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Architettura Organica: La Bellezza Eccentrica delle Case Viventi

Architettura Organica: La Bellezza Eccentrica delle Case Viventi

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In un mondo dove le linee dritte e i materiali freddi dominano il panorama urbano, l’architettura organica emerge come un canto di sirena. Case che si arrampicano come edera, tetti ondulati che danzano con il vento, pavimenti che evocano il movimento della natura stessa. Ci troviamo di fronte a strutture che, più che edifici, sembrano organismi viventi, in perfetta armonia con l’ambiente circostan...

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Ricordiamo la Casa sulla Cascata di Frank Lloyd Wright, un capolavoro che si fonde con il paesaggio, quasi come se fosse stata plasmata dalla corrente del fiume sottostante. Questa visione di architettura non è nuova, ma si sta riappropriando del suo posto nella nostra epoca, segnata da crisi ecologiche e da una crescente necessità di riconnettersi con la natura.

Ma cosa rende l’architettura organica così affascinante? È il suo rifiuto delle rigide convenzioni del modernismo tradizionale. Mentre i movimenti come il Bauhaus e il Brutalismo prediligono la funzionalità e la linearità, l’architettura organica abbraccia il caos e la bellezza imperfetta. Pensiamo alle opere di architetti come Bruce Goff, la cui Bavinger House esprimeva un universo onirico di forme e colori, un rifugio di creatività che sfidava ogni logica. La sua demolizione nel 2016 ha riacceso il dibattito sulla necessità di preservare queste architetture eccentriche.

In un’epoca di incertezze, l’architettura organica fiorisce. È un rifugio per i nostri sogni, una risposta visiva e tangibile alle crisi che affrontiamo. Case come la Casa Orgánica di Javier Senosiain ci trasportano in un mondo dove le pareti diventano giardini e i tetti sembrano nuvole. Ogni angolo è un invito a esplorare, a sentirsi parte di qualcosa di più grande, di un ecosistema vivente. Qui, il design non è solo estetica; è un’esperienza sensoriale.

Ma non è solo una questione di forma. È anche una filosofia, una riconnessione con la terra. Architetti come Antti Lovag e Imre Makovecz ci mostrano come il legno e la pietra possano raccontare storie, come ogni struttura possa essere un poema dedicato alla natura. La residenza di Lovag, il Palais Bulles, è un esempio lampante di come l’architettura possa diventare un’opera d’arte, un sogno che si materializza nel paesaggio.

In un’epoca in cui la sostenibilità è fondamentale, l’architettura organica ci offre una via per riconsiderare il nostro modo di costruire. Non più semplici edifici, ma case che respirano, che vivono, che ci parlano. Siamo pronti a riscoprire il meraviglioso mondo dell’architettura organica, dove ogni casa è un organismo, e ogni organismo è parte di un tutto?

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Michele De Lucchi: Un Maestro dell'Architettura Italiana si Aggiudica il Premio del 2025

Michele De Lucchi: Un Maestro dell'Architettura Italiana si Aggiudica il Premio del 2025

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Il mondo dell'architettura italiana si è illuminato con la notizia dell'assegnazione del Premio "Architetto dell'anno" 2025 a Michele De Lucchi, un vero e proprio gigante del settore. Il suo studio, AMDL CIRCLE, ha brillato alla Festa dell'Architetto, un evento annuale che celebra l'eccellenza architettonica e che quest'anno si è svolto nella suggestiva cornice di Venezia.

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Il progetto che ha catapultato De Lucchi sul podio è il restauro e la riconversione delle Gallerie d'Italia a Torino, un'opera che ha saputo trasformare spazi storici in luoghi di cultura e conoscenza, dedicati alla fotografia e alla videoarte. La giuria, presieduta dall'architetta messicana Tatiana Bilbao, ha elogiato la capacità del progetto di recuperare ambienti una volta destinati a usi bancari, trasformandoli in musei interattivi e vibranti.

Il restyling degli spazi ipogei di Palazzo Turinetti, completato nel 2022, è stato descritto come un'opera di grande raffinatezza, capace di combinare funzionalità e estetica con una particolare attenzione ai dettagli e ai materiali utilizzati. De Lucchi e il suo team hanno dimostrato una maturità progettuale rara, offrendo una nuova vita a spazi che, altrimenti, sarebbero rimasti dimenticati nel tempo.

Non solo De Lucchi ha brillato in questa edizione della Festa dell'Architetto. Anche lo studio facchinelli daboit saviane ha ricevuto il premio "Giovane Talento dell'Architettura italiana" per il progetto della Nuova Scuola Secondaria di Primo Grado a Puos d'Alpago, un'opera che ha catturato l'attenzione per la sua innovativa rigenerazione di spazi esistenti, dimostrando come l'architettura possa rispondere alle esigenze contemporanee con creatività e sensibilità.

Questa edizione ha visto anche menzioni speciali per progetti di notevole impatto, come il Bicocca Superlab a Milano e il padiglione Hortus Conclusus a Mestre, che hanno saputo reinterpretare il concetto di rigenerazione urbana in chiave moderna, creando connessioni tra didattica e ambiente.

La Festa dell'Architetto 2025 non è solo un riconoscimento, ma un invito a riflettere sull'importanza della progettazione architettonica nel nostro quotidiano. È un appello a lavorare insieme per una Legge per l'Architettura che tuteli le comunità e permetta di costruire un futuro migliore per tutti.

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La Strada dei 100 Giorni: Un Viaggio tra Storia e Ingegneria nel Cuore del Veneto

La Strada dei 100 Giorni: Un Viaggio tra Storia e Ingegneria nel Cuore del Veneto

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Nel cuore delle Prealpi venete, dove la terra s'incontra con il cielo, si nasconde un'opera straordinaria: la Strada dei 100 Giorni. Un tracciato che racconta di ingegneria audace e di un'epoca di conflitti, un cammino che si snoda tra tornanti e gallerie, sfidando le leggi della gravità e del tempo.

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Costruita in un periodo di fervente attività bellica, la strada fu realizzata dall'esercito austro-ungarico in un tempo record: poco più di tre mesi. Immaginate, per un attimo, il fragore dei picconi e il sudore di prigionieri russi e donne locali, tutti uniti per forzare la roccia e dare vita a questo capolavoro, dove ogni curva racconta storie di determinazione e resistenza.

Il Passo San Boldo, a 706 metri di altitudine, non è un valico qualunque; è un corridoio di storia, un luogo dove si intrecciano le vite di soldati, pellegrini e mercanti. Gli antichi sentieri, testimoni di secoli di passaggi, vennero trasformati in una via strategica per il trasporto di uomini e materiali durante la Prima Guerra Mondiale, un percorso che, malgrado la sua difficoltà, si rivelò cruciale per le operazioni militari.

Ma come si giunse a questo risultato? Negli anni del conflitto, la necessità di un'occupazione per i disoccupati portò all'assunzione di 500 operai, e il progetto per la strada venne approvato in un batter d'occhio. Tuttavia, i lavori si fermarono di fronte a un ostacolo quasi insormontabile: un'imponente parete di roccia. Fu allora che entrò in gioco un tenente colonnello austro-ungarico, Nikolaus Waldmann, che con genio e determinazione progettò cinque gallerie a tornanti, capaci di trasformare l'impossibile in realtà.

La Strada dei 100 Giorni, inaugurata nel 1918, non solo facilitò il movimento delle truppe, ma divenne anche un simbolo di come la necessità possa generare bellezza. Oggi, percorrendo questo tragitto, si può riflettere su quanta storia è passata attraverso quelle gallerie, mentre i colori autunnali avvolgono il paesaggio in un abbraccio di calore e nostalgia.

Dal punto di vista paesaggistico, il tratto più arduo è regolato da semafori, garantendo una circolazione sicura. Ma la vera magia della Strada dei 100 Giorni è nell'esperienza: percorrere i tornanti, sentirsi piccoli di fronte alla grandezza della natura e della storia, è un viaggio che va oltre il semplice spostamento.

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Bolzano e il Genio di Iliazd: Una Retrospettiva da Non Perdere

Bolzano e il Genio di Iliazd: Una Retrospettiva da Non Perdere

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A Bolzano, nei suggestivi spazi della Fondazione Antonio Dalle Nogare, si apre un capitolo affascinante della storia dell'arte italiana. La mostra "TOUTITÉ – ILIAZD. Lo studio della forma" ci invita a esplorare l'universo creativo di Ilia Zdanevich, un artista poliedrico che ha saputo mescolare parole e forme in un abbraccio senza tempo. La retrospettiva, la più grande mai dedicata a questo maestr...

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Iliazd, nato a Tbilisi nel 1894, ha trascorso la sua vita tra le pieghe della poesia e le sfide della tipografia, lasciando un segno indelebile non solo in Francia, dove si è stabilito dopo aver abbandonato la Russia, ma anche nel cuore di chi ama l'arte. La mostra, curata con maestria da Eva Brioschi e Julia Marchand, svela il genio di un artista che ha collaborato con nomi illustri del Novecento, come Pablo Picasso e Coco Chanel, creando opere che sono veri e propri oggetti d'arte.

Il percorso espositivo si articola attorno alla pratica del libro d'artista, un linguaggio che Iliazd ha saputo reinventare, facendolo diventare un mezzo per esprimere la sua visione della "toutité", una filosofia che abbraccia ogni forma di espressione artistica. Dalla tipografia alla moda, dall'architettura alla poesia, la toutité rappresenta un'idea di creatività che non conosce limiti, un invito a vedere il mondo con occhi nuovi.

Non perdere l'occasione di immergerti in questo affascinante mondo. La mostra è un viaggio che trascende il tempo e lo spazio, un'opportunità per comprendere l'essenza di un artista che ha saputo trasformare la sua vita in un'opera d'arte. Scopri i volumi iconici e i progetti che hanno definito la sua carriera e lasciati ispirare dalla magia di Iliazd.

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La Magia della Medník House: Un Incontro tra Storia e Modernità

La Magia della Medník House: Un Incontro tra Storia e Modernità

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Immaginate un luogo dove il tempo si ferma, dove le storie passate si intrecciano con visioni futuristiche. La Medník House, progettata dall'innovativo studio päivä architekti, è proprio quest'oasi di armonia. Situata su un'imponente scarpata che si affaccia sul fiume Sázava, questa casa non è solo un'abitazione, ma un racconto di evoluzione e adattamento.

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Costruita all'inizio del XX secolo, la Medník House ha subito una radicale trasformazione nel 2010. Ma, come un abito che non calza più, la necessità di un'espansione si è fatta sentire. Il progetto di ampliamento ha saputo rispondere a questa chiamata, realizzando un nuovo spazio che si fonde perfettamente con l'esistente, rispettando la memoria storica del luogo.

Il team di progettazione, composto da talenti come Miloš Munzar e Tomáš Kovalčík, ha saputo trarre ispirazione dalla natura circostante, utilizzando materiali come legno, vetro e pietra, per creare un dialogo continuo tra interno ed esterno. Ogni elemento, dalla scelta delle finestre INTERNORM ai dettagli di illuminazione forniti da Delta Light, è stato selezionato con cura per riflettere la bellezza intrinseca del sito.

La Medník House è molto più di un semplice ampliamento: è un esempio di come l'architettura possa rispondere alle esigenze contemporanee senza dimenticare le proprie radici. È un luogo dove le famiglie possono crescere, sognare e costruire ricordi. Un rifugio che, con il suo fascino senza tempo, invita a fermarsi e a contemplare la bellezza della vita.

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I Premi di Design Thermory 2025: Un Inno alla Bellezza Eterna del Legno

I Premi di Design Thermory 2025: Un Inno alla Bellezza Eterna del Legno

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Nel cuore pulsante dell'architettura contemporanea, i Premi di Design Thermory 2025 si sono rivelati un palcoscenico straordinario per le meraviglie del legno, celebrando la sua bellezza intramontabile. Questa edizione ha visto emergere opere che raccontano storie di tradizione e innovazione, unendo estetica e funzionalità in una danza armoniosa.

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Il premio per il miglior edificio pubblico è andato alla Scuola Primaria e all'Asilo di Võsu, situata nel suggestivo Parco Nazionale di Lahemaa in Estonia. Progettato dallo studio 3+1 Architects, l'edificio si distingue per la sua struttura a forma di fienile, rivestita con una gamma di prodotti Thermory, che abbracciano il calore e la semplicità del legno. La giuria ha elogiato l'abilità degli architetti di reinterpretare le tradizioni locali attraverso un design contemporaneo, creando un ambiente scolastico che invita i bambini a esplorare e a sentirsi a casa.

In un angolo pittoresco di Haapsalu, una villa progettata da Apex Arhitektuuribüroo OÜ ha conquistato il titolo di miglior casa privata. Con una facciata argentata e pannelli di pino radiata, questa dimora affacciata sul mare non è solo un'abitazione, ma un omaggio all'eredità architettonica estone, dove il legno si trasforma in un delicato pizzo architettonico. I giudici hanno descritto la villa come una fusione di artigianato audace e armonia con il paesaggio costiero, rivelando una bellezza che sfida le aspettative.

Ma non sono solo le strutture esterne a catturare l’immaginazione. Jõelähtme Juveel, un progetto sviluppato da Lasita – Perfecting Views, ha ricevuto il premio per il miglior design d'interni. Qui, l'architettura incontra la filosofia giapponese del wabi-sabi, abbracciando l'imperfezione e la transitorietà. Un'atmosfera di eleganza è stata creata attraverso l'uso di pareti in termo-ash di Thermory, che donano profondità e calore a ogni spazio.

Infine, l'Under Armour Performance Centre dei Baltimore Ravens, progettato dallo studio ZGF Architects, ha trionfato nella categoria miglior spa e sauna. Con un soffitto in termo-magnolia personalizzato e uno spazio idroterapico inondato di luce naturale, questo centro è un'esperienza immersiva, dove il legno e l'acqua si intrecciano in un abbraccio sensoriale che invita al relax.

La giuria di quest'anno, composta da architetti di spicco, tra cui l'italiano Alberto Salvadori, ha celebrato la versatilità e la sostenibilità del legno, sottolineando come queste opere possano modellare spazi innovativi, progettati per durare nel tempo e in armonia con la natura. I Premi di Design Thermory non sono solo un riconoscimento, ma un invito a riflettere sulla bellezza del legno, un materiale che continua a ispirare architetti e designer in tutto il mondo.

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Giuseppe Samà: L'Ambasciatore del Design Italiano che Incanta New York

Giuseppe Samà: L'Ambasciatore del Design Italiano che Incanta New York

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Nel cuore pulsante di New York, dove l'arte e l'architettura si fondono in un abbraccio di bellezza, si è svolta una cerimonia che ha celebrato l'eccellenza italiana nel mondo. L'architetto calabrese Giuseppe Samà, con il suo stile inconfondibile e la sua visione innovativa, è stato insignito del premio ILICA 2025 presso il prestigioso Queens Museum.

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Questo riconoscimento, conferito dall'Italian Language Inter-Cultural Alliance, è un tributo a coloro che, come Samà, portano avanti i valori estetici e culturali italiani. Davanti a un pubblico di oltre 300 illustri ospiti, tra cui artisti e imprenditori, l'architetto ha condiviso la sua gioia e gratitudine, sottolineando l'importanza delle sue radici calabresi.

Originario della Calabria, Samà ha saputo trasformare la sua passione in una carriera internazionale, realizzando progetti che spaziano da residenze private a boutique hotel. La sua opera è caratterizzata da un senso innato di equilibrio tra natura, luce e proporzione, creando spazi che evocano emozioni e benessere. Ogni progetto racconta una storia, quella del luogo che lo ispira e delle tradizioni che lo accompagnano.

Il suo studio a New York è diventato un faro per coloro che cercano l'autenticità del design italiano. In un mondo sempre più globalizzato, Samà riesce a mantenere vivo il legame con la sua terra, portando un pezzo di Calabria in ogni sua creazione. La sua filosofia è semplice ma profonda: ogni spazio deve essere capace di emozionare.

Nel ricevere il premio, ha affermato: "Questo riconoscimento ha per me un valore speciale: rappresenta non solo un traguardo professionale, ma un simbolo di come la creatività italiana continui a ispirare e a unire le persone nel mondo". Le sue parole risuonano come un eco di speranza, un richiamo a non dimenticare da dove veniamo, anche mentre costruiamo il futuro.

La serata si è conclusa con un lungo applauso, un tributo a un uomo che, con il suo talento e la sua determinazione, non solo rappresenta la nuova generazione di creativi italiani, ma funge anche da ponte tra le culture, unendo Italia e Stati Uniti in un dialogo senza fine.

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La Magia della Tebaide: Un Capolavoro Trecentesco Rinasce

La Magia della Tebaide: Un Capolavoro Trecentesco Rinasce

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È come se il tempo si fosse fermato, come se le storie di eremiti e santi, sospese tra le pareti del Complesso Museale Santa Maria della Scala, avessero atteso pazientemente il momento giusto per riemergere. La Tebaide, un ciclo pittorico attribuito al maestro Lippo Vanni, è tornato a brillare, riportando alla luce un mondo di virtù e meditazione che, seppur distante, parla ancora all’anima contem...

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Il lungo e meticoloso restauro si è concluso, e dal 7 novembre 2025, il pubblico potrà immergersi in queste scene affascinanti che raccontano la vita quotidiana dei monaci nel deserto di Tebe d’Egitto. La scoperta, avvenuta attraverso un lavoro di recupero che ha portato alla luce affreschi nascosti da strati di imbiancature, è stata una rivelazione, un piccolo miracolo che ha unito passato e presente in un abbraccio eterno.

Le immagini, realizzate in monocromo di ocra rossa, si snodano in una narrazione visiva che esalta la lotta tra virtù e vizio, riflettendo un impianto iconografico raffinato che invita alla riflessione e alla contemplazione. Queste opere non sono solo dipinti; sono finestre su un’epoca, su una spiritualità che si fa carne e colore, e che i confratelli della Compagnia dei Disciplinati hanno venerato nei loro riti penitenziali.

Il restauro è stato possibile grazie al generoso contributo della Fondazione Vaseppi, e rappresenta una delle più significative scoperte artistiche degli ultimi decenni. La storia di questi affreschi è un viaggio che inizia nel 1999, quando l’architetto Guido Canali scoprì le prime tracce di questo tesoro sepolto. Poi, nel 2021, l’operazione di completo recupero si è finalmente realizzata, consentendo a tutti noi di godere di questo patrimonio culturale.

Il ciclo pittorico si fa portavoce di una narrazione profonda, ispirata dalle Vite dei santi Padri di fra’ Domenico Cavalca, un’opera che ha saputo tradurre in immagini la spiritualità cristiana dell’epoca. Le storie di santi come san Paolo Eremita, sant’Antonio Abate e san Girolamo non sono solo racconti, ma veri e propri insegnamenti, espressioni di una ricerca di salvezza che risuona ancora oggi.

La presentazione ufficiale del restauro avverrà il giovedì 6 novembre alle ore 16 nella Sala Sant’Ansano, e le visite guidate saranno disponibili per tutti coloro che vorranno immergersi in questa esperienza unica. Non lasciatevi sfuggire l’opportunità di scoprire un capolavoro che, come un eco lontano, continua a raccontare storie e a ispirare anime.

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Il Potere del Contatto: Habitare 2025 e l'Essenza dei Materiali Tattile

Il Potere del Contatto: Habitare 2025 e l'Essenza dei Materiali Tattile

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Nel cuore pulsante di Helsinki, Habitare 2025 si è rivelato un palcoscenico straordinario per esplorare la necessità umana di toccare e sentire le cose. In un'epoca in cui il virtuale sembra prevalere sul reale, questo evento ha messo in luce l'importanza dei materiali tattili nel design, diventando una vera e propria controparte a un mondo sempre più digitalizzato.

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Sotto il tema evocativo del Tocco, la fiera ha presentato le ultime novità in fatto di interior design, mobili, illuminazione e accessori. La curatrice Päivi Helander, a capo del CollaboratorioCreative di Habitare, ha affermato che il contatto con i materiali è essenziale per stimolare creatività e immaginazione. "Quando il mondo diventa tecnico e distante, desideriamo avere attorno a noi oggetti che abbiano una consistenza, che possano parlare ai nostri sensi," ha detto Helander, sottolineando come la necessità di toccare e sentire sia una parte integrante della nostra umanità.

La fiera ha creato spazi multisensoriali che invitavano i visitatori a esplorare come le texture degli oggetti influenzino la nostra esperienza dello spazio. L'area Neighbours, curata dall'interior designer Laura Seppänen, ha cercato di evocare l'atmosfera di un blocco residenziale, riflettendo come le personalità e gli stili di vita si manifestano all'interno delle abitazioni. "Neighbours invita a riflettere su come le personalità e le circostanze di vita si manifestano nell'ambiente domestico," ha affermato la fiera.

Ogni oggetto esposto era una porta aperta a sensazioni, un invito a esplorare la profondità del tatto. "Il tema del Tocco si esprime in tutto lo spazio attraverso scelte materiali, contrasti e stratificazioni – tutto può essere toccato, e ogni domanda è benvenuta," ha spiegato la fiera. In un mondo dove tutto sembra effimero e usa e getta, il contatto fisico diventa un atto di curiosità e avventura.

Habitare non si è limitata a celebrare il tatto, ma ha anche messo in evidenza le tendenze emergenti nel design, come un rinnovato focus sui materiali tradizionali e l'apprendimento di abilità manuali, insieme all'uso crescente di biomateriali. Con la sua divisione Habitare Pro, la fiera ha creato uno spazio per aziende e professionisti del settore per connettersi e discutere il futuro del design.

Al termine di questa esperienza immersiva, Habitare 2025 ha dimostrato che, in un mondo sempre più digitale, il tatto e la sensorialità non sono solo aspetti dell'estetica, ma sono fondamentali per la nostra connessione con l'ambiente che ci circonda. La fiera ha avuto luogo dal 2 al 6 settembre a Helsinki, lasciando un segno indelebile nel panorama del design.

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Le Corbusier e il Lago di Garda: Un Incontro di Luce e Architettura

Le Corbusier e il Lago di Garda: Un Incontro di Luce e Architettura

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Era un giorno di ottobre, e la luce del Lago di Garda danzava sulle acque come un sogno che si avvera. Il giovane Charles-Édouard Jeanneret-Gris, futuro Le Corbusier, si trovava lì, a Riva del Garda, mentre il mondo lo stava ancora scoprendo. L’architetto arcense Andrea Rigo, con la sua penna intrisa di passione, riporta alla luce un episodio dimenticato, ma carico di significato: l’arrivo di un g...

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Era il 22 ottobre 1907, e Le Corbusier, con solo diciannove anni, stava intraprendendo un viaggio che lo avrebbe portato a esplorare le meraviglie dell’Italia. Dalla panchina al sole, dove si era concesso un riposo, il giovane architetto decise di abbandonare l’itinerario previsto per tuffarsi nella bellezza del lago, un cambiamento di rotta che si rivelò cruciale. Riva del Garda, all’epoca un angolo di raffinatezza mitteleuropea, lo accolse con le sue limonaie e un panorama che sembrava scolpito da un maestro.

Rigo suggerisce, con una punta di meraviglia, che forse le immagini di quel paesaggio affascinante hanno lasciato un’impronta indelebile nell’anima di Le Corbusier. La luce che giocava tra le montagne e le acque del Garda, il profumo della vegetazione mediterranea, tutto contribuiva a creare un’atmosfera che ispirava non solo i viaggiatori, ma anche gli architetti del futuro. Le lettere scritte a Charles L’Eplattenier rivelano un entusiasmo contagioso, un amore per la bellezza che si rifletteva in ogni angolo.

Ma cosa rimase di quell’incontro fugace? Rigo si chiede se Le Corbusier, contemplando le limonaie, possa aver intuito il concetto di pilotis, quell’idea che avrebbe rivoluzionato l’architettura moderna. O se la luce del Garda, con il suo “gioco sapiente e magnifico dei volumi” non abbia influenzato il suo modo di concepire lo spazio. Un pensiero affascinante, che riporta il Garda al centro della scena artistica e intellettuale.

Oggi, mentre Riva del Garda continua a brillare, possiamo immaginare quel giovane architetto, con gli occhi pieni di meraviglia, mentre osserva il lago e le montagne, elementi che avrebbe poi fuso con maestria nei suoi progetti. Perché, come scrisse lui stesso, “l’architettura è il gioco sapiente, rigoroso e magnifico dei volumi assemblati nella luce”. E quella luce, un giorno d’ottobre del 1907, brillava in modo speciale sul lago di Garda.

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L'Incredibile Storia della Fabbrica Blu: Un Sogno Infranto e un Patrimonio Dimenticato

L'Incredibile Storia della Fabbrica Blu: Un Sogno Infranto e un Patrimonio Dimenticato

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Era il 1990 quando la Fabbrica Blu, un'opera d'arte architettonica, aprì le sue porte a Campogalliano. Progettata dall'architetto Giampaolo Benedini, l'edificio, con il suo inconfondibile colore blu, rappresentava l'apice dell'innovazione e della passione per l'automobile. Un sogno che, purtroppo, si è trasformato in un incubo.

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La fabbrica, custode di un'epoca dorata per la Bugatti, chiuse i battenti nel 1995, lasciando dietro di sé un vuoto incolmabile. A causa di una crisi che sembrava inimmaginabile, quel luogo, un tempo pulsante di vita e creatività, cadde nell'oblio. Un oblio che oggi rischia di diventare definitivo, se non si interverrà per salvaguardarne il patrimonio.

Negli anni, la Fabbrica Blu è stata mantenuta in vita grazie agli sforzi della famiglia Pavesi, custodi appassionati di una storia che non può essere dimenticata. Ma ora, con la vendita dell'area a un investitore, il futuro dell'edificio è incerto. Un progetto di riqualificazione era stato annunciato, ma è stato bloccato da controversie legali. La fabbrica è ora abbandonata, e il rischio di distruzione è reale.

Nel 2022, Benedini ha tentato di proteggere questo patrimonio presentando una richiesta di riconoscimento al Ministero della Cultura, ma la risposta è stata negativa. “È stata espressa una miopia delle istituzioni”, afferma l'architetto, sottolineando l'importanza storica e culturale dell'edificio. Un appello che merita di essere ascoltato, perché ciò che è stato creato non può andare perduto.

La storia della Fabbrica Blu è una storia di passione, di sogni infranti e di lotte per la salvaguardia della bellezza. È un richiamo a non dimenticare le nostre radici e a preservare ciò che, nonostante il degrado, continua a raccontare una storia di eccellenza e innovazione. Non possiamo permettere che questo tesoro architettonico cada nell'oblio.

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Picasso e Modigliani: Un Viaggio nel Novecento a Palazzo Zabarella

Picasso e Modigliani: Un Viaggio nel Novecento a Palazzo Zabarella

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Nel cuore di Padova, a Palazzo Zabarella, si è aperta una mostra che è un vero e proprio viaggio attraverso il Novecento, un'epoca di rivoluzioni artistiche e culturali. Realizzata in collaborazione con il LaM, Lille Métropole Musée d'art moderne, d'art contemporain et d'art brut, l'esposizione celebra due giganti dell'arte moderna: Pablo Picasso e Amedeo Modigliani. Federico Bano, presidente dell...

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La mostra, inaugurata il 16 ottobre e aperta al pubblico fino al 25 gennaio, si articola in sei sezioni che pongono in dialogo le opere di Picasso e Modigliani con quelle di altri artisti pionieristici come Braque, Léger, Miró e Calder. È un percorso che non si limita a esporre, ma invita a riflettere sulla grande rivoluzione che ha caratterizzato il secolo scorso, un secolo che ha visto nascere le avanguardie e una nuova concezione dell'arte.

Con oltre 8.500 opere d'arte, il LaM non è solo un museo, ma un laboratorio internazionale di idee e scambi, dove ogni pezzo racconta una storia di innovazione e cambiamento. La mostra diventa così un'occasione imperdibile per immergersi in un'epoca che ha trasformato il nostro modo di vedere l'arte e il mondo.

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Canale di Tenno: il Borgo Medievale che Incanta in Autunno

Canale di Tenno: il Borgo Medievale che Incanta in Autunno

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Immagina di passeggiare per strade che sembrano scorrere come fiumi di pietra, circondato da un silenzio che racconta storie millenarie. Canale di Tenno, un angolo di Medioevo affacciato sul Lago di Garda, si svela in tutta la sua bellezza durante l’autunno. Qui, tra vicoli acciottolati e vecchie botteghe, il tempo si ferma e la magia si sprigiona ad ogni passo. Le finestre fiorite si illuminano d...

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Il fascino di Canale di Tenno sta nei dettagli: porte scolpite che raccontano storie, scale che si arrampicano come radici e angoli che sussurrano segreti dimenticati. In questo periodo dell'anno, il borgo si veste di rame e oro, un vero e proprio dipinto naturale. Non è solo un luogo da visitare, ma un’esperienza da vivere. Durante l’anno, eventi come Rustico Medioevo trasformano il borgo in un vivace mercato medievale, dove artigiani e musicisti riportano in vita antiche tradizioni, creando un’atmosfera vibrante e coinvolgente.

Ma Canale di Tenno non è solo storia e cultura; è anche un paradiso per gli amanti della natura. I sentieri che partono da qui offrono panorami mozzafiato sul Lago di Tenno, famoso per le sue acque turchesi. Camminare tra i boschi, con il foliage autunnale che abbraccia il paesaggio, è un’esperienza che riempie il cuore e lo spirito. Gli escursionisti più avventurosi possono salire verso il Monte Misone, dove si trova uno dei punti di vista più spettacolari sul lago, un balcone naturale che lascia senza fiato.

Per visitare Canale di Tenno, basta un’ora per immergersi nella sua essenza, ma la vera magia si svela solo a chi si concede il tempo di esplorare ogni angolo, assaporando i gusti del Trentino in una delle sue piccole osterie. Le temperature autunnali, miti e piacevoli, rendono ogni passeggiata un vero piacere. Se desideri prolungare la tua visita, fermati in uno dei B&B disseminati tra le case in pietra, dove il silenzio racconta storie di secoli e la vista sul lago ti riempie di meraviglia.

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Collezione di Carta da Parati Flamenco: Trasforma le Pareti in Emozioni

Collezione di Carta da Parati Flamenco: Trasforma le Pareti in Emozioni

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In un mondo dove le pareti raccontano storie, la collezione di carta da parati Flamenco di Inkiostro Bianco emerge come un poema visivo, un invito a danzare tra colori e forme. Ogni design, ispirato al ritmo travolgente del Flamenco e all'energia pulsante della natura, trasforma gli spazi in paesaggi emozionali, dove ogni parete diventa un palcoscenico.

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La collezione, disponibile sul sito di Inkiostro Bianco e presso rivenditori autorizzati, presenta dodici grafiche originali che catturano l’essenza di una danza che parla di passione e movimento. Con forme organiche e texture tattili che invitano al tocco, i rivestimenti murali di Flamenco non sono semplici decorazioni, ma vere e proprie opere d’arte che respirano e vivono. Ogni progetto è un esperimento unico, curato nei minimi dettagli, un viaggio di esplorazione attraverso il design.

La forza di Flamenco risiede nell’expertise di Inkiostro Bianco nel creare superfici continue e rivestimenti personalizzabili, dove opacità e lucentezza si intrecciano in un gioco di sfumature che arricchisce l’esperienza visiva e tattile. Ogni composizione è una riflessione, un invito a giocare con lo spazio e la luce, a riscoprire l’arte dell’abitare. Con pattern che si possono personalizzare, la collezione diventa un ponte tra l’estetica raffinata e la libertà espressiva, in grado di adattarsi a qualsiasi ambiente, privato o professionale.

Inkiostro Bianco, fondato nel 2013 in Italia, è un laboratorio di ricerca visiva e decorativa che riunisce artisti e designer per dare vita a creazioni sontuose, permettendo a chiunque di immaginare e realizzare la decorazione del proprio spazio. Con Flamenco, la casa di design riafferma il suo impegno verso un design immersivo, capace di risuonare emotivamente con chi lo osserva.

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I 5 progetti architettonici più stravaganti in costruzione nel mondo

I 5 progetti architettonici più stravaganti in costruzione nel mondo

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Nel vasto panorama dell'architettura contemporanea, dove i sogni si intrecciano con la realtà, emergono progetti che sfidano la logica e riscrivono le regole del possibile. I cinque progetti architettonici più stravaganti in costruzione nel mondo non sono solo edifici, ma vere e proprie dichiarazioni d'intenti, espressioni di audacia che ci invitano a riflettere su ciò che può essere. Ecco un viag...

