su solo 20 acri di un vasto terreno di 180 acri riflette un profondo rispetto per la natura, creando spazi che invitano gli ospiti a esplorare il deserto e a immergersi nella sua serenità.

Il Clubhouse, cuore pulsante della struttura, accoglie i visitatori con la sua architettura in toni di marrone polveroso, un contrasto affascinante con le unità grigie dedicate alle camere. Qui, gli ospiti possono gustare drink rinfrescanti o semplicemente lasciarsi andare al calore del fuoco sotto il cielo stellato, in un'atmosfera che invita a fermarsi e contemplare.

Ogni suite, come il Mountain View King, offre un accesso diretto al deserto e un patio privato con vasca da bagno esterna, perfetta per notti di osservazione delle stelle. Gli interni, caratterizzati da un minimalismo ricercato, sono arredati con mobili in legno semplice, creando un'atmosfera accogliente che invita alla riflessione e alla tranquillità.

Il Reset Hotel non è solo un luogo dove pernottare; è un invito a rallentare, ad assaporare il silenzio e la bellezza della natura circostante. Senza televisori e plastica monouso, ogni dettaglio è pensato per favorire un'esperienza di pura natura e comfort. La piscina salata, circondata da cabanas e lettini, diventa un'oasi di freschezza nel calore del deserto, un luogo dove il tempo sembra fermarsi.

In questo angolo remoto, il Reset Hotel emerge come un esempio di come l'architettura possa armonizzarsi con l'ambiente, creando spazi che parlano di bellezza, sfida e ispirazione. Ogni elemento, dai materiali utilizzati alle texture, è scelto per fondersi con il paesaggio montano arido, offrendo agli ospiti un'esperienza in cui la natura è protagonista. "Abbiamo creato un'infrastruttura che permette alla natura di prendere il centro della scena", afferma Uyeda, evocando un senso di meraviglia e scoperta.

Ogni pannello, parte di una serie di otto straordinarie creazioni, è caratterizzato da motivi che richiamano le delicate sfumature delle acque e della vegetazione, conferendo agli interni una qualità pittorica che cattura lo sguardo e calma l'anima. Questo approccio artistico è il risultato di metodi analogici che Hayes ha affinato nel tempo, fondendo pittura, disegno e texture in un unicum di grande impatto visivo.

Ma la bellezza non è l'unico obiettivo di questa collezione. Autex Acoustics, da sempre impegnata nella sostenibilità, ha scelto di realizzare questi pannelli utilizzando il 75% di materiale riciclato, un gesto che riflette una filosofia aziendale ben precisa: ridurre l'impatto ambientale senza compromettere la qualità. Ogni pezzo è certificato come carbon-neutral, testimoniando un impegno concreto verso un futuro più sostenibile.

La collezione è stata recentemente presentata nel rinnovato showroom di Autex, situato nel cuore pulsante di Clerkenwell, Londra. Qui, l'atmosfera è stata arricchita da una collaborazione con lo studio di design Unispace, che ha creato un ambiente perfetto per esaltare le proprietà acustiche e visive delle opere di Hayes. Non è solo un luogo di vendita, ma un'esperienza immersiva.

Fondata nel 1967, Autex Acoustics si è affermata come pioniere nella produzione di materiali fonoassorbenti per uffici e spazi multifunzionali. La loro recente installazione al LA Design Festival, che evoca una foresta incantata, ha ulteriormente dimostrato la capacità del brand di combinare design e funzionalità in modo unico e affascinante.

Per scoprire di più sulla collezione di Emma Hayes e sulle altre proposte di Autex Acoustics, visita il sito ufficiale e lasciati ispirare da un mondo dove l'estetica incontra l'ecologia.

I visitatori possono immergersi in Las Meninas di Velázquez, Il Giardino delle Delizie Terrestri di Bosch, Venere e Adone di Veronese, Il Senso della Vista di Brueghel e Rubens, e Il Sabba delle Streghe di Goya. Mai prima d'ora opere che non hanno mai lasciato le mura del museo sono state accessibili a un pubblico globale attraverso un'esperienza narrata e immersiva.

Dal suo debutto internazionale, ART MASTERS ha catturato l'attenzione di oltre 10.000 visitatori a Shanghai e più di 8.600 a Buenos Aires, segnando l'inizio di un viaggio globale che porterà queste opere in nuove città.

La risposta di ACCIONA Living & Culture a una domanda cruciale per i musei nell'era digitale è chiara: come può un'istituzione d'arte classica evolversi in un mondo dominato da intrattenimento e tecnologia immersiva? Integrando i tesori artistici del Museo del Prado con le ultime innovazioni in intelligenza artificiale e realtà virtuale, questa esperienza offre una narrazione visiva e interattiva che affascina sia i visitatori esperti che i neofiti.

Guidati da un guardiano del museo, i visitatori intraprendono un viaggio immaginario di 35 minuti, esplorando paesaggi surreali e corridoi misteriosi. Ogni scena combina ricerca accademica con design teatrale, creando un'esperienza che trasforma i visitatori in partecipanti attivi, svelando passaggi segreti e interagendo con personaggi.

Con ART MASTERS, la bellezza e il significato delle opere sono riportati in vita, permettendo una connessione più profonda con la loro simbolica e storia. Non perdere questa opportunità unica di vivere l'arte come mai prima d'ora!

La lampada utilizza un metallo liquido, chiamato Galinstan, incorporato all'interno del tessuto, permettendo al sistema di rilevare i movimenti e di regolare automaticamente la temperatura e la luminosità. Attraverso la tecnologia Liquid Metal Dispensing, il metallo viene posizionato in modo innovativo all'interno del tessuto, creando un prodotto mai visto prima.

Il team di ricerca, composto da esperti del Fraunhofer IZM e del WINT Design Lab, ha dedicato un anno allo sviluppo di questo metodo di produzione, culminando in un prototipo funzionante. La lampada non solo illumina l'ambiente, ma interagisce attivamente con l'utente, rendendo l'esperienza luminosa ancora più coinvolgente.

Il tessuto elastico, realizzato dallo studio di design berlinese Case Studies, presenta aree tattili distintive che consentono agli utenti di riconoscere facilmente dove interagire. Con quattro zone di contatto che regolano diverse impostazioni di luce, gli utenti possono passare da una luce calda, simile ai colori del tramonto, a una luce fredda, che ricorda la luminosità del mattino. La variazione di colore del tessuto in base alla temperatura della luce rende questa lampada non solo funzionale, ma anche esteticamente affascinante.

Le potenzialità di questa tecnologia si estendono oltre l'illuminazione domestica. Gli sviluppatori prevedono applicazioni in controlli per interni di automobili, tessuti interattivi per la casa, prodotti medici e sistemi HiFi, dove le superfici tattili potrebbero sostituire gli schermi tradizionali, riducendo il consumo energetico.

Questo progetto dimostra come i materiali tessili possano evolversi, offrendo nuove modalità di interazione e creando un collegamento diretto tra l'azione dell'utente e la risposta del dispositivo. La lampada con tessuto elastico e metallo liquido di WINT rappresenta un passo avanti nell'innovazione del design di interfacce tattili.

Ogni container racconta una storia, un passato di viaggi e avventure, e ora si prepara a vivere nuove esperienze, accogliendo famiglie e sogni. Le linee pulite e i materiali riciclati si fondono in un’armonia che celebra la modernità, mentre nel cuore di queste strutture si nasconde il calore di un’abitazione. Gli spazi interni, sapientemente progettati, offrono un equilibrio perfetto tra estetica e funzionalità, un invito a vivere la casa come un’opera d’arte.

Ma non è solo una questione di estetica; è un manifesto di responsabilità ambientale. In un’epoca in cui il consumo e l’inquinamento sono sotto la lente d’ingrandimento, queste costruzioni rappresentano una risposta concreta e creativa, un nuovo modo di pensare l’abitare.

La lana di pecora, con le sue straordinarie proprietà isolanti, rappresenta una scelta naturale in un mondo che cerca soluzioni ecologiche. Essa non è solo un isolante termico e acustico di prim’ordine, ma anche un regolatore dell’umidità, capace di assorbire il vapore in eccesso e rilasciarlo quando l’aria è secca. Questo significa che gli ambienti rimangono freschi d’estate e caldi d’inverno, senza l'uso eccessivo di energia. Un vero e proprio abbraccio della natura, che migliora la qualità della vita.

Ma perché scegliere la lana? Oltre alla sua incredibile capacità di isolamento, essa è completamente biodegradabile e non rilascia sostanze tossiche nell'ambiente. Ogni pannello o rotolo di lana diventa così un pezzo di un ciclo virtuoso, dove il benessere dell’abitante si unisce all’amore per il pianeta. La lana, in questo contesto, non è solo un materiale, ma un messaggero di un futuro più verde.

Impiegarla in costruzione è semplice e versatile. Si adatta perfettamente a pareti interne ed esterne, tetti e pavimenti, assicurando che ogni angolo della casa sia protetto dal freddo e dal rumore. La sua struttura fibrosa intrappola l’aria, creando un’armatura contro le temperature estreme e i suoni molesti. La lana regola il microclima, trasformando ogni casa in un rifugio di tranquillità e comfort.

In un’epoca in cui l’efficienza energetica è diventata una necessità, la lana di pecora emerge come una soluzione concreta e accessibile. Sebbene l’investimento iniziale possa sembrare superiore rispetto ai materiali tradizionali, i benefici a lungo termine, in termini di risparmio energetico e qualità della vita, giustificano ampiamente la scelta. E con l’aumento della domanda e dei prodotti certificati, i prezzi tenderanno a stabilizzarsi, rendendo questo materiale ancora più accessibile.

In conclusione, le case di lana non sono solo edifici; sono un manifesto di un nuovo modo di concepire l’abitare. Un invito a vivere in armonia con la natura, a scegliere il benessere per noi e per il nostro pianeta. Scegliere la lana è scegliere di essere parte di una rivoluzione silenziosa, dove ogni casa diventa una testimonianza di sostenibilità e amore per l’ambiente.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Con una superficie di 165 m², questo spazio non è solo un ufficio, ma un crocevia di idee, un luogo in cui la ristrutturazione diventa arte. La scelta dei materiali, la disposizione degli ambienti e l'illuminazione curata da USHIO LIGHTING, INC. si integrano in un dialogo armonioso, riflettendo la cultura giapponese e l'innovazione contemporanea.

Reiichi Ikeda non ha solo progettato un ambiente di lavoro; ha creato un'esperienza. Qui, i professionisti possono immergersi in un'atmosfera che incoraggia la collaborazione e la creatività, mentre il design intelligente favorisce la produttività. Ogni dettaglio è una dichiarazione, un invito a esplorare il potenziale che si cela nel quotidiano.

Il risultato è un ufficio che si inserisce perfettamente nel contesto di Jinbou-cho, un quartiere noto per la sua ricca storia letteraria e per il suo fascino senza tempo. DA OSAKA a Tokyo non è solo un'espansione fisica, ma un'affermazione di identità, un modo per dire al mondo che l'architettura può essere poesia.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

L'Outlier I è frutto di una collaborazione con Lateral Engineering e si distingue per la sua struttura elegante e funzionale. Le linee orizzontali di vetro che attraversano lo scafo scuro offrono un'estetica raffinata, mentre le terrazze angolate creano una geometria stratificata che cattura l'attenzione.

Una delle innovazioni più significative di questo concept è la posizione del motore, spostato verso prua, liberando così le sezioni centrali e posteriori da vincoli meccanici. Questo ha permesso di progettare spazi interni senza interruzioni, con atri a doppia altezza che conferiscono una qualità spaziale rara nel mondo dei megayacht.

Interni Ampi e Luminosi

All'interno, l'Outlier I offre un'atmosfera di apertura e luminosità. Un atrio centrale alto e spazioso inonda la nave di luce naturale, grazie a vetrate dal pavimento al soffitto che incorniciano viste spettacolari del mare. I materiali scelti, come legno chiaro e tessuti morbidi, creano un ambiente raffinato e accogliente.

Con circa il 40% di spazio in più rispetto ad altri yacht della stessa lunghezza, l'Outlier I vanta terrazze e promenade esterne più ampie. Il ponte posteriore, dotato di piscina e elipista, si estende verso le acque, offrendo spazi all'aperto per il relax e la socializzazione.

Progettato per la Personalizzazione

Nonostante la sua lunghezza di 88 metri, l'Outlier I ha un dislocamento di 2000 GT, che facilita l'ormeggio e supporta le comodità di un'imbarcazione molto più grande. Ogni layout è personalizzabile, rendendo questa nave adatta sia per ritiri intimi che per grandi eventi sociali.

Con un design pensato per crociere costiere e viaggi prolungati, l'Outlier I è pronto per avventure esplorative. Il suo telaio interno flessibile permette di variare le configurazioni, da suite private a zone multifunzionali per l'intrattenimento.

Il concetto Outlier I rappresenta una nuova era nel design dei megayacht, unendo comfort e adattabilità in modo inedito.

Il Leone D'Oro, simbolo di eccellenza, è stato assegnato al Padiglione del Bahrain, un riconoscimento che non fa che accrescere l'attesa per le opere di artisti e architetti che, con passione e dedizione, hanno dato vita a spazi incantevoli. Ma non è solo il Bahrain a brillare: il viaggio tra i padiglioni prosegue con il Brasile, l'Egitto, la Serbia, la Polonia, la Grecia e il Giappone, ognuno portando con sé un pezzo della propria anima e delle proprie tradizioni.