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1. Il Toro Monumentale di Spagna
Immaginate un toro di metallo alto oltre 300 metri, che si erge come un faro nel panorama spagnolo. Questo progetto, sostenuto dall'Accademia Spagnola della Tauromachia, ha l'ambizione di diventare l'icona nazionale della Spagna, sfidando la Torre Eiffel per il titolo di monumento più visitato al mondo. Un'idea audace che pone interrogativi su tradizione e modernità, sulla cultura e l'identità.

2. N'Arrow House a Creta
Nell'incantevole paesaggio di Creta, una villa a forma di freccia si inserisce delicatamente nel contesto naturale. Progettata per fondersi con le colline, la N'Arrow House incarna un'architettura che rispetta l'ambiente, con linee pulite e materiali che dialogano con la terra. Un rifugio che promette di offrire una vista mozzafiato, ancora in fase di costruzione, ma già avvolto nell'aura del potenziale.

3. Il Giardino Verticale di Singapore
Un grattacielo che rifiuta le convenzioni, avvolto da un giardino verticale di 100 piani. Questo progetto ambizioso non solo mira a ridefinire il concetto di abitare in città, ma anche a restituire spazio alla natura nel cuore di un’urbanizzazione frenetica. Un vero e proprio polmone verde che si arrampica verso il cielo, trasformando l'idea di architettura in una sinfonia di vegetazione e struttura.

4. La Casa del Futuro in Giappone
Immaginate una residenza che si adatta alle esigenze dei suoi abitanti, un luogo dove la tecnologia si integra perfettamente con la vita quotidiana. La Casa del Futuro, in costruzione in Giappone, è un esempio di come l'architettura possa evolversi in risposta ai cambiamenti sociali e ambientali, un concept che sfida le convenzioni e abbraccia il domani.

5. La Torre dell'Universo in Cina
Concepita come un omaggio all'umanità e alle sue aspirazioni, la Torre dell'Universo promette di essere una delle strutture più alte mai realizzate. Un simbolo di progresso e innovazione che, con i suoi design futuristici, mira a ispirare una nuova generazione di architetti e sognatori. Una struttura che non solo guarda al cielo, ma invita tutti noi a farlo.

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Toulouse-Lautrec: l'anima ribelle della Belle Époque

Toulouse-Lautrec: l'anima ribelle della Belle Époque

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Immagina di essere seduto in un angolo di un cabaret a Montmartre, il profumo dell'assenzio nell'aria e il suono di risate fragorose che si mescolano a un'eco di solitudine. È qui che Henri de Toulouse-Lautrec, il genio di Albi, si fa testimone di una Parigi che vive il suo momento di massimo splendore e decadenza. Non c'è giudizio nelle sue opere; c'è solo un'osservazione profonda, un'inquietudin...

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La Belle Époque, quel periodo di luci e ombre, di sfarzo e miseria, viene catturata nei suoi tratti audaci e nei colori vibranti. I suoi personaggi, le ballerine e i borghesi, danzano in un mondo di illusioni e desideri, dove il confine tra amore e affare è labile. Toulouse-Lautrec non idealizza: ritrattista della verità, mette in luce l’anima dei suoi soggetti, senza veli, senza pietà.

Alle sue tavole, ogni sorriso stanco di una prostituta, ogni sguardo languido di una ballerina, raccontano storie di speranza e disillusione. La sua piccola statura non gli ha mai impedito di vedere il mondo da un’angolazione unica: un occhio che sa cogliere il sublime nel quotidiano, il sublime nella fragilità umana. Ecco perché l’arte di Toulouse-Lautrec è un canto alla vita, un inno alla diversità.

La mostra a Firenze, con oltre cento opere esposte, è una porta aperta su questo universo. Manifesti, litografie e disegni dialogano con il passato, invitando il visitatore a perdersi in un viaggio che è anche un ritorno. Un ritorno a quella Parigi che, sebbene lontana nel tempo, continua a pulsare nel nostro presente, con la sua bellezza e la sua miseria, con il suo vizio e la sua poesia.

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La villa giapponese invisibile: un'opera d'arte tra natura e architettura

La villa giapponese invisibile: un'opera d'arte tra natura e architettura

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In un angolo remoto del Giappone, sull'isola di Ishigaki, sorge una villa che sfida la percezione. Earth, così si chiama, è più di una semplice casa vacanze; è un manifesto architettonico che annulla i confini tra costruito e naturale. Progettata dall'illustre architetto Sou Fujimoto, la villa si presenta con un tetto verde che si fonde armoniosamente con il paesaggio circostante, quasi a voler su...

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La struttura, di forma circolare, si adagia delicatamente sotto un manto di vegetazione, e da un'altezza aerea, appare un prolungamento del territorio. Solo una parete bianca, curva e sinuosa, rivela la sua esistenza, racchiudendo un giardino che si erge come una collina artificiale, un abbraccio morbido tra arte e natura.

Fujimoto racconta: "Il design dell'edificio è concepito per creare un dialogo continuo con il paesaggio. La vista che si apre dall'interno, con l'oceano cristallino in lontananza e la vegetazione lussureggiante a fare da cornice, invita a un'esperienza sensoriale senza pari". Gli spazi comuni, aperti e ariosi, si affacciano su una piscina a sfioro, che pare fondersi con l'orizzonte marino.

La villa ospita fino a dieci persone ed è parte della rete Not A Hotel, un'esperienza immersiva pensata per chi cerca il contatto profondo con luoghi iconici. Qui, ogni dettaglio è studiato per garantire il massimo comfort, dal soggiorno alla sala da pranzo, fino alle tre camere da letto, dove il calore dell'architettura giapponese contemporanea si fa avvolgente.

Al piano inferiore, un'area benessere regala momenti di relax, con sauna e piscina fredda che riflettono la luce del sole attraverso i lucernari. "È come essere in fondo all'oceano", spiega l'architetto, evocando un'immagine che trasporta chiunque in un mondo di tranquillità e armonia. Un progetto paesaggistico curato da Taichi Saito arricchisce l'esperienza con una vegetazione che celebra la biodiversità locale.

In questo rifugio, dove il verde si fa tetto e la casa diventa parte del paesaggio, Fujimoto ha realizzato non solo un'abitazione, ma un vero e proprio manifesto ecologico, un invito a riflettere sulla nostra relazione con la natura. "Non voglio che la mia casa entri in competizione con il paesaggio; desidero che lo estenda e lo celebri".

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Rinasce il Grand Hotel San Pellegrino: Un Nuovo Inizio per l'Eleganza del Passato

Rinasce il Grand Hotel San Pellegrino: Un Nuovo Inizio per l'Eleganza del Passato

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Nel cuore delle Alpi, dove la storia si intreccia con la natura, il Grand Hotel San Pellegrino si prepara a risorgere. Affidato a un team di esperti architetti milanesi, il progetto di recupero promette di riportare alla luce un gioiello architettonico dei primi del ‘900, abbracciando una nuova Belle Époque dell’hospitality. Questo non è solo un restauro, ma un'opportunità di rinascita per un luog...

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La società americana Ekn Development, che ha ottenuto la concessione per 99 anni del Grand Hotel, ha scelto il gruppo Lombardini22 per realizzare un progetto di fattibilità che ambisce a coniugare raffinatezza estetica e innovazione tecnologica. Con i suoi 18.200 metri quadrati di eleganza, il complesso ospiterà 118 camere di lusso, una spa all'avanguardia e aree comuni rinnovate, pronte a sedurre visitatori da tutto il mondo.

Ma la sfida non è solo estetica. Come sottolinea l’architetto Alessandra Magri, “si tratta di un’analisi chirurgica della struttura impiantistica esistente”, un passo fondamentale per restituire vita a questo monumento della storia italiana. La Sovrintendenza avrà un ruolo cruciale, poiché il recupero dovrà rispettare il fascino del Liberty, l’epoca in cui il Grand Hotel è nato, senza dimenticare l'evoluzione del tempo.

In parallelo, le QC Terme, già un punto di riferimento nel benessere, stanno progettando un ampliamento che trasformerà gli spazi dell’ex stabilimento termale in un nuovo polo del relax e della salute. Abbandonando l'idea di un centro commerciale, l’attenzione si concentra su un’esperienza di lusso che unisce storia e comfort moderno, in perfetta armonia con il contesto circostante.

La cifra di investimento per il progetto è di 64 milioni di euro, e l’apertura è prevista tra il 2028 e il 2029. Un atteso ritorno a un’epoca di splendore, dove il passato e il presente si fondono per creare un futuro incantevole. Come afferma Ebrahim Nakhjavani, CEO di EKN Development, “Siamo certi che il progetto verrà portato avanti con eccellenza e visione”.

Il Grand Hotel San Pellegrino non è solo una struttura alberghiera, ma un simbolo di eleganza e cultura. La sua rinascita è un invito a riscoprire l'arte del ricevere, l'arte di vivere un'esperienza unica, dove ogni dettaglio racconta una storia, dove ogni angolo è un ricordo di un passato che ritorna, rivisitato in chiave contemporanea.

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L'Architettura come Visione: Celebrazione di Cesare Rota Nodari alla Fondazione Legler

L'Architettura come Visione: Celebrazione di Cesare Rota Nodari alla Fondazione Legler

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Il 14 novembre, la Fondazione Legler per la Storia Economica e Sociale di Bergamo si trasforma in un palcoscenico di riflessione e ispirazione, ospitando una mostra dedicata a Cesare Rota Nodari, figura emblematica dell'architettura bergamasca. Fino al 20 dicembre, visitatori e appassionati avranno l'opportunità di esplorare sessant'anni di creatività e innovazione, un viaggio che attraversa il te...

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Curata da Edoardo Milesi, l'esposizione non è solo una celebrazione del lavoro di Rota Nodari, ma un invito a interrogarsi sul mestiere dell'architetto in un'epoca di rapidi cambiamenti, dove il digitale ha trasformato il modo di progettare. "L'architettura non è solo costruzione", afferma Milesi, "ma un atto di pensiero politico e visione sociale". In questa sinfonia di idee, Rota Nodari si erge come un maestro che, pur abbracciando le nuove tecnologie, non dimentica le radici artigianali e il legame profondo con il territorio.

Un aspetto distintivo della mostra è il convegno “Il mestiere dell’architetto”, in programma il 21 novembre, dove relatori illustri discuteranno dell'importanza dell'architetto come interprete non solo dello spazio fisico, ma anche delle dinamiche sociali e ambientali. La conversazione si estenderà a esplorare relazioni complesse tra l'uomo e il mondo naturale, un tema che invita a riflettere sulla nostra esistenza e sul nostro impatto sul pianeta.

In un'epoca in cui l'architettura deve affrontare sfide senza precedenti, la mostra di Cesare Rota Nodari ci ricorda che ogni progetto è un'opportunità per sognare, ascoltare e trasformare. Non perdere questa occasione unica di immergerti nell'universo di un architetto che ha saputo coniugare passato e futuro, tradizione e innovazione.

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Le Corbusier e il Gioco delle Idee: La Libertà Creativa di Balkrishna Doshi

Le Corbusier e il Gioco delle Idee: La Libertà Creativa di Balkrishna Doshi

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Era un giorno di sole quando Khushnu Panthaki Hoof, la nipote di Balkrishna Doshi, si sedette per raccontare storie di un tempo che sembrava magico. Voci di architetti, risate e la figura imponente di Le Corbusier danzavano nell'aria. "Mio nonno era un maestro nel prendere la vita con leggerezza," spiegò. "Non voleva che nessuno fosse troppo serio. Per lui, ogni giorno era una nuova avventura da a...

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Le Corbusier, il grande innovatore, non era solo un mentore ma anche un burlone. I racconti di Khushnu rivelano l'anima giocosa di un uomo che, mentre progettava città e edifici, amava anche scherzare, sfidando così i suoi allievi a esplorare il lato ludico della creatività. "L'architettura non è solo costruire," diceva. "È anche divertirsi nel farlo."

La loro relazione, simile a quella tra un nonno e una nipote, era caratterizzata da un profondo rispetto e ammirazione. "Mio nonno considerava Le Corbusier come un secondo nonno," continuò Khushnu. "Ogni mattina guardava una foto di lui e si rifletteva in essa, come se stesse ricevendo una benedizione per la giornata. Era un legame unico, un'ispirazione continua."

Questa eredità di gioia e libertà si manifestò nel lavoro di Doshi, il cui portfolio è un caleidoscopio di stili e forme. "Non seguiva un'unica estetica; ogni progetto era un nuovo inizio," affermò Khushnu. "Le Corbusier gli aveva insegnato che ogni mattina nasceva nella pelle di un asino, pronto a reinventarsi. E mio nonno prese questo consiglio a cuore."

Il suo approccio all'architettura non si limitava a emulare il maestro, ma abbracciava la filosofia di seguire il proprio cammino. "La vera essenza era quella di rimanere fedeli a se stessi, senza la pressione di dover replicare il passato," aggiunse, riflettendo su come il suo nonno avesse voluto liberarla da qualsiasi peso legato alla sua eredità.

La sua ultima creazione, il Doshi Retreat, è un esempio perfetto di questa libertà creativa. Inizialmente concepito come uno spazio di meditazione ridotto, Doshi, con il suo carattere giocoso, trasformò il progetto in una struttura di 75 metri. "Se non viene costruito, non importa. L'importante è divertirsi!" ripeteva, trasmettendo la sua leggerezza anche nei momenti di sfida.

"Ogni giorno è un'opportunità per esplorare, per giocare con le idee," concluse Khushnu, con un sorriso che rifletteva l'eredità di un uomo che ha saputo fondere serietà e creatività. Una lezione che va oltre l'architettura, un invito a vivere la vita con curiosità e gioia.

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La Torre Lotte di Kengo Kuma: Un'Incontro tra Mare e Architettura a Busan

La Torre Lotte di Kengo Kuma: Un'Incontro tra Mare e Architettura a Busan

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Nel cuore pulsante di Busan, dove la terra abbraccia il mare, si erge la Torre Lotte progettata da Kengo Kuma e Associati. Un grattacielo che non si limita a sfidare il cielo, ma si fonde con il paesaggio circostante, catturando l'essenza del porto e dei suoi incessanti movimenti. Questa struttura di vetro fluido, eretta sull'ex sito del Municipio, racconta una storia di mare, città e architettura...

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La facciata della torre è un poema visivo che riflette il ritmo delle onde, danzando sotto la luce di Busan. Le sue bande orizzontali, che si ripetono come un canto, sfumano il confine tra vetro spandrel e vetro visivo, trasformando la verticalità in un gesto fluido, simile ai movimenti dell'acqua. Questo gioco di trasparenze e colori, che varia dal trasparente al delicatamente colorato, risponde alla luce e ai toni del cielo costiero, creando un'armonia visiva che incanta chiunque si fermi a osservare.

Il design della Torre Lotte è un esempio di come la moderna architettura possa dialogare con la natura. Le volumi curvi e trasparenti si sovrappongono in una composizione che suggerisce movimento, riflettendo l'ondulazione delle onde. I materiali scelti, come il vetro e l'alluminio, non solo permettono alla luce di danzare sulla facciata, ma creano anche un ritmo calmo, attenuando la scala imponente del grattacielo. Ai piani superiori, le linee orizzontali si dissolvono in eleganti lamelle che filtrano la luce e il vento, offrendo uno spazio di transizione all'osservatorio panoramico, dove città, mare e cielo si incontrano in un unico, vasto orizzonte.

La Torre Lotte non è solo un edificio: è un invito a esplorare la continuità tra l'architettura e il contesto marittimo di Busan. Kengo Kuma evita la monumentalità, favorendo invece una connessione profonda con il paesaggio circostante. Questa torre riflette il suo contesto, permettendo alla luce e all'acqua di animare la sua superficie durante tutto il giorno. Visto dal porto, l'edificio appare come un'estensione verticale della costa, la sua facciata scintillante assorbe i colori dell'alba e del crepuscolo. Di sera, la luce interna morbida mette in risalto le linee orizzontali, creando l'illusione di una corrente luminosa che sale attraverso la torre, mentre dal livello stradale, i volumi curvi in vetro incorniciano scorci di vita urbana, unendo il ritmo della vita metropolitana con la cadenza dell'approdo.

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L'Amore e l'Architettura: La Magia di Stardust

L'Amore e l'Architettura: La Magia di Stardust

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All'inizio di ogni grande storia c'è un incontro, un colpo di telefono, un'idea che si insinua come un sogno nella mente di chi ama. In Stardust: A Story of Love and Architecture, la magia prende forma attraverso la voce di Denise Scott Brown, che chiama Robert Venturi per mostrargli il mondo scintillante della Las Vegas Strip. Siamo nel novembre del 1966, e quel ‘qualcosa’ si trasformerà in un vi...

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Il film, diretto con maestria da Jim Venturi, il figlio dei due protagonisti, non è solo un racconto di mattoni e cemento, ma un’ode a una vita condivisa, a una danza di idee, conflitti e scoperte. La telecamera si muove con delicatezza, quasi come un amante che esplora il viso del proprio partner, rivelando non solo l’architettura, ma anche l’umanità che ci sta dietro. Venturi e Scott Brown, due anime in un’unica visione, hanno saputo scardinare dogmi e pregiudizi, abbracciando la complessità e la contraddizione come essenze vitali del loro lavoro.

Con Complexity and Contradiction in Architecture, pubblicato nel 1966, hanno sfidato la tirannia del minimalismo, mentre Learning from Las Vegas ha aperto le porte a un’architettura popolare e ironica, capace di dialogare con il caos della realtà. Non si trattava più di eleganza austera, ma di abbracciare il ‘diverso’, il ‘non convenzionale’ e, perché no, anche il ‘banale’ come linguaggio architettonico.

Il film non celebra, indaga. Non costruisce monumenti, ma lascia che le ombre parlino. La domanda centrale è affascinante: può la creatività coesistere in due menti? Il viaggio di Bob e Denise, tra Philadelphia e Venezia, è un continuo dialogo, un flusso di pensiero che ci invita a riflettere sulla forza dell’amore e della collaborazione. L’immagine finale, di due viaggiatori che continuano a esplorare insieme, ci ricorda che l’architettura, come l’amore, è un atto di costruzione.

In un mondo che spesso premia il consenso, Venturi e Scott Brown hanno scelto la libertà, pagando il prezzo del silenzio. Ma il loro lascito è uno di quelli che brilla come polvere di stelle, illuminando il cammino di chi verrà dopo. Stardust è, quindi, non solo un film, ma una riflessione profonda sulla vita, sull’amore e sull’architettura, che ci invita a guardare oltre le superfici e a scoprire il mondo che ci circonda con occhi nuovi.

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Hedeskov: Un Laboratorio Vivente di Architettura Rigenerativa

Hedeskov: Un Laboratorio Vivente di Architettura Rigenerativa

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Immaginate un luogo dove l'architettura non è solo un involucro, ma un attore vivente nella danza della natura. Questo è Hedeskov, un centro di ricerca e educazione situato nel cuore della Danimarca, progettato dallo studio Djernes & Bell. Qui, i materiali locali come argilla, sabbia, canapa e legno si intrecciano in una sinfonia di sostenibilità e innovazione. Situato su terreni recuperati, H...

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La visione di Djernes & Bell è chiara: l'architettura deve abbandonare l'idea di essere un oggetto isolato e diventare parte integrante della riparazione ecologica. Come ha affermato Justine Bell, partner dello studio, "Un edificio può diventare un laboratorio vivente per la pratica rigenerativa, non solo riducendo l'impatto ambientale, ma migliorando attivamente i sistemi circostanti". Questo centro è un esempio tangibile di come gli spazi possano riflettere i paesaggi e le culture costruttive che li hanno generati, rendendo visibili le relazioni tra esseri umani, terra e tempo.

Collaborando con artigiani locali e specialisti di materiali circolari, il team ha esplorato il paesaggio per trovare risorse naturali da utilizzare, conservando e restaurando edifici esistenti come una vecchia scuola in pietra. I mattoni recuperati sono stati riutilizzati, mentre l'interno è stato abbellito con intonaci di argilla e legno recuperato, creando spazi di lavoro e di vita che parlano di una cultura del riuso e della riparazione.

Il laboratorio di Hedeskov si distingue per il suo impegno nella ricerca. Gli studenti dell'Università BUILD di Aalborg monitoreranno il clima interno, le emissioni e il comportamento dell'umidità, contribuendo a una comprensione più profonda delle pratiche sostenibili. In questo contesto, ogni mattone, ogni trave, racconta una storia di cicli stagionali e conoscenza artigianale antica. La struttura si erge non solo come un centro di apprendimento, ma come un simbolo di un futuro dove l'architettura e la natura possono coesistere in armonia.

Con un tetto verde che accoglie un laboratorio e una cucina, Hedeskov si presenta come un esempio luminoso di come l'architettura moderna possa abbracciare il passato, reinventando gli spazi per le generazioni future. Qui, il rosso profondo delle strutture in legno richiama le tradizionali stalle agricole danesi, mentre ampie finestre circolari e lucernari creano un dialogo tra l'antico e il nuovo.

In un mondo in cui l'architettura è spesso vista come un peso, Hedeskov emerge come una boccata d'aria fresca, un invito a ripensare il nostro rapporto con gli edifici e il nostro ambiente. È un richiamo a esplorare non solo come costruire, ma come vivere e co-creare con la terra.

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Casa Calumbi: Un Eccellente Esempio di Architettura Sostenibile in Brasile

Casa Calumbi: Un Eccellente Esempio di Architettura Sostenibile in Brasile

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Casa Calumbi: Un Eccellente Esempio di Architettura Sostenibile in BrasileSituata nella splendida area rurale di Lençóis, nella Chapada Diamantina, la Casa Calumbi, progettata dall'architetto Amanda Neuberger, rappresenta un perfetto connubio tra architettura e natura. Questo progetto, completato nel 2023, si estende su una superficie di 140 m² e si inserisce armoniosamente nel paesaggio caratteri...

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La casa è stata concepita in un territorio di transizione tra gli ecosistemi del cerrado e della caatinga, dove le condizioni climatiche estreme richiedono soluzioni innovative. Qui, le intense piogge si alternano a lunghi periodi di siccità, rendendo fondamentale l'adozione di sistemi autonomi e strategie per un uso consapevole dell'acqua. La progettazione attenta e l'uso di materiali come legno, pietra e mattoni non solo contribuiscono all'estetica della casa, ma anche alla sua sostenibilità.

La Casa Calumbi è un esempio di come l'architettura possa integrarsi con l'ambiente circostante, rispettando e valorizzando il paesaggio locale. Ogni elemento è stato studiato per massimizzare l'efficienza energetica e idrica, dimostrando che è possibile costruire in armonia con la natura.

In conclusione, la Casa Calumbi non è solo un'abitazione, ma un manifesto di sostenibilità e innovazione nella progettazione architettonica contemporanea. Scopri di più su questo progetto ed esplora come l'architettura possa contribuire a un futuro più verde e responsabile.

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Un Obelisco di Riflessioni: L'Arte di Sabine Marcelis in Apple Park

Un Obelisco di Riflessioni: L'Arte di Sabine Marcelis in Apple Park

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In un angolo incantevole di California, dove la tecnologia incontra l'arte, Sabine Marcelis ha dato vita a un'esperienza visiva unica presso Apple Park. La designer olandese ha svelato un obelisco di specchi che non è solo un monumento, ma un dialogo tra il mondo digitale e quello reale. Questo obelisco, alto 330 centimetri, si erge come un faro, riflettendo le sfumature dei nuovi iPhone e l'essen...

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Marcelis, invitata da Apple per celebrare il lancio di queste ultime meraviglie tecnologiche, ha ideato tre installazioni nel cuore dell'Osservatorio di Apple Park. "La mia missione era creare diverse zone per vivere i nuovi prodotti in modi distintivi," racconta. I suoi pezzi, uniti da un filo conduttore di colori e forme, sono la materializzazione della liquid glass, un connubio perfetto con il linguaggio visivo di Apple.

Tra le installazioni, troviamo lastre di resina e specchi disposte con cura, pensate per riflettere non solo il mondo esterno, ma anche il nostro riflesso interiore. Ogni pezzo è un'ode ai colori degli iPhone: l'arancione del 17 Pro, il lavanda del 17 e il blu chiaro dell'iPhone Air. "Ho lavorato con campioni, cercando di catturare l'essenza di questi colori, traducendoli in vetro e resina," spiega Marcelis, rivelando il processo quasi alchemico dietro la creazione.

Ma cosa rende queste installazioni davvero uniche? La loro progettazione è stata pensata per essere vissuta attraverso l'obiettivo di un iPhone. "Volevamo che le persone scattassero foto, creando contenuti visivi che si diffondessero nel mondo," afferma. Gli oggetti si trasformano, rivelando sfumature nascoste quando catturati da una lente, creando un'esperienza che trascende la mera osservazione.

Nell'ombra di questo obelisco, Marcelis invita i visitatori a esplorare e a interagire, a riflettere su come la tecnologia e l'arte possano coesistere in armonia. "L'idea era di creare un oggetto statico, ma che rispondesse dinamicamente all'ambiente circostante," racconta, sottolineando l'importanza della luce e del paesaggio. E così, in un balletto di colori che variano con il passare della giornata, l'obelisco diventa un punto focale, un luogo di incontro per chiunque desideri scoprire il futuro di Apple attraverso uno sguardo artistico.

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Visionscapes: Il Giovane Architetto che Trasforma i Sogni in Realtà

Visionscapes: Il Giovane Architetto che Trasforma i Sogni in Realtà

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Visionscapes: Il Giovane Architetto che Trasforma i Sogni in RealtàNel cuore pulsante di una città in continua evoluzione, un giovane architetto sta emergendo come una figura chiave nel panorama contemporaneo dell’architettura. Con una visione fresca e audace, Ermil Horozović ha fondato il suo studio, EA Studio, un luogo dove le idee prendono forma e si trasformano in opere tangibili che raccontan...

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Il viaggio di Ermil inizia con una passione innata per l'architettura, una vocazione che si è manifestata fin da giovane. Il suo approccio si distingue per la capacità di ascoltare le esigenze e i sogni dei clienti, traducendoli in progetti che non solo soddisfano le aspettative, ma le superano. “La nostra missione è rendere accessibili i sogni architettonici a tutti”, afferma con entusiasmo. “Crediamo che ogni visione meriti di essere realizzata, senza compromettere la qualità.”

EA Studio non è solo un nome, ma un concetto che abbraccia la collaborazione e l’innovazione. La sinergia con altri studi architettonici arricchisce ogni progetto, portando in dote competenze diversificate e nuove prospettive. I servizi offerti spaziano dalla modellazione 3D a renderizzazioni virtuali, fino a servizi di scan per garantire che ogni dettaglio venga catturato con precisione.

Ermil sa che nel mondo odierno l'architettura non è solo funzionalità ma anche esperienza. L’uso della tecnologia, come le nuvole di punti e la modellazione 3D, non è solo una questione tecnica, ma un modo per immergere il cliente in un viaggio visivo che anticipa il risultato finale. “Vogliamo che i nostri clienti si sentano parte del processo creativo, che vedano le loro visioni prendere vita”, spiega.

Il suo studio ha già attirato l’attenzione per progetti innovativi che combinano estetica e sostenibilità. Ogni creazione è una riflessione della personalità del cliente, e questo è ciò che rende il lavoro di Ermil così speciale. Non è solo un architetto; è un narratore visivo che utilizza spazi e forme per raccontare storie uniche.

In un’epoca in cui l’architettura deve affrontare sfide ambientali e sociali, Ermil Horozović è determinato a lasciare un segno indelebile nel settore. Con una mentalità aperta e una sete di innovazione, il suo studio si propone di ridefinire il concetto stesso di spazio abitativo e lavorativo. “Siamo qui per costruire, ma anche per sognare insieme”, conclude, lasciando un messaggio di speranza e creatività per il futuro.

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Scopri la nuova collezione di stoviglie di Gustaf Westman con IKEA: un inno alla gioia quotidiana

Scopri la nuova collezione di stoviglie di Gustaf Westman con IKEA: un inno alla gioia quotidiana

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Gustaf Westman e IKEA: la nuova collezione di stoviglieIl designer svedese Gustaf Westman ha collaborato con IKEA per lanciare una vivace collezione di stoviglie e accessori per la casa, composta da 12 pezzi. Questa serie, che include piatti e tazze in porcellana, porta un tocco di giocosa innovazione nella tradizione delle decorazioni festive.

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La collezione si ispira all'idea che la celebrazione non richiede un'occasione speciale, invitando tutti a creare momenti di gioia e connessione secondo le proprie modalità. Il primo pezzo svelato, il “trono” per le polpette svedesi, rappresenta la fusione tra l'arte del design e la convivialità.

Forme scultoree e colori audaci

La collezione di Gustaf Westman è caratterizzata da forme curvilinee e una palette di colori audaci. Le tonalità di rosso e verde richiamano il design festivo tradizionale, mentre il rosa bubblegum e l'azzurro baby offrono una reinterpretazione moderna e gioiosa. I piatti con bordi quadrati e fondi arrotondati creano una coesione simile a un mosaico, mentre una tazza e piattino di grandi dimensioni per il glögg evoca i ricordi d'infanzia di Westman legati alla generosità festiva.

Le lampade e i portacandele presentano un'inventiva scultorea, richiamando le forme dei piatti e aggiungendo un tocco di modernità alla tradizione svedese. L’oversized cup-and-saucer set è pensato per ospitare biscotti e creare un'atmosfera calda e accogliente.

Un Designer per una Nuova Generazione

Maria O’Brian, leader del Range Identity di IKEA, sottolinea che l'approccio di Gustaf al colore e alla forma è in perfetta sintonia con la filosofia del marchio. Westman, con la sua audace espressione creativa, ha saputo rendere il suo lavoro accessibile a un pubblico più ampio.

Questa collezione rappresenta non solo la prima collaborazione di design di prodotto di Westman, ma anche un invito a celebrare la bellezza della quotidianità con oggetti che non solo sono funzionali ma anche pieni di vita e carattere.

In conclusione, la collezione IKEA x Gustaf Westman non è solo un insieme di stoviglie, ma un vero e proprio manifesto di gioia e connessione quotidiana.

Scopri di più su questa emozionante collezione visitando il sito di IKEA.

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Rinnova il Tuo Arredamento Classico: 5 Tocchi per un Design Moderno

Rinnova il Tuo Arredamento Classico: 5 Tocchi per un Design Moderno

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Vivere in una casa arredata con mobili classici può evocare un senso di solidità e tradizione, ma col passare del tempo, l'atmosfera può diventare pesante e opprimente. I legni scuri e i tessuti ricchi, un tempo simboli di prestigio, possono trasformarsi in elementi che rubano luce e freschezza. Ma non c'è bisogno di stravolgere tutto: esistono tocchi mirati che possono riportare nuova vita in que...

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Il primo passo è stato l'illuminazione. Ho sostituito i lampadari pesanti con una lampada leggera in bambù, permettendo alla luce di diffondersi in modo naturale e di alleggerire l'ambiente. È sorprendente come un semplice cambio di fonte luminosa possa cambiare la percezione di una stanza, portando un equilibrio nuovo.

Il secondo intervento ha riguardato i tessili. Sostituendo tende pesanti con tessuti leggeri in lino naturale, ho visto la stanza aprirsi e respirare. Non era necessario cambiare i divani; bastava giocare con i colori e le texture per eliminare quel senso di pesantezza.

Successivamente, ho affrontato le pareti. Ho optato per tonalità moderne come il verde salvia e il bordeaux profondo, piuttosto che il tradizionale bianco. Anche solo una parete di contrasto ha spezzato la monotonia, rendendo i mobili più interessanti e vivaci.

Un altro dettaglio fondamentale sono state le maniglie. Sostituendo i pomelli con versioni moderne in ottone satinato, ho conferito ai miei pezzi classici un tocco di freschezza. È sorprendente come un piccolo cambiamento possa avere un impatto così grande sulla percezione di un mobile.

Infine, ho aggiunto complementi di design che dialogano con il classico: uno specchio dorato e un tavolino in vetro hanno trasformato la prospettiva della stanza, creando un contrasto affascinante che valorizza l'arredamento esistente. Dettagli come stampe moderne e piante in vaso dal design pulito completano il quadro, arricchendo l'identità della casa senza rinnegare il passato.

In conclusione, il risultato non è stato una rivoluzione, ma un'armonizzazione. La casa ha mantenuto il suo calore e la sua presenza, ma ora convive con elementi freschi e moderni che ne esaltano la bellezza.

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Scopri l'Innovativo Ospedale di Tonglu: Un Progetto di Eccellenza Architettonica

Scopri l'Innovativo Ospedale di Tonglu: Un Progetto di Eccellenza Architettonica

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Hangzhou First People's Hospital Tonglu Branch: Un Capolavoro di Architettura e SostenibilitàSituato nella città futura di Tonglu, l'Hangzhou First People's Hospital Tonglu Branch è un esempio di architettura ospedaliera all'avanguardia, progettato dallo studio UAD. Con un'area totale di costruzione di circa 202,000 m², di cui 139,000 m² sopra il suolo e 63,000 m² sotterranei, questo ospedale rapp...

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Il progetto, completato nel 2024, è certificato come Three-star Green Building, il che significa che rispetta elevati standard di sostenibilità e efficienza energetica. L'ospedale può ospitare fino a 1,100 letti, garantendo un servizio sanitario di alta qualità alla comunità di Tonglu e oltre.

La struttura è stata progettata con un'innovativa struttura in acciaio, in grado di garantire durata e resistenza. Inoltre, la posizione strategica vicino alla stazione della ferrovia ad alta velocità di Hangzhou-Huangshan ne facilita l'accesso, rendendolo un punto di riferimento non solo per Tonglu, ma per tutta la provincia di Zhejiang.

Grazie al lavoro di un team di esperti architetti, tra cui Chen Jian, Zhang Minmin e Wang Xiaodong, il progetto integra elementi di design moderno con tecnologie avanzate per offrire un ambiente accogliente e funzionale per pazienti e operatori sanitari.

In conclusione, l'Hangzhou First People's Hospital Tonglu Branch non è solo un ospedale, ma un simbolo di progresso e innovazione nel settore della sanità, dimostrando come l'architettura possa influenzare positivamente la qualità della vita delle persone.

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Otto camere da letto misteriose per una stagione spettrale

Otto camere da letto misteriose per una stagione spettrale

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Quando arriva l'autunno, il mondo si tinge di sfumature più scure e misteriose, e le camere da letto diventano rifugi perfetti per nascondersi sotto le coperte. In questo articolo, esploreremo otto camere da letto avvolte da un'aura di mistero, ognuna con il proprio fascino inquietante e la propria storia. Un viaggio attraverso il design, l'architettura e la bellezza dell'ombra.

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Iniziamo con Zero House nel Regno Unito, un'opera di Rae Morris e Ben Garrett, dove il legno scuro e i toni del mogano evocano le atmosfere del film horror Shining. Qui, l'arte di giocare con le luci e le ombre si trasforma in un'esperienza sensoriale, perfetta per le notti di Halloween.

Passiamo a Casa Tres Árboles in Messico, un esempio di come le tonalità scure possono contrastare la calda luce del legno. Le camere da letto, dipinte con colori cupi, creano un'atmosfera intima e accogliente, ideale per rifugiarsi mentre il vento ulula fuori.

In Nuova Zelanda, l'Openfield House offre un'esperienza unica con il suo lucernario circolare che incornicia le montagne circostanti. La camera da letto, immersa nell'ombra, ricorda un set cinematografico, dove ogni angolo racconta una storia.

Il Shkrub in Ucraina, progettato da Sergey Makhno, è un capolavoro di design che utilizza tavole di legno scuro e illustrazioni evocative per creare un'atmosfera quasi onirica, perfetta per chi ama perdersi nei propri pensieri durante le lunghe notti invernali.

Non possiamo dimenticare la Shadow House in Australia, un'estensione di legno bruciato che gioca con la luce, trasformando la camera in un luogo di ombre danzanti e mistero. Ogni finestra è una cornice di storie non raccontate.

In Texas, l'Austin House di Melanie Raines sperimenta con colori audaci per creare un ambiente che è tutto tranne che convenzionale. Le pareti blu scuro e il letto in pelle si fondono in un abbraccio di eleganza e stranezza, perfetto per una notte di racconti spettrali.

Infine, il Kawakawa House in Nuova Zelanda, con i suoi soffitti inclinati e pareti di betulla scura, si inserisce perfettamente nel bosco circostante, offrendo un rifugio che sembra quasi uscito da un racconto di fantasmi.

Queste otto camere da letto, ognuna con il proprio carattere, ci ispirano a creare spazi che riflettono le nostre paure e desideri. Perché in fondo, anche nell'oscurità, si può trovare bellezza.

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Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

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Le 11 Mostre di Design Imperdibili in Europa a Settembre

Le 11 Mostre di Design Imperdibili in Europa a Settembre

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Le 11 Mostre di Design Imperdibili in Europa a SettembreSettembre è un mese di rinascita per il mondo del design, con eventi e mostre che celebrano la creatività e l'innovazione in tutta Europa. In questo articolo, esploreremo le migliori mostre di design da non perdere, dalle installazioni più audaci alle interpretazioni più intime di artisti e designer.

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1. Dark Times, Bright Signs - Milano

Curata da Valentina Ciuffi, questa mostra alla galleria Delvis (Un)Limited presenta lavori di un team internazionale di creativi che esplorano l'attualità attraverso un linguaggio visivo potente. Fino a febbraio 2026, la mostra invita a riflettere sulle sfide del nostro tempo.

2. Whispers of the Forest - Parigi

Alla Galerie Gosserez, Georges Mohasseb espone opere scultoree che combinano design contemporaneo e tecniche artigianali, fino al 28 settembre. Le collezioni Tapir e Rhino sono un omaggio alla natura e alla sua bellezza.

3. Uniforms on Chairs - Milano

OLDER studio presenta una riflessione sui concetti di uniformità e unicità. Questa mostra, curata da Valentina Ciuffi, trasforma oggetti iconici in ibridi sorprendenti, interrogandosi sul nostro rapporto con il design e gli oggetti quotidiani.

4. Variation on Ceramic - Modena

Ronan Bouroullec porta la sua arte a Casa Mutina, dove esibisce opere che sfidano le convenzioni del design ceramico. Un appuntamento da non perdere per gli amanti del ceramico e del design innovativo.

5. Inchiostri - Venezia

Presso la Galleria Giorgio Mastinu Fine Art, Bouroullec presenta opere in vetro che reinterpretano il suo lavoro storico, creando composizioni uniche che mescolano vetro soffiato e colato.

6. Fragmenta - Beirut

Questa mostra itinerante esplora il tema del riuso attraverso opere realizzate con scarti di marmo. Un progetto che coinvolge artisti internazionali e promuove la sostenibilità nel design.

7. Planetario - Verona

Durante Marmomac 2025, l'installazione di Raffaello Galiotto con Margraf esplora il legame tra pietra naturale e cosmos, offrendo un'esperienza visiva unica.

8. Slow Down - Copenaghen

Parte della Biennale di Architettura, questa mostra invita a riflettere sulla lentezza e sull'importanza di ritmi più umani nel design e nell'architettura.

9. Design in Bloom - Amsterdam

Un'esplosione di colori e forme, questa mostra celebra l'interazione tra design e natura, con opere che invitano a riscoprire la bellezza del mondo vegetale.

10. Art & Design - Londra

Un appuntamento imperdibile per gli appassionati, che mette in mostra opere che uniscono arte visiva e design innovativo, esplorando nuove frontiere estetiche.

11. The Future of Furniture - Berlino

Una mostra che esplora le tendenze emergenti nel design d'interni, con focus su sostenibilità e innovazione tecnologica.

Visita queste mostre incredibili e lasciati ispirare dalle voci più creative del design contemporaneo!

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Peggy Guggenheim: Un Viaggio tra Arte, Design e Architettura

Peggy Guggenheim: Un Viaggio tra Arte, Design e Architettura

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Nel cuore pulsante del Novecento, un nome spicca come un faro luminoso: Peggy Guggenheim. Non semplicemente una collezionista, ma una visionaria che ha saputo amalgamare arte, design ed architettura in un'unica sinfonia di forme e colori. Immaginate un mondo in cui ogni oggetto, ogni spazio, non fosse solo un'entità funzionale, ma un'opera d'arte a sé stante. Questa era la missione di Peggy, una d...

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Le discipline artistiche, pur mantenendo la propria identità, si intrecciano in un abbraccio creativo. Il designer crea per il quotidiano, l'architetto plasma spazi abitabili, mentre l'artista esplora l'estetica e il significato. Ma cosa accade quando questi mondi si fondono? Peggy Guggenheim ha avuto il coraggio di chiederselo, e la sua risposta ha dato vita a opere che trascendono la loro funzione originale.

La sua storia inizia con un'eredità non solo di ricchezze materiali, ma di una passione per l'arte che l'ha guidata attraverso i salotti parigini degli anni Venti, dove ha fatto amicizia con iconici artisti come Man Ray e Jean Cocteau. La sua galleria, la 'Guggenheim Jeune', è diventata un punto di riferimento per le avanguardie artistiche, un luogo dove il genio creativo poteva esprimersi liberamente, senza le restrizioni del mercato.

La Guggenheim non si limitava ad acquistare opere; il suo motto, 'comprare un quadro al giorno', rifletteva un impegno profondo verso gli artisti e la loro visione. In questo modo, ha costruito una collezione che oggi è uno dei tesori più preziosi del mondo dell'arte moderna.

La sua casa a Venezia, Palazzo Venier dei Leoni, non è solo un museo, ma un monumento alla sua vita e alla sua passione. Qui, arte, design ed architettura si fondono in una narrazione senza tempo, invitando i visitatori a scoprire un mondo in cui ogni oggetto racconta una storia. Grazie alla sua intuizione e al suo coraggio, Peggy Guggenheim ha dimostrato che l'arte non ha confini, e che ogni creazione può essere un'esperienza sensoriale e intellettuale.

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Sensori luminosi da sacchetti di plastica riciclati: la nuova frontiera per rilevare metalli tossici nell'acqua

Sensori luminosi da sacchetti di plastica riciclati: la nuova frontiera per rilevare metalli tossici nell'acqua

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Sensori luminosi da sacchetti di plastica riciclati: la nuova frontiera per rilevare metalli tossici nell'acqua Un team di ricercatori dell'Universitas Gadjah Mada di Yogyakarta, Indonesia, ha sviluppato un metodo innovativo per trasformare i sacchetti di plastica riciclati in nanomateriali e sensori in grado di rilevare metalli tossici nell'acqua potabile. Questo processo inizia con il polietile...

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I ricercatori convertono i sacchetti in particelle molto piccole, note come carbon quantum dots (CQDs), che sono più piccole di un virus. La produzione di queste particelle avviene attraverso l'uso combinato di due metodi: pirolisi e trattamento idrotermale. La pirolisi implica il riscaldamento della plastica senza ossigeno, mentre il trattamento idrotermale consiste nel riscaldare il materiale in acqua sotto pressione.

Durante il processo, viene aggiunto meno del sette percento di perossido di idrogeno per aiutare a decomporre il polietilene, e l'intero procedimento richiede circa dieci ore. Il risultato è una soluzione contenente i CQDs, che brillano sotto la luce UV, diventando fluorescenti. Questo fenomeno di emissione luminosa è dovuto alla struttura degli atomi di carbonio e ai gruppi chimici attaccati alla superficie dei CQDs.

Il bagliore dei sacchetti di plastica riciclati può quindi essere utilizzato per rilevare metalli tossici nell'acqua potabile. Maggiore è l'intensità della luce, minori sono i metalli tossici presenti nell'acqua. I ricercatori hanno testato i CQDs con diversi metalli e hanno osservato che reagiscono specificamente con gli ioni ferrici, evidenziando la presenza di ferro carico di tre. Quando i CQDs si attaccano a questo ferro, il bagliore diventa più debole, indicando una maggiore concentrazione di metallo nell'acqua.

Finora, i sensori sono in grado di rilevare anche concentrazioni di 9,50 micromolari, sufficienti per verificare se l'acqua potabile è contaminata. I risultati dello studio sono stati accurati e ripetibili. Inoltre, i ricercatori hanno analizzato l'efficacia del bagliore dei CQDs usando un parametro chiamato quantum yield, che misura l'emissione di luce rispetto alla luce assorbita. I CQDs realizzati con sacchetti di plastica hanno raggiunto un quantum yield del 10.04%, dimostrando che possono emettere una luce sufficientemente intensa per essere utilizzati come sensori.

Attualmente, i ricercatori credono che questa scoperta possa essere applicata in kit di test per l'acqua portatili a basso costo, grazie all'uso di sacchetti di plastica riciclati come sensori.

Immagini: Teslariu Mihai via Unsplash, Daniele Levis Pelusi via Unsplash, Naja Bertolt Jensen via Unsplash.

Questo articolo è ispirato all'articolo pubblicato su: designboom | architecture & design magazine.

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Casa NM: Eccellenza dell'Architettura Contemporanea in Portogallo

Casa NM: Eccellenza dell'Architettura Contemporanea in Portogallo

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Casa NM: Eccellenza dell'Architettura Contemporanea in PortogalloSituata a Penafiel, Casa NM è un esempio straordinario di architettura contemporanea, realizzata dal team di CFDS Architecture. Questo progetto, completato nel 2024, si estende su una superficie di 300 m² e rappresenta una fusione perfetta di design, funzionalità e sostenibilità.

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Il progetto è stato curato dal talentuoso architetto Daniel Sousa, con l'obiettivo di creare uno spazio abitativo che rispecchiasse la bellezza del paesaggio circostante. Le immagini di Pedro Machado catturano l'essenza di questa meravigliosa abitazione, evidenziando l'uso innovativo dei materiali e l'attenzione al dettaglio.

Casa NM si distingue non solo per la sua estetica, ma anche per la sua efficienza energetica, un aspetto sempre più cruciale nell'architettura moderna. La scelta di marchi di alta qualità come Banema e Porcelanosa Grupo evidenzia l'impegno del team di progettazione nel garantire standard elevati in ogni fase della realizzazione.

Il design degli interni, curato da Puro - by Catarina Ferreira, completa l'opera con spazi armoniosi e funzionali, pensati per il comfort e il benessere degli abitanti.

In sintesi, Casa NM è molto più di una semplice abitazione; è un manifesto dell'architettura contemporanea portoghese, un luogo dove la bellezza e la funzionalità si incontrano. Scopri di più su questo progetto su ArchDaily.

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Hybla: il Sistema di Sedute di Elisa Ossino per Boffi

Hybla: il Sistema di Sedute di Elisa Ossino per Boffi

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Hybla: il Sistema di Sedute di Elisa Ossino per Boffi Il sistema di sedute Hybla, progettato dalla designer Elisa Ossino per l'azienda italiana Boffi, rappresenta un perfetto connubio tra eleganza e funzionalità. Ispirato agli stili degli anni '70, Hybla offre una serie di moduli minimalisti, arricchiti da generosi cuscini di seduta che garantiscono massimo comfort.

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La modularità di Hybla consente di riconfigurare i moduli in base alle dimensioni e alle esigenze degli spazi, offrendo così infinite possibilità di layout. Gli utenti possono scegliere tra una vasta gamma di opzioni di rivestimento, tra cui pelle e velluto, rendendo ogni composizione unica e personalizzata.

"Quando ho progettato Hybla, desideravo evocare il fascino degli interni caldi e accoglienti degli anni '70", afferma Ossino. "Le linee, i profili sottili, la generosità dei posti a sedere e la morbidezza delle composizioni suggeriscono sia raffinatezza che comfort."

Per ulteriori informazioni su Hybla e per esplorare le opzioni disponibili, contatta Boffi all'indirizzo info@boffiuk.com.

Hybla è un perfetto esempio di come il design moderno possa richiamare il passato, creando spazi che sono sia funzionali che esteticamente gradevoli.

Scopri di più su questo e altri progetti visitando il Dezeen Showroom e lasciati ispirare dalle ultime tendenze nel mondo del design.

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Progettare Spazi Pubblici per la Comunità Neurodiversa: Idee e Soluzioni

Progettare Spazi Pubblici per la Comunità Neurodiversa: Idee e Soluzioni

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Progettare Spazi Pubblici per la Comunità Neurodiversa: Idee e SoluzioniGli spazi pubblici sono spesso caratterizzati da stimoli sensoriali intensi: conversazioni sovrapposte, luci lampeggianti e rumori incessanti possono risultare opprimenti per molte persone. È fondamentale riconoscere che ogni individuo percepisce questi input in modo diverso, e la neurodiversità implica che alcuni necessitino ...

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Come possiamo, quindi, progettare spazi pubblici che accolgano questa diversità? Un approccio inclusivo prevede la creazione di aree che consentano esperienze sensoriali variabili. Ad esempio, l'implementazione di zone tranquille, percorsi più lenti e interazioni gradualiste può migliorare notevolmente l'accessibilità per le persone neurodiverse.

In questo contesto, è essenziale riflettere su come questi spazi possano essere concepiti non solo come luoghi di transito, ma come ambienti accoglienti che abbracciano tutte le modalità di esperienza. Un design consapevole può trasformare gli spazi pubblici in luoghi dove ogni individuo possa sentirsi a proprio agio e accolto.

In conclusione, progettare per la comunità neurodiversa non è solo una questione di accessibilità, ma anche di arricchire l'esperienza di tutti gli utenti. Coinvolgere designer, architetti e le comunità stesse nella pianificazione di questi spazi è fondamentale per garantire un futuro inclusivo.

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Addio a Terry Farrell: L'Architetto che Ha Ridefinito l'Urbanistica Post-Moderna

Addio a Terry Farrell: L'Architetto che Ha Ridefinito l'Urbanistica Post-Moderna

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Nel cuore pulsante di Londra, dove il fiume Tamigi danza con le storie di un passato glorioso, si è spenta una delle menti più brillanti dell'architettura britannica. Terry Farrell, fondatore dello studio Farrells, ha lasciato un vuoto incolmabile nel panorama architettonico, segnato da una visione audace e innovativa. La sua scomparsa all'età di 87 anni è un momento di riflessione, non solo per l...

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Il suo capolavoro più noto, il SIS Building, conosciuto anche come il MI6, si erge maestoso a Vauxhall Cross, un simbolo di modernità che ha sfidato la convenzione architettonica. Con il suo design audace e la sua estetica distintiva, Farrell ha saputo dare voce a un'epoca, proponendo soluzioni che abbracciavano la comunità e il contesto urbano. La sua opera non si limitava a edifici; era una riflessione profonda su come le strutture potessero interagire con l'ambiente e la vita quotidiana delle persone.

L'architetto, che ha collaborato con Nicholas Grimshaw per fondare la Farrell/Grimshaw Partnership nel 1965, ha sempre cercato di superare i confini del funzionalismo. I loro progetti, caratterizzati da una chiarezza strutturale, hanno aperto la strada a una nuova era di creatività. Ma è stato con il suo lavoro indipendente che Farrell ha davvero trovato la sua voce, diventando una figura chiave del Post-Modernismo britannico e realizzando opere che continuano a ispirare architetti e artisti in tutto il mondo.

La sua morte segue quella del suo storico collaboratore Grimshaw, un ulteriore segno di un'epoca che si chiude. Ma il suo spirito vive attraverso i suoi edifici, che raccontano storie di innovazione e responsabilità. Farrell non ha mai smesso di interrogarsi, di mettere in discussione le convenzioni architettoniche e di cercare alternative creative a progetti che avrebbero potuto portare a demolizioni indiscriminate. La sua eredità è quella di un architetto che ha messo al centro dell'urbanistica l'essenza della comunità.

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Architettura e Diplomazia Culturale: Il Potere Silenzioso degli Edifici

Architettura e Diplomazia Culturale: Il Potere Silenzioso degli Edifici

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In un mondo dove le parole spesso si perdono nel rumore, l'architettura sussurra storie di nazioni e culture, come un poeta che dipinge il cielo con le sue rime. La diplomazia culturale, in questo contesto, emerge come un linguaggio visivo che trascende le barriere, utilizzando la forma e la materia per comunicare valori e identità. Non è solo un gioco di mattoni e calce; è un’intenzione, un messa...

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Sin dai tempi antichi, gli edifici hanno agito come emissari silenziosi, capaci di raccontare storie senza pronunciare una sola parola. I padiglioni delle grandi esposizioni internazionali, ad esempio, hanno sempre avuto il compito di esprimere l’orgoglio nazionale. Pensiamo all’Eiffel Tower, che non è solo un monumento, ma una dichiarazione di modernità e ambizione francese, o al Crystal Palace di Londra, un simbolo della potenza ingegneristica britannica.

Nel corso del XX secolo, questa forma di soft power ha assunto una dimensione ancora più significativa. Gli Stati Uniti, con le loro ambasciate dalle facciate di vetro, hanno cercato di comunicare trasparenza e apertura, in netto contrasto con il monumentalismo chiuso delle architetture sovietiche. Questi edifici non sono semplici strutture funzionali, ma veicoli di ideali, tradotti in spazi che parlano di democrazia e libertà.

Allo stesso modo, nazioni emergenti e città hanno iniziato a utilizzare l'architettura come strumento di affermazione culturale. Il padiglione del Brasile all'Expo di New York, progettato da Lucio Costa e Oscar Niemeyer, ha introdotto un modernismo sinuoso, simbolo di vitalità culturale e ottimismo economico. Qui, l'architettura non è solo una rappresentazione, ma un’affermazione di identità.

In un’epoca di crescente interconnessione e frammentazione geopolitica, l’architettura si presenta come un campo di battaglia per le narrazioni identitarie. Le tensioni tra rappresentazione, autenticità e inclusività emergono quando le strutture sembrano servire agende simboliche più che le comunità per cui sono state costruite. Tuttavia, l'intento rimane chiaro: ogni edificio è concepito per essere un ambasciatore, per modellare la percezione e raccontare storie che risuonano ben oltre i confini nazionali.

Così, in un mondo che cambia rapidamente, l'architettura continua a svolgere un ruolo cruciale nel plasmare le relazioni internazionali, fungendo da ponte tra culture e come testimonianza tangibile della nostra umanità condivisa. In questo gioco di forme e spazi, dove ogni curva e angolo raccontano qualcosa, l'architettura si erge, potente e silenziosa, come un vero e proprio strumento di soft power.

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Rivitalizzare il Passato: Trasformazioni Contemporanee di Edifici Sovietici

Rivitalizzare il Passato: Trasformazioni Contemporanee di Edifici Sovietici

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In un angolo d'Europa, dove il passato comunista si intreccia con il presente, alcuni edifici sovietici stanno vivendo una metamorfosi straordinaria. Questo articolo ci porta in un viaggio attraverso sei progetti che hanno saputo dare nuova vita a strutture cariche di storia, trasformandole in spazi vibranti e contemporanei.

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Il Tselinny Center of Contemporary Culture in Kazakhstan, progettato dal designer britannico Asif Khan, è un esempio lampante di come la creatività possa riscrivere il destino di un luogo. Qui, un vecchio cinema è diventato un centro culturale, con gallerie, officine e un ristorante panoramico, il tutto sotto una facciata ondulata che sfida la rigidità del cemento sovietico.

In Ucraina, il Pavilion 13 di Kyiv, un tempo abbandonato, è tornato a vivere grazie allo studio Forma. Questo spazio, che un tempo ospitava eventi dell'industria mineraria, è stato restaurato con rispetto, mantenendo l'essenza del suo passato senza cadere nella trappola della modernizzazione forzata.

La trasformazione del Telegraph Hotel in Georgia, operata da Neri & Hu, rappresenta un altro esempio di come il design possa preservare la memoria storica. L'ex ufficio postale centrale è ora un hotel che conserva la sua facciata in pietra, mentre il Fika ad Almaty ha saputo reinventare un vecchio blocco abitativo per ferrovieri in un ristorante unico, dove le tracce del passato convivono con un design audace.

Allo stesso modo, la Piramide di Tirana, un monumento alla memoria di un'epoca, ha trovato una nuova identità come hub culturale, con scivoli e scalinate che raccontano la storia di un luogo in continua evoluzione. Infine, il Bar Ton a Bucarest ha saputo cogliere l'essenza del modernismo romeno, creando uno spazio accogliente che invita alla socializzazione.

Queste storie non sono solo racconti di ristrutturazione; sono manifestazioni di una volontà collettiva di riappropriarsi del proprio passato, di riflessione e di rinascita culturale. In un mondo che cambia rapidamente, questi edifici rimangono testimoni silenziosi di una storia che, pur evolvendosi, non deve mai essere dimenticata.

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Norman Foster: 90 Anni di Visioni e Innovazioni nell'Architettura

Norman Foster: 90 Anni di Visioni e Innovazioni nell'Architettura

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Nel vasto panorama dell'architettura contemporanea, il nome di Norman Foster risuona come un faro di innovazione e visione. A 90 anni, questo straordinario architetto non ha perso la sua energia, anzi, continua a ispirare generazioni con le sue idee audaci. Originario di Manchester, Foster ha iniziato il suo viaggio professionale in circostanze umili, ma con una determinazione che lo ha portato a ...

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La sua carriera prende forma in un piccolo studio, un monolocale condiviso con la moglie, e cresce fino a diventare Foster+Partners, un gigante del design con uffici in 12 paesi e oltre 2500 dipendenti. Progetti come il Millennium Bridge a Londra e il Reichstag a Berlino non sono semplici opere architettoniche; sono manifesti di come la progettazione possa migliorare la qualità della vita e promuovere la sostenibilità.

Foster non si limita a progettare edifici; egli crea spazi che raccontano storie e promuovono l'interazione sociale. La sua visione va oltre il presente; è un architetto che guarda al futuro, esplorando anche come l'intelligenza artificiale possa trasformare il modo in cui concepiamo gli spazi. “La dimensione umana”, afferma, “è insostituibile”. Questo approccio, che fonde tecnologia e sensibilità umana, è ciò che rende il suo lavoro così unico e rilevante.

Oggi, con 95 progetti in corso in 49 città, Foster continua a essere una fonte di ispirazione. Il suo consiglio ai giovani architetti è chiaro: “Accettate qualsiasi progetto che vi offra l’opportunità di innovare”. Un invito a non temere il fallimento, ma a vedere ogni esperienza come un passo verso la crescita personale e professionale.

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La Serra che Dialoga: Un Padiglione per l'Istruzione Agricola

La Serra che Dialoga: Un Padiglione per l'Istruzione Agricola

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Immagina un luogo dove il sapere si intreccia con la natura, dove le piante non sono solo elementi decorativi, ma protagoniste di un racconto collettivo. È questo il cuore pulsante del progetto "La tua Serra è la tua Cucina è il tuo Soggiorno", concepito dagli architetti dello Office for Roundtable e JXY Studio a Guangzhou, in Cina. Qui, una serra espandibile rivestita di pannelli in policarbonato...

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Questo straordinario progetto, realizzato per il museo Fei Arts, è un esempio di architettura flessibile: un telaio in acciaio avvolto da lastre di policarbonato crea un microclima ideale per la crescita di verdure come patate, peperoni e diverse erbe aromatiche. Le fessure strategicamente posizionate tra i pannelli permettono una ventilazione passiva, garantendo così un ambiente confortevole in un contesto subtropicale. Non è solo una serra; è un laboratorio vivente dove le stagioni si riflettono e i legami sociali si rafforzano.

La magia di questo spazio risiede nella sua capacità di mutare: grazie a cavi di tensione, le pareti possono essere sollevate o abbassate, trasformando la serra in un'accogliente area per eventi e incontri. L'architetto Leyuan Li, uno dei creatori, afferma: "I confini tra natura e artefatti sono in continuo movimento, così come il ruolo di questo padiglione". Quando è chiuso, accoglie le piante; quando è aperto, si fa palcoscenico per una nuova forma di convivialità.

Dopo l'esperienza della pandemia, questo progetto ha preso vita per rispondere alle sfide legate alla sicurezza alimentare, diventando un simbolo di comunità e resistenza. Durante i mesi di esposizione, la serra ha ospitato eventi sociali che hanno trattato temi come la memoria alimentare e l'agricoltura civica. I volontari locali si sono presi cura delle piante, organizzando attività di raccolta e condivisione dei prodotti, contribuendo così a una rete di relazioni che va oltre il semplice scambio di cibo.

Inoltre, il progetto prevede un sistema innovativo di scambio di vasi, permettendo ai partecipanti di portare a casa le piante e sostituirle con nuovi vasi. Ogni pianta diventa quindi un messaggero di cultura e comunità, un modo per riconnettersi con la terra e con gli altri. Li sottolinea l'importanza di creare spazi pubblici informali che incoraggino l'interazione sociale, specialmente in un'epoca in cui il contatto umano è spesso limitato dalle tecnologie virtuali.

In un mondo che corre veloce, la serra di Guangzhou ci ricorda l'importanza della lentezza, della condivisione e del dialogo. È un luogo dove il cibo diventa un ponte tra le persone, un invito a riscoprire il valore della comunità attraverso l'agricoltura. "Volevamo sviluppare un progetto che utilizzasse gli strumenti e gli spazi dell'agricoltura per promuovere nuove forme di convivialità", conclude Li, lasciandoci con una riflessione profonda sulla nostra connessione con il cibo e con gli altri.

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Festival City: Archi-Tectonics Progetta Tre Torri a Tirana, Albania

Festival City: Archi-Tectonics Progetta Tre Torri a Tirana, Albania

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Festival City: Archi-Tectonics Progetta Tre Torri a Tirana, Albania Archi-Tectonics fa il suo ingresso in Albania con Festival City, un masterplan misto di 180.000 metri quadrati progettato per Tirana. Conceito nell'ambito della visione Tirana 2030 di Stefano Boeri, il progetto reimmagina la crescita urbana combinando densità, ecologia e vita comunitaria nel quartiere residenziale di Laprakë.

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Festival City ripensa il classico isolato urbano intrecciando abitazioni, spazi commerciali e servizi pubblici in un ecosistema di spazi costruiti e aperti. Al centro, il piano dà priorità all'infrastruttura verde, garantendo che la densificazione migliori piuttosto che erodere la qualità della vita urbana.

Aumentare la Densità Urbana a Tirana

Situato tra il centro di Tirana e l'aeroporto, Laprakë è un quartiere pronto per la crescita. Il design di Archi-Tectonics rafforza questo contesto introducendo tre torri residenziali di 26-31 piani lungo la strada principale, riducendo la massa man mano che si avvicina ai dintorni di dimensioni più piccole. Questa strategia consente allo sviluppo di connettersi armoniosamente con il suo contesto, bilanciando la scala metropolitana con l'intimità del quartiere.

Al livello del suolo, il piano introduce boulevard alberati, aree giochi e piazze che integrano il nuovo complesso nel tessuto esistente. Festival City è progettato per integrarsi piuttosto che imporre, afferma Winka Dubbeldam, partner fondatore dello studio. Vogliamo vedere la densità come uno strumento per il beneficio urbano ed ecologico.

Restituire Spazi Esterni alla Comunità

Concentrando i programmi all'interno delle torri, il masterplan di Archi-Tectonics rende disponibile una grande quantità di spazi aperti a livello del suolo. Queste aree sono restituite alla comunità sotto forma di cortili piantumati, giardini e terrazze verdi che supportano la biodiversità. Il progetto inquadra questi spazi come beni comuni attivi, con l'intento di offrire ai residenti ritiri tranquilli e ombreggiati.

Questo approccio rappresenta una forma di rewilding all'interno della città, posizionando Festival City come uno sviluppo guidato dal paesaggio piuttosto che una semplice inserzione architettonica. I cortili sono progettati come microclimi che contribuiscono a un'aria più pulita e a condizioni più fresche durante i mesi estivi.

Una Progettazione Sostenibile

Il progetto trae anche ispirazione da tipologie albanesi familiari, dove le abitazioni sono sovrapposte a spazi commerciali attivi. In Festival City, i programmi commerciali sono inseriti alla base dei blocchi per garantire una vita attiva sui marciapiedi. Cortili verdi si collegano direttamente a questi usi, portando residenti e visitatori in una vita civica condivisa.

La sostenibilità si esprime attraverso strategie sia spaziali che tecniche. Archi-Tectonics applica i principi della città spugna, un concetto di pianificazione urbana per soluzioni idriche, integrando superfici permeabili, giardini pluviali e tetti verdi che regoleranno l'acqua e supporteranno gli ecosistemi. I trattamenti delle facciate combinano alette di ombreggiamento con vetro e pietra pixelati, riducendo il guadagno solare e migliorando le prestazioni energetiche.

Informazioni sul Progetto

  • Nome: Festival City
  • Architetto: Archi-Tectonics NYC LLC
  • Posizione: Laprakë, Tirana, Albania
  • Cliente: Concord Development Group
  • Stato: Fase di permesso
  • Area: 180.000 metri quadrati
  • Responsabile principale: Winka Dubbeldam

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Esplorando il Futuro: Habitat Module di MEII Estudio

Esplorando il Futuro: Habitat Module di MEII Estudio

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Immagina di trovarsi in uno spazio dove ogni metro quadro è concepito per esaltare la vita. Questo è il Habitat Module di MEII Estudio, un progetto che non è solo un appartamento, ma un manifesto di come l’architettura possa rispondere a esigenze contemporanee e future.