Il Padiglione del Brasile, ad esempio, si fa portavoce della biodiversità e della cultura vivace del paese, mentre l'Egitto insegue le tracce di una storia millenaria, reinterpretando il passato con uno sguardo contemporaneo. La Serbia, con il suo approccio innovativo, invita a riflettere sulle sfide moderne, mentre la Polonia offre un viaggio tra architettura e arte, intrecciando passato e futurismo. Non possiamo dimenticare la Grecia, custode di una bellezza classica, e il Giappone, che con eleganza e minimalismo ci conduce in un mondo di armonia.

Ogni dettaglio di questo progetto parla di funzionalità e design. ABC Flats offre tre tipologie di stanze, tutte dotate di un bagno privato, per un totale di 11 camere. Gli spazi comuni non sono trascurati: al piano superiore, un delizioso rooftop funge da piccolo pantry e area di socializzazione, un luogo dove le vite dei residenti si intrecciano in un abbraccio di convivialità.

Il progetto, che sarà completato nel 2025, è frutto della visione dei lead architects Wibisono Soegih e Stephanie Tatimu, supportati da un team di talentuosi professionisti. Ogni angolo di ABC Flats è pensato per favorire un senso di appartenenza, mentre la scelta dei materiali, come quelli forniti da Jotun e Toto, sottolinea un impegno verso la qualità e la sostenibilità.

In un mondo dove l'urbanizzazione continua a crescere, ABC Flats si erge come un esempio luminoso di come l'architettura possa rispondere alle sfide contemporanee, creando spazi dove le persone possano non solo vivere, ma anche prosperare.

Il progetto, completato nel 2025, è caratterizzato da spazi luminosi e accoglienti, pensati per attività come la lavorazione del legno, la metallurgia e la distruzione di documenti. Ogni area è concepita per garantire un ambiente di lavoro stimolante e socialmente responsabile.

La sostenibilità è un aspetto centrale di questo progetto, realizzato con materiali eco-compatibili come legno, acciaio e cemento. I progettisti hanno messo in atto soluzioni tecnologiche avanzate per ottimizzare l'efficienza energetica e il comfort degli utenti.

Questo workshop rappresenta un esempio eccellente di come l'architettura possa contribuire al benessere sociale, creando spazi non solo funzionali ma anche inclusivi. La sinergia tra design e responsabilità sociale si riflette nella cura dei dettagli e nella pianificazione attenta degli spazi.

Per ulteriori dettagli sul progetto, visita il sito di ArchDaily.

Banca Tres, realizzata in legno di tzalam, presenta un'apertura circolare destinata a contenere una pianta in terracotta, trasformando il bench in un oggetto che evolve nel tempo e si collega alla crescita naturale. Con dimensioni di 120 × 40 × 44 cm, questa panca non è solo un oggetto statico, ma un elemento dinamico che arricchisce l'ambiente circostante.

La Silla Cuatro, ispirata dalle linee della costa oaxaqueña, utilizza legno di parota e si presenta come un cubo preciso (60 × 60 × 60 cm). La seduta e lo schienale, realizzati in acciaio, sono uniti a gambe in legno tramite bulloni in acciaio inossidabile, creando un equilibrio tra rigidità e leggerezza visiva. Entrambi i pezzi di arredamento sono concepiti per rispondere alla luce e al contesto spaziale in cui si trovano, instaurando un dialogo continuo con l'architettura circostante.

Questi mobili di Omar Wade non solo arredano, ma interagiscono attivamente con il loro ambiente, rendendo la luce e spazio protagonisti di un'esperienza visiva e sensoriale unica. La progettazione di Banca Tres e Silla Cuatro invita a riflettere sul ruolo del design nell'interazione con la natura e gli spazi abitativi.

In totale, 120 opere provenienti da 30 città diverse si contendono il prestigioso riconoscimento in 23 categorie, spaziando dall'architettura agli interni, fino al design. I nomi dei protagonisti sono illustri: Foster + Partners, Studio Link-Arc, Atelier Xi e molti altri, tutti pronti a stupire con le loro visioni audaci. La selezione è stata curata da una giuria di esperti, tra cui architetti di fama internazionale come Ziyu Zhuang e Patrik Schumacher, affiancati da designer d’interni e curatori.

Ma non è solo una competizione; è un viaggio attraverso l'immaginario, dove ogni progetto racconta una storia unica. Dalla Casa della Luce di LQS Architects a Shanghai, all'incantevole Ginkgo Valley Treehouse di Moguang Studio, ogni creazione invita a esplorare nuove dimensioni del vivere e del progettare. I vincitori saranno rivelati dal vivo durante una serata di gala a Shanghai, un evento che promette di essere un trionfo di eleganza e innovazione.

Progettata dallo studio E-ggs, la sedia Amia si distingue per le sue gambe spesse e piatte e per uno schienale arrotondato, che può essere rivestito in tessuti audaci e variopinti. L'originalità di questo pezzo è accentuata dagli braccioli in legno, che si proiettano elegantemente da entrambi i lati, creando un gioco di forme e materiali che cattura l'attenzione.

Non è solo una sedia; è un'esperienza, un invito a sedersi e lasciarsi avvolgere dalla sua morbidezza. Ideale per ogni ambiente, dalla casa all'ufficio, la sedia Amia è stata recentemente presentata su Dezeen Showroom, un palcoscenico per le ultime novità nel mondo del design.

Ma la sedia Amia non è l'unica novità. Al suo fianco, altre creazioni di spicco hanno fatto il loro debutto, come il Sensible Streaker, un elegante pomolo per porte in legno colorato, e l'illuminazione per bagni Pastello, che porta un tocco di calore e colore negli spazi più intimi. Ogni nuovo prodotto racconta la sua storia, arricchendo il panorama del design contemporaneo.

La sedia Amia di Miniforms è una celebrazione del design italiano, un invito a sedersi, a vivere e a sognare. Non perdere l’occasione di scoprire altre meraviglie nel mondo del design, dove ogni pezzo è un’opera d’arte.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Formatech è un dialogo continuo tra l'abilità industriale di Florim e la visione creativa di Gensler. In un'epoca in cui l'architettura richiede sempre più autenticità e consapevolezza ambientale, questa collezione si propone come una riflessione sulla trasformazione, la durevolezza e la responsabilità. Ogni piastrella conserva le tracce del tempo, le impronte degli strumenti e le patine che raccontano esperienze vissute, rendendo le superfici non solo elementi estetici, ma veri e propri strumenti architettonici.

Il nome Formatech, che unisce il concetto di 'forma' e 'tecnologia', sottolinea l'equilibrio tra prestazioni estetiche e tecniche. Piuttosto che imitare, la collezione interpreta, cristallizzando i materiali in fasi specifiche del loro ciclo di vita. Con tre finiture distinte—Cast, che richiama le inclusioni e gli aggregati del cemento; Forge, ispirata alle variazioni cromatiche del metallo ossidato; e Cure, una versione minimale dell'intonaco—Formatech offre soluzioni versatili e coerenti, adattabili a una vasta gamma di applicazioni architettoniche.

Questa collezione è il frutto di un intenso dialogo tecnico e creativo, capace di esplorare l'inclinazione naturale della materia a cambiare. Con una tecnologia decorativa all'avanguardia, che include grafiche a tampone, applicazioni cromatiche digitali e materiali tridimensionali, Formatech non solo raggiunge una ricchezza visiva, ma garantisce anche la resilienza necessaria nei contesti architettonici più impegnativi. Ogni finitura offre variazioni di lucentezza e texture, rendendo ogni superficie unica e irripetibile.

La sostenibilità è un pilastro fondamentale della collezione Formatech. Prodotta in stabilimenti alimentati fino al 100% da energie rinnovabili, essa contiene fino al 60% di materiali riciclati. Ogni fase della produzione è pensata per recuperare e riutilizzare rifiuti e acque reflue, inserendo la collezione nell'ambito del progetto CarbonZero di Florim, che mira a compensare le emissioni di CO₂ lungo l'intero ciclo di vita del prodotto. Essere una Benefit Corporation e una B Corp certificata significa per Florim non solo innovare nel design, ma anche fare una scelta responsabile per un'architettura orientata al futuro.

In conclusione, Formatech rappresenta un delicato equilibrio tra autenticità e innovazione, dove il gres porcellanato diviene sia espressivo che funzionale. La collezione invita a esplorare come le superfici ceramiche possano riflettere l'essenza degli elementi grezzi, restituendo la verità formale di materiali come cemento, metallo e intonaco in una dimensione accessibile e duratura.

Curata dalla designer turca Bilge Nur Saltik dello studio Form & Seek, e con la partecipazione di Katy Kim per l'arte visiva, l'esposizione ha messo in evidenza una nuova tipologia di mattoni di vetro e ceramiche in silicone. Saltik ha dichiarato: "Detroit ha atteso a lungo una fiera centrale durante il mese del design, e ora questa esposizione riunisce sotto lo stesso tetto i diversi talenti della città, creando un punto di incontro tra la comunità di design e il pubblico".

La fiera ha presentato un'ampia gamma di design, con una particolare attenzione ai colori vivaci delle opere di Saltik, tra cui una collezione di vasi stampati in 3D. I progetti includevano anche le ciotole in silicone di Yosuke Shimano e pareti geometriche di tubi clusterizzati realizzate da Erika Cross. Un focus particolare è stato dedicato ai designer provenienti da Toledo, Ohio, un noto centro per il vetro, tra cui i mattoni di vetro decaedrici dello studio Phosphene, creati per diffondere la luce in modi innovativi.

Il secondo piano della fiera ha accolto installazioni artistiche che dialogavano con la storia dell'edificio, come le lampade sinuose di Justin Bailey e le sculture di Jessika Edgar. I visitatori hanno avuto l'opportunità di esplorare ogni angolo dell'ex fabbrica, scoprendo opere nascoste in spazi inaspettati, come un armadio elettrico trasformato in una torre di ceramica.

La Detroit Warehouse: Art and Design Fair, svoltasi dal 18 al 21 settembre, non è stata solo un'esposizione di design, ma un evento che ha celebrato la resilienza e la creatività di Detroit, portando alla luce la sua storia e il suo futuro attraverso l'arte e il design.

La posa a spina di pesce, con le sue varianti italiana, francese e ungherese, offre un ventaglio di possibilità che si adattano perfettamente a stili e atmosfere diverse. La spina italiana, con la sua eleganza classica, risulta perfetta per ambienti tradizionali, mentre la variante francese, più aperta e dinamica, si presta a contesti contemporanei e minimalisti. Infine, la spina ungherese, con il suo disegno articolato, regala un tocco di originalità e ricercatezza.

Ogni essenza di legno porta con sé delle peculiarità: il rovere, forte e resistente, è l'alleato perfetto per la posa a spina di pesce, capace di esaltare la bellezza intrinseca di ogni listello. Ma attenzione, perché la scelta del formato e dello schema di posa può influenzare non solo l'estetica, ma anche la praticità e la manutenzione del pavimento. Con un occhio sempre attento ai dettagli, è possibile creare ambienti che raccontano la propria storia attraverso il calore e l'eleganza del legno.

Non dimentichiamo i vantaggi: la geometria a spina di pesce non solo cattura lo sguardo, ma può anche ampliare visivamente gli spazi, rendendoli più vivaci e accoglienti. Tuttavia, è importante considerare anche gli svantaggi, come lo sfrido maggiore e i costi di installazione più elevati, che richiedono una manodopera specializzata.

In conclusione, il parquet a spina di pesce si presenta come una scelta intramontabile, capace di arricchire ogni ambiente con il suo fascino e la sua eleganza. Che si tratti di una casa classica o di una moderna residenza, questo pavimento in legno farà sempre la sua figura, portando con sé il calore e la naturalezza che solo il legno sa offrire.

La struttura modulare di Bloom permette una versatilità senza precedenti, permettendo di plasmare il sofà in configurazioni che spaziano da accoglienti divani a isole intime, perfette per il lavoro concentrato o semplicemente per un momento di relax. Ogni elemento è pensato per rispondere a un bisogno umano, per invitare a sedersi, a condividere, a sognare. “Volevo creare un sistema che si sentisse veramente invitante”, confida Welling, catturando l'essenza di ciò che significa vivere uno spazio.

Ma non è solo l'estetica a colpire: Bloom è frutto di una scelta responsabile, realizzato con materiali sostenibili e un design riparabile, per garantire una vita lunga e fruttuosa al vostro nuovo compagno di stanza. Con un telaio robusto e componenti sostituibili, questo sofà è più di un semplice pezzo d'arredo; è un investimento in un futuro più verde.

In un'epoca dove il culto dell'effimero rischia di prevalere, Bloom si pone come un faro di speranza, un oggetto che invita a rallentare, a prendersi cura di ciò che ci circonda. Sedersi sul sofà Bloom significa immergersi in un abbraccio di design e natura, un'esperienza che trasforma il soggiorno in un rifugio di serenità.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Il soffitto, un imponente ciclo pittorico, racconta la storia d’amore tra Amore e Psiche, ispirata dalle Metamorfosi di Apuleio. Le decorazioni, ricche di dettagli e colori vibranti, si snodano in un racconto che affascina e sorprende, dando vita a un'opera d'arte che trascende il tempo. L'apoteosi della narrazione, con il matrimonio di Psiche e Amore celebrato da Giove, si erge al centro della volta, avvolgendo i visitatori in un abbraccio di bellezza e meraviglia.

Il recente intervento di restauro, sostenuto dalla Fondazione Giulio e Giovanna Sacchetti, ha riportato alla luce la luminosità originale degli affreschi, rivelando anche nuove scoperte sulle tecniche e i materiali utilizzati nel Rinascimento. Attraverso un'attenta analisi diagnostica e un approccio sostenibile, i restauratori hanno potuto non solo restaurare, ma anche approfondire la conoscenza delle opere, aprendo a nuove prospettive di studio.