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In un mondo dove lo spazio è un lusso, MEII Estudio ha saputo trarre ispirazione dall’esplorazione spaziale. I moduli abitativi, simili a quelli utilizzati nelle missioni spaziali, rappresentano un esempio di come la funzionalità e il design possano fondersi in un’armonia perfetta. Ogni elemento è stato pensato per massimizzare l’efficienza e il comfort, creando un rifugio che va oltre le convenzioni.

Con una superficie di 200 m², questo progetto non è solo un’abitazione: è un’esperienza. La luce naturale penetra generosamente, mentre gli spazi si aprono e si chiudono in un gioco di volumi che invita alla scoperta. L’architettura diventa così un dialogo tra l’ambiente e l’individuo, un luogo dove sentirsi a casa è un atto semplice.

Il team di MEII Estudio, guidato da Jose María Mateo e Elvira Carrión, ha saputo integrare tecnologia e materiali sostenibili in un progetto che guarda al futuro. La loro visione non è solo estetica, ma anche etica, ponendo l'accento sulla sostenibilità e sull’eco-compatibilità. Ogni scelta progettuale è un passo verso un habitat che rispetta l’ambiente, senza compromessi.

In questo contesto, il Habitat Module rappresenta una risposta alle sfide abitative del nostro tempo. Con un occhio attento all’innovazione e alla qualità della vita, MEII Estudio ci invita a riflettere su come vogliamo vivere e quale eredità vogliamo lasciare.

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Motociclette Elettriche: L'Innovazione di DAB Motors tra Design e Cultura Pop

Motociclette Elettriche: L'Innovazione di DAB Motors tra Design e Cultura Pop

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Nel mondo delle motociclette elettriche, DAB Motors si distingue per la sua audace serie di prototipi, conosciuta come Thursday Experiment. Ogni modello è una fusione di arte, moda e tecnologia, un concept che ridefinisce la percezione della motocicletta come oggetto scultoreo. Tra le ispirazioni più affascinanti, troviamo il design delle auto da corsa e persino l'aereo privato di artisti contempo...

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La serie attualmente comprende sette modelli, ognuno dei quali esplora un tema unico. L'ultimo, Experiment 007: 80s Futurism, trae spunto dall'estetica digitale dei film degli anni '80. Questo veicolo non è solo una motocicletta, ma un esperimento visivo che gioca con luce, geometria e movimento, tracciando linee rosse che illuminano la sua forma. Le sue superfici riflettono l'illuminazione artificiale, creando un'atmosfera futuristica che cattura l'immaginazione.

Un altro modello memorabile è l'Experiment 005: Drake Airplane, che trae ispirazione dal design esclusivo del Boeing 767 di Drake. Qui, il blu chiaro e i dettagli dorati evocano il lusso della private aviation, mentre il telaio della motocicletta si trasforma in un richiamo all'estetica del gioiello, con dettagli che rimandano a interni raffinati e a uno stile di vita elitario.

Ma non è solo il mondo dell'aviazione a ispirare DAB Motors; anche il mondo delle corse ha un ruolo centrale. Experiment 003: 90s Racing riporta alla mente le vibranti livree delle auto da corsa degli anni '90, mettendo in luce come i colori e le strisce possano raccontare storie di velocità e progresso. La motocicletta diventa così un palcoscenico per narrazioni visive, dove ogni colore ha un significato.

Un altro modello, Experiment 004: Jewelry, trasforma la motocicletta in un oggetto di lusso, con una finitura blu gemma e un design che evoca la permanenza e la precisione, un vero e proprio gioiello su due ruote. È un invito a riflettere su come la mobilità possa esprimere non solo funzionalità, ma anche un senso di identità e appartenenza.

Attraverso questa serie, DAB Motors dimostra che le motociclette elettriche possono essere molto più di semplici mezzi di trasporto; possono essere opere d'arte che celebrano la cultura pop, il design e l'innovazione tecnologica. Ogni giovedì, il team di DAB Motors ci regala un nuovo experiment, un passo verso il futuro della mobilità sostenibile, dove estetica e funzionalità si fondono in un'unica visione.

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RF Studio Espande la Fondazione delle Arti Performative a Bali con un Ritiro in Bambù per Artisti

RF Studio Espande la Fondazione delle Arti Performative a Bali con un Ritiro in Bambù per Artisti

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RF Studio Espande la Fondazione delle Arti Performative a Bali con un Ritiro in Bambù per ArtistiRF Studio ha recentemente completato una residenza per la Yayasan Bali Purnati, una fondazione dedicata alle arti performative a Bali. Situata a Batuan, a sud di Ubud, questa nuova struttura si compone di tre ville e nove camere per ospiti, progettate per accogliere artisti in residenza e supportare pr...

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Il progetto si integra armoniosamente nel paesaggio circostante, fondendosi con i campi di riso e la vegetazione nativa, grazie a un design che minimizza l'intervento umano. Gli architetti hanno tratto ispirazione dalle caratteristiche esistenti del sito, come alberi, pietra vulcanica, bambù, legno recuperato e terracotta, creando spazi abitativi interconnessi.

La collaborazione tra il designer principale di RF Studio, Rafael Freyre, e la Yayasan Bali Purnati è iniziata nel 2002, quando Freyre è giunto sull'isola con disegni e visione artistica. Questa residenza arricchisce l'amfiteatro e il palco della fondazione, rendendo l'architettura parte di un sistema vivente. Gli interni sono stati realizzati in stretta collaborazione con artigiani locali, con mobili e accessori progettati specificamente per il sito.

La Yayasan Bali Purnati è una piattaforma dove le tradizioni balinesi si intersecano con l'esperimentazione contemporanea, accogliendo artisti di diverse discipline, tra cui danza, musica e arti visive. Con l'apertura di questa nuova residenza, la fondazione rafforza la sua capacità di ospitare artisti internazionali, offrendo un'alternativa allo sviluppo rapido dell'isola. Esperienze quotidiane come riposare, bagnarsi e prendersi cura dei giardini diventano parte di un'esperienza performativa più ampia.

Rafael Freyre ha creato un'opera architettonica nel cuore della principale fondazione artistica internazionale di Bali, rinnovando una tradizione che ha avuto inizio 26 anni fa nei campi di riso a sud di Ubud.

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FENDI SS26: Un Mondo di Colori e Pixel di Marc Newson

FENDI SS26: Un Mondo di Colori e Pixel di Marc Newson

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Nel cuore pulsante di Milano, dove l'arte e la moda si intrecciano in un abbraccio di emozioni, si è svolto lo spettacolo FENDI SS26. Il maestro del design, Marc Newson, ha concepito un set che va oltre il semplice palcoscenico: un campo di pixel vibranti, ispirato alla composizione dei quilt e alla bellezza dei fiori. Ogni scatola, disposta in altezze e dimensioni diverse, si trasforma in un univ...

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Entrando nel Palazzo Fendi, ci si sente avvolti da un'atmosfera che ricorda l'osservazione ravvicinata di un’immagine digitale, dove i pixel, in continua mutazione, creano un paesaggio in movimento. Le modelle, sfilando, interagiscono con questo sfondo, rendendo ogni abito una parte integrante di un'opera d'arte collettiva. I colori audaci della collezione risuonano con quelli del set, creando un dialogo visivo che cattura l'attenzione e invita alla riflessione.

La collezione SS26 di FENDI non è soltanto un insieme di capi, ma un'esperienza sensoriale. Giacche strutturate, cappotti ampi e vestiti fluttuanti si stagliano contro le scatole pixelate. I materiali, che spaziano dall'organza al jacquard, dal cotone alla pelle, si combinano in un gioco di pieni e vuoti, enfatizzando le silhouette e il volume di ogni pezzo. I colori si susseguono in un'armonia di bianco, giallo, turchese, rosso, rosa e corallo, creando un'onda di emozioni che coinvolge chi osserva.

La colonna sonora, composta da Frédéric Sanchez, accompagna il tutto con melodie che richiamano il cinema italiano, l'opera e la musica elettronica, creando un ritmo che si intreccia con il movimento delle modelle e la trasformazione dei colori sul set. Ogni nota, ogni passo, ogni colore si fondono in un'esperienza unica, in cui il design di Marc Newson si fa custode di un concetto di trasformazione e bellezza.

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Casa Batlló: Un Nuovo Spazio per l'Arte Contemporanea nel Cuore di Barcellona

Casa Batlló: Un Nuovo Spazio per l'Arte Contemporanea nel Cuore di Barcellona

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Nel cuore pulsante di Barcellona, un capolavoro di Antoni Gaudí, la Casa Batlló, si prepara a rivelare un nuovo capitolo della sua storia. A partire dal 31 gennaio 2026, un appartamento nascosto al secondo piano sarà trasformato in una galleria dedicata all'arte contemporanea, un evento che promette di arricchire ulteriormente l'eredità culturale di questo monumento dichiarato Patrimonio dell'Uman...

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La ristrutturazione, curata dallo studio barcellonese Mesura, rappresenta un delicato equilibrio tra restauro e innovazione, restituendo vita a spazi che sono stati inaccessibili per decenni. L'intervento architettonico si distingue per l'introduzione di un soffitto in metallo curvo, stampato con motivi concentrici che evocano l'acqua, simbolo della fluidità e del cambiamento.

Un Dialogo tra Passato e Futuro

La nuova iniziativa, denominata Casa Batlló Contemporary, non è solo una galleria, ma un palcoscenico per il dialogo tra il genio di Gaudí e le espressioni artistiche attuali. L'inaugurazione sarà segnata dalla mostra Beyond the Facade, realizzata dal collettivo londinese United Visual Artists (UVA), che esplorerà i cicli della vita attraverso opere che utilizzano luce e movimento per coinvolgere e stupire il pubblico.

Un Progetto per il XXI Secolo

Questa apertura si allinea con le celebrazioni del centenario dalla morte di Gaudí e con il riconoscimento di Barcellona come Capitale Mondiale dell'Architettura. La galleria si propone di essere un faro culturale, unendo la conservazione rigorosa della storia con un'attiva reinterpretazione del presente. Maria Bernat, direttrice del programma, sottolinea come l'obiettivo sia quello di creare un ponte tra epoche, dando nuova vita a un patrimonio che continua a ispirare.

Casa Batlló non è nuova a interventi artistici innovativi, avendo già collaborato con artisti digitali dal 2021. Con l'introduzione di Casa Batlló Contemporary, il luogo si trasforma in un centro culturale dinamico, capace di attrarre visitatori e di stimolare la creatività contemporanea.

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La Magia della Skate Ramp: Un Sogno che Prende Forma a Porto Alegre

La Magia della Skate Ramp: Un Sogno che Prende Forma a Porto Alegre

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Immagina di trovarsi di fronte a un edificio che, per un attimo, sembra aver preso vita, come se avesse deciso di rispondere alle speranze e ai sogni di giovani skater. Questo è ciò che è accaduto a Porto Alegre, in Brasile, dove Red Bull ha eretto una straordinaria skate ramp che sfida la gravità e ridefinisce il concetto stesso di skateboarding. La struttura, un'opera d'arte temporanea, si erge ...

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Sandro Dias, un nome che risuona forte nel mondo dello skate, ha affrontato la sfida di scendere da un'altezza vertiginosa di 70 metri, raggiungendo la strabiliante velocità di 103 km/h. Il suo atterraggio, assistito da cuscini di sicurezza tipici delle gare di MotoGP, ha segnato non solo un record personale, ma anche due Guinness World Records. E così, una leggenda urbana è diventata realtà, trasformando il Centro Administrativo in un palcoscenico per il talento e l'audacia.

La rampa, una delle più grandi mai costruite, è stata realizzata con 800 pannelli di compensato che creano una superficie continua e perfetta per la discesa. La preparazione ha richiesto un mese, un lavoro meticoloso che ha visto il team di Red Bull installare un rivestimento in legno su un edificio di cemento che, fino a quel momento, non era adatto per questo sport. Ogni pezzo di legno, ogni vite, ogni centimetro di superficie è stato pensato per garantire la massima sicurezza, per permettere a Dias di danzare con la gravità e superare i limiti del possibile.

Questo evento non è solo una celebrazione delle capacità umane, ma un invito a riflettere su come l'architettura e lo sport possano fondersi in modi inaspettati. Dopo l'evento, i materiali utilizzati per la rampa saranno riutilizzati o riciclati, dimostrando un impegno verso la sostenibilità e una visione che guarda oltre il momento. La storia di Porto Alegre, un racconto di sogni e sfide, continua a scriversi, mentre il Centro Administrativo Fernando Ferrari si trasforma, per un breve momento, in un'opera d'arte vivente.

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Il Silenzio del Design: Fredericia e Flooat Creano uno Showroom a Tokyo

Il Silenzio del Design: Fredericia e Flooat Creano uno Showroom a Tokyo

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Nel cuore pulsante di Tokyo, precisamente nell'area di Omotesando, un nuovo spazio si erge con una calma inaspettata. Si tratta dello showroom di Fredericia, un marchio danese di mobili, che ha collaborato con lo studio locale Flooat per dare vita a un ambiente che celebra la semplicità e la raffinatezza. Il loro obiettivo? Creare un palcoscenico per i mobili che rispecchi l'essenza di due culture...

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Maria Bruun, responsabile del design di Fredericia, ha descritto la visione dietro questo progetto: “Volevamo che lo spazio si sentisse più come una galleria di design che un showroom convenzionale: semplice, discreto e sensoriale.” Un affermazione che riflette l’intento di trasformare il cemento grezzo in un palcoscenico per l’arte del mobile.

Le pareti in calcestruzzo esposte, un elemento distintivo di questo showroom, offrono un contrasto unico con il calore del legno naturale dei mobili, molti dei quali sono opere iconiche di architetti danesi come Hans J. Wegner. Yumika Yoshida, designer d'interni di Flooat, spiega: “Il concetto era di creare uno sfondo sereno attraverso il calcestruzzo esposto, permettendo al calore e ai dettagli intricati dei mobili danesi di risaltare.”

Ma non è solo un ambiente per l'esposizione: è stato pensato come un rifugio, un luogo che evoca la sensazione di casa. Con un attento richiamo agli interni residenziali giapponesi, il design incoraggia un'interazione profonda con lo spazio. “Abbiamo dato particolare attenzione a creare un'atmosfera che risuona con le sensibilità spaziali delle case giapponesi – apprezzando il vuoto, le texture sottili e la bellezza della moderazione,” aggiunge Yoshida.

Il pavimento in terrazzo e le pareti di un grigio caldo, le tonalità neutre che avvolgono gli ambienti, diventano il palcoscenico ideale per i mobili in legno, creando un dialogo visivo che invita i visitatori a immaginare come questi pezzi possano integrarsi nelle loro vite quotidiane.

“Volevamo che l'atmosfera fosse calma, luminosa e tattile,” continua Bruun. “Il nostro scopo era creare uno sfondo galleria sottile che permettesse ai mobili e ai materiali di parlare da soli. È silenzioso, ma ricco di texture quando lo si vive in prima persona.”

La scelta del calcestruzzo, insieme a dettagli artigianali come la pittura a mano delle pareti, contribuisce a un'esperienza sensoriale unica, dove ogni imperfezione racconta una storia di autenticità. La fusione tra estetica nordica e giapponese non è solo un atto di design, ma un vero e proprio inno alla bellezza della semplicità e dell'integrità, valori condivisi tra le due culture.

Con questo showroom, Fredericia non solo celebra il suo patrimonio danese, ma si apre anche a un mercato giapponese che riconosce e apprezza il valore del design sostenibile e della qualità artigianale. La bellezza di questo spazio non risiede solo nei suoi componenti, ma nella storia che racconta e nelle connessioni che stabilisce.

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Scenius 26003: Un Padiglione che Rinnova Logroño con Eleganza

Scenius 26003: Un Padiglione che Rinnova Logroño con Eleganza

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Nel cuore pulsante della Spagna, a Logroño, sorge il Scenius 26003 Pavilion, un'opera che incarna la sinergia tra arte e architettura. Progettato da Daryan Knoblauch, questo padiglione rappresenta non solo una risposta estetica ma anche un impegno verso un futuro sostenibile.

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Il progetto si inserisce in un ambizioso piano di adattamento infrastrutturale decennale, vincitore di un concorso indetto da Concéntrico e Porto Academy. Con una superficie di 250 m², il padiglione si propone di ospitare installazioni temporanee, un modo per rinnovare e rivitalizzare la comunità ogni due anni.

La bellezza del Scenius 26003 non risiede solo nella sua struttura, ma nella sua concezione: un luogo che invita alla riflessione, alla scoperta e all'incontro. Realizzato con materiali come pietra e plastica, il padiglione si integra armoniosamente nel paesaggio urbano, creando un dialogo tra passato e futuro. Daryan Knoblauch, con il suo studio berlinese, ha saputo dare vita a un progetto che non è solo un semplice rifugio, ma un simbolo di innovazione e speranza.

In un'epoca in cui la sostenibilità è al centro delle discussioni architettoniche, il Scenius 26003 si pone come esempio luminoso di come l'arte possa influenzare positivamente il nostro ambiente. Ogni visitatore è invitato a scoprire non solo un padiglione, ma un'esperienza che trascende il tempo e lo spazio.

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Il Ballo della Casa Bianca: La Visione Architettonica di Trump

Il Ballo della Casa Bianca: La Visione Architettonica di Trump

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Quando la Casa Bianca si trasforma in un palcoscenico per visioni audaci, ci si aspetta che ogni mattone racconti una storia. E così, nel cuore di Washington, la visione di Donald Trump prende forma: un nuovo ballo neoclassico, un sogno architettonico che si erge sopra le macerie dell'East Wing, ora ridotto a un ricordo polveroso. Ma quale è il disegno che si cela dietro questa ambiziosa opera?

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Fin dal suo insediamento, Trump ha portato con sé l'eredità di un imprenditore nel settore immobiliare, un uomo la cui firma è stata impressa su grattacieli da New York a Istanbul. Ora, la sua impronta si fa sentire in un luogo dove storicamente si sono intrecciate le vite dei presidenti americani.

Il progetto, rivelato a luglio, prevede un ballo di 8.360 metri quadrati, un'opera che si affaccia sulla storia con facciate neoclassiche che si armonizzano con l'architettura della Casa Bianca. Le immagini mostrate promettono interni dorati, soffitti a cassettoni e ampie finestre ad arco, un invito a celebrare la grandezza e la tradizione statunitensi.

Ma il cammino verso la sua realizzazione non è privo di polemiche. L'East Wing, un tempo punto di accoglienza per i visitatori, è stato abbattuto in un batter d'occhio, sollevando interrogativi su velocità e autorizzazioni. Quello che era un semplice edificio è stato considerato inadeguato per le esigenze di un presidente che cerca di accogliere dignitari e ospiti in un contesto di prestigio.

La scelta di McCrery Architects per la progettazione del ballo non è casuale. James McCrery, un sostenitore dell'architettura tradizionale, si è fatto portavoce di una visione che sposa il passato con il futuro. Con la sua esperienza nella realizzazione di edifici religiosi, McCrery si propone di infondere un’anima classica nel nuovo spazio.

Ma perché un ballo? Secondo la Casa Bianca, l'esigenza di ospitare eventi con un numero maggiore di partecipanti ha spinto Trump a cercare una soluzione, promettendo una capienza che potrebbe arrivare fino a 999 persone. E così, il nuovo ballo diventa non solo un luogo di celebrazione, ma un simbolo di una presidenza che si confronta con il passato mentre cerca di plasmare il futuro.

In un contesto dove l'architettura si intreccia con la politica, le risposte non sono mai semplici. Le critiche degli esperti di architettura si fanno sentire, richiedendo un processo di revisione rigoroso e consapevole. Il rischio è quello di stravolgere un patrimonio pubblico per realizzare sogni privati.

Ma nel fragore delle martellate e nel canto delle ruspe, una domanda rimane sospesa: quale eredità lascerà questa opera nella storia della Casa Bianca? Riuscirà Trump a costruire non solo un ballo, ma anche un nuovo capitolo della narrazione americana?

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Vasi Sculpturali: L'Arte della Natura secondo Gray Gardens

Vasi Sculpturali: L'Arte della Natura secondo Gray Gardens

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Nel cuore di un mondo che corre, dove il frastuono della modernità sembra sovrastare la bellezza della natura, emergono come statue silenziose i vasi scolpiti a mano di Gray Gardens. Questa audace creazione, frutto della mente e dell'anima di Danya Ahmed, non è semplicemente un contenitore per piante, ma un'opera d'arte che invita a riflettere sul rapporto tra l'uomo e l'ambiente che lo circonda.

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Alti fino a quattro piedi, questi vasi in cemento rinforzato con fibra di vetro non solo ancorano lo spazio, ma portano con sé l'impronta imperfetta della mano umana, un segno di autenticità in un'epoca dominata dalla produzione in serie. Gray Gardens non si limita a creare oggetti, ma intesse storie, evocando l'essenza del Mediterraneo, dai resti erosi delle antiche rovine alla solidità quieta dei materiali lapidei.

"Creiamo vasi scolpiti a mano che migliorano la tua esperienza sia del mondo interno che di quello esterno," afferma il team di Gray Gardens, rivelando la loro missione di aggiungere un tocco di selvatichezza e poesia agli spazi verdi. Ogni vaso è un invito a esplorare la bellezza imperfetta della natura, un richiamo a ritrovare il nostro legame con la terra.

Disponibili in una gamma di colori che spaziano dal terracotta al verde, dal blu al rosa cipria, questi vasi offrono anche tre diverse finiture testurizzate: strisce orizzontali, verticali o una superficie naturale, levigata ma ruvida al tatto. Ogni pezzo è unico, una celebrazione della manualità e della creatività, destinato a trasformare il tuo ambiente in un luogo di bellezza e riflessione.

In un'epoca in cui il design si mescola all'arte, i vasi di Gray Gardens si pongono come un ponte tra il quotidiano e il sublime. Non si tratta solo di piante; si tratta di un'esperienza, di un momento di contemplazione, di un invito a rallentare e ad assaporare la bellezza che ci circonda.

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Kriket 3000: il robot umanoide che riporta in vita il design degli anni '50 e '60

Kriket 3000: il robot umanoide che riporta in vita il design degli anni '50 e '60

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Kriket 3000: il robot umanoide che riporta in vita il design degli anni '50 e '60Il Kriket 3000, concepito dal designer Shaun Wellens, rappresenta una rivisitazione affascinante dell'immaginario collettivo riguardo i robot negli anni '50 e '60. Questo robot umanoide non solo richiama il look iconico di quel periodo, ma offre anche una nuova prospettiva sul futuro della robotica.

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Il design di Kriket 3000 è caratterizzato da forme morbide e arrotondate, con finiture in cromo e tonalità pastello che ricordano i prodotti di uso quotidiano. Rispetto ai macchinari moderni, il Kriket 3000 ha un aspetto più amichevole, grazie ai suoi colori tenui e al suo volto dotato di grandi 'occhi' e schermi che sembrano comunicare emozioni.

Questo robot, che appare equipaggiato con intelligenza artificiale, integra anche sensori e telecamere che gli consentono di rilevare il movimento e l'interazione umana. I display digitali attorno alla testa mostrano informazioni come la percentuale di batteria e animazioni che danno vita al suo volto. Kriket 3000 non è solo un oggetto di design, ma una vera e propria esperienza interattiva.

Nella storia della robotica, la maggior parte dei robot degli anni '60 e '70 erano macchine utilizzate principalmente in fabbriche, come il famoso Unimate, il primo robot industriale. Questi robot non avevano un volto umano e seguivano istruzioni rigide. Oggi, grazie ai progressi dell'AI, Kriket 3000 rappresenta un salto evolutivo, capace di apprendere e adattarsi alle abitudini dei suoi proprietari.

In conclusione, Kriket 3000 non è solo un omaggio al passato, ma una visione innovativa del futuro della tecnologia. Con il suo design nostalgico e le sue capacità moderne, questo robot umanoide ci fa riflettere su come la tecnologia possa integrarsi nella vita quotidiana, rendendo il futuro più familiare e accessibile.

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Architettura Supernaturale: Sylvia Richards Combina Legno e Specchi in New Hampshire

Architettura Supernaturale: Sylvia Richards Combina Legno e Specchi in New Hampshire

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Architettura Supernaturale: Sylvia Richards Combina Legno e Specchi in New HampshireIn un'area verdeggiante del New Hampshire, un nuovo edificio per la compagnia biotecnologica Adimab ha preso vita grazie alla visione innovativa di Sylvia Richards. Combinando elementi in legno e pannelli specchiati, il design non solo si integra perfettamente con il paesaggio forestale circostante, ma crea anche u...

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Situato a Lebanon, New Hampshire, questo edificio è parte del quartier generale di Adimab, un leader globale nello sviluppo di anticorpi per malattie infettive e autoimmuni. Richards e il suo team hanno progettato un edificio di 27.000 piedi quadrati, che si sviluppa su tre piani, permettendo una notevole espansione senza compromettere l'ambiente naturale.

Utilizzando un sistema strutturale in legno massiccio, tra cui legno lamellare incrociato (CLT), l'edificio presenta elementi in legno esposti che enfatizzano la bellezza dei materiali naturali. Le facciate sono rivestite con cedro atlantico, sostenibile e di grande impatto visivo, mentre la base è avvolta in pannelli specchiati che sfidano le convenzioni di peso e massa.

La struttura non solo riflette il paesaggio circostante, ma permette anche alle due piani superiori di apparire come se fluttuassero sopra il terreno, creando un'illusione di leggerezza. Gli interni sono progettati per favorire la collaborazione e la creatività, con laboratori, sale riunioni e aree lounge che godono di abbondante luce naturale grazie a grandi finestre.

Il progetto ha richiesto anche la costruzione di un parcheggio per i dipendenti, accessibile tramite una sinuosa rampa di 55 metri che si snoda attraverso il bosco, realizzata in acciaio corten, che ricorda le forme monumentali degli artisti contemporanei.

Ogni dettaglio dell'edificio è pensato per attrarre e mantenere i migliori talenti nel settore biotecnologico, confermando l'impegno di Adimab per l'innovazione e la sostenibilità.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Mamluks: Un Viaggio nell'Eredità Artistica di un'Imperialità Contemporanea

Mamluks: Un Viaggio nell'Eredità Artistica di un'Imperialità Contemporanea

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Nel cuore di Abu Dhabi, un'esposizione straordinaria si svela al Louvre, portando alla luce un capitolo spesso trascurato della storia: l'arte e il design dei Mamluks. Mamluks: Legacy of an Empire è il titolo di questo viaggio affascinante attraverso il tempo, dove la maestria di una dinastia di ex schiavi guerrieri si trasforma in un'eredità culturale senza precedenti.

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Curata con passione da Dr. Souraya Noujaim e Dr. Carine Juvin, l'esposizione presenta oltre 270 opere esclusive, provenienti da 34 istituzioni di tutto il mondo. Oggetti che spaziano dai metalli preziosi ai manoscritti, dai tappeti alle ceramiche, rivelano un linguaggio visivo che continua a risuonare con il design contemporaneo. Juvin sottolinea che i Mamluks erano grandi designer, capaci di trasformare colori vivaci e geometrie complesse in opere di straordinaria bellezza.

La mostra si apre con un teatro delle ombre, un richiamo alle forme di intrattenimento popolare del tempo, immergendo i visitatori nella storia affascinante di questi sovrani. Dalla loro origine come giovani schiavi a una posizione di potere a Cairo e Damasco, i Mamluks sono diventati architetti della cultura e dell'arte, creando oggetti che non solo adornavano i palazzi ma narravano storie di potere e autorità.

Ma l'esposizione non si limita ai soli sovrani; essa esplora anche una società più complessa, evidenziando il contributo di donne influenti e minoranze religiose. Manoscritti commissionati da donne e oggetti decorati con motivi distintivi ci raccontano di un'arte che abbraccia diverse culture, rendendo omaggio alla ricchezza e alla diversità della società mamluka.

La scenografia dell'esposizione, arricchita da schermi interattivi e dettagli architettonici, invita il pubblico a esplorare storie individuali all'interno di una narrazione più ampia. Il culmine di questo percorso è rappresentato dal Baptistero di San Luigi, un capolavoro del XIV secolo che incarna la fusione tra arte islamica ed europea, simbolo della mobilità degli oggetti e della potenza del design nel superare le barriere culturali.

Con questa esposizione, il Louvre Abu Dhabi si propone di connettere le civiltà, rivelando la complessità e la ricchezza della storia dei Mamluks. È un invito a riflettere su come il loro passato possa ancora influenzare il nostro presente e futuro. Un'esperienza da non perdere, che promette di illuminare le menti e sorprendere i cuori.

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Il Teatro del Futuro: Un Viaggio nel Design Sostenibile

Il Teatro del Futuro: Un Viaggio nel Design Sostenibile

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Nel cuore pulsante di Christchurch, un nuovo capitolo di architettura e cultura sta per aprirsi. Il Teatro Court, disegnato dal celebre studio Haworth Tompkins, non è solo un luogo di spettacolo, ma un manifesto di sostenibilità e innovazione. Con una superficie di 3700 m², questa meraviglia architettonica rappresenta un perfetto equilibrio tra estetica e funzionalità.

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Immaginate un edificio dove ogni dettaglio è stato pensato per ridurre l'impatto ambientale. La partnership tra il consiglio comunale di Christchurch e il Teatro Court si fonda su un obiettivo comune: creare uno spazio che non solo accolga il pubblico, ma che possa raccontare una storia di rispetto per la natura e il futuro. Ogni materiale, dalla legno di Abodo agli elementi acustici di Autex, è stato scelto con cura per garantire una qualità e una sostenibilità senza pari.

È questo il futuro del teatro? Una fusione di arte e scienza, dove il design incontra le esigenze di una comunità in crescita. Il team di progettazione, composto da nomi illustri come Roger Watts e Steve Tompkins, ha lavorato instancabilmente per trasformare questa visione in realtà. Con l'ausilio di ingegneri e architetti paesaggisti, hanno creato un'esperienza immersiva che abbraccia l'innovazione a 360 gradi.

Ma il Teatro Court non è solo un luogo per le performance. È uno spazio dove le idee possono germogliare, dove ogni spettacolo può risuonare non solo nelle orecchie degli spettatori, ma anche nel loro cuore. Un luogo dove la cultura si intreccia con la sostenibilità, creando un ciclo virtuoso di ispirazione e responsabilità.

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Il Sentiero dei Colori: Un'Installazione Artistica che Trasforma gli Spazi Pubblici

Il Sentiero dei Colori: Un'Installazione Artistica che Trasforma gli Spazi Pubblici

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Nel cuore di Poznań, un'opera straordinaria si erge come un invito a esplorare la bellezza della collettività e della sensorialità: il Color Path. Creato da Adam Kalinowski, questo percorso di colori non è solamente un'installazione artistica, ma un'esperienza che trasforma la concezione di spazio pubblico. La sua presenza, visibile dal 12 settembre al 26 ottobre 2025, è un punto di riferimento pe...

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Composta da ben 17 tonnellate di aggregati colorati, il sentiero si estende per 2700 x 480 x 20 cm, racchiuso all'interno di una cornice in compensato. Ogni passo su questa superficie vibrante non è solo un atto fisico, ma un modo per partecipare attivamente alla creazione di un paesaggio in continua evoluzione. I visitatori sono invitati a calzare i piedi nudi e a lasciarsi trasportare dalla sensazione tattile, contribuendo a modificare le forme e i colori del percorso con ogni loro movimento.

Il Color Path rappresenta un'indagine profonda sulla relazione tra corpo, materiale e ambiente condiviso. Attraverso il movimento e l'interazione collettiva, l'installazione mette in discussione le consuetudini quotidiane, trasformando un semplice passaggio in un'opera d'arte dinamica. Ogni visitatore diventa parte integrante di questa narrazione, mentre i suoi passi tracciano nuove traiettorie e disegnano nuovi schemi di colore e texture.

In un mondo dove l'arte tende a essere osservata, Kalinowski invita a vivere l'arte, a farne esperienza diretta, a lasciarsi sorprendere dalle possibilità di un sentiero che è tanto fisico quanto emotivo. Il Color Path, in questo senso, non è solo un'opera da ammirare, ma un invito a riscoprire il potere della partecipazione e dell'interazione nell'arte contemporanea.

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Graham Foundation: 573.300 Dollari in Sostegno a 39 Organizzazioni Internazionali per il 2025

Graham Foundation: 573.300 Dollari in Sostegno a 39 Organizzazioni Internazionali per il 2025

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Graham Foundation: 573.300 Dollari in Sostegno a 39 Organizzazioni Internazionali per il 2025La Graham Foundation per gli Studi Avanzati nelle Belle Arti ha annunciato un totale di 573.300 dollari in grants assegnati a 39 organizzazioni in tutto il mondo. Questi fondi, scelti tra oltre 200 proposte, sosterranno una vasta gamma di iniziative, dalle mostre e installazioni a pubblicazioni e eventi ar...

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Tra i progetti finanziati, spicca l'esposizione “Bruce Goff: Material Worlds” presso l'Art Institute of Chicago, evidenziando l'impegno della Graham Foundation nel promuovere il discorso architettonico e l'esperimento di design.

Nel corso di quasi sette decenni, la fondazione ha fornito oltre 45 milioni di dollari in supporto diretto a più di 5.200 progetti. Con l'aggiunta dei grantee del 2025, la fondazione mira a rafforzare ulteriormente la sua rete internazionale di individui e organizzazioni che avanzano idee architettoniche e coinvolgimento pubblico.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su ArchDaily Global.

Shabtab Residential: La Magia degli Spazi di Confine

Shabtab Residential: La Magia degli Spazi di Confine

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Nel cuore pulsante di Qeytarieh, Tehran, si erge il progetto Shabtab, un'opera che trascende la mera architettura residenziale per abbracciare l'arte di vivere. Qui, ogni balcone non è un semplice elemento di facciata, ma diventa il fulcro stesso della creazione, un ponte tra l'intimità del focolare e l'infinita vita urbana che lo circonda.

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La visione di STUDIO SAHEB si dispiega in 3100 m² di pura innovazione, dove le linee architettoniche si intrecciano con la necessità di spazi di transizione. Le soglie morbide, pensate per accogliere e relazionare, trasformano il concetto di abitare, rendendo ogni appartamento un rifugio che si affaccia su un mondo vibrante.

La luce penetra attraverso le aperture sapientemente studiate, disegnando ombre danzanti sui pavimenti, mentre il vento si fa complice di un dialogo continuo tra interno ed esterno. Ogni dettaglio è curato con una meticolosità che parla di un'architettura consapevole, capace di rispondere alle sfide contemporanee senza dimenticare il passato.

Progetto dopo progetto, STUDIO SAHEB si distingue per un approccio che abbraccia la sostenibilità e l'innovazione, sempre con uno sguardo rivolto verso il futuro. Shabtab è più di un semplice edificio; è un manifesto di ciò che può essere l'architettura residenziale nel ventunesimo secolo.

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Innovazione e Tradizione: La Mostra Grain Pile di Design in Legno

Innovazione e Tradizione: La Mostra Grain Pile di Design in Legno

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Innovazione e Tradizione: La Mostra Grain Pile di Design in LegnoLa mostra Grain Pile, ospitata nell'antica caserma dei pompieri di Clerkenwell, presenta sei designer londinesi che offrono nuove interpretazioni del mobile in legno. Commissionata da Ercol e Max Radford Gallery, questa esposizione è parte del London Design Festival.

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I sei designer – Andu Masebo, Eddie Olin, Joe Armitage, Jaclyn Pappalardo, Isabel Alonso e Lewis Kemmenoe – hanno creato una varietà di pezzi, tra cui sedie, tavoli e armadi, utilizzando il legno e le attrezzature disponibili presso la vasta fabbrica di Ercol a Buckinghamshire.

Max Radford, fondatore della galleria, ha dichiarato che i designer hanno visitato la fabbrica più volte, esplorando le capacità del luogo e interagendo con il CEO di Ercol, Henry Tadros, per comprendere meglio i materiali e le tecniche di lavorazione.

Tra le opere esposte, spiccano i Seconds Stools di Masebo, realizzati con parti difettose di mobili, che conferiscono a ciascuno uno stile unico. Lewis Kemmenoe ha presentato una sedia a dondolo dal design contemporaneo, mentre Isabel Alonso ha creato dei tavoli geometrici che richiamano la forma iconica della sedia Windsor di Ercol.

Jaclyn Pappalardo ha progettato un armadietto dal nome evocativo Mezza Luna, caratterizzato da porte che si curvano verso l'interno, mentre Eddie Olin ha dato vita a una serie di panchine e tavoli con dettagli in acciaio inossidabile. Infine, Joe Armitage ha realizzato una collezione di sedie e pouf ispirati all'architettura modernista del Keeling House a Londra.

La mostra Grain Pile è un esempio brillante di come tradizione e innovazione possano fondersi, offrendo una nuova vita al legno e alla lavorazione artigianale. Non perdere l'opportunità di vedere queste opere dal 13 al 21 settembre durante il London Design Festival.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Il Design incontra il Business: Perché la Formazione Finanziaria è Essenziale per gli Architetti

Il Design incontra il Business: Perché la Formazione Finanziaria è Essenziale per gli Architetti

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Quando pensiamo all'architettura, spesso immaginiamo forme eleganti e spazi innovativi, ma c'è un aspetto cruciale che raramente viene menzionato: il business. In un settore dove l'estetica regna sovrana, spesso si dimentica che dietro ogni grande progetto c'è un delicato equilibrio tra creatività e gestione finanziaria. La formazione degli architetti, quindi, non può limitarsi a insegnare solo i ...

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La mia esperienza nel mondo dell’architettura mi ha insegnato che ignorare gli aspetti economici può portare a situazioni complicate. All'inizio della mia carriera, mi sono concentrato esclusivamente sul design, convinto che fosse l'unica cosa che contasse. Tuttavia, un giorno, sentendo una conversazione casuale su un progetto che era andato oltre il budget, ho capito che la mia ignoranza finanziaria poteva avere conseguenze dirette sul mio lavoro.

In un ambiente in cui la creatività è spesso vista come contrapposta al denaro, ho scoperto che la conoscenza delle dinamiche finanziarie non solo non limita l'immaginazione, ma la potenzia. Ho iniziato a pormi domande: come venivano stabiliti i costi? Quali erano le aspettative in termini di tempistiche e budget? Ogni risposta mi ha avvicinato a una comprensione più profonda del mio ruolo, non solo come designer, ma come parte di un sistema più grande.

Quando ho deciso di unirmi a uno studio più piccolo e collaborativo, ho trovato un ambiente in cui l'alfabetizzazione finanziaria era parte integrante della cultura aziendale. Qui, ho potuto partecipare attivamente alla discussione sui budget, contribuire alle proposte e capire come ogni decisione economica influenzasse il nostro lavoro creativo. Questa nuova consapevolezza ha trasfigurato la mia carriera, portandomi a ruoli di maggiore responsabilità.

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La chiave per una professione architettonica sostenibile è quindi l’integrazione di una solida formazione finanziaria. Non si tratta solo di gestire i numeri, ma di sviluppare una visione strategica che permetta di affrontare le sfide del settore. Quando gli architetti comprendono le forze economiche che influenzano il nostro lavoro, possiamo non solo migliorare la nostra carriera, ma anche contribuire a un cambiamento positivo nell’intera industria.

In conclusione, abbracciare il lato business dell'architettura non è solo una necessità; è un'opportunità per crescere e innovare. Se vogliamo che il nostro settore prosperi, dobbiamo normalizzare l'alfabetizzazione finanziaria come parte della formazione architettonica. Solo così potremo costruire un futuro in cui creatività e sostenibilità possano coesistere.

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La Magia della Sedia New Moon: Un Incontro di Design e Sostenibilità

La Magia della Sedia New Moon: Un Incontro di Design e Sostenibilità

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Nel cuore di Bali, dove la natura si fonde con l'arte, nasce la New Moon chair, un'opera d'arte che trascende il concetto di semplice arredo. Ideata dalla visionaria Elora Hardy, fondatrice dello studio di architettura Ibuku, questa sedia rappresenta un viaggio tra le curve eleganti del bamboo e la maestria artigianale balinese. La forma scultorea della sedia evoca un dialogo tra tradizione e mode...

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Caratterizzata da uno schienale delicatamente curvato e un telaio angolare, la New Moon chair è un omaggio alla bellezza naturale del bamboo. La sua texture a canne e i frontali delle gambe, rifiniti in un elegante nero, mettono in risalto le peculiarità di questo materiale, spesso sottovalutato rispetto ai legni tradizionali. Ogni sedia non è solo un complemento d'arredo, ma un pezzo unico che porta con sé la forza e la leggerezza del bamboo, noto per la sua rapida crescita e il basso impatto ambientale.

"Modellata da linee curve e giunzioni raffinate, la sedia porta con sé un comfort senza pari e una presenza scultorea," affermano i rappresentanti di Bamboo Pure, il brand indonesiano che ha collaborato con Hardy. Questo pezzo d'arredo non è soltanto un oggetto funzionale, ma un manifesto di quello che il design può e deve essere: un equilibrio delicato tra funzionalità e arte.

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Forn Lleva't: La Rivoluzione della Tradizione Panificatrice ad Avinyonet

Forn Lleva't: La Rivoluzione della Tradizione Panificatrice ad Avinyonet

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Nel cuore pulsante di Avinyonet de Puigventós, un vecchio magazzino ha subito una metamorfosi straordinaria. Forn Lleva't, un panificio artigianale, non è solo un luogo dove il pane viene impastato e cotto, ma è un viaggio nelle radici culturali di una comunità. Qui, la tradizione del pane si intreccia con l'architettura, creando un dialogo tra passato e presente.

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Progettato da Quim Olea e il suo studio, questo progetto di ristrutturazione non si limita a rinnovare una struttura; è un atto d'amore nei confronti di un luogo che racconta storie. Gli architetti hanno scelto di non trattare il vecchio magazzino come una tela vuota, ma piuttosto come un archivio vivente. Ogni angolo, ogni pietra, ogni texture è stata ascoltata e interpretata, dando vita a uno spazio che invita i visitatori a immergersi in un'esperienza sensoriale unica.

La trasformazione di Forn Lleva't è un esempio perfetto di come l'architettura possa rispondere alle esigenze sociali e culturali di un luogo. Non è solo un panificio; è un centro di aggregazione, un punto di riferimento per gli abitanti e un richiamo per i turisti. Qui, il profumo del pane fresco si mescola con la storia di un paese che non ha mai dimenticato le sue origini.

La ristrutturazione ha portato alla luce un ambiente che celebra l'arte della panificazione, dove la tecnica si sposa con l'estetica. Ogni elemento è stato scelto con cura, riflettendo la bellezza del lavoro manuale e l'importanza della comunità. Forn Lleva't non è solo un luogo dove acquistare il pane, ma un'esperienza che nutre l'anima.

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Ristrutturazione di una Casa a Gracia: L'Intervento di Parramon + Tahull Arquitectes

Ristrutturazione di una Casa a Gracia: L'Intervento di Parramon + Tahull Arquitectes

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Ristrutturazione di una Casa a Gracia: L'Intervento di Parramon + Tahull ArquitectesNel cuore di Gracia, un quartiere vibrante di Barcellona, si trova un progetto di ristrutturazione che ha catturato l'attenzione di architetti e appassionati di design: la ristrutturazione di una casa realizzata da Parramon + Tahull Arquitectes. Completato nel 2022, questo progetto di 753 piedi quadrati combina fun...

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Il team di Parramon + Tahull ha saputo valorizzare ogni angolo della casa, utilizzando materiali di alta qualità come il legno, per garantire una sensazione di calore e accoglienza. A testimonianza del loro approccio innovativo, il progetto è stato documentato in modo dettagliato su ArchDaily da Judith Casas Sayós, mostrando la maestria dell'architettura contemporanea.

Tra i marchi di alta gamma coinvolti nel progetto figurano Hansgrohe, Duravit, Grohe e Daikin, che hanno fornito prodotti per il bagno e il riscaldamento, garantendo un comfort ottimale. Questo non solo sottolinea la qualità del design, ma anche l'attenzione alla sostenibilità e all'efficienza energetica.

La ristrutturazione non è solo un intervento architettonico; è una rinascita per gli spazi di vita, trasformando una casa tradizionale in un ambiente moderno e funzionale. Con questo progetto, Parramon + Tahull Arquitectes hanno dimostrato come sia possibile fondere storia e innovazione in un'unica soluzione abitativa.

Scopri di più sulla ristrutturazione di questa casa a Gracia e lasciati ispirare dalla visione creativa di Parramon + Tahull.

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Il Padiglione a Spirale Ispirato all'Ammonite per Expo 2025 Osaka

Il Padiglione a Spirale Ispirato all'Ammonite per Expo 2025 Osaka

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Il Padiglione a Spirale Ispirato all'Ammonite per Expo 2025 OsakaIl PASONA NATUREVERSE Pavilion, progettato dallo studio design labo Inc. per l'Expo 2025 di Osaka, è una straordinaria struttura a spirale ispirata alla forma dell'ammonite. Con un diametro di 43 metri, il padiglione esplora temi vitali come l'ecologia e l'interconnessione tra l'umanità e la natura.

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La forma dell'ammonite non è solo un riferimento architettonico, ma anche un gesto simbolico che collega le dimensioni micro e macro dei sistemi naturali. I visitatori vengono guidati lungo un percorso a spirale che evoca continuità e movimento ciclico, mentre la geometria sottolinea il concetto che l'umanità fa parte di un contesto ecologico più ampio.

Design e Sostenibilità
Per il team di design labo, la performance ambientale è un elemento chiave del progetto. Il padiglione utilizza un sistema di raffreddamento a base d'acqua che promuove il raffreddamento evaporativo, riducendo la necessità di aria condizionata. L'acqua piovana viene raccolta e riutilizzata all'interno dell'edificio per funzioni non potabili, diminuendo la dipendenza da risorse esterne.

Al termine dell'Expo, il padiglione sarà smontato e ricostruito sull'Isola di Awaji, un sito riconosciuto per i suoi importanti giacimenti fossili di ammonite. Questa relocation estende la vita della struttura e stabilisce una continuità tra forma, luogo e storia geologica. Attraverso le sue strategie materiali, i sistemi ambientali e la geometria simbolica, il PASONA NATUREVERSE Pavilion integra sostenibilità con riferimenti culturali ed ecologici, presentando l'architettura come un mezzo che collega la storia naturale con la pratica progettuale contemporanea.

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Otto Saloni di Bellezza che Fanno la Differenza

Otto Saloni di Bellezza che Fanno la Differenza

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In un mondo dove l'immagine gioca un ruolo cruciale, i saloni di bellezza non sono più solo luoghi di trasformazione estetica, ma veri e propri spazi artistici dove l'architettura e il design si intrecciano. Qui vi presentiamo otto saloni di bellezza che si elevano a un livello superiore, ciascuno con un carattere unico e una visione che sfida le convenzioni.

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Il primo è Maria Nila a Stoccolma, dove un soffitto realizzato in plexiglass tagliato a forma di shampoo che gocciola accoglie i visitatori. Con una palette di colori delicati, come il rosa, il pesca e il turchese, questo salone è un inno alla natura, con curve organiche ispirate a foreste e oceani.

Spostandoci a Osaka, LIM, un salone progettato da Schemata Architects, incarna l'atmosfera di un magazzino industriale. Con elementi in acciaio e colonne in cemento a vista, questo spazio offre un'esperienza che è al contempo rustica e raffinata.

In Spagna, Curly Lab a Barcellona si distingue per il suo design tattile e accogliente. Qui, le superfici curve e le piastrelle di rame lucido creano un ambiente che celebra la bellezza dei capelli ricci, rendendo ogni visita un momento di cura personale.

A Pechino, il Ego Hair Salon si presenta con pareti curve di un verde avocado, evocando una sensazione di spazio futuristico e rilassante. Questo salone è un rifugio per chi cerca un'esperienza di bellezza che stimoli i sensi.

In Inghilterra, Salt Salon si distingue per l'uso di materiali riciclati, con una parete sonora in acciaio zincato che funge anche da elemento decorativo. Ogni angolo di questo salone è studiato per unire funzionalità e sostenibilità.

In Svezia, Little Faktory reinterpreta il minimalismo con un design ispirato alle geometrie di Carlo Scarpa. Il suo spazio sotterraneo, ristrutturato per rivelare le pareti in cemento a vista, è un chiaro esempio di come il passato possa incontrare il presente.

In Canada, il Qali a Vancouver si tinge di colori vivaci degli anni '80, con mobili che ricordano il dolce e il décor art déco. Questo salone è un vero e proprio viaggio nel tempo, ricco di dettagli giocosi e accoglienti.

Infine, Mood a Madrid presenta un audace soffitto verde menta che contrasta con dettagli in acciaio zincato e muri in mattoni bianchi. Un esempio di come il colore possa trasformare completamente un ambiente, creando un'atmosfera fresca e invitante.

Ogni salone in questa selezione offre non solo un servizio, ma un'esperienza che trascende il semplice atto di prendersi cura di sé. Queste strutture sono un inno alla creatività, all'innovazione e alla bellezza, invitando tutti noi a esplorare nuovi orizzonti.

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Cortina e il Villaggio Eni: Un Sogno Architettonico di Mattei e Gellner

Cortina e il Villaggio Eni: Un Sogno Architettonico di Mattei e Gellner

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Nel cuore del Cadore, dove le vette dolomitiche si tingono di blu e verde, sorge un luogo che racconta una storia di innovazione e visionarietà: il Villaggio Eni di Borca di Cadore. Voluto da Enrico Mattei e progettato dall'architetto Edoardo Gellner, questo villaggio rappresentava un'idea audace: creare uno spazio di vacanza interclassista, dove i dipendenti dell'ENI potessero godere della bellez...

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Negli anni '50, quando l'idea di una vacanza per tutti era ancora un sogno, Mattei decise di trasformare questo sogno in realtà. Sotto la maestria di Gellner, il villaggio si ergeva come un'opera d'arte, sfuggendo ai canoni tradizionali dell'architettura montana. Con le sue case dalle linee moderne, tetti piani e colori vivaci, il Villaggio Eni si presentava come un rifugio per il popolo, un luogo dove la classe sociale non contava. Le ville, disegnate con un occhio attento al dettaglio, riflettevano una nuova estetica, ispirata ai maestri dell'architettura contemporanea.

Oggi, mentre ci prepariamo per le Olimpiadi Milano-Cortina 2026, la storia di Gellner e Mattei risuona come un canto nostalgico. I lavori per le nuove infrastrutture si intrecciano con il passato, e il Villaggio Eni resta un simbolo di una visione audace, un luogo dove l'architettura incontra l'umanità. La chiesa, progettata in collaborazione con Carlo Scarpa, è un esempio di come il cemento possa dialogare con la natura, creando spazi che parlano di spiritualità e bellezza.

Ma la vera magia del Villaggio Eni risiede nei suoi dettagli: gli interni curati, le finestre che incorniciano panorami mozzafiato, e l'atmosfera che trasmette un senso di appartenenza e comunità. Oggi, queste ville, pur con il peso del tempo, continuano a raccontare storie di vita, di vacanze e di incontri. Gli appassionati di architettura e storia si ritrovano qui, per ammirare un'opera che, sebbene nata settant'anni fa, continua a vivere e a ispirare.

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La lampada in legno piegato di Anton Mikkonen: un'opera d'arte ispirata alla natura

La lampada in legno piegato di Anton Mikkonen: un'opera d'arte ispirata alla natura

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La lampada in legno piegato di Anton Mikkonen: un'opera d'arte ispirata alla naturaIl giovane designer finlandese Anton Mikkonen ha presentato una collezione di pezzi scultorei di illuminazione e arredamento durante la Habitare fair a Helsinki Design Week. Mikkonen è stato selezionato come uno dei quattro designer per Habitare Talents, un'esposizione annuale che mette in luce i creativi emergenti ...

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Tra le sue creazioni, spicca una lampada in legno piegato, progettata in modo da ricordare una farfalla appuntata al muro. Realizzata in compensato di betulla spesso solo 0,4 millimetri, la lampada può essere montata in una forma curva, grazie a bastoncini di betulla curvati a vapore che la sostengono. Quando questi bastoncini vengono rimossi, la lampada può essere facilmente imballata per il trasporto.

“Mi piace pensare a questa lampada come a una farfalla appesa al muro,” ha dichiarato Mikkonen, sottolineando l'effetto luminoso creato dalla lampadina che illumina la sottile ombra di legno da dietro.

Oltre alla lampada, la collezione include anche altri pezzi in legno, come la sedia Volymmi, realizzata in abete finlandese e concepita per essere ambigua nel suo utilizzo. “Non credo che i mobili debbano avere una forma prestabilita,” ha affermato Mikkonen. “Mi piace provare a vedere le cose in modo diverso.”

La collezione comprende anche un tavolo laterale realizzato con quattro pezzi di pino interconnessi e un banco-tavolo in pino scuro. Mikkonen ha utilizzato una tecnica di pressatura e saldatura manuale per creare i suoi pezzi in acciaio, evidenziando il “processo grezzo” della loro manifattura.

Una delle ultime opere presentate è Void, una mensola a parete in stile brutalista, realizzata in acciaio forato spesso un millimetro, progettata per testare i limiti della creazione di strutture rigide con materiali minimi.

“Tutti i miei lavori sono molto prototipali,” ha aggiunto Mikkonen. “Credo che la bellezza del creare risieda nella libertà creativa.” La collezione di Mikkonen rappresenta un perfetto equilibrio tra innovazione e tradizione, rendendolo uno dei nomi più promettenti del design contemporaneo.

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Un Nuovo Spazio Sacro: La Chiesa della Santa Trinità e il Rifugio per la Comunità

Un Nuovo Spazio Sacro: La Chiesa della Santa Trinità e il Rifugio per la Comunità

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Nel cuore pulsante di Kyiv, dove la storia e la modernità si intrecciano, si erge un progetto audace e visionario: la Chiesa della Santa Trinità, concepita dallo studio Aranchii Architects. Un luogo sacro che trascende la sua funzione tradizionale, integrando un rifugio antiaereo all'interno della sua struttura. L'architettura diventa, così, non solo un'espressione estetica ma anche un atto di res...

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La chiesa, con una superficie di 812 metri quadrati, si destina alla comunità greco-cattolica ucraina dell'Obolon, un quartiere che ha subito le conseguenze della guerra. La sua costruzione, prevista per il 2026, è un segno di determinazione in un contesto di incertezze. "Desideriamo creare uno spazio sacro contemporaneo che serva la comunità nella vita quotidiana", afferma Dmytro Aranchii, il principale architetto, esprimendo una visione che va oltre le semplici funzioni religiose.

Il rifugio antiaereo, incorporato nel design, è pensato per garantire comfort e dignità, con spazi luminosi, ventilazione e servizi igienici, offrendo un senso di appartenenza. "Non è solo un bunker, ma un luogo dove le persone possono sentirsi sicure e accolte", continua Aranchii. Questo approccio umano all'architettura rappresenta una risposta alle nuove esigenze della società ucraina, dove la sicurezza è diventata una priorità.

La chiesa non è solo un rifugio ma anche un'opera d'arte architettonica, che si ispira alla tradizione delle chiese ucraine, mantenendo un piano a croce e un altare rivolto a est. Tuttavia, in un tocco di modernità, le sue ali saranno realizzate a diverse altezze, creando una silhouette ondulata che richiama le architetture di Frei Otto e Antoni Gaudí. Un paesaggio pubblico di quasi 5.400 metri quadrati circonderà la chiesa, offrendo uno spazio per eventi e momenti di tranquillità.

Aranchii Architects vede nella progettazione non solo una forma di espressione estetica, ma un mezzo per sostenere le comunità in difficoltà. "Continuare a progettare è un atto di fede nel futuro", afferma Aranchii, riaffermando l'importanza di costruire e preservare l'identità, anche nei momenti più sfidanti.

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La Torre Oricon: Un Nuovo Simbolo per Tirana, Firmata da Souto de Moura e OODA

La Torre Oricon: Un Nuovo Simbolo per Tirana, Firmata da Souto de Moura e OODA

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In un angolo vibrante di Tirana, dove il passato incontra le aspirazioni di un futuro moderno, sorge una nuova icona architettonica: la Torre Oricon. Concepita dalla mente geniale di Eduardo Souto de Moura, vincitore del prestigioso Premio Pritzker, e dal talentuoso studio OODA, questa struttura non è solo un edificio, ma un portale che invita a esplorare la bellezza della capitale albanese.

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Con i suoi cinquant'anni di altezza, la Torre Oricon si erge maestosa tra la griglia storica della città e il suo espansivo lato ovest, un punto di convergenza dove infrastrutture, abitazioni e commercio si intrecciano. La progettazione della torre è guidata da una ricerca di proporzione, struttura e materiali, un equilibrio che riflette la disciplina di Souto de Moura e l'approccio innovativo di OODA verso l'adattabilità urbana. Il risultato è un'opera che trasmette una sensazione di stabilità e avanguardia, ancorata a una geometria che parla più della sua essenza che della sua scala.

La Torre Oricon, posizionata accanto alla Bond Tower, stabilisce un dialogo con il suo contesto attraverso una massa calibrata e una base progettata con cura. I livelli inferiori creano un'interfaccia porosa con la strada, aprendo la vista verso la città attraverso facciate vetrate e recessi profondi che modulano la luce e definiscono soglie. Questa base dà spazio a una composizione verticale dove ripetizione, ombra e riflessione conferiscono una continuità misurata alla facciata. La sua collocazione lungo l'asse principale che collega l'aeroporto al centro città ne sottolinea il ruolo di soglia urbana.

L'identità architettonica della Torre Oricon emerge dalla sua costruzione materiale. Calcestruzzo, marmo e vetro sono utilizzati con sobrietà, enfatizzando la continuità e la texture piuttosto che l'effetto superficiale. Questi materiali richiamano le tradizioni edilizie regionali, sostenendo al contempo la chiarezza strutturale della torre. I dettagli sono pensati con attenzione: pannelli di marmo articolano la sezione centrale, conferendo peso e permanenza, mentre il vetro più leggero nei livelli superiori accresce la trasparenza e la luminosità degli spazi destinati all'hotel.

All'interno, la Torre Oricon riflette il dinamismo della vita cittadina. Nella base si trovano negozi e uffici, che conferiscono al piano terra una presenza civica e estendono l'energia commerciale dell'Avenue Dritan Hoxha. Gli appartamenti ai piani intermedi sono disposti attorno a un nucleo centrale, con layout che privilegiano privacy e viste sulle maestose montagne circostanti. I livelli superiori ospitano un hotel e un ristorante, che incoronano l'edificio e offrono spazi aperti inondati di luce naturale e panorami mozzafiato.

La progettazione della Torre Oricon si basa sul principio che architettura e costruzione sono inseparabili. Ogni decisione, dalla modulazione della facciata alla lunghezza delle travi strutturali, riflette la logica di come l'edificio si erge e respira nel suo ambiente. La collaborazione tra Eduardo Souto de Moura e OODA sintetizza esperienza e sperimentazione in una dichiarazione coerente di modernità e rispetto per il contesto.

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I centri commerciali stanno tornando? Un'analisi delle nuove tendenze architettoniche

I centri commerciali stanno tornando? Un'analisi delle nuove tendenze architettoniche

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Negli ultimi tempi, un acceso dibattito si è sviluppato intorno ai progetti architettonici che mirano a rinnovare i centri storici delle città. Recentemente, i lettori hanno espresso preoccupazioni riguardo al progetto dello Heatherwick Studio per un nuovo centro commerciale a Praga, un'area storica di grande valore culturale. Il progetto prevede uno sviluppo di 15.000 metri quadrati che include n...

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Commenti come "triste vedere la mancanza di rispetto per il contesto" e "questo progetto uccide il carattere della città" evidenziano un sentimento diffuso tra i residenti e gli appassionati di architettura. La domanda provocatoria di un commentatore, "Are malls back?" invita a riflettere se stiamo assistendo a un ritorno di queste strutture commerciali, spesso criticate per la loro omogeneità e mancanza di identità locale.

Ma cosa significa realmente per le città moderne? I centri commerciali possono coesistere con il patrimonio storico? Alcuni sostengono che la presenza di centri commerciali possa danneggiare i piccoli negozi che offrono un’identità unica ai quartieri. In contrasto, altri vedono nel rinnovamento un’opportunità per rivitalizzare le aree urbane e attirare visitatori.

In parallelo, notizie come quella di Gustaf Westman e il suo piatto IKEA per polpette hanno destato l'attenzione, dimostrando che anche nel design di oggetti quotidiani ci sono tendenze che si scontrano con il gusto e la funzionalità. La discussione sui commenti si è allargata, sollevando interrogativi su cosa vogliano realmente i consumatori e come si evolverà il mercato.

In conclusione, i centri commerciali sono tornati? O stiamo solo assistendo a un'evoluzione nel modo in cui concepiamo lo spazio commerciale all'interno delle nostre città storiche? È un tema complesso, e il dibattito è aperto.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Architecture – Dezeen.

Colin Knight: Design e Guerra in 'Hero's Wreck'

Colin Knight: Design e Guerra in 'Hero's Wreck'

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Colin Knight: Design e Guerra in 'Hero's Wreck'La mostra di Colin Knight, intitolata 'Hero's Wreck', si svolge presso la Superhouse Gallery di New York e offre un'esplorazione profonda dei legami complessi tra il design del dopoguerra e gli eventi della Seconda Guerra Mondiale. Attraverso una collezione di mobili concettuali, Knight usa materiali e simboli legati al conflitto per raccontare una st...

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In particolare, la sua Pilot's Seat reading chair trae ispirazione dal prototipo della sedia glider degli Eames, evidenziando come il design possa romanticizzare l'orrore della guerra. Le opere esposte sono funzionali, una scelta deliberata di Knight per superare i confini del tradizionale spazio espositivo.

Un elemento chiave della mostra è rappresentato da pannelli di pelle che tracciano il racconto concettuale. Knight sottolinea come il design rifletta sempre il contesto sociale e storico, mettendo in evidenza il modo in cui la produzione di mobili è stata influenzata dalle capacità di produzione acquisite durante la guerra.

La mostra non si limita a esplorare l'estetica, ma invita a riflettere su come il design possa narrare storie di umanità e conflitto. Con pezzi come una lampada a sospensione a forma di ala e una sedia che ricorda un salvagente, Knight ci porta a considerare il romanticismo della guerra e le sue implicazioni.

Colin Knight afferma: "Il design e la guerra sono interconnessi in modi che spesso non consideriamo. Le storie che raccontiamo attraverso i nostri oggetti possono influenzare la nostra percezione della storia". 'Hero's Wreck' è un invito a riflettere sul passato e su come le cicatrici della guerra continuino a plasmarci.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Techo International Airport: Un Viaggio nel Futuro dell'Architettura Cambogiana

Techo International Airport: Un Viaggio nel Futuro dell'Architettura Cambogiana

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Nel cuore pulsante di Phnom Penh, un nuovo capitolo dell'architettura internazionale sta per essere scritto. Il Techo International Airport, frutto della visionaria mente di Foster + Partners, non è solo un aeroporto, ma un simbolo della rinascita e dell'ambizione di un'intera nazione.

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Con una superficie di 235.500 m² e un design che si innalza per 40 metri, questo terminal è un omaggio alle antiche civiltà che hanno abitato queste terre. Ogni angolo del suo profilo architettonico parla di storia, di cultura e di un profondo rispetto per l'ambiente tropicale che lo circonda.

Costruito con materiali innovativi come acciaio e cemento, l'aeroporto è concepito per essere sostenibile, un faro di modernità che si integra armoniosamente con il paesaggio. La sua progettazione ha coinvolto una sinergia di talenti, da ingegneri a consulenti paesaggistici, tutti uniti dalla missione di realizzare un'opera che non solo accoglie i viaggiatori, ma che racconta una storia.

La sua struttura, che si estende per 850 metri di lunghezza e 500 metri di larghezza, è un esempio di come l'architettura moderna possa rispondere alle esigenze del futuro, senza dimenticare le radici del passato. La cerimonia di inaugurazione segna non solo l'apertura di un nuovo hub aereo, ma anche l'inizio di una nuova era per la Cambogia.

Questo aeroporto non è solo un luogo di transito, ma un’esperienza da vivere, un portale verso nuove avventure e opportunità. La visione di Foster + Partners si materializza in uno spazio dove l’arte della costruzione si fonde con l’anima di un popolo, creando un legame indissolubile tra architettura e comunità.

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Ritorno alla Belle Époque: Capolavori a Palazzo Blu

Ritorno alla Belle Époque: Capolavori a Palazzo Blu

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Dal 15 ottobre al 7 aprile, un viaggio incantevole ci attende a Palazzo Blu, dove oltre cento capolavori ci raccontano la storia di artisti italiani a Parigi durante l'età dell'Impressionismo. Questa è una mostra che non solo celebra la Belle Époque, ma ci invita a riflettere sulla complessità e la dignità storica di questi maestri, tra cui Giovanni Boldini, Giuseppe De Nittis e Federico Zandomene...

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La curatela di Francesca Dini e il supporto della Fondazione Pisa hanno reso possibile un'esposizione che va oltre il semplice raccontare bellezza; essa si propone di valorizzare il contributo originale di questi artisti, spesso relegati a un ruolo decorativo. Invece, furono protagonisti nella definizione visiva della modernità europea.