Un aspetto fondamentale di questo restauro è stato il rispetto per le tecniche tradizionali, che permette di mantenere viva la storia di quest'opera straordinaria. L'intervento ha incluso un'accurata pulizia delle superfici, il trattamento delle decorazioni in stucco e delle pitture ad affresco, restituendo così la vitalità a questa sala, conosciuta come l'ambiente più sontuoso di Palazzo Te.

Ogni dettaglio, ogni sfumatura, racconta una storia di passione, arte e dedizione. E così, la Camera di Amore e Psiche non è solo un luogo da visitare, ma un'esperienza da vivere, un invito a immergersi in un mondo di bellezza senza tempo. Mantova, con il suo patrimonio artistico inestimabile, ci ricorda che l’arte è un linguaggio universale, capace di unire passato e presente, di emozionarci e farci sognare.

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Con una superficie di 200 metri quadrati, il ponte è stato concepito per unire il luogo di atterraggio dell'elisoccorso con l'ospedale e la clinica Helios. È un'opera che sfida le convenzioni, frutto di una collaborazione ispirata con Werner Sobek, un nome che evoca innovazione e sostenibilità. Nel 2020, in un concorso di design, hanno impressionato la giuria con estetica e funzionalità, dimostrando che la bellezza può coesistere con l'efficienza.

Il ponte non è solo un'infrastruttura, ma una promessa di un'assistenza sanitaria migliore e più rapida. I materiali scelti, come quelli di Norka per l'illuminazione, riflettono un'attenzione maniacale al dettaglio. Ogni elemento è stato pensato per garantire che ogni paziente, ogni soccorritore, possa sentirsi al sicuro e accolto, mentre attraversa questo straordinario passaggio verso la guarigione.

La struttura è progettata per fungere da catalizzatore di benessere, unendo le persone e le istituzioni in un abbraccio architettonico. Non è un semplice ponte; è un'opera d'arte, un canto alla vita, una testimonianza del potere dell'architettura di trasformare le nostre esperienze quotidiane.

Con la conclusione dei lavori nel 2024, il ponte dell'ospedale municipale di Karlsruhe non sarà solo un luogo di transito, ma un simbolo luminoso di speranza e progresso. Il futuro della salute è qui, ed è costruito su solide fondamenta di creatività e innovazione.

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La struttura, che si estende su una superficie di 70 m², si integra armoniosamente nel paesaggio del Parco Zoobotanico, creando un dialogo visivo con l'ambiente circostante. L'architettura si fa portavoce dei temi urgenti emersi dalla 30ª Conferenza delle Nazioni Unite sul Cambiamento Climatico (COP 30), invitando i visitatori a riflettere sull'importanza dell'interconnessione tra gli ecosistemi.

Ogni elemento del progetto è pensato per evocare una sensazione di leggerezza, come se la struttura fluttuasse sopra il suolo, rispettando e valorizzando la biodiversità locale. I materiali utilizzati, principalmente il legno, richiamano la natura e sottolineano l'impegno dei progettisti per un'architettura che non solo si adatta, ma celebra l'ambiente.

Questo padiglione educativo non è solo un luogo di esposizione, ma un'esperienza immersiva che trasmette un messaggio potente: la necessità di un approccio collaborativo e consapevole nei confronti della nostra terra. La mostra invita ogni visitatore a diventare parte di un processo più grande, dove ogni fiume, ogni albero, ogni creatura ha un ruolo fondamentale nel grande affresco della vita.

In un'epoca in cui il cambiamento climatico richiede risposte immediate e creative, l'area educativa di Estudio Flume si erge come un faro di speranza e innovazione. Un invito a non dimenticare che, proprio come un fiume, anche noi non esistiamo da soli: siamo parte di un ecosistema complesso e interconnesso.

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Il PAKK Pavilion è stato concepito non solo come struttura architettonica, ma anche come laboratorio per testare e dimostrare le prestazioni dei pannelli isolanti in micelio. Questi pannelli, noti come mycocomposite, utilizzano la crescita del micelio come legante naturale per residui industriali come segatura e polpa di legno, offrendo una valida alternativa alle tradizionali isolate in lana minerale o polistirene espanso.

Siim Karro, CEO e co-fondatore di Myceen, afferma: "Parlando con architetti e costruttori in tutta Europa, abbiamo acquisito fiducia che questo materiale è necessario nel mercato". I pannelli di micelio rivestono la struttura, che è stata costruita utilizzando un sistema di costruzione modulare in legno sviluppato da EKA PAKK. Questo sistema è progettato per essere facilmente smontabile, modificabile o espandibile in base alle necessità.

La struttura del padiglione è realizzata in legno di frassino, con un telaio cubico rivestito da tavole di legno. Il sistema di facciata sLender, che conferisce al PAKK Pavilion il suo aspetto angolare distintivo, è stato sviluppato per contrastare il rischio di omogeneizzazione nel rinnovamento del patrimonio edilizio estone. Le sezioni modulari di legno sono progettate per rivestire strutture esistenti, migliorando l'isolamento e aggiungendo balconi e moduli per ascensori e scale.

Fino alla fine del 2026, i pannelli isolanti in micelio saranno esaminati per valutare le loro prestazioni termiche e il rischio di muffa. I risultati preliminari mostrano una gestione dell'umidità eccellente, senza rischi di condensa o muffa, e valori U che indicano una resistenza termica superiore rispetto alla lana minerale nelle stesse condizioni.

Il PAKK Pavilion non è solo un esempio di innovazione nel settore dell'architettura, ma rappresenta anche una speranza per la costruzione sostenibile del futuro, dimostrando come i materiali naturali possano essere utilizzati in modo efficace ed ecologico.

Questa pubblicazione presenta una survey globale dell'architettura brutalista, rivelando luoghi come sale civiche, strutture sacre, complessi di edilizia sociale e abitazioni private. Con oltre 100 fotografie e sette saggi, il libro offre un'opportunità unica di contemplare la bellezza e la chiarezza scultorea che caratterizzano il brutalismo.

Il volume include esempi significativi da tutto il mondo, come i progetti civici in Ghana, le forme meditative in cemento del Giappone e l'iconico Habitat 67 di Montreal. Ogni luogo è documentato con rigore, combinando nuovi scatti fotografici con saggi originali che esaminano le condizioni etiche, sociali e politiche che hanno plasmato il design brutalista.

Le fotografie di autori come Iwan Baan e Roberto Conte catturano l'estetica austera e il dinamismo formale degli interni, mentre i saggi di storici e critici architettonici offrono una prospettiva sfumata su come questi spazi riflettano le ambizioni culturali del loro tempo. Brutalist Interiors non è solo un archivio visivo, ma anche una riflessione critica che invita i lettori a esplorare l'essenza degli interni che definiscono alcune delle opere più significative del brutalismo.

Inaugurato nel 2025, dopo aver vinto un concorso di design nel 2020, il Pavilion si affaccia maestoso sul Sydney Harbor, unendo eleganza e funzionalità. La progettazione del Pavilion richiede un'attenzione meticolosa ai dettagli: il suo tetto paesaggistico, sostenuto da ottantasei colonne slanciate, è un rifugio per specie vegetali autoctone e un richiamo per uccelli e insetti. Al centro, un oculo circolare lascia filtrare la luce, creando un gioco di ombre e riflessi che danza sul pavimento in terrazzo, trasportando i visitatori in un'esperienza sensoriale unica.

Il terrazzo, frutto di un anno di sperimentazione, non è solo un materiale; è una narrazione che parla del mare e della terra. Con quasi mezzo milione di conchiglie di ostrica, un tempo destinate alla discarica, reintrodotte nel ciclo della vita, il Pavilion celebra la tradizione culinaria dell'ostrica che permea la storia della zona. "Volevamo rendere omaggio alla lunga storia di convivialità vicino al mare", spiega Jessica Spresser, co-direttrice del progetto. Ogni passo su questo pavimento racconta una storia di convivialità e rispetto per l'ambiente.

Strutturalmente, il Pavilion è un capolavoro di ingegneria. Concentrando il carico sulla periferia, la sua ampia area centrale rimane priva di ostacoli, invitando a incontri e momenti di relax. La geometria del tetto riflette le linee delle scogliere circostanti, creando un'armonia visiva che si integra perfettamente con il paesaggio. Questo spazio pubblico, concepito per essere monumentale ma accogliente, rappresenta un punto di incontro per la comunità, un luogo dove si celebra la vita e si condividono momenti insieme.

Progettazione integrata e sfide complesse

Il nuovo corpo del terminal si sviluppa su 4.100 m² e 74.000 m³, articolandosi su due livelli fuori terra e un livello interrato parziale. Gli spazi inclusi sono:

• Sale d’attesa
• Aree arrivi e imbarchi Schengen
• Servizi e spazi commerciali

Il cantiere ha affrontato sfide significative, tra cui tempistiche serrate con un completamento richiesto in 11 settimane, spazi di manovra ridotti e vincoli aeroportuali, come una gru massima di 40 m e una distanza minima di 5 m dalla recinzione.

Il contributo di Tecnostrutture

Tecnostrutture ha fornito e posato:

• 800 m di pilastri NPS® Slim
• 1.950 m di travi miste NPS® Basic
• 2.780 m totali di struttura prefabbricata

La tecnologia NPS® ha permesso di ridurre gli spessori di travi e solai, ottimizzare i tempi di posa e garantire massima flessibilità degli spazi interni. Inoltre, ha mantenuto elevati standard di sicurezza sismica.

Estetica e performance

Nel nuovo terminal, la tecnologia NPS® non solo ha soddisfatto esigenze strutturali, ma ha anche contribuito all’identità architettonica dell’edificio. Alcuni pilastri NPS® sono stati lasciati a vista, diventando elementi distintivi in un design contemporaneo. La scelta di valorizzare la struttura come parte integrante dell’estetica riflette una visione in cui funzione e forma si fondono armoniosamente.

Collaborazione e precisione

Il successo del progetto è stato possibile grazie a una collaborazione sinergica tra tutti gli attori coinvolti: progettisti, impresa costruttrice, direzione lavori e fornitori. Il coordinamento è stato continuo e strutturato, con un workflow BIM integrato che ha facilitato lo scambio costante di file IFC tra i team tecnici.

Tecnostrutture ha risposto prontamente alle sfide operative, garantendo una posa precisa e puntuale, adattandosi alle esigenze del cantiere e rispettando gli obiettivi di velocità, qualità e sicurezza.

Questo progetto rappresenta un esempio di come l’innovazione e il design possano coniugarsi per affrontare le sfide moderne dell’architettura aeroportuale.

Prodotto negli Stati Uniti tra il 1985 e il 1990, il Pulse Autocycle è un veicolo raro, con solo 326 esemplari realizzati dalla Owosso Motor Car Company nel Michigan. Questo veicolo, descritto come un Ground Cruising Recreational Vehicle, mescola sapientemente elementi di automobile e motocicletta, creando una categoria intermedia che affascina e sorprende.

Entrando nel cockpit del Pulse, si viene accolti da un'atmosfera biplanica, con sedili in tandem rivestiti in vinile marrone e dettagli a contrasto. Ogni elemento è pensato per trasmettere un senso di avventura, dal cruscotto ispirato alla Yamaha XS400, fino ai controlli disposti con cura davanti al volante a tre razze. Ogni viaggio diventa un'esperienza unica, un viaggio nel tempo che ci riporta indietro a un'epoca in cui l'innovazione era la regina.

La meccanica del Pulse è altrettanto affascinante: un motore Yamaha da 399cc, dotato di un sistema di controllo dell'induzione, accompagna il pilota in ogni curva. Con un design esteriore che richiama le linee degli aerei, il Pulse Autocycle è un'opera d'arte su ruote, un esempio di come l'ingegneria possa sposare la bellezza.

In un mondo che corre veloce, il Pulse ci invita a rallentare, a vivere il momento, a sognare. È più di un veicolo; è un simbolo di un'epoca, un collezionabile per chi sa apprezzare l'eleganza della rarità.

Immagina di poter acquistare un castello per 2,2 milioni di euro. Non si tratta solo di un investimento; è l'occasione per restituire al territorio un patrimonio culturale che può rinascere sotto nuove forme. Da dimora privata a lussuoso hotel, fino a diventare un centro culturale aperto al mondo, le opzioni sono infinite e affascinanti. La corte interna, con il suo respiro di storia, si presta magnificamente a eventi unici o a momenti di relax, trasportandoti indietro nel tempo.

Un viaggio nel tempo è ciò che offre Sanguinetto, un borgo che ha visto passare non solo il tempo, ma anche figure illustri come Carlo Goldoni e Garibaldi. Le origini di questo castello risalgono al XIII secolo, quando venne fortificato per proteggere le rotte commerciali verso la Lombardia. Oggi, i suoi 1.500 metri quadrati di ambienti interni, distribuiti su più livelli, raccontano un'evoluzione architettonica che unisce eleganza e funzionalità. Torri trasformate in logge, saloni che custodiscono affreschi: ogni angolo parla di storie da vivere.

Ma il vero valore del Castello di Sanguinetto non è solo architettonico. È un luogo di emozioni, incastonato in una regione ricca di arte, cultura e gastronomia. Situato tra Verona, Mantova e il Lago di Garda, offre infinite opportunità per esplorare il patrimonio artistico e naturale dell'Italia. Chi deciderà di ridare vita a questo castello avrà l'opportunità di creare un ponte tra il passato e il futuro, integrando modernità e tradizione in perfetta armonia.