Le opere, provenienti dai più prestigiosi musei internazionali, ci mostrano una Parigi crocevia di culture, dove Boldini, De Nittis e Zandomeneghi, trasferitisi tra il 1867 e il 1874, trovano ispirazione in un ambiente vibrante, ricco di opportunità e fermento culturale. Qui, tra caffè bohémien e incontri con artisti come Degas e Renoir, la loro ricerca pittorica si sviluppa, mantenendo sempre un legame profondo con le radici toscane e l'eredità del realismo macchiaiolo.

La mostra, articolata in nove sezioni, ci guida attraverso le trasformazioni di un'epoca, iniziando dalla crisi politica post-battaglia di Sedan fino alla rinascita di Parigi, dove l'arte si fa simbolo di una modernità elegante e universale. Le pennellate di Boldini e la vita cosmopolita di De Nittis ci parlano di un'arte che si fonde con la vita, mentre Zandomeneghi ci offre uno sguardo lirico sul mondo femminile.

Infine, il racconto si sposta verso la Toscana, dove artisti come i fratelli Gioli e Corcos, ispirati da Parigi, trasformano la quotidianità in pura poesia visiva. Luoghi come Livorno e Pisa diventano laboratori di una modernità gentile, in cui l'intimità e il sogno si intrecciano.

Quindi, non perdere questa occasione unica: la Belle Époque torna a riflettersi nel presente, portando con sé un'eredità di arte, storia e vita. Acquista i tuoi biglietti e preparati a immergerti in un mondo di bellezza e cultura!

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B-One: L'Ufficio Sostenibile di Berlino Firmato CF Møller

B-One: L'Ufficio Sostenibile di Berlino Firmato CF Møller

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Il B-One Office Building, situato all'ingresso del quartiere City-West di Berlino, è una creazione che rappresenta l'architettura aziendale del futuro. Progettato dallo studio CF Møller, questo edificio di 11 piani non solo si distingue per il suo design moderno, ma incarna anche un forte impegno verso la sostenibilità ambientale. Con una superficie di 19.000 m², il B-One è un esempio di come l'ar...

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La struttura si trova all'incrocio tra il Landwehrkanal e la Corneliusbrücke, diventando un punto di riferimento architettonico nella zona. Realizzato con materiali come vetro e cemento, il progetto del B-One è stato pensato per integrarsi armoniosamente con l'ambiente circostante, grazie anche al lavoro dei paesaggisti SINAI Landschaftsarchitekten.

Con un focus particolare sulla sostenibilità, l'edificio ha ottenuto la certificazione DGNB Platinum, riconoscendo il suo impegno verso pratiche ecocompatibili. Inoltre, il team di progettazione ha collaborato con esperti in ingegneria e consulenti per garantire l'efficienza energetica e il comfort degli spazi interni.

La realizzazione del B-One segna una tappa fondamentale nel panorama architettonico di Berlino, dimostrando che l'innovazione e la responsabilità ambientale possono andare di pari passo. Questo edificio non è solo un luogo di lavoro, ma un simbolo di un futuro più verde e sostenibile.

Ispirato all'articolo pubblicato su: www.archdaily.com

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I Migliori Prodotti del London Design Festival 2025

I Migliori Prodotti del London Design Festival 2025

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I Migliori Prodotti del London Design Festival 2025Il London Design Festival 2025, tenutosi dal 13 al 21 settembre, ha presentato una serie di prodotti straordinari che hanno catturato l'attenzione degli appassionati di design. Ecco i nostri preferiti:

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1. Gem Set di Britney Lee

Questa sedia in legno è un capolavoro realizzato con legno caduto dagli alberi di Londra, avvolto in alluminio, creando un'affascinante metafora sulla rarità del legno.

2. Act I: The Bed di Studio Charlotte Taylor

Un letto innovativo con piattaforme in acciaio inossidabile, progettato per essere adattabile e funzionale, perfetto per le calde notti estive londinesi.

3. Cupsan di Blast Studio

Realizzato con tazze di caffè scartate, questo prodotto si distingue per la sua bellezza e texture, mostrando l'abilità di Blast Studio nel trasformare rifiuti in opere d'arte.

4. Cut-Out di Marcel Breuer

Un classico mai messo in produzione, questa sedia in compensato ha finalmente visto la luce nel 2025, combinando design innovativo e nostalgia.

5. 100 Year Dustpan di Absolute Beginners

Un oggetto destinato a durare un secolo, realizzato da giovani designer, che trasforma materiali di scarto in strumenti utili.

6. Rocking Chair di Lewis Kemmenoe

Una sedia a dondolo dal design patchwork, che riporta in auge un classico dell'arredamento con una forma geometrica elegante.

7. Grit Shade 002: Yellow di Marf Summers

Un lampadario realizzato con carta vetrata usata, dimostrando l'abilità di Summers nel riutilizzare materiali quotidiani.

8. The Peepers di Jutta Gössl per Odd Universe

Uno sgabello leggero e impilabile, caratterizzato da un design semplice ma giocoso grazie ai suoi fori che creano un effetto visivo interessante.

9. 2025 Collection di Yael Mer e Shay Alkalay per Lightmass

Questa collezione di elementi illuminanti utilizza tecnologia additiva per creare strutture leggere e affascinanti che cambiano colore.

Per ulteriori dettagli e per esplorare altre esposizioni e installazioni, visita la nostra guida al London Design Festival 2025.

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Cersaie 2025: La Casa Sensibile secondo Elena Salmistraro

Cersaie 2025: La Casa Sensibile secondo Elena Salmistraro

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Il Cersaie 2025 porta in scena un concetto innovativo: la Casa Sensibile. Non è solo un luogo fisico, ma un organismo vivente che interagisce con le emozioni di chi lo abita. In questo contesto, la designer Elena Salmistraro ci guida alla scoperta di spazi che ascoltano, proteggono e raccontano storie.

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La Casa Sensibile è caratterizzata da una luce che cambia con il passare delle ore, materiali che sollecitano i sensi e angoli che invitano alla riflessione. Elena Salmistraro sottolinea l'importanza di creare ambienti che favoriscano il benessere; ogni elemento, dai colori ai tessuti, ha un ruolo fondamentale nel plasmare la nostra esperienza quotidiana. "I colori trasformano la percezione degli spazi e la luce ne rivela la verità", afferma Salmistraro.

Il design emozionale è al centro di questa visione: ogni oggetto deve avere una funzione emotiva, non solo pratica. Che sia per un single, una coppia o una famiglia, la Casa Sensibile è un luogo che evolve con i suoi abitanti, dove ogni oggetto scelto con cura contribuisce a rompere l'anonimato e a creare un'esperienza unica.

Elena Salmistraro, con la sua fusione di arte e design industriale, ha collaborato con marchi prestigiosi e ha ricevuto riconoscimenti internazionali. La sua visione per la Casa Sensibile, presentata al Cersaie, rappresenta un passo avanti verso spazi che non solo accolgono, ma che migliorano la qualità della vita.

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L'Architettura Ondulata del Centro Sportivo Hushan: Un Nuovo Icona di Jiangshan

L'Architettura Ondulata del Centro Sportivo Hushan: Un Nuovo Icona di Jiangshan

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Nel cuore pulsante di Jiangshan, dove le montagne sfiorano il cielo e i fiumi danzano tra le valli, sorge l'Hushan Swimming Center, un capolavoro architettonico firmato LYCS Architecture. Questo centro sportivo rappresenta la prima struttura di livello professionale in grado di ospitare competizioni nazionali di nuoto, con una superficie di 14.244 metri quadrati, dove ogni angolo racconta una stor...

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Immaginate un luogo dove la competizione si intreccia con la quotidianità, dove un pool olimpionico a otto corsie si affianca a uno spazio di allenamento di sei corsie, entrambi profondi due metri, pronti ad accogliere atleti e cittadini in un abbraccio di sport e comunità. Situato ai piedi del maestoso Hushan, il centro si affaccia sul porto di Jiangshan, unendo in un unico respiro la forza della natura e l’energia umana.

La progettazione, ispirata dal tema del 'fiume e della montagna', abbraccia le linee morbide e ondulate del paesaggio circostante, creando un linguaggio architettonico che si fonde con l’ambiente. La facciata, composta da 2.943 pannelli metallici unici, si presenta come una pelle squamosa che cattura la luce e il movimento, richiamando l’immagine dell’acqua che scorre e delle cime montuose.

Ogni dettaglio è pensato per ottimizzare l’esperienza dell’utente: la circolazione duale separa atleti e spettatori, creando un flusso armonioso durante le manifestazioni. L’ingresso principale, caratterizzato da un tetto ripiegato verso l’interno, invita a esplorare spazi condivisi, dove pubblico e atleti possono incontrarsi e interagire.

Internamente, le travi esposte si estendono fino a 48 metri, rivelando una logica strutturale audace e una scala imponente. Le pareti e i soffitti, con finiture modulari e pannelli metallici colorati, creano un ambiente funzionale e riconoscibile, capace di trasformarsi in un palcoscenico per eventi sportivi e attività comunitarie. Le partizioni retrattili offrono flessibilità spaziale, adattandosi alle esigenze di ogni evento.

Il Centro Sportivo Hushan non è solo una piscina, ma un simbolo di sviluppo urbano e culturale, una testimonianza di come l’architettura possa rispondere alle esigenze contemporanee di adattabilità ed efficienza. Con la sua forma che abbraccia il paesaggio, si erge come un faro di innovazione e comunità, pronto a scrivere nuove pagine nella storia dello sport a Jiangshan.

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Manhattan Beach Residence: Un Capolavoro di Design di Olson Kundig

Manhattan Beach Residence: Un Capolavoro di Design di Olson Kundig

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Il Manhattan Beach Residence, progettato dallo studio Olson Kundig, è un esempio straordinario di architettura moderna che si integra perfettamente con il paesaggio costiero della California. Situato su un terreno stretto e in pendenza a pochi passi dall'oceano, questo progetto esprime un design onesto e funzionale, ispirato all'architettura moderna californiana degli anni '50. Con una superficie ...

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Olson Kundig ha saputo combinare elementi di design utilitaristici con un'estetica accattivante, utilizzando materiali contemporanei e tecnologie innovative. La residenza non solo offre spazi interni accoglienti e luminosi, ma anche aree esterne che invitano a godere della bellezza naturale circostante.

Questo progetto è un perfetto esempio di come l'architettura possa rispondere alle esigenze moderne senza compromettere la bellezza e l'integrità del paesaggio. Ogni dettaglio è stato curato con attenzione, rendendo il Manhattan Beach Residence un capolavoro di design e funzionalità.

Ispirato all'articolo pubblicato su: www.archdaily.com

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Ufficio Sognante: Il Tetto Ondulato di Atelier Nagara a Hashima, Giappone

Ufficio Sognante: Il Tetto Ondulato di Atelier Nagara a Hashima, Giappone

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Nel cuore di Hashima, una piccola città giapponese circondata da risaie, sorge un ufficio che sembra emergere da un sogno. Progettato dallo studio Atelier Nagara in collaborazione con Permanent Co., questo edificio si distingue per il suo tetto ondulato, un elemento architettonico che danza con la luce e le ombre, creando un gioco visivo che trasforma l'ordinario in straordinario.

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Quando si varca la soglia di questo spazio, si viene avvolti da un'atmosfera che invita alla contemplazione. Gli architetti hanno saputo catturare l'essenza del paesaggio circostante, rendendo omaggio alla bellezza dei dettagli quotidiani. Situato tra le onde verdi delle risaie, l'ufficio non è solo un luogo di lavoro, ma un'esperienza che solletica i sensi e invita alla riflessione.

Il tetto, che si erge con audacia verso est, disegna una silhouette decisa contro l'orizzonte, mentre le sue curve morbide guidano lo sguardo dell'osservatore. I riflessi del cielo e il cambiamento della luce si intrecciano sulla sua superficie, conferendo vita a una struttura che si integra armoniosamente con il dramma silenzioso della campagna. L'acqua piovana e le ombre giocano un ruolo fondamentale, rendendo il tetto non solo un riparo, ma anche un mezzo di percezione delle variazioni ambientali.

All'interno, il design continua a celebrare la connessione con l'esterno. Stanze spaziose, con ampie aperture, si affacciano sulle risaie, mentre cortili e verande creano un dialogo fluido tra interno ed esterno. Ogni angolo è pensato per incoraggiare momenti di pausa, dove la natura invade delicatamente lo spazio attraverso l'uso di materiali naturali e una disposizione attenta. Questi piccoli spazi di sosta, arricchiti da pietre e piante, dissolvono i confini tra architettura e paesaggio, regalando un senso di appartenenza.

Il prospetto sud, con le sue aperture generose, permette alla luce del sole di penetrare negli ambienti, mentre le eaves basse offrono riparo. Qui, il vento scorre liberamente, portando con sé i profumi e i suoni delle risaie, arricchendo l'esperienza quotidiana di chi lavora all'interno. L'ufficio di Hashima non è solo un luogo di lavoro, è un invito a riscoprire la bellezza della vita quotidiana, un'ode alla semplicità e alla meraviglia della natura.

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Il Padiglione Ritmico di DL Atelier: Un Viaggio tra Bambù e Fiume

Il Padiglione Ritmico di DL Atelier: Un Viaggio tra Bambù e Fiume

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Nel cuore della provincia di Guangdong, in Cina, un padiglione si snoda come un poema visivo tra le fronde di un boschetto di bambù e il dolce scorrere del fiume Tiegang. Il Floral Wander Loop di DL Atelier è molto più di una semplice struttura; è un racconto architettonico che si ispira ai ‘Sedici Piaceri della Vita in Huizhou’ del poeta Su Shi. Qui, ogni curva e ogni spazio raccontano una storia...

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Organizzato in un lungo anello che segue il corso del fiume e la viabilità circostante, il padiglione non è un ostacolo, ma un interfaccia spaziale che favorisce l’incontro tra l’uomo e l’ambiente. Le sue moduli, realizzati in acciaio corten, si elevano sopra il suolo, creando un passaggio permeabile che invita la luce e la pioggia a danzare all’interno, mentre le forme si alternano in un ritmo di compressione e rilascio.

Attraverso quattro episodi spaziali - Pleasant, Powerless, Serendipitous e Expansive - il visitatore è guidato in un viaggio che evoca le varie fasi della vita di Su Shi. Si inizia con un piazzale d’ingresso che, con la sua pavimentazione in ghiaia e bordi di bambù, accoglie dolcemente, preparando l’anima a ciò che verrà. Poi, un corridoio di acciaio corten si stringe in un abbraccio, dove la luce filtra attraverso aperture sottili, rendendo ogni passo un momento di riflessione.

Alla fine del percorso, un padiglione circolare ospita un’installazione floreale dell’artista Chen Zhuo. Un omaggio alla natura, dove l’acciaio inossidabile riflette il mondo esterno, mentre una luce zenitale incornicia il fogliame di bambù, segnando la transizione da uno spazio chiuso a uno aperto.

Infine, il loop si espande verso il fiume, dove altalene di rete metallica si affacciano sull’acqua. Qui, il paesaggio aperto, la luce naturale e le superfici riflettenti creano un contrasto con l’intimità del corridoio, simbolizzando il passaggio dall’angustia alla libertà.

Attraverso il Floral Wander Loop, DL Atelier non solo costruisce uno spazio, ma intreccia una narrativa storica con il linguaggio architettonico contemporaneo, trasformando la poesia di Su Shi in una forma tangibile. È una celebrazione della vita, della natura e della bellezza intrinseca dell’architettura, un luogo dove ogni passo è una scoperta.

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Scoprire l'Invisibile: Viaggi Autocuratati tra gli Archivi dei Musei

Scoprire l'Invisibile: Viaggi Autocuratati tra gli Archivi dei Musei

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Immaginate di trovarvi in una stanza avvolta nel silenzio, dove il tempo sembra essersi fermato e le opere d'arte, custodite gelosamente, attendono di svelare le loro storie. Negli archivi dei musei, questo è il luogo dove l'arte ha è stato da sempre, raramente esposta, eppure carica di significato. Qui, in spazi che sono stati concepiti per proteggere e preservare, si cela un universo di o...

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La visita a un museo tradizionale è un'esperienza altamente curata, dove ogni pezzo è posizionato con cura per raccontare una narrazione specifica. Ma cosa accade quando l'attenzione si sposta verso gli archivi, tipicamente inaccessibili al grande pubblico? Questi luoghi, che è stato also concepiti per garantire la sicurezza e l'integrità delle opere, sono spazi di ricerca e scoperta, dove accademici e appassionati possono immergersi in una realtà che è rimasta nascosta per troppo tempo.

In un'epoca in cui l'arte viene sempre più democratizzata, c'è una crescente domanda di accesso a queste meraviglie. Le istituzioni stanno iniziando a riconoscere che l'apertura di questi archivi può essere un modo per coinvolgere il pubblico, permettendo a tutti di esplorare la ricchezza di un patrimonio culturale che, altrimenti, rimarrebbe invisibile.

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Raul De Lara: Sculture Surreali in Legno che Interrogano il Concetto di Appartenenza

Raul De Lara: Sculture Surreali in Legno che Interrogano il Concetto di Appartenenza

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In un angolo di Austin, dove le radici messicane e americane si intrecciano come rami di un albero, Raul De Lara plasma il legno in forme surreali. Le sue sculture non sono semplici oggetti; sono racconti, domande, riflessioni che danzano sul confine tra il quotidiano e il sacro, tra l’immigrazione e l’identità queer. Fino all'11 gennaio 2026, il Contemporary Austin ospita la prima esposizione per...

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De Lara, cresciuto osservando artigiani intagliare santi da rami, si interroga su un concetto profondo: “A che punto un ramo diventa un santo?”. Questa soglia, questo limbo creativo, è il fulcro della sua arte. Le sue opere, che variano da divinità evocate attraverso il legno a mobili reinventati con un dettaglio inquietante, riflettono non solo la bellezza del materiale, ma anche la resilienza e l'umorismo dell'esperienza umana.

Per la sua mostra ad Austin, De Lara ha creato sette nuove sculture, modellate da mesquite, noce, cedro e quercia, che richiamano fiori selvatici nativi del Texas e del nord del Messico. “Perché le piante possono essere native di due posti, ma le persone no?”, si chiede l’artista, trasformando il legno in un palcoscenico di negoziazione identitaria e precarietà. Ogni pezzo è un invito a riflettere su chi ha il diritto di appartenere e su come le storie siano scolpite nei materiali che ci circondano.

De Lara sostiene che l'atto di condividere è essenziale per la sua pratica: “Alcune delle migliori opere sono quelle che, quando condividi te stesso, superi l’oggetto”. In questo dialogo tra arte e vita, le sue sculture non solo incantano, ma stimolano anche questioni difficili sul diritto di appartenenza e sul significato della nostra esistenza nel mondo contemporaneo.

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Il 10° Simposio sulla Luce Naturale VELUX: Live da Copenaghen

Il 10° Simposio sulla Luce Naturale VELUX: Live da Copenaghen

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Il 10° Simposio sulla Luce Naturale VELUX: Live da CopenaghenQuest'anno si celebrano 20 anni dal primo VELUX Daylight Symposium, un'importante occasione per condividere idee ed esplorare il ruolo della luce naturale nel nostro ambiente costruito. Sin dal suo inizio umile nel 2005, il simposio è cresciuto fino a diventare un forum internazionale leader per il dialogo interdisciplinare sulla luce na...

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La decima edizione, che si svolgerà nel cuore di Copenaghen, riunirà nuovamente ricercatori, architetti, ingegneri e politici per esaminare il ruolo in evoluzione della luce naturale nell'architettura e nel design. Questo evento rappresenta uno spazio dove scienza e pratica si incontrano, permettendo di riflettere sulle esperienze passate e guardare al futuro della luce naturale nelle nostre città e spazi.

Non perdere l'occasione di partecipare alla diretta il 18 settembre 2025, dalle 09:00 alle 17:30 (CEST). Unisciti a noi per un evento che promette di essere illuminante!

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L'Uzbekistan e il suo Centro per l'Arte Contemporanea: un viaggio nel futuro dell'arte

L'Uzbekistan e il suo Centro per l'Arte Contemporanea: un viaggio nel futuro dell'arte

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L'Uzbekistan e il suo Centro per l'Arte Contemporanea: un viaggio nel futuro dell'arteL’Uzbekistan si fa notare nel panorama globale dell’arte contemporanea grazie al suo nuovo Centro per le Arti Contemporanee (CCA) situato a Tashkent. Questo edificio storico, costruito nel 1912 come stazione di servizio diesel, sta vivendo una trasformazione unica sotto la guida dell’architetto Gayane Umerova in ...

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Il CCA non è solo un museo, ma un vero e proprio polo culturale che mira a riunire artisti provenienti da diverse parti del mondo. La Fondazione per lo Sviluppo dell’Arte e della Cultura dell’Uzbekistan ha pianificato importanti iniziative per il 2026, tra cui il Navruz Gala e il Tashkent Public Art Festival. La mostra Hikmah, che significa “saggezza”, sarà uno degli eventi clou, presentando opere di artisti locali e internazionali.

Tra i partecipanti ci sono nomi noti come Nadia Kaabi-Linke e Muhannad Shono, con opere che esplorano il concetto di saggezza attraverso diverse culture e materiali. In particolare, l’installazione Flying Carpets di Kaabi-Linke, in prestito dal Solomon R. Guggenheim Museum, promette di attirare l’attenzione del pubblico.

Lo Studio KO ha progettato il CCA per onorare il suo passato industriale, rendendolo al contempo un luogo di incontro per le idee contemporanee. Secondo gli architetti Karl Fournier e Oliver Marty, l’obiettivo era creare uno spazio contemplativo che possa evolversi con i programmi artistici.

La direttrice artistica del CCA, Sara Raza, sottolinea l’importanza di questo centro come un luogo di dialogo tra artisti e pubblico, dove storie locali possono incontrare idee globali. L’architettura del CCA funge da ponte tra il passato e il futuro dell’arte in Asia centrale.

In conclusione, l’Uzbekistan si sta affermando sempre di più nel panorama internazionale dell’arte contemporanea, offrendo spazi innovativi e programmi stimolanti che non solo celebrano il patrimonio culturale del paese, ma anche le nuove espressioni artistiche globali.

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Il Rifugio Sostenibile: La Magia del Harbourside Canopy

Il Rifugio Sostenibile: La Magia del Harbourside Canopy

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Nel cuore pulsante di Hsinchu, Taiwan, si erge il Harbourside Canopy, un progetto architettonico che trascende il semplice concetto di mercato. Concepito dagli abili architetti di B+P Architects, questo spazio non è solo un luogo di scambio, ma un rifugio sostenibile dove la cultura della pesca si fonde con l'innovazione architettonica.

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La struttura principale, un padiglione paesaggistico, è un abbraccio di natura e design, composto da tettoie che danzano con il vento, muri che raccontano storie di mare e alberi che si ergono come sentinelle. Un'opera che non solo accoglie i pescatori, ma invita anche i visitatori a immergersi in un'esperienza sensoriale unica.

Il mercato della pesca si apre verso il molo, creando una connessione diretta con il mare. La parete in calcestruzzo, rivolta a nord, funge da bastione contro le intemperie, mentre le berms di terra e le foreste di protezione creano una transizione armoniosa tra l'interno e l'esterno. Qui, l'arte della pesca diventa un evento educativo, dove il pubblico può apprendere e apprezzare la ricca cultura della pesca locale.

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Il Mercato Vibrante di Kunming: Un Progetto Innovativo di Studio D'Arkwave

Il Mercato Vibrante di Kunming: Un Progetto Innovativo di Studio D'Arkwave

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Il Mercato Vibrante di Kunming: Un Progetto Innovativo di Studio D'ArkwaveIn Yunnan, la tradizione del mercato "Jiezi" rappresenta un importante punto di incontro per la comunità, dove il commercio e la vita sociale si intrecciano. A Kunming, il progetto A Market of Vibrant Buffer realizzato da Studio D'Arkwave si propone di rinnovare e valorizzare questo concetto, trasformando il mercato in uno s...

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Situato sulla collina piatta di Jinfang, il mercato di Kunming accoglie visitatori ogni giorno, ma come molti mercati, è attivo solo per metà giornata. L'innovativa proposta di D'Arkwave mira a estendere la vitalità di questo spazio, introducendo il concetto di "Park + Market". Così, durante le ore di mercato, l'area vibra di attività, mentre, una volta chiuso, si trasforma in un parco pubblico dedicato alla comunità.

Questa doppia funzionalità non solo ottimizza l'uso dello spazio, ma incoraggia anche l'interazione sociale e la coesione tra residenti e visitatori. Il progetto, completato nel 2021, è un esempio di come l'architettura contemporanea possa rispondere alle esigenze di uno spazio urbano in continua evoluzione.

Scopri di più su questo affascinante progetto e sul lavoro di Studio D'Arkwave visitando il sito ufficiale di ArchDaily.

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Formatech: L'evoluzione della materia reinterpretata da Florim e Gensler

Formatech: L'evoluzione della materia reinterpretata da Florim e Gensler

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In un mondo in cui l'architettura si evolve incessantemente, Florim e Gensler presentano una collezione che ridefinisce il concetto di materia: Formatech. Questa collezione di grès porcellanato non si limita a essere un prodotto decorativo, ma si propone come un sistema di design flessibile che esplora la genuinità dei materiali fondamentali come cemento, metallo e intonaco. Grazie a un dialogo pr...

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Il nome Formatech unisce la parola latina 'forma', che significa aspetto, con 'tecnologia', sottolineando l'equilibrio tra performance estetica e tecnica. Ogni piastrella della collezione cattura le tracce del tempo, le impronte degli strumenti e le patine che raccontano esperienze vissute. Non si tratta di una semplice imitazione, ma di un'interpretazione profonda che cristallizza l'evoluzione dei materiali, evidenziando l'autenticità piuttosto che la perfezione.

Gensler, in qualità di consulente per il design del prodotto, ha creato uno strumento per architetti e designer che bilancia coerenza e versatilità. Formatech è disponibile in tre finiture: Cast, che evoca le inclusioni del cemento; Forge, che ricrea le variazioni cromatiche del metallo ossidato; e Cure, un'interpretazione minimale dell'intonaco in fase di asciugatura. Con formati che variano da 30x60 cm a 120x280 cm e in tre spessori, la collezione si adatta a molteplici applicazioni, dagli interni a progetti architettonici di grande scala.

La tecnologia decorativa avanzata di Florim si riflette in ogni piastrella, con grafiche stampate a tampone e applicazioni cromatiche digitali che creano superfici con una profondità espressiva e una resilienza tecnica. Nella finitura Cast, le granulometrie interagiscono con la decorazione tridimensionale, mentre in Forge, le tonalità sottili ricreano l’invecchiamento naturale dei metalli. Queste innovazioni assicurano che le superfici non solo raggiungano un ricco impatto visivo, ma mantengano anche la durevolezza necessaria per contesti architettonici esigenti.

La sostenibilità è un pilastro fondamentale di Formatech: prodotta in stabilimenti alimentati fino al 100% da energia rinnovabile autogenerata, la collezione contiene fino al 60% di materiale riciclato. I rifiuti derivanti dalla produzione e le acque reflue vengono completamente recuperati e riutilizzati. Inoltre, Formatech è parte del progetto CarbonZero di Florim, che compensa le emissioni di CO2 lungo l'intero ciclo di vita del prodotto. Come Benefit Corporation e B Corp certificata, Florim propone questa collezione non solo come innovazione di design, ma anche come scelta responsabile per un'architettura orientata al futuro.

In sintesi, Formatech rappresenta un delicato equilibrio tra autenticità e innovazione, dove il grès porcellanato diventa sia espressivo che funzionale. La collezione esplora come le superfici ceramiche possano trasmettere l'essenza di elementi grezzi come cemento, metallo e intonaco, restaurando la verità formale di questi materiali in una dimensione accessibile e duratura.

Fonte: www.designboom.com.

Abitare nel grattacielo di Renzo Piano: un'esperienza unica nel cuore della città

Abitare nel grattacielo di Renzo Piano: un'esperienza unica nel cuore della città

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Abitare nel grattacielo di Renzo Piano: un'esperienza unica nel cuore della città Abitare in un grattacielo progettato da Renzo Piano è un sogno che diventa realtà. Questo complesso residenziale non è solo un luogo dove vivere, ma un'esperienza che combina luce, design e natura in un contesto urbano vibrante. Con 176 appartamenti luminosi, ogni unità è concepita per massimizzare il comfort e la b...

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La zona dining, progettata come un ambiente di socialità, è il cuore pulsante della casa. Con un lungo tavolo in legno e sedute avvolgenti, questo spazio invita alla convivialità, creando un perfetto equilibrio tra natura e tecnologia. Qui, gli ospiti possono godere di un’atmosfera accogliente, arricchita da dettagli vegetali e una moderna televisione.

Il complesso presenta anche un orangerie a doppia altezza, un vero e proprio salotto urbano. Con grandi alberi in vaso e luce naturale filtrata, questo ambiente è ideale per rilassarsi, incontrarsi o lavorare in un'atmosfera distesa. Inoltre, il soggiorno, caratterizzato da ampie vetrate, offre una vista mozzafiato sulla città, creando un dialogo continuo con l'esterno.

Per gli amanti del cinema, la sala cinema privata rappresenta un angolo intimo e raccolto. Qui, la luce soffusa e i comodi sedili rivestiti offrono un'esperienza esclusiva di visione, rendendo ogni proiezione un momento da ricordare.

Infine, non possiamo dimenticare la piscina panoramica, la più alta di Londra, che si trova all'interno del complesso. Nuotare qui è un'esperienza unica, con l'acqua che riflette il cielo e la storica cupola di St. Paul’s sullo sfondo.

In conclusione, abitare in un grattacielo di Renzo Piano significa vivere in un ambiente dove ogni dettaglio è pensato per offrire comfort e bellezza, rendendo la vita quotidiana un'esperienza straordinaria.

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Un Rifugio Contemporaneo: Trasformare 60 mq degli Anni '40 in Arte e Luce

Un Rifugio Contemporaneo: Trasformare 60 mq degli Anni '40 in Arte e Luce

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Nel cuore di un edificio signorile degli anni '40, un appartamento di 60 metri quadrati racconta una storia di trasformazione e bellezza. Questo rifugio, di proprietà di una giovane direttrice di una scuola d'arte per bambini, è un perfetto esempio di come il passato possa dialogare con il presente, creando spazi che respirano luce e creatività.

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Affidandosi all'interior designer Krylova Ksenia, la proprietaria ha intrapreso un viaggio di ristrutturazione, volto a esaltare i dettagli storici che l'avevano inizialmente colpita. Ogni intervento è stato pensato per ottimizzare lo spazio, senza compromettere l'essenza dell'abitazione. La riprogettazione della distribuzione degli spazi ha dato vita a un bagno luminoso, un angolo di serenità inondato di luce naturale.

Il rispetto per l'originale è stato fondamentale: le altezze dei soffitti sono state mantenute e l'illuminazione è stata concepita per essere delicata, con apparecchi tecnici integrati nelle pareti e una luce bassa lungo i battiscopa, creando un'atmosfera calda e accogliente. Le persiane in legno, con il loro tocco teatrale, filtrano la luce del giorno, donando intimità agli ambienti.

Gli spazi aperti e semi-aperti, con la sala da pranzo e la cucina collegate alla zona giorno attraverso ampie aperture, raccontano di una casa che vive e respira. Le cornici in legno incorniciano i passaggi, aggiungendo un tocco di qualità all'arredamento interno, mentre il pavimento in parquet a spina ricorda la tradizione, recuperando l'essenza di un'epoca passata.

La palette cromatica scelta, con tonalità neutre e calde, rafforza il legame con la storia della casa. Ogni stanza è tinta in diverse sfumature, conferendo personalità e carattere. I dettagli, come la carta da parati di design nella camera da letto e la collezione d'arte locale della proprietaria, fungono da filo conduttore tra passato e presente. In particolare, l'effetto del neon nella sala da pranzo è una sorpresa che porta freschezza e vitalità.

Questa casa non è solo un rifugio, ma un luogo dove la serenità del tempo si fonde con la vitalità del presente. È un appartamento che celebra la sua storia con stile, invitando chiunque vi entri a scoprire la bellezza della contemporaneità, senza mai dimenticare le proprie radici.

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La Magia del Humanise Wall: Un'Opera di Heatherwick alla Biennale di Seoul

La Magia del Humanise Wall: Un'Opera di Heatherwick alla Biennale di Seoul

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Nel cuore pulsante di Seoul, dove il passato e il futuro si intrecciano in una danza continua, sorge un colosso di acciaio che sfida le convenzioni e invita alla riflessione. È il Humanise Wall, un'opera straordinaria progettata dall'architetto britannico Thomas Heatherwick, che si erge per 90 metri e quattro piani, divenendo il fulcro della Biennale di Architettura e Urbanistica.