Immagina un boutique hotel immerso nella storia, un centro di ricerca dedicato all'arte e alla sostenibilità, o una residenza privata che diventa un rifugio di ispirazione. Le possibilità sono molte, e ognuna di esse racconta un futuro luminoso per questo angolo d'Italia, pronto a reinventarsi e a sorprendere.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

La Ridge House è un sogno realizzato per una giovane famiglia, un luogo che cattura l'essenza del paesaggio circostante. Con una vista mozzafiato sulle Catskill Mountains e sul Taconic Range, questa residenza si sviluppa su un vasto terreno di 88 acri, suddiviso in due volumi distinti: l'abitazione principale e 'The Barn', un annesso che funge da fienile. Entrambi i volumi, pur nella loro diversità, si integrano con il paesaggio circostante, riflettendo la morfologia del sito attraverso l'uso di materiali sobri e naturali.

Il cuore della casa è un open space che unisce cucina, sala da pranzo e living, un ambiente a doppia altezza che invita la luce a danzare al suo interno. Le vetrate a tutta altezza, che si ergono per 9 metri, non solo illuminano gli spazi, ma creano una connessione diretta con il mondo esterno, permettendo di vivere il paesaggio in ogni momento della giornata. Ogni dettaglio, dall'isola della cucina al camino in cemento, è progettato per esaltare l'esperienza sensoriale e il comfort.

Ma non è solo la bellezza visiva a colpire. La Ridge House è un esempio di architettura che 'respira' con il paesaggio, una dichiarazione d'intenti che utilizza materiali grezzi e non trattati, come il metallo ondulato e il cemento a vista, per evolvere nel tempo e adattarsi agli agenti atmosferici. Ogni elemento diventa un sensore silenzioso, capace di misurare il passaggio delle stagioni e il mutare della luce.

In questo contesto di pura poesia architettonica, la suite padronale si distingue per la sua intimità. Con una grande vasca da bagno affacciata su una vista incantevole, ogni momento trascorso qui diventa un'esperienza di contemplazione e tranquillità. E per gli ospiti, 'The Barn' offre un'accogliente bunkhouse, dove la luce naturale e il paesaggio continuano a essere protagonisti.

La Ridge House non è solo una casa; è un rifugio emotivo, un luogo dove l'arte del paesaggio e l'architettura si intrecciano per creare un'esperienza di vita unica. Come afferma Max Worrell, co-fondatore dello studio, l'obiettivo era tradurre il paesaggio in un'esperienza architettonica autentica, e questa casa ne è la prova tangibile.

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Ora giunta alla sua quarta edizione, l'Emerge Exhibition ha presentato opere innovative come un tavolo da caffè in micelio e una lampada gonfiabile, permettendo ai visitatori di esplorare il design come un linguaggio per raccontare storie e affrontare sfide moderne. Il tema di quest'anno, "Dialogo attraverso il Design", ha incoraggiato i partecipanti a creare progetti sostenibili che stimolino la riflessione e promuovano connessioni significative.

Tra i partecipanti, Sze Kiat Ng, fondatore dello studio di design Bewilder di Singapore, ha esposto un tavolo da caffè con base in micelio e piano in vetro. Questo tavolo, realizzato con funghi commestibili, rappresenta l'impegno dello studio verso l'uso di materiali organici e sostenibili. "Vogliamo che le persone vivano questa bellissima materia che spesso è stata alienata", ha dichiarato Ng.

La curatela dell'esposizione è stata affidata a Edwin Low e Suzy Annetta, che hanno organizzato i lavori in due sezioni: Design Object e Design Social. "Il design deve affrontare le sfide del settore attraverso un approccio intenzionale", ha affermato Low, sottolineando l'importanza della comunicazione nel design.

Altri pezzi salienti includono la lampada gonfiabile di Eian Siew e l'opera scultorea in lacca dell'artista coreano Ok Kim. Ogni creazione mira a sfidare le convenzioni e a proporre soluzioni più inclusive, come nel caso di oggetti progettati per persone con disabilità. "Il design è uno strumento potente per cambiare la percezione", ha concluso Low.

La Emerge Exhibition si è svolta al Marina Bay Sands di Singapore dal 11 al 13 settembre 2025, come parte della Singapore Design Week, che continuerà fino al 21 settembre 2025.

Il primo è Maria Nila a Stoccolma, dove un soffitto realizzato in plexiglass tagliato a forma di shampoo che gocciola accoglie i visitatori. Con una palette di colori delicati, come il rosa, il pesca e il turchese, questo salone è un inno alla natura, con curve organiche ispirate a foreste e oceani.

Spostandoci a Osaka, LIM, un salone progettato da Schemata Architects, incarna l'atmosfera di un magazzino industriale. Con elementi in acciaio e colonne in cemento a vista, questo spazio offre un'esperienza che è al contempo rustica e raffinata.

In Spagna, Curly Lab a Barcellona si distingue per il suo design tattile e accogliente. Qui, le superfici curve e le piastrelle di rame lucido creano un ambiente che celebra la bellezza dei capelli ricci, rendendo ogni visita un momento di cura personale.

A Pechino, il Ego Hair Salon si presenta con pareti curve di un verde avocado, evocando una sensazione di spazio futuristico e rilassante. Questo salone è un rifugio per chi cerca un'esperienza di bellezza che stimoli i sensi.

In Inghilterra, Salt Salon si distingue per l'uso di materiali riciclati, con una parete sonora in acciaio zincato che funge anche da elemento decorativo. Ogni angolo di questo salone è studiato per unire funzionalità e sostenibilità.

In Svezia, Little Faktory reinterpreta il minimalismo con un design ispirato alle geometrie di Carlo Scarpa. Il suo spazio sotterraneo, ristrutturato per rivelare le pareti in cemento a vista, è un chiaro esempio di come il passato possa incontrare il presente.

In Canada, il Qali a Vancouver si tinge di colori vivaci degli anni '80, con mobili che ricordano il dolce e il décor art déco. Questo salone è un vero e proprio viaggio nel tempo, ricco di dettagli giocosi e accoglienti.

Infine, Mood a Madrid presenta un audace soffitto verde menta che contrasta con dettagli in acciaio zincato e muri in mattoni bianchi. Un esempio di come il colore possa trasformare completamente un ambiente, creando un'atmosfera fresca e invitante.

Ogni salone in questa selezione offre non solo un servizio, ma un'esperienza che trascende il semplice atto di prendersi cura di sé. Queste strutture sono un inno alla creatività, all'innovazione e alla bellezza, invitando tutti noi a esplorare nuovi orizzonti.

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La visione di Rossi è chiara: creare spazi che non solo abitano, ma vivono in simbiosi con l'ambiente. Con un percorso formativo che lo ha reso esperto in bioedilizia e nella scelta di soluzioni efficaci per il risparmio energetico, l'architetto ha saputo coniugare l'innovazione con la tradizione, realizzando edifici che raccontano storie di bellezza e funzionalità.

Ogni progetto che esce dallo studio di Rossi è un'opera pensata per rispondere alle sfide contemporanee, dove l'attenzione all'ambiente e al comfort abitativo si fondono per dare vita a soluzioni abitative originali. È così che l'architettura diventa un arte al servizio delle persone, un rifugio che abbraccia la luce naturale e invita a una riflessione più profonda sul nostro ruolo nel mondo.

La biografia di Cesare Rossi è una testimonianza di passione e impegno. Nato nel 1972, anno in cui si celebra la prima giornata mondiale dell'Ambiente, la sua carriera in architettura è un continuo dialogo con la natura. Dalla laurea al Politecnico di Milano alle collaborazioni con importanti studi, fino all'apertura del suo studio nel 2008, Rossi ha sempre cercato di superare i confini dell'architettura tradizionale.

La filosofia del suo studio si basa sull'integrazione armoniosa tra l'architettura e l'ambiente circostante, con un approccio che incoraggia l'uso innovativo dei materiali e la funzionalità degli spazi. Ogni edificio progettato da Rossi è una manifestazione della sua convinzione che l'architettura possa essere un potente strumento per ridurre l'impatto ambientale e migliorare la qualità della vita.

In conclusione, entrare nel mondo dell'architetto Cesare Rossi significa intraprendere un viaggio di scoperta e ispirazione, dove l'architettura diventa un linguaggio che parla di sostenibilità, bellezza e innovazione. Ogni progetto è un'opportunità per sognare e realizzare spazi che non solo soddisfano le esigenze abitative, ma che si inseriscono nel tessuto della natura, rispettandola e valorizzandola.

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Con un'area di 1050 m², l'intervento ha saputo mantenere l'essenza della struttura originale, preservando i dettagli storici e integrandoli con elementi contemporanei. L'uso di materiali come legno, vetro e mattoni non è casuale; ogni scelta progettuale è stata pensata per dialogare con l'ambiente circostante, rispettando la storia mentre si guarda al futuro.

Yulin, situata nel cuore della provincia di Shaanxi e riconosciuta come uno dei nove importanti avamposti della Cina, si arricchisce ora di uno spazio espositivo che promuove la cultura e l'arte locale. Non è solo un edificio, ma un luogo di incontro, un palcoscenico per la comunità, dove ogni visitatore può immergersi nella storia e nell'innovazione.

Gioco è concepito per essere un luogo di esplorazione pratica, dove i bambini possono dare libero sfogo alla loro creatività. I blocchi di sughero utilizzati sono leggeri e possono essere facilmente riorganizzati, permettendo di creare sedute, scrivanie o aree di relax. Questo design flessibile incoraggia l'interazione spontanea e l'apprendimento collaborativo.

Il nuovo spazio non è solo un'area educativa, ma anche un luogo di gioco libero, dove i bambini e i loro accompagnatori possono trascorrere del tempo insieme. Gioco offre anche un'ampia gamma di attività, tra cui laboratori organizzati dal Dipartimento Educativo della Triennale, arricchendo ulteriormente l'esperienza dei visitatori.

Inoltre, la struttura è dotata di servizi pratici per le famiglie, come parcheggio per passeggini, armadietti e servizi igienici adatti ai bambini, assicurando così un'accoglienza comoda per tutti. Anche il ristorante Cucina Triennale propone un menù dedicato ai più piccoli, estendendo l'inclusione dei bambini all'intera offerta della Triennale.

La biblioteca presente nel Gioco invita all'esplorazione e alla scoperta, con una collezione di libri illustrati in italiano e inglese, libri silenziosi e opere che introducono la Lingua dei Segni Italiana. Questo rende il progetto accessibile a un pubblico più ampio e arricchisce la visita con attività interattive che collegano lo spazio alle mostre attuali.

Gioco rappresenta così un'importante iniziativa della Triennale di Milano, unendo creatività, apprendimento e inclusione in un ambiente pensato per i bambini e le loro famiglie.

Immagina un luogo dove il rumore delle conversazioni si mescola con il profumo di cucine diverse. Qui, co-working e ristorazione convivono in un abbraccio armonioso, creando un'atmosfera vibrante. La disposizione degli spazi è pensata per stimolare la creatività, con aree comuni che invitano alla collaborazione e angoli più intimi per la riflessione personale.

La facciata, un gioco di volumi e materiali, riflette l'energia della città, mentre le ampie vetrate permettono alla luce naturale di inondare gli interni, creando un dialogo costante tra spazio esterno e interno. Ogni angolo è concepito per nutrire l'anima e la mente, rendendo HEYDAY non solo un luogo di lavoro, ma un vero e proprio ecosistema creativo.

Con la sua apertura prevista per il 2025, il Centro Comunitario HEYDAY promette di diventare un punto di riferimento per la comunità, un luogo dove si intrecciano idee e culture, dove ogni visita è un'opportunità di crescita e di scoperta. In un'epoca in cui la connessione è fondamentale, HEYDAY rappresenta un passo avanti verso un futuro in cui architettura e comunità si fondono in un'unica entità pulsante.

La Casa Sensibile è caratterizzata da una luce che cambia con il passare delle ore, materiali che sollecitano i sensi e angoli che invitano alla riflessione. Elena Salmistraro sottolinea l'importanza di creare ambienti che favoriscano il benessere; ogni elemento, dai colori ai tessuti, ha un ruolo fondamentale nel plasmare la nostra esperienza quotidiana. "I colori trasformano la percezione degli spazi e la luce ne rivela la verità", afferma Salmistraro.

Il design emozionale è al centro di questa visione: ogni oggetto deve avere una funzione emotiva, non solo pratica. Che sia per un single, una coppia o una famiglia, la Casa Sensibile è un luogo che evolve con i suoi abitanti, dove ogni oggetto scelto con cura contribuisce a rompere l'anonimato e a creare un'esperienza unica.

Elena Salmistraro, con la sua fusione di arte e design industriale, ha collaborato con marchi prestigiosi e ha ricevuto riconoscimenti internazionali. La sua visione per la Casa Sensibile, presentata al Cersaie, rappresenta un passo avanti verso spazi che non solo accolgono, ma che migliorano la qualità della vita.

Ispirato all'articolo pubblicato su: share.google

La Cura delle Opere Architettoniche

Per Barreca e La Varra, gli edifici non sono semplici strutture; sono entità vive, che richiedono attenzione e cura anche dopo la loro realizzazione. "Li sentiamo nostri, come fossero figli", affermano, sottolineando l'importanza di seguire l'evoluzione delle opere nel tempo. Questo approccio si rivela essenziale, specialmente nel campo del social housing, dove il benessere delle comunità è al centro del progetto.

Dalla Visione alla Realtà: Progetti Chiave

Recentemente, lo studio ha completato la Cittadella dello Sport a Tortona, un'opera che non solo offre spazi sportivi, ma si integra anche armoniosamente nel tessuto urbano circostante. Questo progetto è solo uno dei tanti esempi di come la rigenerazione urbana possa trasformare aree dismesse in spazi vitali e dinamici.