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Inaugurato durante la cerimonia di apertura, questo muro contorto è molto più di una semplice struttura: rappresenta un manifesto visivo che racchiude le aspirazioni della campagna Humanise e invita i cittadini a immergersi in un dialogo vibrante sulla città. La sua superficie è adornata con immagini di edifici emblematici, una celebrazione dell'architettura che ci circonda e una chiamata all'azione per coloro che desiderano esplorare il mondo del design contemporaneo.

Heatherwick, alla ricerca di un modo per catturare l'attenzione dei cittadini, ha concepito il Humanise Wall come un grande cartellone, un invito a partecipare a una conversazione che trascende i confini del festival. "In una città così vivace, come puoi far sapere alla gente che c'è un evento dedicato al design? Devi attrarre l'attenzione", ha dichiarato l'architetto in un'intervista.

La parete, costruita con una struttura in acciaio e rivestita con 1.428 piastrelle, è un esempio di come l'architettura possa avvicinare le persone. Ogni lato del muro racconta una storia: quello rivolto verso il parco espone la visione di Heatherwick sull'architettura contemporanea, mentre l'altro, volto verso il traffico, offre spunti su cosa possiamo fare per migliorare il nostro ambiente. È un invito aperto a sognare un futuro migliore, a immaginare un'architettura che parli al cuore delle persone.

Il Humanise Wall non è solo un'opera d'arte; è un palcoscenico che incornicia le esperienze quotidiane, un rifugio dal sole e dalla pioggia, un luogo dove le idee possono germogliare. Si erge come un simbolo di un'epoca in cui l'architettura non è solo funzionale, ma è anche un mezzo per connettere le persone e stimolare la creatività.

Fino al 18 novembre 2025, il Humanise Wall rimarrà al centro della Biennale di Architettura e Urbanistica, un evento che si propone di riunire voci diverse e generare un dibattito significativo. La sfida è chiara: come possiamo, insieme, dare vita a città più umane e accoglienti?

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Intrecci di Luce: Eugene Kangawa e A-POC ABLE ISSEY MIYAKE Trasformano Fotogrammi in Tessuto

Intrecci di Luce: Eugene Kangawa e A-POC ABLE ISSEY MIYAKE Trasformano Fotogrammi in Tessuto

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In un angolo di Parigi, dove l'arte e il design si intrecciano come fili di un tessuto, si svolge un'esperienza visiva senza pari. Eugene Kangawa, artista giapponese, unisce le forze con A-POC ABLE ISSEY MIYAKE, dando vita a un progetto audace, il TYPE-XIV Eugene Studio. Questa collaborazione, presentata durante l'Art Basel, è il frutto di un dialogo di tre anni con il designer Yoshiyuki Miyamae, ...

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Il fulcro di questa esposizione è un tessuto innovativo, nato dalla serie continua di Kangawa, 'Light and shadow inside me', un'opera che esplora la coexistence di luce e ombra. Qui, il sole diventa un artista, bruciando lentamente la carta e creando forme geometriche che si dissolvono nel tempo, mentre la precisione dei fili tessuti offre una nuova dimensione alla sua visione. 'Tutto ciò che esiste porta in sé sia la luce che l'ombra', afferma Kangawa, 'e il mio intento è stato quello di creare un'opera d'arte che incarni questa dualità.'

La trasformazione dei concetti fotografici in tessuto avviene attraverso un processo affascinante. Kangawa, già noto per le sue 'pitture verdi' — fogli di carta da acquerello trattati con tinture e ripiegati come origami — ha evoluto questa tecnica in fotogrammi monocromatici, intrappolando la tensione tra esposizione e occultamento. 'Il mio lavoro inizia con un semplice foglio di carta e si sviluppa attraverso il contatto con la luce', spiega. E così, Miyamae e il suo team si sono immersi in un'avventura creativa, parlando di 'intrecciare un nuovo linguaggio', partendo da zero per dare vita a tessuti in un modo completamente innovativo.

Il risultato è un tessuto 'bit-level' che sfida le convenzioni, dove le sfumature di nero e bianco emergono solo da variazioni nella densità del tessuto, senza l'uso di coloranti. 'Abbiamo esplorato la luce e l'ombra attraverso schemi di tessitura e densità', dice Miyamae, 'traducendo i fenomeni della carta fotografica e della luce nel linguaggio del tessuto'.

Questo dialogo tra luce e materiale si inserisce in un contesto più ampio che riflette sulla cultura materiale giapponese. L'esposizione, progettata da Tsuyoshi Tane, guida i visitatori attraverso un viaggio che include pezzi di prova, strumenti e materiali d'archivio, rivelando sorprendenti somiglianze con i modelli di origata, la tradizionale arte giapponese della piegatura della carta.

In questo viaggio attraverso la luce e l'ombra, Kangawa e Miyamae non solo creano arte, ma offrono una riflessione profonda sulla condizione umana, sull'esistenza e sulla bellezza intrinseca della dualità. E mentre il progetto si prepara a viaggiare da Parigi a Tokyo e Osaka, la collezione 'Light and shadow inside me' troverà una casa permanente al prossimo Museo Eugene a Tabanan, Bali. Qui, circondato da risaie protette dall'UNESCO, i visitatori potranno immergersi nella magia mutevole della luce, un invito a contemplare la bellezza e la complessità del mondo che ci circonda.

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Godwin Austen Johnson: L'Evoluzione dell'Architettura Contestuale nel Medio Oriente

Godwin Austen Johnson: L'Evoluzione dell'Architettura Contestuale nel Medio Oriente

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Godwin Austen Johnson: L'Evoluzione dell'Architettura Contestuale nel Medio OrienteFondata negli Emirati Arabi Uniti nel 1989 da Brian Johnson, Godwin Austen Johnson è un punto di riferimento nel campo dell'architettura. Con un team di 110 professionisti multinazionali, l'azienda ha contribuito in modo significativo alla costruzione dell'ambiente urbano nel Medio Oriente per oltre tre decenni. La ...

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Uno degli esempi più emblematici del lavoro di Godwin Austen Johnson è il Jafar Centre presso il Dubai College. Questo progetto rappresenta un perfetto equilibrio tra innovazione e rispetto per il contesto culturale locale. La capacità dell'azienda di adattare il design alle specificità del luogo è ciò che la distingue nel panorama architettonico contemporaneo.

Il team, guidato dall'attuale Managing Director Jason Burnside, continua a esplorare nuove strade nel design, mantenendo sempre un forte legame con le tradizioni britanniche che risalgono al 1847. Attraverso una metodologia collaborativa, Godwin Austen Johnson dimostra come l'architettura possa rispondere alle esigenze moderne, pur rimanendo radicata nella cultura e nella storia del Medio Oriente.

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Il Labirinto Inflabile Arcobaleno di Cyril Lancelin a Grand Rapids

Il Labirinto Inflabile Arcobaleno di Cyril Lancelin a Grand Rapids

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Il Labirinto Inflabile Arcobaleno di Cyril Lancelin a Grand Rapids Durante il festival Return to the River a Grand Rapids, l'artista e architetto francese Cyril Lancelin ha presentato la sua ultima installazione di grande formato, Pyramid Curbs. Questa vibrante struttura immersiva trasforma il paesaggio urbano in un parco giochi di colore e geometria, invitando i visitatori ad esplorare un labiri...

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Composta da forme tubolari intrecciate che si elevano e curvano in una silhouette simile a una piramide astratta, la superficie dell'installazione è ricoperta da un gradiente di tonalità arcobaleno, creando un effetto visivo abbagliante che cambia con la luce e la prospettiva. Da lontano, Pyramid Curbs appare come un enorme fascio di radici colorate al neon, mentre da vicino si trasforma in un labirinto percorribile dove i visitatori possono perdersi tra i muri gonfiabili.

Fedele alla pratica di Lancelin, l'opera sfuma i confini tra scultura, architettura e design di parchi giochi. La ripetizione e la variazione dei moduli geometrici creano una struttura che è sia monumentale che accessibile. L'installazione celebra la collettività e la gioia, incoraggiando persone di tutte le età a interagire fisicamente ed emotivamente con l'opera.

Il festival Return to the River fornisce lo sfondo per questa intervento urbano, riconnettendo il centro di Grand Rapids con il lungofiume attraverso arte, musica ed eventi pubblici. In questo contesto, Pyramid Curbs funge sia da punto di riferimento che da condensatore sociale, un luogo di incontro dove colore, scala e forma si fondono per ridefinire come può essere percepito uno spazio pubblico.

Invitiamo tutti a visitare questa straordinaria installazione e scoprire il labirinto interno, dove ogni angolo rivela una nuova sfumatura di gioia e meraviglia.

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L'Isola della Musica: Renzo Piano Trasforma Hanoi con un'Opera Unica

L'Isola della Musica: Renzo Piano Trasforma Hanoi con un'Opera Unica

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Nel cuore pulsante di Hanoi, dove le acque riflettono il cielo e i sogni si intrecciano con la realtà, nasce un nuovo faro culturale: l'Isola della Musica. Progettato dal maestro dell'architettura Renzo Piano, questo audace progetto segna l'inizio di una nuova era per la capitale vietnamita, promettendo di trasformare il panorama urbano e di offrire uno spazio di incontro tra arte e natura.

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Situato sulla penisola di Quang An, affacciato sul lago Trì, l'Isola della Musica non è solo un'opera architettonica; è un manifesto di innovazione e bellezza. Con una capienza di 2.000 posti, l'opera ospiterà eventi culturali e politici di rilevanza nazionale, diventando il cuore pulsante della vita artistica della città. La sua struttura, ispirata alla superficie ondulata del lago, si erge come una cupola scintillante, capace di catturare e riflettere le sfumature del paesaggio circostante.

Renzo Piano, già celebre per opere iconiche come il Centre Pompidou di Parigi e The Shard di Londra, ha applicato per la prima volta a Hanoi le tecnologie delle strutture a guscio sottile. Questo gioco di forme e luci si traduce in una pelle esterna rivestita di piastrelle ceramiche, che variano in dimensione per creare una texture pixelata, capace di brillare come una madreperla al mutare della luce e delle condizioni atmosferiche.

Il progetto non si limita alla sola costruzione dell'opera; è parte di una più ampia iniziativa di riqualificazione urbana che prevede il ripristino di stagni e corsi d'acqua circostanti. I fiori di loto, simbolo di bellezza e purezza, torneranno a fiorire, integrando l'architettura nel suo contesto naturale. Con otto nuovi pontili per imbarcazioni e una passeggiata pedonale che collegherà il tutto, l'Isola della Musica si preannuncia come un luogo di aggregazione e creatività, dove l'arte incontra la vita quotidiana.

Con una superficie totale di 191.000 metri quadrati, l'Isola della Musica non è solo un auditorium, ma un vero e proprio parco culturale e artistico, unendo spazi pubblici e aree per la ricreazione. Gli auditori, dotati di ingegneria acustica all'avanguardia, offriranno esperienze sonore uniche, adattandosi a diversi tipi di performance, un lusso riservato a pochi teatri nel mondo.

Il sogno di Renzo Piano si materializzerà entro il 2027, aprendo le porte a un nuovo capitolo per Hanoi, dove l'arte e la natura danzeranno insieme in un'armonia senza tempo. L'Isola della Musica non è solo un'opera da ammirare, ma un invito a immergersi in un'esperienza sensoriale che promette di arricchire le vite di chi vi si avvicina.

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I 30 Migliori Studi di Architettura e Design in India: Innovazione e Tradizione

I 30 Migliori Studi di Architettura e Design in India: Innovazione e Tradizione

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In un paese vasto e ricco di storia come l'India, l'architettura si erge a testimone di una cultura in continua evoluzione. Dalla decolonizzazione degli anni '40, gli architetti indiani hanno abbracciato un linguaggio moderno, lontano dai vincoli del passato, creando opere che raccontano storie di tradizione e innovazione. Oggi, con una popolazione di oltre 1,3 miliardi e più di 90.000 architetti ...

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Ma quali sono i nomi che emergono in questo mare di creatività? Ecco una selezione dei 30 migliori studi di architettura e design in India, scelti con cura per il loro talento e la loro visione unica. Ogni studio è un viaggio in un mondo di idee, dove l'architettura non è solo costruzione, ma un'arte che dialoga con il contesto e le persone.

1. Kamat & Rozario Architecture: Con una filosofia che celebra l'unicità dei luoghi, i loro progetti, come la Sharma House a Bengaluru, riflettono idee forti e originali.

2. CP Kukreja Architects: Con oltre 800 progetti all'attivo, questo studio di New Delhi si distingue per la sua versatilità e la capacità di adattarsi a diversi contesti.

3. Morphogenesis: Pionieri nell’uso di soluzioni progettuali passive, offrono un linguaggio architettonico che rispetta le radici indiane pur abbracciando la modernità.

4. Abha Narain Lambah Associates: Specializzati nella conservazione, hanno guadagnato riconoscimenti internazionali per il loro lavoro su patrimoni storici e culturali.

5. Anagram Architects: Con un approccio che spazia dall'architettura residenziale a grandi infrastrutture pubbliche, offrono soluzioni progettuali innovative e sostenibili.

Ogni studio in questa lista rappresenta una storia di passione e dedizione, una ricerca di bellezza che trascende il tempo e lo spazio. Con tale varietà di talenti, l'India si posiziona come un faro di creatività architettonica, pronta a guidare il futuro del design nel mondo.

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La Capanna Miceliale: Un Viaggio nell'Architettura Sostenibile

La Capanna Miceliale: Un Viaggio nell'Architettura Sostenibile

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Nel cuore pulsante di Seoul, dove il caos urbano incontra il desiderio di un ritorno alle origini, sorge la Capanna Miceliale, un'opera che sfida le convenzioni dell'architettura moderna. Progettata dallo studio Yong Ju Lee Architecture, questa struttura di soli 10 m² si erge come un simbolo della necessità di riconnettersi con l'ecologia e di ridurre l'impatto ambientale dell'industria edilizia.

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Ma cosa rende questa capanna così speciale? Innanzitutto, la scelta dei materiali, che si distacca dall'uso eccessivo di cemento e acciaio, per abbracciare un approccio più naturale e sostenibile. La Capanna Miceliale si fa portavoce di un'architettura che non solo costruisce, ma che crea un dialogo con l'ambiente circostante, riflettendo su come possiamo vivere in armonia con la natura.

Il progetto, completato nel 2024, è frutto di una profonda riflessione sulla direzione presa dall'architettura nel corso del XX secolo. Un'epoca caratterizzata dalla ricerca della massima efficienza e dalla produzione industriale, che ha spesso dimenticato le radici ecologiche e il rispetto per il nostro pianeta. La Capanna Miceliale, quindi, non è solo un edificio; è un manifesto, un invito a ripensare il nostro rapporto con l'ambiente.

Ogni dettaglio della capanna è stato concepito per minimizzare le emissioni di carbonio, cercando di ripristinare un equilibrio tra l'edificato e il naturale. Questo progetto ci ricorda che l'architettura può e deve essere una forza per il bene, un'opportunità per innovare e ispirare una nuova generazione di progettisti e cittadini.

In un mondo che corre veloce verso il futuro, la Capanna Miceliale ci invita a fermarci, a riflettere e a riconnetterci con ciò che è fondamentale: la terra, la vita, e l'arte di costruire.

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ChorusLife: Il Futuro dello Smart District a Bergamo

ChorusLife: Il Futuro dello Smart District a Bergamo

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ChorusLife: Il Futuro dello Smart District a BergamoInaugurato a novembre 2024, ChorusLife rappresenta una delle più significative iniziative di rigenerazione urbana in Italia. Situato in una ex area industriale a Bergamo, questo nuovo quartiere è progettato dall'architetto Joseph di Pasquale e nasce dalla visione del Cavaliere Domenico Bosatelli. Il progetto si distingue per la sua capacità di in...

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Un Modello di Smart District

ChorusLife è concepito come un laboratorio urbano, mirato a promuovere la sostenibilità ambientale, economica e sociale. Il distretto offre diverse opzioni abitative, tra cui il primo residence in città in formula build-to-rent e un hotel quattro stelle superior del marchio Radisson. Con oltre 10.000 metri quadrati dedicati a negozi e ristorazione, ogni spazio è progettato per favorire la vita di comunità.

La Luce come Elemento di Continuità

Uno degli aspetti più innovativi di ChorusLife è l'illuminazione, curata da PERFORMANCE iN LIGHTING | Powered by GEWISS. La luce non è solo funzionale, ma diventa parte dell'identità del quartiere. Attraverso un sistema di illuminazione intelligente, si garantisce sicurezza e qualità dell'esperienza urbana, rendendo il distretto un luogo accogliente e vivibile.

Un Ecosistema Tecnologico Integrato

ChorusLife non si limita all'illuminazione: integra anche soluzioni avanzate per la distribuzione dell'energia e la mobilità elettrica, con numerose colonnine per la ricarica di veicoli elettrici. Questo approccio rende il distretto un microcosmo autosufficiente, contribuendo a una riduzione dell'impatto ambientale.

Un Nuovo Modo di Costruire la Città

Il progetto di ChorusLife dimostra come l'intervento privato possa giocare un ruolo chiave nella costruzione della città, guidato da una visione integrata e inclusiva. In questo contesto, la luce diventa un fattore determinante per l'identità urbana e la sostenibilità, contribuendo a stabilire un nuovo modello di smart district replicabile in altre aree.

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NEOM Stadium: L'Incredibile Stadio Sospeso a 330 Metri di Altezza

NEOM Stadium: L'Incredibile Stadio Sospeso a 330 Metri di Altezza

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Immagina un luogo dove il cielo incontra la terra, dove lo sport si eleva in una dimensione mai vista prima. Questo è NEOM Stadium, un audace progetto architettonico che sorgerà a 330 metri di altezza, portando il concetto di stadio a nuovi livelli, letteralmente. Situato nel cuore della futuristica città di The Line, in Arabia Saudita, questo impianto sportivo non è solo un luogo per assistere a ...

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Con una capacità di circa 46.000 spettatori, il NEOM Stadium è destinato a diventare il simbolo della candidatura saudita per la FIFA World Cup 2034. La costruzione, prevista per iniziare nel 2027, segna un passo audace verso un futuro in cui la sostenibilità e l'innovazione tecnologica si fondono in un'unica visione. Ma cos'è che rende questo stadio così unico?

Immagina di assistere a una partita di calcio, con il panorama mozzafiato di una città innovativa come sfondo. Il NEOM Stadium non è solo un semplice impianto sportivo; è una fusione di architettura avveniristica e sostenibilità ambientale. Alimentato al 100% da energie rinnovabili, il suo design prevede un tetto che si integra con l'architettura della città, e sistemi di trasporto elettrici e automatizzati che rendono ogni spostamento un'esperienza fluida e futuristica.

Ma la costruzione di un'opera così ambiziosa non è priva di sfide. I costi stimati per l'intero progetto NEOM si aggirano intorno ai 500 miliardi di dollari, ma alcune fonti suggeriscono che potrebbero arrivare fino a 8,8 trilioni. La questione della sostenibilità e dell'impatto ambientale diventa quindi cruciale. Come si può garantire che un progetto di tale portata non comprometta l'ambiente circostante?

Inoltre, ci sono le critiche riguardanti il cosiddetto

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Gstaad House: La Nuova Meraviglia Architettonica di Foster + Partners

Gstaad House: La Nuova Meraviglia Architettonica di Foster + Partners

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Gstaad House: La Nuova Meraviglia Architettonica di Foster + PartnersIl celebre studio britannico Foster + Partners ha recentemente presentato il suo ultimo progetto: Gstaad House, un showroom innovativo situato nel cuore delle Alpi svizzere. Questo straordinario edificio è stato concepito per armonizzarsi con le contornature del paesaggio, offrendo un'esperienza unica a visitatori e membri privat...

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Il progetto prevede una struttura sinuosa in legno, disposta su tre piani, che include spazi espositivi, un club esclusivo e una zona sotterranea. Il livello più alto ospiterà un club privato, mentre il piano terra sarà dedicato a mostre e eventi pubblici, con ampie vetrate che si affacciano su spazi esterni attrezzati.

Un elemento distintivo di Gstaad House è la rampa che si snoda attorno all'edificio, progettata per facilitare la circolazione di pedoni e veicoli. Questa soluzione architettonica non solo migliora l'accessibilità, ma offre anche una vista panoramica mozzafiato sulla valle circostante.

La facciata dell'edificio, completamente rivestita in legno di larice, è caratterizzata da schermi ritmici che si alternano a superfici vetrate, permettendo alla luce naturale di filtrare negli spazi interni. Al primo piano, i visitatori potranno godere di terrazze esterne che affacciano sul paesaggio alpino, creando un'atmosfera di connessione con la natura.

Foster + Partners ha dichiarato che questo progetto non è solo un edificio, ma una esperienza di arrivo spettacolare, perfettamente integrata con l'ambiente montano. La progettazione di Gstaad House dimostra come l'architettura possa rispondere alle esigenze moderne senza compromettere l'estetica e l'armonia con il contesto.

In conclusione, Gstaad House rappresenta un ulteriore passo avanti nel design architettonico contemporaneo, combinando funzionalità e bellezza in un'unica soluzione. Per ulteriori dettagli, visitate il sito di Foster + Partners e scoprite altre opere straordinarie.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Scopri i Progetti Incredibili: Le Nomination dei Dezeen Awards 2025

Scopri i Progetti Incredibili: Le Nomination dei Dezeen Awards 2025

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Questa settimana, il mondo del design e dell'architettura si è fermato per contemplare le nomination dei Dezeen Awards 2025, un momento di celebrazione dei progetti che stanno plasmando il nostro futuro. Tra le opere in lizza, emerge la House for Julia, un hospice per bambini che si presenta come un moderno santuario, un capolavoro firmato dallo studio Čtyřstěn Architekti.

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Martedì, la shortlist degli interni ha svelato il lavoro dello studio spagnolo Isern Serra, che ha progettato un’agenzia di moda a Barcellona, un progetto che fonde eleganza e funzionalità. Mercoledì, è stata la volta del design, con la collezione di articoli per la casa di Hermès, presentata durante la settimana del design a Milano, che ha catturato l'immaginazione di molti.

Il tema della sostenibilità è stato al centro delle discussioni giovedì, con la presentazione di opere come il più grande edificio in legno massiccio della Finlandia, un esempio di come l’architettura può rispondere alle sfide ambientali contemporanee. Infine, venerdì ha visto l'annuncio dei Designers of the Year, con nomi prestigiosi come Kéré Architecture e Iris van Herpen, che continuano a ridefinire i confini del design.

In un contesto di cambiamenti, anche i giganti della tecnologia si evolvono: Microsoft ha presentato il restyling dei suoi loghi, un segno di come l'intelligenza artificiale stia influenzando il design e lo sviluppo dei prodotti. E mentre il mondo architettonico piange la perdita di figure iconiche come Nicholas Grimshaw, la riflessione sulla loro eredità ci invita a considerare cosa significa davvero progettare per il futuro.

Con la conclusione della settimana, non possiamo fare a meno di meravigliarci di quanto il design possa ispirare e trasformare. Segui le nostre pubblicazioni per rimanere aggiornato su queste e altre storie che plasmano il nostro mondo.

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La Face House di Kyoto: 50 anni di ironia architettonica che sfida il tempo

La Face House di Kyoto: 50 anni di ironia architettonica che sfida il tempo

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Nel cuore pulsante di Kyoto, una città che racconta storie di geishe e tradizione, un edificio si erge come un paradosso vivente: la Face House. Progettata nel 1975 dall'architetto Kazumasa Yamashita, questo strano e affascinante palazzo celebra il suo cinquantesimo anniversario, rimanendo un simbolo di individualità e ironia nell'architettura contemporanea.

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Camminando per le strade del quartiere Nakagyo-ku, ci si imbatte in un panorama di machiya, le classiche abitazioni giapponesi, quando improvvisamente, la Face House rompe il silenzio della tradizione. La sua facciata, che ricorda un volto umano, è una provocazione visiva che invita a riflettere sulla funzione e il significato dell'architettura. Una vera e propria opera d'arte che invita a sorridere.

La concezione di Yamashita è chiara: “Ho cercato di trovare una soluzione semplice ed economica, arricchendo la facciata con dettagli piccoli ma significativi.” E così, la casa si trasforma in un gioco di elementi. Gli occhi sono finestre, il naso è una finestra che lascia entrare la luce, mentre le orecchie, che si rivelano come balconi, si nascondono timidamente alla vista. L’ingresso, che appare come una bocca sorridente, accoglie chiunque voglia scoprire il suo interno.

Un perfetto incrocio tra casa e ufficio, la Face House ha mantenuto nel tempo la sua essenza. Anche se oggi non ospita più il suo progettista, dal 2016 ha trovato nuova vita come galleria d'arte e cartoleria, il Creative Studio & Shop OOO. Qui, viaggiatori e locali si ritrovano, creando una comunità che celebra la creatività e l'innovazione, in un luogo che continua a fare storia.

La Face House non è solo un edificio; è una riflessione su come l'architettura possa giocare con le convenzioni. In un contesto urbano dove tutto sembra immutabile, questo edificio rappresenta una risposta ludica alla modernità, un modo per ricordarci che l'arte e il design possono anche essere divertenti. E così, mentre celebriamo i suoi 50 anni, non possiamo fare a meno di chiederci: quali altre sorprese ha in serbo per noi?

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Ristrutturazione Creativa: Il Jiangnan House di B.L.U.E. Architecture Studio a Yangzhou

Ristrutturazione Creativa: Il Jiangnan House di B.L.U.E. Architecture Studio a Yangzhou

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Ristrutturazione Creativa: Il Jiangnan House di B.L.U.E. Architecture Studio a Yangzhou Nel cuore del distretto di Guangling, a Yangzhou, la B.L.U.E. Architecture Studio ha dato nuova vita a un antico cinema, trasformandolo nel Jiangnan House, un hotel che combina modernità e tradizione. Questo progetto di ristrutturazione fa parte del programma di rinnovamento urbano della storica città di Guang...

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Il team di design ha collaborato con diverse realtà locali, creando un ambiente che celebra il tessuto urbano storico. La hall dell'hotel sfrutta l'ex auditorium del cinema, preservando la struttura in legno originale del tetto per mantenere un'atmosfera ariosa e luminosa. Elementi come un nuovo schermo cinematografico e un giardino centrale richiamano l'eredità culturale di Yangzhou.

Il Jiangnan House offre quaranta camere, molte delle quali si trovano nel layout del cortile preservato delle strutture heritage ristrutturate. Queste camere sono state progettate ispirandosi alle forme dei padiglioni e delle terrazze tipiche dei giardini tradizionali di Yangzhou, utilizzando corridoi fluidi e tetti stratificati per creare un senso di movimento e prospettive variegate.

Materiali come mattoni riciclati, cemento modellato in bamboo e piastrelle in pietra intagliate a mano si combinano con tecniche contemporanee, riflettendo la texture delle vecchie mura dei cortili. Ogni unità è dotata di aria condizionata, riscaldamento e bagni privati, garantendo un'atmosfera autentica grazie all'uso di legno naturale, pietra e mattoni fatti a mano.

Dettagli come pannelli in legno lavorati a mano e superfici in rame ossidato richiamano le tradizioni artigianali di Yangzhou, mentre la vegetazione verticale lungo i corridoi ammorbidisce le facciate, arricchendo l'esperienza degli ospiti. Con il Jiangnan House, la B.L.U.E. Architecture Studio ha creato un rifugio che onora il passato, mentre si proietta verso il futuro.

Questo progetto non solo offre un'esperienza di soggiorno unica, ma rappresenta anche un esempio significativo di riuso adattivo, contribuendo a preservare la cultura e la storia di Yangzhou per le generazioni future.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

Innovazione Sismica: Scopri il Potenziale del Sistema NPS®

Innovazione Sismica: Scopri il Potenziale del Sistema NPS®

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Innovazione Sismica: Scopri il Potenziale del Sistema NPS® Il Sistema NPS® rappresenta una svolta significativa nel campo delle costruzioni sismiche. Progettato per garantire maggiore sicurezza e durabilità, questo innovativo sistema a telaio misto acciaio-calcestruzzo è stato sviluppato per rispondere alle esigenze di edifici in zone ad alta sismicità.

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Durante il World Conference on Earthquake Engineering (WCEE) 2024, Tecnostrutture presenterà un intervento che mette in luce i vantaggi del Sistema NPS®, frutto di un lavoro di ricerca collaborativa con l’Università di Washington.

Vantaggi del Sistema NPS®

  • Velocità di realizzazione: La prefabbricazione dei componenti consente una costruzione più rapida.
  • Miglioramento della sicurezza: Riduce i rischi in cantiere durante le fasi di costruzione.
  • Durabilità: Strutture progettate per resistere nel tempo, anche in caso di eventi sismici.

Il telaio strutturale NPS®, composto da colonne saldate in acciaio e travi autoportanti, offre prestazioni superiori rispetto ai tradizionali telai in calcestruzzo armato. Con il suo design innovativo, il Sistema NPS® permette una migliore dissipazione dell'energia in caso di sollecitazioni sismiche, garantendo un'elevata resistenza e duttilità.

Progettazione e Applicazioni

Il Sistema NPS® si presta a molteplici applicazioni, inclusi edifici strategici come ospedali e strutture direzionali. La progettazione avviene attraverso un approccio integrato che include l'uso di tecnologie di calcolo avanzate e metodologie BIM.

Grazie alla sua capacità di raggiungere elevati standard di prestazione sismica, il Sistema NPS® si propone come una soluzione ideale per chi cerca un'alternativa alle tradizionali costruzioni in calcestruzzo armato. Con il giusto approccio progettuale, è possibile superare le performance richieste dalle normative vigenti.

In conclusione, il Sistema NPS® non è solo un'innovazione tecnica, ma una risposta concreta alle sfide del futuro nella progettazione di edifici sicuri e sostenibili.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.tecnostrutture.eu.

Abitazioni a risparmio energetico: segreti per ridurre le bollette

Abitazioni a risparmio energetico: segreti per ridurre le bollette

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Nel mondo frenetico in cui viviamo, dove il tempo scorre veloce e le bollette si accumulano, l'idea di un'abitazione a risparmio energetico si fa sempre più seducente. Ma cosa significa realmente risparmiare energia nella propria casa? È un viaggio che può iniziare con piccoli gesti quotidiani, un atto di coscienza verso il nostro ambiente e un modo per alleggerire il peso delle spese mensili.

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Il risparmio energetico è la chiave per aprire una porta verso un futuro più sostenibile. Adottare buone abitudini, come regolare i termostati a temperature ragionevoli, utilizzare le tapparelle per controllare la luce solare o scegliere lampadine a risparmio energetico, può fare la differenza. Immagina un mondo in cui ogni scelta, anche la più piccola, contribuisce a un grande cambiamento.

Ma non è solo una questione di abitudini. È fondamentale investire in interventi mirati che possono trasformare la tua casa in un rifugio energetico. Un cappotto termico per le pareti, finestre moderne con doppi o tripli vetri, e un attento isolamento del tetto possono ridurre significativamente la dispersione termica. Ogni angolo della tua abitazione merita attenzione e cura, e ogni miglioramento si tradurrà in un notevole risparmio economico.

Non dimentichiamo, infine, le opportunità offerte dalle detrazioni fiscali. Chiunque desideri rendere la propria casa più efficiente può beneficiare di bonus e agevolazioni, rendendo il percorso verso il risparmio ancora più accessibile. È un invito a tutti, proprietari, inquilini e condomini, a partecipare a questa rivoluzione energetica.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su hubs.ly.

La Magia dell'Architettura: Jiangnan House a Yangzhou

La Magia dell'Architettura: Jiangnan House a Yangzhou

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Nel cuore pulsante di Yangzhou, dove il tempo si intreccia con l'architettura, sorge il Jiangnan House, un progetto che incarna l'essenza di una città ricca di storia e cultura. Firmato dallo B.L.U.E. Architecture Studio, questo edificio di 4250 m² rappresenta un audace connubio tra modernità e tradizione, tra la solidità del legno e l'eleganza del mattone.

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Situato lungo la storica Guangling Road, il Jiangnan House si distingue per la sua straordinaria diversità architettonica. Qui, antichi edifici in legno si alternano a strutture più recenti, creando un dialogo visivo che racconta il passato e il presente della città. Ogni angolo, ogni facciata, è un invito a esplorare, a scoprire l'anima di un luogo che ha visto passare secoli.