Attualmente, il Nuovo Policlinico di Milano è in fase di completamento, rappresentando un altro passo fondamentale nella visione di Barreca e La Varra per una Milano più inclusiva e attenta alle esigenze della popolazione.

Progetti Smarriti: Un Patrimonio da Rivalutare

La recente monografia dello studio, intitolata Il superfluo e il necessario. Architetture di Barreca & La Varra, dedica spazio ai progetti irrealizzati, permettendo di riflettere su un patrimonio spesso trascurato. "Fanno parte della nostra memoria", affermano, evidenziando come anche le idee non realizzate contribuiscano alla crescita e all'evoluzione del loro lavoro.

Riflessioni sulla Rigenerazione Urbana

Le sfide della rigenerazione urbana sono molteplici e complesse. Barreca e La Varra riconoscono che il cambiamento non riguarda solo gli edifici, ma anche le comunità e i processi sociali. La loro esperienza dimostra che ogni progetto deve considerare le dinamiche locali e le esigenze abitative contemporanee, affinché la rigenerazione sia autentica e sostenibile.

Conclusioni: Un Futuro Sostenibile

In un'epoca in cui l'architettura deve rispondere a sfide globali e locali, il lavoro di Barreca e La Varra rappresenta un faro di innovazione e responsabilità. Con una visione che abbraccia il passato, il presente e il futuro, questi architetti sono determinati a lasciare un segno indelebile nella storia di Milano.

Il centro si estende su una superficie di 450 m² e include spazi per ristorazione leggera, un caffè, una cucina e aree per meeting. La sua posizione strategica, adiacente al Danjiangkou Reservoir, offre ai visitatori una vista mozzafiato, integrando l'architettura con il paesaggio circostante.

Il progetto è stato concepito per recuperare l'armonia con l'ambiente, nonostante il sito fosse stato precedentemente livellato in terrazze artificiali e parcheggi. Moguang Studio ha saputo trasformare questo spazio, ricreando una continuità visiva con la valle e i campi di riso circostanti.

Le immagini del progetto, catturate da Qingshan Wu, mostrano l'attenzione ai dettagli e l'impegno per la sostenibilità, rendendo il Centro Visitatori della Montagna Wudang un esempio di architettura culturale contemporanea.

In conclusione, il Centro Visitatori della Montagna Wudang non è solo un luogo di accoglienza, ma un vero e proprio punto di riferimento culturale che celebra la bellezza della natura e l'innovazione architettonica.

Ispirato all'articolo pubblicato su: www.archdaily.com

Il gymnasium, progettato dal vincitore del Pritzker Architecture Prize, è attualmente vuoto e presenta limitazioni sismiche e spaziali che ne compromettono l'uso. La proposta di Akiyama Poh mira a preservare la struttura storica, trasformandola in un food hall dedicato ai prodotti del Mare Interno di Seto, circondato da spazi pubblici e uffici, creando così un valore economico e culturale a lungo termine.

Il progetto si basa sui principi metabolisti di Tange, un movimento architettonico giapponese post-bellico che esplorava l'evoluzione degli edifici come organismi viventi. La nuova proposta prevede una griglia strutturale che integra il gymnasium con il contesto urbano, collegando strade e strutture vicine e rendendolo un punto di riferimento regionale.

La competizione ha invitato architetti e designer a selezionare edifici di rilevanza storica e a proporre trasformazioni innovative per rivitalizzarli. Il progetto New Ground è stato scelto come vincitore per come riesce a rielaborare un'icona architettonica per le esigenze del XXI secolo. Max Fraser, direttore editoriale di Dezeen, ha sottolineato l'importanza di adattare le strutture storiche anziché demolirle, evidenziando l'impatto ambientale dell'edilizia.

Il gymnasium di Kagawa, progettato da Tange nel 1964, condivide una storia simile con il Yoyogi National Gymnasium di Tokyo, ma mentre quest'ultimo è diventato un simbolo nazionale, il gymnasium di Takamatsu rischia di essere dimenticato. La proposta di Akiyama Poh non solo mira a preservare la memoria storica dell'edificio, ma lo reinventa come un simbolo economico e culturale della regione.

Con la sua visione innovativa, Akiyama Poh ha dimostrato come l'architettura possa evolvere ed adattarsi ai bisogni contemporanei, ponendo interrogativi sul futuro degli edifici storici e il loro ruolo nelle comunità moderne.

Con la curatela di cinque esperti, il progetto riunisce cinquantiquattro artisti viventi, tra cui molti volti nuovi, in un dialogo che abbraccia stili e linguaggi diversi. Questa edizione, che segna un traguardo significativo, è anche un tributo alla memoria del presidente Luca Beatrice, scomparso prematuramente.

La mostra si snoda attraverso 2000 metri quadri di spazio espositivo, presentando 187 opere, molte delle quali create appositamente per l’occasione. Ogni sezione, curata con maestria, offre un’esperienza immersiva, invitando il visitatore a scoprire le traiettorie artistiche che contraddistinguono il nostro tempo.

In aggiunta, l’esposizione storica I giovani e i maestri: la Quadriennale del 1935, curata da Walter Guadagnini, rende omaggio alle radici di questo evento, evocando un senso di continuità tra passato e presente. L’architettura dell’allestimento, firmato da BRH+/ Barbara Brondi & Marco Rainò, gioca con i vuoti e i pieni, creando un’atmosfera in cui l’arte vive e respira.

La Quadriennale non è solo una mostra, ma un progetto espositivo corale che si arricchisce di performance e incontri, rendendo l’esperienza di visita ancora più coinvolgente. Fantalk, il public program a cura di Nicolas Ballario, stimola discussioni attuali, riflettendo le suggestioni delle opere esposte. In un momento in cui Roma si riafferma come un centro culturale vitale, la Quadriennale si presenta come un faro luminoso per l’arte contemporanea.

Varcando la soglia, ci si trova immersi in un ambiente che gioca con la luce e le texture. Le persiane interne a listelli, scelte con cura, non solo conferiscono un fascino vintage ma amplificano la sensazione di verticalità, un elemento fondamentale in spazi con soffitti bassi. La scelta dei materiali è stata meticolosa: legno di rovere per i rivestimenti e una palette di toni rilassanti che avvolge ogni stanza, rendendo l’atmosfera calda e accogliente.

Il soggiorno, fulcro della casa, è un perfetto esempio di come il design possa trasformare un piccolo spazio in un’oasi di comfort. Con un divano sobrio incorniciato da un tavolino in metallo, e poltrone eleganti, ogni elemento è stato pensato per ottimizzare l’uso dello spazio, senza rinunciare allo stile. L’illuminazione naturale, che filtra attraverso le ampie finestre, rende l’ambiente ancora più invitante.

La cucina, un angolo di funzionalità, si distingue per l’uso di un laminato in simil-rovere, che crea continuità visiva con il resto dell'appartamento. Qui, una panca in stile giapponese non solo nasconde una struttura metallica ma offre anche una soluzione pratica per un’area di appoggio. Questo approccio modulare al design è una delle chiavi del progetto: ogni elemento trova il suo posto, contribuendo a un’armonia generale.

Non meno affascinante è la camera da letto, dove il camino originale è stato sapientemente conservato e incorniciato da armadi minimalisti, che si integrano perfettamente nel contesto. I materiali, dall'elegante parquet a spina di pesce alla vernice a calce, parlano di un’attenzione al dettaglio che rende questo appartamento un esempio di come si possa vivere bene in spazi ridotti.

In questo piccolo appartamento nel Marais, ogni scelta progettuale racconta una storia di amore per il design e di rispetto per la storia. È un luogo dove passato e presente si fondono, creando un rifugio accogliente e funzionale, perfettamente adatto alla vita moderna.

L'architettura, in tutte le sue forme, è un riflesso di questo dialogo tra l'uomo e il cosmo. Ogni edificio, ogni struttura, è un tentativo di dare forma a quell'ineffabile bellezza che ci sovrasta. I grandi architetti, come Michele De Lucchi, sono i mediatori di questo linguaggio, capaci di trasformare la luce e l’aria in spazi vivibili, in cui la natura e la creatività si intrecciano.
Immaginiamo per un momento di trovarci sotto il cielo di Portego, circondati da architetture che sembrano danzare con le nuvole. Ogni linea, ogni angolo è pensato per armonizzarsi con il panorama, per riflettere la luce in modi che ci sorprendono e ci incantano. È in questo dialogo che nasce l'arte dell'architettura, una forma di poesia visiva che ci invita a sognare.

Così, mentre osserviamo il cielo, possiamo trovare una risposta alle nostre domande esistenziali. La bellezza del mondo che ci circonda è un richiamo a esplorare, a creare, a costruire non solo edifici, ma anche un senso di appartenenza e di meraviglia. Ogni stella è un architetto che disegna la propria storia, e ogni nuvola un'opera d'arte in continuo cambiamento.
In questo spazio sospeso, dove cielo e terra si incontrano, ci rendiamo conto che siamo tutti parte di un grande progetto, di una narrazione collettiva che ci unisce e ci ispira.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Con 65 stanze che si affacciano su un vasto panorama deserto, Reset Hotel è stato concepito da una squadra di visionari, tra cui il designer Benjamin Uyeda e il collettivo Gry Space. Ogni cabina è un rifugio di minimalismo e comfort, dove gli ospiti possono immergersi nella bellezza cruda del deserto, lasciando dietro di sé il trambusto della vita quotidiana.

La disposizione delle stanze, organizzate in file ordinate, crea spazi di vita all'aperto, perfetti per godere dell'aria fresca e della vista mozzafiato. Le Mountain View King suites occupano un intero container e offrono un accesso diretto al deserto, con finestre panoramiche che incorniciano il paesaggio come un'opera d'arte. Qui, gli ospiti possono rilassarsi in una vasca da bagno all'aperto sotto un cielo punteggiato di stelle, mentre il calore del deserto avvolge ogni istante.

Il Clubhouse, il cuore pulsante del Reset Hotel, è caratterizzato da container di un elegante colore marrone polveroso, distinti dai toni grigi delle stanze. Questo spazio accogliente include un bar, un lounge e una piscina di acqua salata, tutti progettati per fondersi con l'ambiente circostante, utilizzando materiali che raccontano la storia di un paesaggio arido ma affascinante. Le texture e i colori scelti per gli interni si armonizzano perfettamente con l'essenza del deserto, invitando alla contemplazione e al riposo.

Ogni elemento, dai mobili in legno semplice alle piastrelle bianche dei bagni, è pensato per creare un ambiente di relax e benessere. Non ci sono televisioni, né plastica monouso, solo la bellezza della natura e la serenità del luogo. Come afferma il team di Reset, "è un approccio architettonico che invita gli ospiti a rallentare e a lasciar entrare il deserto, sia visivamente che emotivamente".

La linea HYDRA include porte classiche, disponibili in versioni lisce e intelaiate. Ogni porta è progettata con un approccio pratico e funzionale, valorizzando l’aspetto estetico grazie all’uso di finiture in PET rigenerato. Questo materiale non solo conferisce profondità cromatica, ma offre anche una piacevole sensazione tattile, simile alla laccatura, combinando eleganza e resistenza.

Le superfici in PET garantiscono elevata stabilità dimensionale e resistenza all’usura e agli urti, rendendo questi prodotti ideali per un uso quotidiano prolungato. Entrambi i modelli certificati, HYDRA DUNE e HYDRA TEA, sono dotati di serratura magnetica e cerniere a scomparsa, assicurando praticità e sicurezza.

I materiali utilizzati nella realizzazione delle porte comprendono MDF, PET riciclato, acciaio e, per HYDRA DUNE, anche cartone riciclato. Ogni componente è facilmente separabile, e la porta stessa è riciclabile al 100% a fine vita, contribuendo così a una filiera edilizia più circolare e sostenibile.

Se sei interessato a scoprire di più sulla sostenibilità e innovazione delle porte HYDRA, non esitare a contattare Style House S.r.l. Per maggiori informazioni, visita il sito ufficiale o scarica il certificato per HYDRA Tea e HYDRA Dune.

Itamaracá, un’isola dello stato di Pernambuco, è il palcoscenico di questa storia. Conosciuta per le sue spiagge idilliache, l’isola affronta la crescente pressione del turismo di massa, che porta con sé un carico di rifiuti, in particolare bottiglie di vetro lasciate a marcire sulle sue coste. Edna, educatrice e custode di una tradizione di riutilizzo, ha osservato con preoccupazione la situazione, decidendo di agire.

“Voglio costruire una casa con le bottiglie di vetro”, ha dichiarato Edna, trasformando un’idea in un progetto che avrebbe cambiato le loro vite. Con l’aiuto della figlia, Maria Gabrielly, designer di moda sostenibile, hanno dato vita alla Casa de Sal. Una struttura che non solo accoglie, ma racconta storie di rinascita e speranza.

La casa è un esempio di architettura eco-sostenibile: realizzata con legno riciclato e bottiglie di vetro, ogni parete riflette ingegno e determinazione. “Il primo anno e mezzo è stato un viaggio di creatività, senza il comfort di un bagno tradizionale, ma con un obiettivo chiaro”, ricorda Gabrielly. L’abitazione, con i suoi tramezzi di pallet e le tegole di tubetti di dentifricio, è un inno alla possibilità di un futuro diverso.

Questo progetto ha anche aperto un dibattito cruciale: come affrontare la crisi abitativa in un Paese dove milioni vivono in condizioni di estrema povertà? E come possiamo ristrutturare la nostra percezione dei rifiuti? Edna e Maria Gabrielly non solo hanno trovato modi per riutilizzare materiali scartati, ma hanno anche sfidato le norme sociali, dimostrando che le donne possono essere pioniere in un campo tradizionalmente dominato dagli uomini.

La Casa de Sal non è solo un’abitazione, ma un simbolo di resistenza e innovazione, un luogo dove ogni bottiglia racconta una storia e ogni stanza porta la firma di chi ha osato sognare. In un mondo che spesso ignora il valore dei rifiuti, Edna e Maria Gabrielly ci ricordano che, con un po’ di creatività e impegno, è possibile trasformare il superfluo in un rifugio, un sogno che si realizza, una casa che accoglie.

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Immaginate di indossare una creazione che, oltre a decorare la vostra testa, funge da guardiano silenzioso della vostra privacy. Grazie a una tecnologia visiva alimentata dall'intelligenza artificiale, CAPtured è in grado di identificare quando un obiettivo di smartphone è puntato verso di voi. In quel preciso istante, un meccanismo ingegnoso si attiva, calando un velo protettivo sul vostro volto, nascosto agli sguardi indiscreti e ai flash dei social media.

Ma la magia di CAPtured non si limita a una mera funzione di difesa; esplora il delicato confine tra identità e tecnologia, sollevando domande cruciali sul consenso nell’era della condivisione isterica. L'estetica del cappello, curata con maestria da Ancuta Sarca, riflette il dinamismo urbano, unendo moda e innovazione in un abbraccio che sfida le convenzioni.

CAPtured non è solo una risposta a una crescente preoccupazione per la privacy, ma un invito a riflettere sul nostro rapporto con le immagini e la loro diffusione. In un'epoca in cui ogni istante è potenzialmente condiviso, questo cappello si erge come un simbolo di ribellione, un baluardo contro l'oggettivazione dell'individuo, un richiamo a riprendere il controllo sulle proprie immagini.

In definitiva, il cappello CAPtured è più di un accessorio; è un'opera d'arte, un oggetto di design e un pezzo di tecnologia che, con grazia, ci invita a considerare il valore della nostra identità in un mondo in cui ogni click potrebbe trasformarci in star involontarie di una narrazione altrui.

Questa casa, opera dello Studio Schicketanz, è un esempio luminoso di come l'architettura possa sposare la sostenibilità e la bellezza. La zona notte si snoda lungo un percorso che invita alla scoperta, mentre ampie finestre a nastro offrono una vista incantevole sulle chiome degli alberi. Ogni mattina, i proprietari si risvegliano circondati da un abbraccio di verde, con il sole che filtra tra le foglie.

Il progetto, nato dalla necessità di sostituire una vecchia baita, si propone di rispettare l'essenza del luogo, una sfida non da poco in un territorio fragile come quello di Big Sur, soggetto a incendi e frane. L'architetta Mary Ann Schicketanz ha saputo superare queste difficoltà progettando una casa su pali, riducendo l'impatto sul terreno e proteggendo le radici delle sequoie. L'innovazione si intreccia con la tradizione: il redwood, legno autoctono, diventa il filo conduttore di questo viaggio architettonico.

Ma cosa rende questa casa veramente unica? È la sua capacità di dialogare con l'ambiente circostante. Ogni spazio è pensato per armonizzarsi con la natura, i tre padiglioni distinti offrono funzioni autonome, creando una sinfonia di volumi che si fondono nel paesaggio. Il soggiorno, dotato di un lucernario circolare, diventa il cuore pulsante, dove la luce naturale danza con le ombre, trasformando ogni momento in un'esperienza sensoriale.

Un patio che si estende verso la foresta invita a serate sotto le stelle, mentre un tetto verde irrigato non solo abbellisce, ma rappresenta un impegno tangibile verso la sostenibilità. Questa casa non è solo un'abitazione, ma un manifesto ecologico, un luogo dove la vita quotidiana si intreccia con il rispetto per l'ambiente.

In questo rifugio, ogni dettaglio è una poesia scritta con materiali recuperati, con una storia da raccontare. È un esempio di come l'architettura possa essere piccola nelle dimensioni, ma grande nelle potenzialità. Una casa che non si impone, ma che dialoga, integra e rispetta, rivelando la bellezza dell'abitare consapevole.

Uno degli esempi più emblematici del lavoro di Godwin Austen Johnson è il Jafar Centre presso il Dubai College. Questo progetto rappresenta un perfetto equilibrio tra innovazione e rispetto per il contesto culturale locale. La capacità dell'azienda di adattare il design alle specificità del luogo è ciò che la distingue nel panorama architettonico contemporaneo.

Il team, guidato dall'attuale Managing Director Jason Burnside, continua a esplorare nuove strade nel design, mantenendo sempre un forte legame con le tradizioni britanniche che risalgono al 1847. Attraverso una metodologia collaborativa, Godwin Austen Johnson dimostra come l'architettura possa rispondere alle esigenze moderne, pur rimanendo radicata nella cultura e nella storia del Medio Oriente.

La disposizione architettonica si snoda in due bande sottili: una zona a piano terra, con un’altezza di soffitto generosa di quattro metri, e un mezzanino sollevato di 180 centimetri, concepito per consentire il passaggio delle auto verso un garage sotterraneo. Questo gioco di altezze crea un volume a forma di L, dove il collegamento tra i livelli diventa un’esperienza sensoriale centrale, un viaggio che invita a scoprire ogni angolo.

La scala, pensata con cura da BURR, non è solo un semplice collegamento, ma un’opera di design che cela sotto i suoi gradini porte a scomparsa per elettrodomestici, ripostigli e persino un WC compatto. Questa integrazione precisa, che ricorda gli interni dei mezzi di trasporto, permette di massimizzare lo spazio utile, allontanando il caos visivo e regalando un senso di ordine.

Il movimento attraverso l’abitazione segue un loop a forma di U: si entra dalla zona inferiore e, salendo, si raggiunge il piano superiore che riporta alla facciata principale. Questa sequenza introduce un gradiente di utilizzo pubblico e privato, separando la zona condivisa da quella più intima, in un equilibrio perfetto di convivialità e riservatezza.

Entrambi i livelli di Benito si aprono verso l’esterno, creando un legame continuo con l’aria e la luce. Al piano terra, un patio comune accoglie la freschezza del giorno, mentre il mezzanino si affaccia su una terrazza privata, un angolo di serenità. Con facciate su entrambi i lati, la ventilazione incrociata si stabilisce naturalmente, sostenuta da un layout aperto che, sebbene racchiuda solo il bagno e il WC, mantiene un’atmosfera di apertura in ogni altro spazio.

Ma non è tutto: le sfide del contesto edilizio, con servizi condivisi che attraversano il soffitto a diverse altezze, hanno spinto BURR a introdurre un intervento audace: una volta a botte che abbraccia la parte pubblica della casa. Questa soluzione offre isolamento acustico e visivo, conferendo al piccolo interno un sorprendente senso di volume e spazio, in un contrasto deliberato con le dimensioni contenute del progetto.

In questo modo, la ristrutturazione di Benito eleva una piccola porzione domestica di Madrid a qualcosa di distintivo e memorabile, senza mai cadere nell’eccesso, ma celebrando l’essenziale.

Le facciate dell'edificio sono rivestite con mattoni sottili e lucidi della linea Fusion, in particolare con il modello Panama City Glossy, che presenta una qualità perlata capace di riflettere la luce in modi sorprendenti a seconda della posizione del sole. Questa caratteristica rende i mattoni non solo estetici, ma anche dinamici, poiché l'aspetto dell'edificio cambia durante il giorno.

I mattoni sono disposti a angoli inaspettati, con un mix di moduli impilati e legami correnti, creando un effetto visivo che sfida le convenzioni tradizionali della costruzione in mattoni. An.onymous descrive queste facciate come “disegni obliqui degli edifici stessi”, sottolineando l'uso innovativo della thin brick come una sorta di sistema di piastrelle che simula la presenza del mattone tradizionale.

La progettazione delle facciate non è solo visivamente accattivante, ma riflette anche il piano asimmetrico dell'edificio, sviluppato attraverso uno studio informatico sulla circolazione. Gli architetti hanno saputo combinare forma e funzione, creando un design che risulta audace e contemporaneo nel contesto della sanità.

Con oltre un secolo di esperienza, Acme Brick si posiziona come il più grande produttore di mattoni a proprietà statunitense. La linea Fusion Thin Bricks rappresenta un passo avanti nelle applicazioni creative che prima erano impossibili con i metodi di costruzione tradizionali.

Per ulteriori informazioni su Acme Brick e sui loro prodotti innovativi, visita il loro sito web.

La decima edizione, che si svolgerà nel cuore di Copenaghen, riunirà nuovamente ricercatori, architetti, ingegneri e politici per esaminare il ruolo in evoluzione della luce naturale nell'architettura e nel design. Questo evento rappresenta uno spazio dove scienza e pratica si incontrano, permettendo di riflettere sulle esperienze passate e guardare al futuro della luce naturale nelle nostre città e spazi.

Non perdere l'occasione di partecipare alla diretta il 18 settembre 2025, dalle 09:00 alle 17:30 (CEST). Unisciti a noi per un evento che promette di essere illuminante!

Acquistata nel 2007 dall'attrice premio Oscar, la casa è stata oggetto di un attento restauro sotto la guida della stessa Keaton, un’amante dell'architettura storica. Ogni angolo di questa residenza moderna di metà secolo racconta la storia di un artista che ha saputo vedere oltre le mere pareti, trasformando la suite principale in un loft che si affaccia sulla natura circostante. I dettagli in legno e gli arredi su misura, che il giovane Wright ha saputo ereditare dal padre, sono stati riportati a nuova vita, riflettendo l’amore dell'attrice per l'estetica e la funzionalità.

Ma cosa rende la Alfred Newman House così speciale? Oltre ai suoi 400 metri quadrati di eleganza, essa si distingue per il suo tetto a falde ripide e la sua struttura in mattoni e cemento, una fusione di tradizione e innovazione. Con una cucina all'aperto, una piscina scintillante e uno studio musicale indipendente, questo gioiello architettonico è un’ode alla creatività e al design.

La storia di Diane Keaton e della sua casa non si ferma qui. Negli anni '90, l'attrice ha intrapreso un viaggio simile, restaurando la Samuel Novarro Residence, un'altra creazione di Wright. Ogni progetto è un tassello che compone il mosaico della sua passione per l’architettura e il design, un amore che ha saputo trasmettere anche nelle sue scelte di vita.

Oggi, la Alfred Newman House continua a vivere, un simbolo di un’epoca e di un’arte che non smette mai di ispirare. Mentre il mercato immobiliare si muove e cambia, la bellezza e l'eredità di Wright rimangono intatte, pronte a raccontare storie a chi avrà il privilegio di abitarle.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

In occasione di questo decennale, Grace Farms ha presentato una nuova collezione di installazioni e programmi, ampliando ulteriormente il suo ruolo come polo per l'arte e il design. Durante la celebrazione, Sejima ha condiviso la sua visione, illustrando come ogni elemento del progetto rifletta una connessione profonda con la comunità e il paesaggio. La creazione di panchine scultoree, denominate 'Dancing Trees', rappresenta un esempio tangibile di come l’arte possa interagire con lo spazio, offrendo ai visitatori la possibilità di riposare e riflettere in un contesto che invita all'incontro e alla socializzazione.

La nuova fascia in cedro rosso occidentale, proveniente dalle foreste di Haida Gwaii, segna un altro passo verso la sostenibilità. Questo legno, scelto per la sua resistenza e la sua provenienza etica, avvolge l’edificio con un abbraccio caldo e naturale, riflettendo l'impegno di Grace Farms per la trasparenza e la responsabilità nella scelta dei materiali. La comunità di Haida, custode di queste foreste, ha collaborato attivamente, incarnando i principi del Design for Freedom, un’iniziativa che promuove il rispetto dei diritti umani nella catena di approvvigionamento dei materiali da costruzione.

In aggiunta, l’installazione 'With Every Fiber | Pigment, Stone, Glass' è stata inaugurata, un progetto che affronta le questioni dell'approvvigionamento etico nei materiali da costruzione. Artisti e ingegneri hanno reinterpretato pigmenti, pietre e vetro, materiali spesso associati a pratiche lavorative non etiche. Queste opere, tra cui il ritratto di Nasreen Sheikh, attivista per i diritti umani, invitano a riflettere sul lavoro e sull'umanità che si cela dietro ogni materiale. La musica che accompagna l'installazione, eseguita dalla London Philharmonic Orchestra, aggiunge un ulteriore strato di profondità a questa meditazione artistica.

Con un nuovo ciclo di programmi e installazioni artistiche, Grace Farms continua a essere un faro di innovazione, sostenibilità e riflessione, un luogo dove l'architettura non è solo un'opera statica, ma un organismo vivente che respira, cresce e si integra nel suo ambiente. La celebrazione di questo decimo anniversario non è solo una commemorazione del passato, ma un invito a guardare al futuro, un futuro in cui arte, architettura e comunità si intrecciano in un dialogo continuo.

Sin dai tempi antichi, gli edifici hanno agito come emissari silenziosi, capaci di raccontare storie senza pronunciare una sola parola. I padiglioni delle grandi esposizioni internazionali, ad esempio, hanno sempre avuto il compito di esprimere l’orgoglio nazionale. Pensiamo all’Eiffel Tower, che non è solo un monumento, ma una dichiarazione di modernità e ambizione francese, o al Crystal Palace di Londra, un simbolo della potenza ingegneristica britannica.

Nel corso del XX secolo, questa forma di soft power ha assunto una dimensione ancora più significativa. Gli Stati Uniti, con le loro ambasciate dalle facciate di vetro, hanno cercato di comunicare trasparenza e apertura, in netto contrasto con il monumentalismo chiuso delle architetture sovietiche. Questi edifici non sono semplici strutture funzionali, ma veicoli di ideali, tradotti in spazi che parlano di democrazia e libertà.

Allo stesso modo, nazioni emergenti e città hanno iniziato a utilizzare l'architettura come strumento di affermazione culturale. Il padiglione del Brasile all'Expo di New York, progettato da Lucio Costa e Oscar Niemeyer, ha introdotto un modernismo sinuoso, simbolo di vitalità culturale e ottimismo economico. Qui, l'architettura non è solo una rappresentazione, ma un’affermazione di identità.

In un’epoca di crescente interconnessione e frammentazione geopolitica, l’architettura si presenta come un campo di battaglia per le narrazioni identitarie. Le tensioni tra rappresentazione, autenticità e inclusività emergono quando le strutture sembrano servire agende simboliche più che le comunità per cui sono state costruite. Tuttavia, l'intento rimane chiaro: ogni edificio è concepito per essere un ambasciatore, per modellare la percezione e raccontare storie che risuonano ben oltre i confini nazionali.

Così, in un mondo che cambia rapidamente, l'architettura continua a svolgere un ruolo cruciale nel plasmare le relazioni internazionali, fungendo da ponte tra culture e come testimonianza tangibile della nostra umanità condivisa. In questo gioco di forme e spazi, dove ogni curva e angolo raccontano qualcosa, l'architettura si erge, potente e silenziosa, come un vero e proprio strumento di soft power.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Il progetto è stato concepito come una risposta ai tradizionali modelli costruttivi, proponendo soluzioni economiche e rispettose dell'ambiente. La Casa dei Cuarti Rodanti non è solo un'abitazione, ma un simbolo di una comunità impegnata nella gestione responsabile delle risorse idriche e nella conservazione dell'ecosistema locale.

Il team di architetti, guidato da Carolina Rodas, Felipe Donoso e Carla Chávez, ha lavorato in sinergia con esperti di ingegneria e architettura del paesaggio, creando uno spazio che non è solo esteticamente gradevole, ma anche funzionale e sostenibile. La Casa dei Cuarti Rodanti si propone come un'alternativa concreta e ispiratrice per le future costruzioni nelle aree rurali in espansione urbana.

Questo progetto, completato nel 2024, è già stato oggetto di attenzione e ammirazione da parte della comunità architettonica internazionale, grazie alla sua capacità di coniugare bellezza, funzionalità e rispetto per l'ambiente. Scopri di più sulla Casa dei Cuarti Rodanti e lasciati ispirare dalla sua architettura innovativa.

La struttura, concepita per essere un luogo di ritrovo, offre un sedile centrale in compensato, dove ogni passante può fermarsi e riflettere. Le tubazioni, normalmente invisibili nel loro uso quotidiano, si trasformano in un linguaggio architettonico che invita a esplorare il concetto di spazio condiviso. Sotto le stelle, un delicato bagliore emana dalla sommità dell'installazione, creando un'atmosfera intima che invita a lasciarsi andare.

Questo progetto non è solo un'opera d'arte, ma un invito a ripensare l'urbanistica. Immaginate una rete di queste piccole strutture sparse per la città, ognuna pronta a offrire un attimo di pausa e riflessione. Un richiamo a trovare la bellezza anche nel grigiore urbano, a cercare l'intimità anche tra le tubazioni e i rumori della vita quotidiana. Il design industriale si fonde con l'esperienza umana, creando un equilibrio perfetto tra funzionalità e poesia.

La collezione Navona di Walker Zanger evoca il pallido splendore del travertino, un materiale che ha visto la luce del giorno nel Colosseo e nella Casa Bianca. Ogni piastrella è un omaggio a una bellezza senza tempo, una danza di venature leggere che incanta lo sguardo.

Ma non è tutto. La collezione Couture di Alessandro La Spada per Antolini ci trasporta in un regno di motivi grafici, dove la pietra naturale si fonde con accenti metallici, creando un’armonia visiva che celebra il processo di formazione della roccia stessa. Dodici motivi diversi, un viaggio attraverso la materia e il design.

Fiandre, con la sua nuova gamma di superfici Marble Lab, esplora tonalità come Dama Bianca e Breccia Imperiale, mimando la bellezza del marmo con sfumature neutre che si adattano a ogni interno. Un raffinato equilibrio tra natura e modernità, perfetto per chi cerca eleganza e versatilità.

Le piastrelle Tabacco Terrae di Casalgrande Padana, con il loro inconfondibile grigio-marrone, evocano il calore e la profondità del tabacco, mentre Neolith reinventa la pietra sinterizzata, riproducendo venature drammatiche che raccontano storie di granito e quarzo.

Scoprire la Corkform di Quadrant è un'esperienza sensoriale: il sughero, proveniente dall'industria vinicola portoghese, diventa un pavimento morbido e isolante, un abbraccio per i piedi che offre un'armonia perfetta tra comfort e sostenibilità.

Marazzi sorprende con le sue Top tiles, lastre di grande formato in pregiato gres porcellanato, mentre Pretty Plastic reinterpreta il PVC, dando vita a piastrelle riciclate in tonalità accattivanti come Grigio, Verde e Terracotta. Un esempio perfetto di come la sostenibilità possa sposarsi con il design contemporaneo.

Infine, la Growth collection della Good Plastic Company, sviluppata in collaborazione con Gensler, ci invita a riflettere sulla bellezza del riutilizzo attraverso otto motivi ispirati alla natura, come Cliff e Pebble, che trasformano i rifiuti in arte.

Ispirato all'articolo pubblicato su: Dezeen

Olson Kundig ha saputo combinare elementi di design utilitaristici con un'estetica accattivante, utilizzando materiali contemporanei e tecnologie innovative. La residenza non solo offre spazi interni accoglienti e luminosi, ma anche aree esterne che invitano a godere della bellezza naturale circostante.

Questo progetto è un perfetto esempio di come l'architettura possa rispondere alle esigenze moderne senza compromettere la bellezza e l'integrità del paesaggio. Ogni dettaglio è stato curato con attenzione, rendendo il Manhattan Beach Residence un capolavoro di design e funzionalità.

Ispirato all'articolo pubblicato su: www.archdaily.com

In Spagna, il design rivela un carattere stratificato, intrecciando strategie materiali dove identità e contemporaneità si fondono. Con un occhio attento al futuro, l'architettura contemporanea abbraccia pratiche come il riutilizzo dei materiali, il design circolare e una maggiore attenzione al benessere, plasmando nuovi modi di vivere.

Spazi interni flessibili e compatti per una vita moderna

La tendenza verso interni più versatili mostra come gli spazi richiedano sempre più flessibilità. Le stanze da letto, i soggiorni e altre aree condivise dimostrano la loro capacità di adattarsi a diverse dinamiche, passando da barriere solide a veli leggeri che organizzano lo spazio senza lasciare un segno permanente.

Soluzioni di illuminazione innovative e incentrate sull'essere umano

Le nuove visioni del benessere hanno dato all'illuminazione un ruolo centrale, poiché può influenzare direttamente l'umore e la salute. Le soluzioni di illuminazione contemporanea offrono un controllo preciso, contribuendo a creare atmosfere che migliorano l'esperienza di chi abita gli spazi.

Design di mobili modulari e consapevoli dell'ambiente

I mobili rivestono un ruolo sempre più importante nel plasmare l'atmosfera interna. Progettati secondo principi di modularità e versatilità, questi elementi rispondono alle esigenze delle persone, creando ambienti accoglienti e bilanciati.

Rivalutazione del legno e esplorazione di materiali innovativi

La rivalutazione dei materiali, in particolare del legno, evidenzia una tradizione di produzione attenta all'artigianato e all'uso responsabile delle risorse. Pratiche sostenibili guidano l'uso di questi materiali, producendo pezzi durevoli e adattabili che arricchiscono gli spazi.

In conclusione, l'innovazione negli interni va oltre la tecnologia. I cambiamenti nel design e nella produzione possono trasformare la vita quotidiana, rendendo gli spazi più confortevoli, flessibili e stimolanti.

1. Gem Set di Britney Lee

Questa sedia in legno è un capolavoro realizzato con legno caduto dagli alberi di Londra, avvolto in alluminio, creando un'affascinante metafora sulla rarità del legno.

2. Act I: The Bed di Studio Charlotte Taylor

Un letto innovativo con piattaforme in acciaio inossidabile, progettato per essere adattabile e funzionale, perfetto per le calde notti estive londinesi.

3. Cupsan di Blast Studio

Realizzato con tazze di caffè scartate, questo prodotto si distingue per la sua bellezza e texture, mostrando l'abilità di Blast Studio nel trasformare rifiuti in opere d'arte.

4. Cut-Out di Marcel Breuer

Un classico mai messo in produzione, questa sedia in compensato ha finalmente visto la luce nel 2025, combinando design innovativo e nostalgia.

5. 100 Year Dustpan di Absolute Beginners

Un oggetto destinato a durare un secolo, realizzato da giovani designer, che trasforma materiali di scarto in strumenti utili.

6. Rocking Chair di Lewis Kemmenoe

Una sedia a dondolo dal design patchwork, che riporta in auge un classico dell'arredamento con una forma geometrica elegante.

7. Grit Shade 002: Yellow di Marf Summers

Un lampadario realizzato con carta vetrata usata, dimostrando l'abilità di Summers nel riutilizzare materiali quotidiani.

8. The Peepers di Jutta Gössl per Odd Universe

Uno sgabello leggero e impilabile, caratterizzato da un design semplice ma giocoso grazie ai suoi fori che creano un effetto visivo interessante.

9. 2025 Collection di Yael Mer e Shay Alkalay per Lightmass

Questa collezione di elementi illuminanti utilizza tecnologia additiva per creare strutture leggere e affascinanti che cambiano colore.

Per ulteriori dettagli e per esplorare altre esposizioni e installazioni, visita la nostra guida al London Design Festival 2025.

Il progetto si ispira a un verso poetico cinese, evocando un'immagine di un poeta sorridente, intossicato dalla bellezza dei fiori. L'esperienza spaziale che ne deriva è un invito a immergersi in una dimensione in cui il moon diventa protagonista, riflettendo una presenza che muta e si trasforma, proprio come il ciclo naturale della vita.

La struttura, compatta e a due piani, si erge su un abbraccio d'acqua, e il suo profilo sinuoso richiama l'ascesa lenta del satellite notturno. Al suo esterno, un'installazione artistica rotante evoca la luna, creando un dialogo affascinante tra il reale e l'immaginario. Da lontano, si può percepire una doppia luminosità, quella dell'acqua e quella della struttura, che insieme danzano in un gioco di riflessi.

Il design è una reinterpretazione coraggiosa della serra originale, un omaggio alla sua storia. Elementi della vecchia struttura, come i telai in acciaio, sono stati riutilizzati per creare nuove forme, mentre materiali innovativi, come le tavole a carbonio, riflettono un impegno costante verso la sostenibilità. La continuità con il passato è palpabile, e la vegetazione che circonda il pavilion dissolve il confine tra architettura e natura, creando un ambiente armonioso e accogliente.

Il moon pavilion non è solo un'opera d'arte, ma un simbolo di speranza e possibilità. La scelta di rivestire la struttura con policarbonato scuro fa pensare a occhiali da sole, proteggendo l'interno e amplificando la luminosità dell'installazione lunare. L'architettura diventa un palcoscenico, e gli spettatori, camminando lungo il bordo dell'acqua, sono invitati a riflettere e a sognare.

Il DDA si propone di ribaltare l'esecutivo ordine di Trump che favoriva stili architettonici tradizionali e classici, un'iniziativa che era stata già annullata da Joe Biden nel 2021. Tuttavia, con il ritorno di Trump e la sua intenzione di ripristinare le sue precedenti direttive, il DDA acquisisce nuova rilevanza.

Van Hollen ha sottolineato l'importanza di un approccio diversificato nel design degli edifici federali: "Non dovrebbe esserci un mandato unico per il design dell'architettura federale. Questa legislazione aiuterà a garantire che gli edifici federali riflettano la diversità della nostra nazione e del popolo americano".

Il DDA si basa sui Principi Guida per l'Architettura Federale, in vigore dagli anni '60, che permettono di delegare le scelte di design alle comunità locali. Questo approccio democratico nella progettazione è supportato dall'American Institute of Architects (AIA), il cui presidente ha elogiato i senatori per la loro leadership nella preservazione dei valori democratici.

Tuttavia, la reintroduzione del DDA non è priva di opposizioni. Subito dopo l'annuncio, il senatore repubblicano Jim Banks e il presidente della National Civic Art Society, Justin Shubow, hanno proposto il Beautifying Federal Civic Architecture Act, che mira a codificare gli ordini esecutivi di Trump e stabilire una preferenza per stili architettonici classici, legandoli a valori "occidentali".

Questo dibattito sull'architettura federale rappresenta una battaglia più ampia tra diverse visioni artistiche e culturali negli Stati Uniti, evidenziando come l'architettura non sia solo una questione estetica, ma anche un riflesso delle identità e dei valori della società.

Il progetto, frutto della visione degli architetti Valentina Cerrone e Sebastián Andia, è caratterizzato da un design che emerge naturalmente dal terreno. "La casa si integra con il paesaggio, creando uno spazio che coesiste armoniosamente con la natura", afferma Andia. La scelta di materiali onesti e la sostenibilità sono al centro dell'approccio progettuale, con un'attenzione particolare alla texture e alla presenza del monte.

La struttura è divisa in tre livelli, ognuno dei quali è progettato per massimizzare l'interazione con l'ambiente. Il piano interrato si fonde con il terreno, mentre il piano terra è parzialmente interrato, e il livello superiore si erge con eleganza sopra il suolo. La cucina, situata al centro della casa, funge da fulcro per gli spazi comuni, che si estendono verso l'esterno con angoli arrotondati.

Le terrazze, che si affacciano sui soggiorni e sulla sala da pranzo, creano spazi esterni per il relax e la socializzazione, mentre un'area giochi per i bambini è stata progettata per garantire un ambiente sicuro e divertente. La casa è dotata di sistemi di isolamento termico e di ventilazione naturale, riducendo il consumo energetico e migliorando le prestazioni ambientali, grazie anche a pannelli solari e un sistema di recupero delle acque grigie.

Brutal Honesty non è solo una costruzione, ma un'estensione della montagna stessa, un esempio di architettura che celebra la presenza cruda della natura. Con il suo design sincero e la sua integrazione con il paesaggio, questa casa rappresenta un passo avanti verso una vita in armonia con l'ambiente.

Un Ambiente Ibrido Definito da Griglie Metalliche

Un elemento distintivo di questo progetto è la griglia metallica retroilluminata, che segna un confine visivo tra la nuova area espositiva e il resto del negozio. Questo design crea un'atmosfera che ricorda una cava, dove blocchi geometrici e toni naturali attenuati definiscono le zone di esposizione dei prodotti.

Contrasti di Materiali e Funzioni

Il team di design ha sapientemente diviso lo spazio in diverse aree, ciascuna con una propria palette di materiali. La collezione urbana è presentata con elementi in vetro, pietra naturale e acciaio inossidabile, mentre la collezione sportiva si distingue per l'uso di acciaio nero e gomma, con un'estetica industriale che cattura l'attenzione.

Un'Area Sociale per il Rilassamento

All'interno di questo ambiente, è stata creata un'area sociale con posti a sedere in due zone elevate, offrendo un punto di pausa nel contesto dinamico del retail. Questo spazio, luminoso e dal design sobrio, invita i visitatori a rilassarsi e riflettere sulle loro scelte di acquisto.

Il design di Random Studio non solo ottimizza l'esperienza di acquisto, ma crea anche un ambiente stimolante e accogliente, dove la spatial layering e il contrasto dei materiali definiscono l'approccio progettuale complessivo.

In conclusione, il nuovo spazio retail di Zara a Rotterdam è un esempio lampante di come l'innovazione nel design possa trasformare l'esperienza del consumatore, rendendo ogni visita un'esperienza unica.

Ispirato all'articolo pubblicato su: designboom | architecture & design magazine

All'interno di Plan C Frame, i visitatori scoprono la collezione distintiva di abbigliamento femminile e accessori, ma non solo. Oggetti d'arte, gioielli e articoli per la casa si fondono in un'unica narrazione, creando un'atmosfera ricca e stratificata. In un angolo dedicato, la Reading Room accoglie riviste contemporanee che esplorano il mondo della moda, del design, dell'arte e della cultura, un rifugio per chi cerca ispirazione e riflessione.

Ma Plan C Frame non è solo una vetrina di prodotti; è un laboratorio di creatività. Qui, Aliita, un brand di gioielli che celebra il colore e il gioco, inaugura il suo primo spazio retail dedicato, mentre la capsule di homeware Plan C Silos, sviluppata in collaborazione con il belga Serax, si fa notare con eleganza. I vasi e le candele, ispirati a strutture di stoccaggio industriale, trasformano il linguaggio audace di Plan C in un'estetica domestica.

In questo contesto, l'arte trova la sua voce. La prima esposizione presenta le opere di Christoph Niemann, un illustratore e narratore visuale noto per i suoi disegni arguti e le copertine per The New Yorker. Le sue creazioni invitano a riflettere su momenti quotidiani, trasformando l'ordinario in straordinario.

Con Plan C, fondato nel 2018, Carolina Castiglioni ha dato vita a un marchio che gioca con i codici del maschile e del femminile, esprimendo una personalità audace e un'identità chiara. Con la sua nuova apertura a Milano, Frame diventa una piattaforma per esplorare non solo l'abbigliamento, ma un intero universo di creatività e interazione culturale.

La Croce di San Giorgio, simbolo di un'identità nazionale, ha attraversato epoche di significati diversi. Un tempo relegata a momenti di fervore nazionale, oggi è una presenza costante che suscita interrogativi su cosa significhi essere patriottici in un mondo complesso e spesso conflittuale. La sua crescente visibilità è un segnale di un cambiamento nel clima politico, una trasformazione che non può essere ignorata dagli architetti e dai designer.

È interessante notare come un semplice simbolo possa trasferire potere e identità, diventando oggetto di dibattito e divisione. In un'epoca in cui il patriottismo si intreccia con il populismo e le tensioni sociali, la Croce di San Giorgio emerge come un punto focale per esplorare la nostra relazione con il design e lo spazio pubblico.

Ma cosa possono fare i designer di fronte a questa situazione? Rimuovere le bandiere potrebbe sembrare una scelta divisiva, mentre non fare nulla potrebbe apparire come indifferenza. Esiste una terza via? Un'iniziativa artistica a Manchester ha invitato i cittadini a modificare le bandiere con messaggi di inclusione, dimostrando che il design può essere un mezzo per creare spazi più accoglienti.

La questione non è solo visiva, ma strutturale. Il design non è solo una questione di estetica, ma di come strutturiamo le nostre città e le nostre interazioni sociali. Riconoscere il potere del design significa anche affrontare le problematiche che si celano dietro a simboli apparentemente innocui.

In un mondo dove i segni e i simboli hanno la capacità di polarizzare, è fondamentale chiedersi: come possiamo utilizzare il design per promuovere valori di inclusione e comprensione? La risposta potrebbe trovarsi nella creazione di nuove narrazioni, storie che possano sostituire quelle divisive e offrire alternative significative.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Church Cottage, un antico fienile convertito, è un gioiello architettonico che ha visto il susseguirsi delle generazioni. Originariamente costruito nel XVIII secolo per accogliere due famiglie di agricoltori, questo edificio di Grade II ha subito diverse trasformazioni, culminando in quest'ultima opera di Grayley. L'extension, avvolta in una veste di scandole che sembrano danzare al vento, si erge con orgoglio, richiamando la silhouette dei tetti di paglia circostanti.

La nuova ala, situata a nord-ovest, non è solo un ampliamento, ma un gesto di connessione con il paesaggio, un dialogo tra interno ed esterno. L'idea principale era quella di creare uno spazio per riunirsi, un luogo dove le famiglie potessero ritrovarsi attorno a una tavola, condividendo risate e storie. Con un soffitto inclinato punteggiato da lucernari, la luce naturale inonda l'area living, trasformando ogni pasto in un'esperienza unica.

Ogni dettaglio è pensato con cura. Le finestre incassate in rovere incorniciano la vista del giardino, mentre una porta scorrevole in vetro invita a varcare la soglia verso un patio che si fonde con il verde circostante. Sul tetto, un giardino di fiori selvatici si unisce armoniosamente al prato locale, creando un'estensione della natura stessa.

Il pavimento in piastrelle a herringbone, che ricorda le antiche tradizioni locali, si sposa perfettamente con il camino in mattoni rossi, il cuore pulsante di questo spazio aperto. Qui, il passato e il presente si intrecciano in un abbraccio caldo e accogliente, permettendo a chiunque di sentirsi a casa.

In un mondo che corre veloce, l'architettura di James Grayley invita a rallentare, a respirare e a godere della bellezza che ci circonda. L'extension di Church Cottage non è solo una questione di spazio, ma un atto d'amore verso la cultura e la storia di Suffolk.

Recentemente, in Baviera, Germania, precisamente a Gilching, un team instancabile ha dato vita a una serie di questi pannelli in uno stagno di ghiaia. I risultati? Un'autonomia energetica che soddisfa circa il 70% del fabbisogno annuale di elettricità dell'impianto di ghiaia, riducendo le emissioni di CO₂ di circa 934 tonnellate all'anno. Un passo importante verso l'autosufficienza energetica.

I pannelli SKipp, grazie alla loro struttura galleggiante, sono progettati per resistere alle intemperie. Possono inclinarsi dolcemente sotto la pressione del vento, tornando poi alla loro posizione originale. Questo movimento flessibile non solo protegge i moduli da eventuali danni meccanici, ma mantiene anche la stabilità sull'acqua, rendendoli ideali per condizioni meteorologiche avverse. E non è solo questo: la loro inclinazione verticale consente alla neve di scivolare via naturalmente, evitando accumuli che potrebbero ostacolare l'assorbimento della luce solare.

Ogni unità SKipp è dotata di moduli bifacciali, capaci di generare energia da entrambe le facce del pannello: la parte frontale cattura la luce diretta, mentre quella posteriore sfrutta i riflessi provenienti dalla superficie dell'acqua. Questo design innovativo non solo accresce l'efficienza energetica, ma garantisce anche che l'ecosistema acquatico non venga compromesso, mantenendo aperta la maggior parte della superficie dell'acqua.

Ma non è solo la tecnologia a rendere questi pannelli speciali. La loro installazione è rapida e modulare, permettendo di adattarsi facilmente a diverse dimensioni e necessità energetiche. Realizzati con materiali resistenti alla corrosione e alla degradazione, come plastica, metallo e vetro fotovoltaico, i pannelli sono progettati per durare nel tempo, anche in condizioni di esposizione continua a sole, vento e umidità.

In questo modo, i pannelli solari galleggianti non solo promettono di illuminare il nostro presente, ma anche di garantire un futuro più verde. Un futuro dove i laghi e le lagune non sono solo paesaggi da contemplare, ma fonti di energia rinnovabile pronte a sfidare il tempo e la tradizione.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Il nuovo spazio non è solo un negozio, ma un ambiente ibrido che integra un angolo caffè, offrendo una pausa rinfrescante a clienti e visitatori. Il design minimalista e astratto richiama la topografia naturale delle colline e delle foreste, creando un'atmosfera che riflette perfettamente lo spirito avventuroso di Snow Peak.

Oltre a presentare attrezzature da campeggio, abbigliamento outdoor e strumenti per escursioni, il MATRO Department Store rappresenta un punto di riferimento per gli amanti della natura e dell'outdoor, combinando estetica e funzionalità. Questo progetto innovativo è stato realizzato in collaborazione con Suzhou HaiYiDa Construction & Decoration Co., Ltd. e rappresenta un passo significativo verso la sostenibilità e l'innovazione nel retail.

Il risultato è un ambiente che non solo promuove i prodotti Snow Peak, ma invita anche a una riflessione sul rapporto tra uomo e natura, rendendo ogni visita un'esperienza unica e memorabile.

Ispirato all'articolo pubblicato su: www.archdaily.com

Nei racconti di Poe, come in "La caduta della casa di Usher", la dimora è descritta con finestre lunghe e strette, che lasciano entrare solo deboli raggi di luce attraverso pesanti vetri a graticcio. Questi elementi di architettura gotica, insieme allo stato di degrado della casa, evocano un'impressione di profonda malinconia, un'ombra che si insinua nell'anima del narratore, paragonata a un sogno opiaceo.

Ma, con l'avvento del modernismo del XX secolo, molti architetti hanno cercato di esorcizzare queste ombre. Usando materiali industriali come vetro, acciaio e cemento, il loro obiettivo era creare edifici per una nuova era: strutture pulite e luminose, prive di angoli nascosti dove possano annidarsi i fantasmi. Si percepisce questa ambizione nelle parole di Gropius, il quale desiderava costruire "l'edificio puramente organico", libero da qualsiasi decorazione ingannevole. Le loro opere sembravano un tentativo di liberarsi da un passato opprimente.

Tuttavia, cosa succede quando si cerca di fuggire dal proprio passato? La tragedia greca, come insegna Aristotele, ci avverte che l'hubris è presente proprio in questo tentativo. Adorno e Horkheimer, nel loro saggio "Dialettica dell'Illuminismo", mettono in luce che il tentativo di raggiungere l'Illuminismo, un'utopia di libertà razionale, ha fallito poiché non si è mai affrontato il vero nucleo delle ingiustizie. Queste radici, affermano, si annidano nelle profondità oscure della psiche umana.

Il Farnsworth House di Mies van der Rohe, privo di angoli bui, è un simbolo di questa purezza architettonica. Ma potrebbe un luogo così essere infestato? La risposta è complessa. In un'epoca in cui il modernismo sembra più spettrale che mai, edifici come il Palazzo delle Nazioni Unite a New York, progettato da Oscar Niemeyer e Le Corbusier, diventano simboli di una cooperazione internazionale illuminata, ma non priva di fantasmi del passato.

Edifici modernisti, come dimostrato da film horror degli anni '70, sono scelte ricorrenti per rappresentare atmosfere inquietanti. La critica Owen Hatherley ha messo in evidenza come film come "Candyman" abbiano utilizzato l'architettura modernista come sfondo per esplorare le disuguaglianze sociali. La storia di Helen Lyle, intrappolata tra due realtà architettoniche, mette in risalto come l'architettura non possa superare le barriere economiche e razziali. E in quel divario tra sogno e realtà, ecco che si annidano i fantasmi.

Prendiamo ad esempio le famose Sanzhi UFO Houses in Taiwan, una testimonianza di come il modernismo possa apparire 'infestato'. Abbandonate e trascurate, queste strutture avrebbero dovuto essere un resort, ma la loro storia è intrisa di mistero e di leggende. Così, il modernismo, con la sua promessa di un futuro migliore, si rivela spesso un campo di battaglia tra speranza e disillusione.

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.