L'architettura di questo progetto non è solo un esercizio di stile, ma un manifesto di sostenibilità e innovazione. Grazie al lavoro di un team di esperti coordinati da Shuhei Aoyama e Yoko Fujii, il Jiangnan House non solo accoglie gli ospiti in un ambiente raffinato, ma si impegna anche a preservare il patrimonio culturale. Le ristrutturazioni degli edifici esistenti sono state eseguite con la massima cura, garantendo che la storia di Yangzhou continui a vivere.

Ogni dettaglio è pensato per offrire un'esperienza unica, che va oltre il semplice soggiorno in hotel. Dalla sauna al design degli interni, ogni elemento è stato concepito per evocare emozioni, per trasportare i visitatori in un viaggio sensoriale che celebra la bellezza dell'architettura e della natura circostante.

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Il Gioco della Luce: Un Asilo Innovativo nel Cuore del Giappone

Il Gioco della Luce: Un Asilo Innovativo nel Cuore del Giappone

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Nel cuore di Himi, una città della Prefettura di Toyama, un nuovo asilo scolastico si erge come un abbraccio di legno e luce. Progettato dallo studio Shio Architect Design Office, diretto dall'architetto Ataru Shio, il Himi Shinmachi Daycare Center è un esempio straordinario di come l'architettura possa influenzare positivamente l'apprendimento nei bambini. Questo spazio educativo, frutto di un pr...

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La forma dell'edificio è pensata per rispondere alle peculiarità del sito, un lungo lotto che si estende da nord a sud, con una linea fognaria sotterranea che ne attraversa il cuore. La collocazione strategica della struttura non solo ottimizza lo spazio utilizzabile, ma permette anche alla luce naturale di inondare gli interni, creando un ambiente accogliente e stimolante per i più piccoli.

Realizzato con un tradizionale sistema di telai in legno, l'asilo utilizza materiali locali supportati da un programma di sovvenzione per risorse regionali. Questo approccio non solo celebra l'artigianato locale, ma promuove anche un uso sostenibile delle risorse. Con una disposizione degli spazi aperta e luminosa, l'edificio è progettato per rimanere brillante anche nei giorni più nuvolosi, offrendo ai bambini un ambiente indoor attivo e confortevole.

Un elemento fondamentale del design è la sicurezza. Gli angoli acuti sono stati minimizzati e materiali autentici come il legno e le piastrelle sono stati scelti per favorire un contatto tattile diretto con superfici naturali sin dalla tenera età. Così, il bambino può esplorare, giocare e imparare in un contesto che incoraggia il movimento e l'interazione.

Il Himi Shinmachi Daycare Center non è solo un asilo, ma un manifesto di come l'architettura possa rispondere alle esigenze di una comunità, promuovendo un'educazione precoce che si integra armoniosamente con la cultura costruita della Prefettura di Toyama. In questo spazio, ogni curva racconta una storia, ogni raggio di luce accoglie un sorriso, e ogni giorno è un nuovo inizio per i piccoli esploratori.

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No. 8 House: Un'Elegante Fusione di Tradizione e Modernità in Cina

No. 8 House: Un'Elegante Fusione di Tradizione e Modernità in Cina

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No. 8 House: Un'Elegante Fusione di Tradizione e Modernità in Cina Situata nel villaggio di Dongnan, vicino alla storica città di Shaxi in Dali, Yunnan, la No. 8 House è un progetto residenziale realizzato dagli Xian Architects. Questa residenza si inserisce perfettamente nel contesto storico della regione, dove le tradizioni della comunità Bai continuano a influenzare la vita quotidiana.

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Il design della casa trae ispirazione dal Kuige Stage in Sideng Street, una struttura in legno storica caratterizzata da ampi eaves che definiscono il suo carattere spaziale. Gli architetti hanno introdotto eaves curvi su terrazze, corridoi e parapetti del tetto, creando un dialogo visivo con il patrimonio architettonico locale e offrendo ombra nel luminoso bacino di Dali.

La disposizione spaziale è centrata su una serie di courtyards e volumi di sky-well. Due torri verticali, la Torre del Sundial e la Torre dei Libri, ancorano la composizione, fungendo da interpretazioni contemporanee dei tradizionali sky-well che portano luce naturale, vento e pioggia all'interno. Questi vuoti, insieme agli eaves sollevati e ai courtyards aperti, creano un'interazione dinamica tra ombra, aria e clima, integrando i ritmi dell'ambiente nella vita quotidiana.

Il courtyard a livello del terreno collega gli spazi abitativi principali, che includono un soggiorno, una zona pranzo, una sala yoga e meditazione, una suite principale e sei camere per gli ospiti. Il giardino posteriore ospita spazi funzionali e ricreativi come un magazzino, una cantina, un'area di essiccazione, un laboratorio di falegnameria e un campeggio all'aperto. Il team di Xian Architects segue strategie materiali e formali che enfatizzano la continuità tra interno ed esterno, creando condizioni di transizione tra zone aperte e chiuse, supportando sia attività collettive che individuali.

Questo progetto esplora come l'architettura possa mediare tra tipologie tradizionali e esigenze abitative contemporanee, riflettendo un approccio progettuale radicato nella vita quotidiana e situando la residenza all'interno di un più ampio continuum culturale e ambientale.

La No. 8 House di Xian Architects è un esempio emblematico di come l'architettura possa unire il passato e il presente, offrendo uno spazio che risponde alle esigenze moderne pur rispettando le tradizioni locali.

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Riverside Condominium: Un Nuovo Inizio per Santa Comba Dão

Riverside Condominium: Un Nuovo Inizio per Santa Comba Dão

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Nel cuore di Santa Comba Dão, un edificio che ha segnato il paesaggio per oltre vent'anni sta per rinascere. Il Riverside Condominium, concepito dagli architetti di MJARC, rappresenta non solo un progetto architettonico, ma un manifesto di sostenibilità e rispetto per la memoria. La riabilitazione di questa struttura non è un semplice atto di ristrutturazione, bensì un atto d'amore verso il passat...

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Con una superficie di 4000 m², il Riverside Condominium si propone di elevare gli standard di qualità abitativa attraverso un'attenta integrazione di materiali moderni e tecniche costruttive innovative. Le scelte progettuali, firmate da Maria João Andrade e Ricardo Cordeiro, si sono orientate verso un dialogo continuo tra antico e contemporaneo, tra storia e futuro.

Le collaborazioni con marchi rinomati come MOSO, Technal e Porcelanosa Grupo hanno permesso di dotare questo complesso di elementi di alta qualità, rendendolo non solo esteticamente gradevole, ma anche funzionale e sostenibile. Gli architetti hanno saputo armonizzare l'ambiente circostante, creando un luogo che non è solo un'abitazione, ma un vero e proprio spazio di vita.

Riverside non è solo un nome; è un invito a riflettere su come possiamo abitare il nostro mondo. La riqualificazione di Santa Comba Dão è quindi un esempio luminoso di come l'architettura possa rispondere alle sfide contemporanee, abbracciando le opportunità del presente senza dimenticare il passato.

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Concéntrico: La Città come Laboratorio di Processi Urbani

Concéntrico: La Città come Laboratorio di Processi Urbani

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Concéntrico: La Città come Laboratorio di Processi UrbaniNegli ultimi anni, le città hanno visto un'evoluzione significativa nella pianificazione e gestione degli spazi urbani. Mentre le normative si fanno più rigorose, il rischio è che i centri urbani perdano il loro carattere unico e accogliente, diventando eccessivamente ordinati e sterilizzati. Per contrastare questa tendenza, nascono iniziati...

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Una delle manifestazioni più significative è il festival Concéntrico, che si tiene a Logroño, in Spagna. Questo evento internazionale, giunto alla sua decima edizione, si propone come un laboratorio di innovazione urbana. Attraverso installazioni artistiche e architettoniche, Concéntrico stimola il dialogo tra la realtà urbana attuale e le potenzialità future delle città.

La pubblicazione del libro Concéntrico: Urban Innovation Laboratory segna un traguardo importante, offrendo una panoramica di un decennio di design urbano e trasformazione collettiva. Questa opera è accompagnata da un tour internazionale che mira a condividere le esperienze e le intuizioni raccolte nel corso degli anni.

In un mondo dove la progettazione urbana si fa sempre più complessa, eventi come Concéntrico rappresentano un faro di speranza e creatività, invitando le comunità a partecipare attivamente alla ridefinizione dei propri spazi.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su ArchDaily Global.

AVATR Vision Xpectra: Il Futuro dell'Automobile con Cabina in Vetro Prismatico e Vortex Intelligente

AVATR Vision Xpectra: Il Futuro dell'Automobile con Cabina in Vetro Prismatico e Vortex Intelligente

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AVATR Vision Xpectra: Il Futuro dell'Automobile con Cabina in Vetro Prismatico e Vortex IntelligenteAVATR ha svelato la Vision Xpectra all'IAA Mobility 2025, una concept car innovativa caratterizzata da una cabina in vetro prismatico e un vortex AI che apprende dalle esigenze e dai comportamenti del conducente. Grazie all'intelligenza emotiva, un sofisticato sistema di sensori, telecamere e softwa...

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Quando il conducente si avvicina all'auto, i sensori di movimento la attivano, creando una sequenza di accensione che fa sembrare l'auto viva. Esternamente, la Vision Xpectra presenta una precisione di taglio a diamante che conferisce superfici geometriche affilate, ispirate ai gioielli. La cabina in vetro prismatico utilizza una tecnologia avanzata di vetratura, permettendo alla luce di rifrangersi e offrendo una vista interna agli osservatori esterni.

Nell'interno della AVATR Vision Xpectra, troviamo una combinazione di pelle nubuck, tessuti lavorati in tre dimensioni e componenti gonfiabili che possono cambiare forma in base alle preferenze dell'utente o alle condizioni di guida. Il sistema di controllo centrale, chiamato Vortex, funge da intermediario tra il conducente e l'auto, apprendendo i modelli di comportamento dell'utente nel tempo, proprio come i servizi di streaming suggeriscono contenuti personalizzati.

Il Vortex elabora comandi vocali tramite un assistente personale vocale (VPA), creando risposte personalizzate con particelle visive, effetti di illuminazione e ambienti sonori su misura. All'interno della cabina, il concetto Alabaster Shimmer combina più texture e materiali per creare un ambiente confortevole. Gli elementi in vetro lavanda rifrangono la luce in modi specifici, creando effetti atmosferici, mentre le lamelle meccaniche si estendono all'apertura delle porte, espandendo fisicamente lo spazio interno.

La AVATR Vision Xpectra è dotata di un sistema di illuminazione multilivello. Le luci d'ombra integrate sotto i pannelli della carrozzeria creano un'illuminazione sottile che segue le linee geometriche dell'auto. L'illuminazione ambientale dinamica all'interno della cabina si adatta in base all'umore degli occupanti, alle condizioni esterne o allo stato del veicolo. Questo sistema di illuminazione si connette all'AI, consentendo all'auto di esprimere diverse emozioni attraverso colori e motivi di movimento.

Tra il conducente e il passeggero anteriore, il Vortex centrale può passare la vettura dalla modalità di guida assistita a quella completamente autonoma, gestendo le transizioni tramite comandi tattili e gestuali. Il cruscotto presenta un display panoramico trasparente che mostra le informazioni di guida, mentre il volante ha una superficie riflettente simile al tema futuristico della cabina.

Fino ad ora, AVATR ha introdotto Vision Xpectra come concept car durante l'IAA Mobility 2025 a Monaco, proponendo un'auto che non è solo un mezzo di trasporto, ma un'esperienza interattiva e personalizzata.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

Rivitalizzare il Gymnasium di Kenzo Tange: Il Progetto Vincitore del Radical Renewal Competition

Rivitalizzare il Gymnasium di Kenzo Tange: Il Progetto Vincitore del Radical Renewal Competition

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Rivitalizzare il Gymnasium di Kenzo Tange: Il Progetto Vincitore del Radical Renewal Competition Il designer Ethan Akiyama Poh ha trionfato nel Radical Renewal Competition di Dezeen e Bentley con una proposta audace che reimmagina il gymnasium dismesso di Kenzo Tange, attualmente minacciato di demolizione. La sua idea, chiamata New Ground, si propone di trasformare l'edificio in un vibrante centr...

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Il gymnasium, progettato dal vincitore del Pritzker Architecture Prize, è attualmente vuoto e presenta limitazioni sismiche e spaziali che ne compromettono l'uso. La proposta di Akiyama Poh mira a preservare la struttura storica, trasformandola in un food hall dedicato ai prodotti del Mare Interno di Seto, circondato da spazi pubblici e uffici, creando così un valore economico e culturale a lungo termine.

Il progetto si basa sui principi metabolisti di Tange, un movimento architettonico giapponese post-bellico che esplorava l'evoluzione degli edifici come organismi viventi. La nuova proposta prevede una griglia strutturale che integra il gymnasium con il contesto urbano, collegando strade e strutture vicine e rendendolo un punto di riferimento regionale.

La competizione ha invitato architetti e designer a selezionare edifici di rilevanza storica e a proporre trasformazioni innovative per rivitalizzarli. Il progetto New Ground è stato scelto come vincitore per come riesce a rielaborare un'icona architettonica per le esigenze del XXI secolo. Max Fraser, direttore editoriale di Dezeen, ha sottolineato l'importanza di adattare le strutture storiche anziché demolirle, evidenziando l'impatto ambientale dell'edilizia.

Il gymnasium di Kagawa, progettato da Tange nel 1964, condivide una storia simile con il Yoyogi National Gymnasium di Tokyo, ma mentre quest'ultimo è diventato un simbolo nazionale, il gymnasium di Takamatsu rischia di essere dimenticato. La proposta di Akiyama Poh non solo mira a preservare la memoria storica dell'edificio, ma lo reinventa come un simbolo economico e culturale della regione.

Con la sua visione innovativa, Akiyama Poh ha dimostrato come l'architettura possa evolvere ed adattarsi ai bisogni contemporanei, ponendo interrogativi sul futuro degli edifici storici e il loro ruolo nelle comunità moderne.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

SENSE Biopatch: il dispositivo indossabile che protegge i lavoratori dal calore

SENSE Biopatch: il dispositivo indossabile che protegge i lavoratori dal calore

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Nel caldo torrido dell'estate, dove il sudore si mescola alla fatica, un'illuminazione ha preso forma. Roxana Chicas, con la sua esperienza da infermiera e il suo spirito innovativo, ha creato il SENSE Biopatch, un dispositivo indossabile concepito per i lavoratori all'aperto. Questo biopatch, una fusione armoniosa di tecnologia e umanità, si applica al petto e diventa un compagno silenzioso, capa...

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La geniale invenzione di Chicas non si limita a una semplice raccolta di dati: grazie all'intelligenza artificiale, il dispositivo analizza in tempo reale le informazioni, identificando segnali di sovraccarico termico. “Volevamo creare qualcosa di facile da indossare, che i lavoratori potessero dimenticare di avere addosso”, ha dichiarato Chicas, sottolineando l'importanza di un design che non disturbi, ma che al contempo protegga.

Questo biopatch non è solo un dispositivo tecnologico, ma un gesto d'amore verso coloro che, con il sudore della fronte, sostengono la nostra società. Cresciuta ascoltando le storie di fatica del padre, Chicas ha sentito il dovere di rispondere a una chiamata, quella di garantire la sicurezza di chi lavora in condizioni estreme. “Essere bilingue e biculturale mi ha permesso di colmare un divario”, riflette, “ma ho capito che era necessario avere una comprensione più profonda delle condizioni mediche e dei piani di trattamento”.

Il biopatch SENSE è il risultato di un attento studio condotto su 178 lavoratori agricoli, i cui feedback hanno guidato la progettazione di un dispositivo che non solo monitora, ma coinvolge attivamente gli utenti. In questo mondo frenetico, dove il caldo può diventare un nemico silenzioso, Chicas e il suo team hanno creato una soluzione che promette di fare la differenza, migliorando la qualità della vita di chi lavora all'aperto. Il SENSE Biopatch è più di un semplice dispositivo: è una promessa di salute, sicurezza e dignità.

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Cinque Padiglioni Giocosi e Funzionali: Un Viaggio nell'Architettura di Cabin Fever 2025

Cinque Padiglioni Giocosi e Funzionali: Un Viaggio nell'Architettura di Cabin Fever 2025

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In un angolo incantato della Repubblica Ceca, dove gli echi di una storia industriale si intrecciano con la creatività contemporanea, si svolge Cabin Fever 2025. Questo festival, concepito dallo studio ungherese Hello Wood, riunisce architetti e studenti per dare vita a strutture che non sono solo rifugi, ma veri e propri inno alla gioia e alla connessione umana.

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La prima meraviglia è The Chicken, un padiglione che, con la sua forma giocosa, invita a riflettere sulla vita semplice e genuina delle creature che ci circondano. Immaginato da Mjölk Architekti, questo osservatorio non è solo un rifugio, ma un luogo dove la curiosità si risveglia attraverso finestre rosse che si affacciano sul mondo esterno.

Živa, concepita da Arthur Mamou-Mani, si erge come un pod geometrico, un baluardo dove la natura abbraccia l'apprendimento. La sua architettura intricata si fonde armoniosamente con l'ambiente circostante, creando uno spazio intimo per la riflessione e la creatività.

In un omaggio alla tradizione tessile del luogo, Loom, progettato da Zak Underwood, utilizza toni di giallo per adornare una piattaforma rialzata, creando un accogliente angolo di sosta. Qui, ogni colonna e trave racconta una storia di artigianato e metamorfosi, ricordando l'importanza della memoria e della connessione con il passato.

The Splinter, firmato dallo studio Entropic, si distingue per la sua forma angolare e il suo colore rosso vibrante. Questo rifugio è un invito a esplorare il delicato equilibrio tra solitudine e comunione, un luogo dove raccontare storie e riscoprire la bellezza della natura.

Infine, Eclosion, realizzato da Dorottya Kiss e Matthew McArthur, si presenta come un reticolo di legno che evoca l'arte della tessitura. Ogni elemento è un richiamo all'eredità del sito, un invito a diventare parte di un tessuto di esperienze in continua evoluzione.

Cabin Fever 2025 non è solo un festival, ma un'esperienza sensoriale che ci invita a riscoprire il valore della connessione, della luce e dello spazio nella nostra esistenza quotidiana.

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Tre Case Vacanze Prefabbricate per Sorelle in Queensland

Tre Case Vacanze Prefabbricate per Sorelle in Queensland

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Tre Case Vacanze Prefabbricate per Sorelle in QueenslandIspirato dall'amore per le vacanze in famiglia, Blok Modular ha collaborato con lo studio di architettura australiano Vokes e Peters per creare Blok Three Sisters, un trio di case vacanze prefabbricate situate sull'isola di North Stradbroke, in Queensland. Queste case sono state progettate per tre sorelle che, da bambini, trascorrevano le vac...

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Le case di Blok Three Sisters sono state prefabbricate nella fabbrica di Blok Modular a Brisbane e successivamente assemblate sul sito da un costruttore locale. Il progetto è stato inserito nella longlist della categoria housing dei Dezeen Awards 2025.

Design e Comfort

Ogni casa ha un layout identico, concepito per adattarsi alle esigenze delle famiglie nel tempo. Il piano terra di ciascuna abitazione può funzionare come un appartamento autonomo senza barriere architettoniche, ideale per accogliere parenti più anziani. Un giardino-cortile separa la camera da letto frontale dagli spazi sociali sul retro, creando un'atmosfera di intimità e privacy.

Al primo piano, si trovano due camere aggiuntive e un bagno illuminato da un lucernario. Una delle camere affaccia sul cortile centrale, mentre l'altra offre una vista sulla strada attraverso una grande finestra. Per garantire la privacy, le facciate anteriori sono dotate di finestre alte e schermature in legno bianco.

Spazi Esterni e Atmosfera Unica

Ogni casa si apre su un portico a doppia altezza, rifinito con pannelli in fibra-cemento bianchi e legno. Questi portici offrono uno spazio privato e riparato, affacciato su un giardino condiviso circondato da alberi imponenti. La zona pranzo e la cucina si aprono su questo portico tramite porte scorrevoli in vetro a tutta altezza, mentre il soggiorno elevato presenta finestre scorrevoli che offrono una vista sull'Oceano Pacifico.

Secondo Vokes e Peters, “come dispositivo spaziale archetipico, il giardino raccoglie i piaceri sensoriali dell'ambiente, insieme ai rituali domestici quotidiani.” La sensazione della brezza salina, la chiarezza della luna, e il profumo del gelsomino sono solo alcune delle esperienze che rendono queste case uniche.

In conclusione, Blok Three Sisters rappresenta un perfetto esempio di come l'architettura prefabbricata può creare spazi che non solo soddisfano le esigenze abitative, ma anche custodiscono i ricordi di famiglia e il passare del tempo.

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Snøhetta Completa l'Estensione Arcuata di Powell Hall a St. Louis

Snøhetta Completa l'Estensione Arcuata di Powell Hall a St. Louis

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Snøhetta Completa l'Estensione Arcuata di Powell Hall a St. LouisLo studio di architettura Snøhetta ha recentemente completato una nuova estensione scultorea per Powell Hall, sede della St Louis Symphony Orchestra a St. Louis, USA. Questo intervento non solo ha rinnovato gli interni storici, ma ha anche creato una piazza pubblica che accoglie visitatori e appassionati di musica.

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L'estensione, caratterizzata da una serie di forme arcuate, abbraccia il lato del famoso edificio, progettato all'inizio del XX secolo da Rapp & Rapp come cinema, prima di diventare il fulcro della musica sinfonica negli anni '60. Il nuovo spazio si espande verso la strada, incorporando un'area di circolazione, un lobby ampliato, spazi educativi e strutture di servizio.

Secondo Takeshi Tornier, direttore di Snøhetta, "l'espansione non è stata concepita come un'aggiunta, ma come un 'compagno di danza' complementare a Powell Hall, inclinata dolcemente e più piccola nella scala, per preservare il profilo iconico dell'edificio originale".

Inoltre, Snøhetta ha progettato una piazza pubblica che favorisce la programmazione comunitaria e il carpool, guidando i visitatori verso le forme arcuate della nuova struttura, caratterizzata da ampie vetrate incorniciate da una scocca inclinata che si innalza verso l'apice.

Il design dell'edificio trae ispirazione da strumenti musicali; le "finestre arcuate" ricordano il corpo di un violino e "mimano il percorso della bacchetta del direttore d'orchestra". La facciata, realizzata in muratura corbelled, è stata progettata per essere esteticamente gradevole anche durante i mesi invernali, con strati di neve che la adornano.

La nuova estensione non è solo un'opera di architettura, ma anche un progetto di riuso adattivo. Gli interni del teatro sono stati restaurati per migliorare l'accessibilità e le linee di vista, trasformando Powell Hall per soddisfare le esigenze di una sinfonia moderna. Tornier ha sottolineato l'importanza della sostenibilità, evidenziando l'uso di sistemi meccanici all'avanguardia e illuminazione ad alta efficienza.

In sintesi, questa estensione di Snøhetta non solo arricchisce l'esperienza culturale di St. Louis, ma rappresenta anche un esempio di come l'architettura contemporanea può dialogare con la storia.

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La Festa del Re: Un Viaggio Sensoriale tra i Due Fiumi al Cairo Food Week 2025

La Festa del Re: Un Viaggio Sensoriale tra i Due Fiumi al Cairo Food Week 2025

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Nel cuore di Cairo, dove il passato e il presente si intrecciano in un abbraccio inestricabile, si celebra la Festa del Re: un evento che va oltre la semplice arte del mangiare. Al Cairo Food Week 2025, l’installazione gastronomica dal titolo La Festa del Re: Tra Due Fiumi trasporta i commensali in un viaggio multisensoriale, dove ogni morso racconta storie antiche e visioni future.

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Curata da Alchemy Experience, questa esperienza non è solo un pasto ma un racconto vibrante delle credenze cosmologiche dell’antico Egitto, dove il Nilo non è solo un fiume ma una forza vitale che pervade la cultura e la spiritualità. La lunga tavola di venti metri, simbolo del Nilo, divide lo spazio in due metà: l’Est, terra della vita, e l’Ovest, regno dell’aldilà. Un invito a riflettere sul ciclo dell’esistenza.

L’odissea culinaria inizia con il Profumo del Nilo, che accoglie gli ospiti con fragranze ancestrali di incenso e mirra, creando un ponte tra il terreno e il divino. Gli ospiti vengono poi immersi nel Giardino del Fiume, un’area che celebra la comunità e la convivialità, prima di giungere al momento culminante: l’Offerta, dove un tributo all’eredità agricola dell’Egitto viene presentato lungo la maestosa tavola. Ogni piatto è un’immersione in colori e sapori, un’ode alla rinascita e alla riflessione.

Nella tradizione dell’antico Egitto, ogni pasto è un rituale. I piatti della sponda est, con ingredienti freschi e vivaci, simboleggiano il sole nascente; mentre quelli della sponda ovest, ricchi di sapori complessi e cucinati lentamente, evocano la contemplazione nell’aldilà. Un’esperienza che non si limita al palato, ma si estende alla vista e all’anima.

La magia è amplificata dal design luminoso di Enlighten, che cattura il ritmo della luce, accompagnando gli ospiti in un viaggio emotivo che evolve dall’alba al tramonto. I colori caldi del mattino si trasformano in toni brillanti a mezzogiorno, per poi addolcirsi in tonalità ambrate all’imbrunire, trasformando il pasto in una sinfonia di emozioni.

La Festa del Re al Cairo Food Week 2025 non è solo un evento; è un invito a riscoprire la cultura e l'arte visionaria di una città che guarda al futuro, ancorata alla sua storicità. La scelta del Grand Egyptian Museum come location aggiunge un ulteriore strato di significato, collocando questa celebrazione direttamente sulle rive del Nilo, in un ritorno simbolico alle origini.

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Un'abitazione che abbraccia la natura: la casa sostenibile tra le sequoie di Big Sur

Un'abitazione che abbraccia la natura: la casa sostenibile tra le sequoie di Big Sur

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Immaginate di trovarvi nel cuore pulsante della California, dove le sequoie secolari si innalzano maestose e il panorama si fonde con il cielo. Qui, tra i canyon verdi di Big Sur, si erge una casa che sembra danzare con il paesaggio, un rifugio progettato per mimetizzarsi e celebrare la natura.

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Questa casa, opera dello Studio Schicketanz, è un esempio luminoso di come l'architettura possa sposare la sostenibilità e la bellezza. La zona notte si snoda lungo un percorso che invita alla scoperta, mentre ampie finestre a nastro offrono una vista incantevole sulle chiome degli alberi. Ogni mattina, i proprietari si risvegliano circondati da un abbraccio di verde, con il sole che filtra tra le foglie.

Il progetto, nato dalla necessità di sostituire una vecchia baita, si propone di rispettare l'essenza del luogo, una sfida non da poco in un territorio fragile come quello di Big Sur, soggetto a incendi e frane. L'architetta Mary Ann Schicketanz ha saputo superare queste difficoltà progettando una casa su pali, riducendo l'impatto sul terreno e proteggendo le radici delle sequoie. L'innovazione si intreccia con la tradizione: il redwood, legno autoctono, diventa il filo conduttore di questo viaggio architettonico.

Ma cosa rende questa casa veramente unica? È la sua capacità di dialogare con l'ambiente circostante. Ogni spazio è pensato per armonizzarsi con la natura, i tre padiglioni distinti offrono funzioni autonome, creando una sinfonia di volumi che si fondono nel paesaggio. Il soggiorno, dotato di un lucernario circolare, diventa il cuore pulsante, dove la luce naturale danza con le ombre, trasformando ogni momento in un'esperienza sensoriale.

Un patio che si estende verso la foresta invita a serate sotto le stelle, mentre un tetto verde irrigato non solo abbellisce, ma rappresenta un impegno tangibile verso la sostenibilità. Questa casa non è solo un'abitazione, ma un manifesto ecologico, un luogo dove la vita quotidiana si intreccia con il rispetto per l'ambiente.

In questo rifugio, ogni dettaglio è una poesia scritta con materiali recuperati, con una storia da raccontare. È un esempio di come l'architettura possa essere piccola nelle dimensioni, ma grande nelle potenzialità. Una casa che non si impone, ma che dialoga, integra e rispetta, rivelando la bellezza dell'abitare consapevole.

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Un Ponte di Legno: La Magia della Scala Tunnel di Pedro & Juana

Un Ponte di Legno: La Magia della Scala Tunnel di Pedro & Juana

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Nel cuore del Valle de Bravo, un'architettura audace si erge come un ponte tra passato e presente. Pedro & Juana, con la loro visione unica, hanno saputo dare vita a una scala tunnel in legno che funge da collegamento tra la struttura originale e una moderna espansione residenziale. Questo intervento non è solo un'aggiunta funzionale, ma un vero e proprio dialogo tra due epoche architettoniche...

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La casa, concepita negli anni '80 dall'architetto José Iturbe, si affaccia su un panorama mozzafiato, con una terrazza coperta che invita a contemplare il lago sottostante. Pedro & Juana hanno scelto di mantenere l'integrità della struttura originale, intervenendo con delicatezza per ripristinare elementi caratteristici come le travi blu, riflesso di un passato che continua a vivere nel presente. L'aggiunta di una nuova struttura in legno, sapientemente integrata nella collina, ha creato spazi abitativi ampliati, arricchendo l'esperienza di chi abita questi luoghi.

Ma è la scala tunnel a catturare l'immaginazione. Costruita con travi in pino essiccato e sostenuta da robuste travi in acciaio, essa si erge come un passaggio incantato che attraversa il tetto in terracotta della casa originale. Un omaggio alle scale a gradoni che caratterizzavano il paesaggio, questa scala non è solo un mezzo per spostarsi, ma un elemento di design che invita a esplorare, a scoprire nuove prospettive. Le finestre a oblò, che punteggiano il percorso, lasciano filtrare la luce, creando un'atmosfera calda e accogliente.

All'interno dell'annesso, il legno continua a dominare, con dettagli blu che richiamano il passato, mentre le piastrelle Talavera personalizzate nel bagno aggiungono un tocco di artigianato locale. Ogni scelta progettuale riflette un impegno verso una costruzione sostenibile, dimostrando che l'architettura in legno può essere non solo bella, ma anche un'alternativa ecologica al prevalente uso del cemento.

Questo progetto rappresenta una dichiarazione audace, una prova che costruire con il legno in Messico è non solo possibile, ma anche un modo per onorare la tradizione e abbracciare il futuro. La scala tunnel di Pedro & Juana non è solo un elemento architettonico; è un simbolo di connessione, di storia e di innovazione, un invito a riscoprire il legame con l'ambiente che ci circonda.

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Olivetti a Venezia: Un Capolavoro di Design in Piazza San Marco

Olivetti a Venezia: Un Capolavoro di Design in Piazza San Marco

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Nel cuore di Venezia, dove il passato si intreccia con il presente, sorge un luogo che racconta una storia di innovazione e bellezza: il Negozio Olivetti, progettato dal maestro Carlo Scarpa. Questa icona architettonica, situata in Piazza San Marco, non è solo una vetrina di prodotti, ma un manifesto di una filosofia che unisce efficienza, estetica e cultura. Aperto nel 1958, il negozio è diventat...

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La genialità di Scarpa si evince già dall'esterno, dove il prospetto aperto verso la piazza invita i visitatori a scoprire un mondo fatto di dettagli e materiali pregiati. Le lastre di cristallo trasparente, incastonate in telai di müntzmetall, creano un dialogo visivo con l'ambiente circostante, mentre l'atrio d'ingresso, con la sua composizione di pietra d'Istria, cattura l'attenzione di chiunque vi si avvicini. Ogni elemento è pensato con cura, dalla scala sospesa che sembra fluttuare nel vuoto, fino al pavimento in mosaico di vetro che riflette la luce in modo quasi poetico. Questo negozio è un viaggio sensoriale, un invito a esplorare l'armonia tra architettura e design.

All'interno, il Negozio Olivetti si trasforma in una promenade architettonica: uno spazio che, pur nella sua compattezza, riesce a raccontare una storia di grande impatto visivo. Le tessere di vetro di Murano, disposte in schemi che richiamano le onde della laguna, creano un'atmosfera che sembra viva, in movimento. L'attenzione ai dettagli è maniacale; ogni superficie, ogni angolo è stato concepito per comunicare la bellezza della funzionalità. Questa fusione di modernità e tradizione veneziana rende il negozio un'opera d'arte che trascende il mero concetto di punto vendita.

Il Negozio Olivetti non è solo un luogo da visitare, ma un'esperienza da vivere, un'opportunità per riflettere su come l'architettura possa influenzare le nostre vite. In un mondo che corre veloce, questo spazio ci invita a fermarci, a guardare e a capire. La sua storia è un invito a riscoprire il valore della bellezza e della funzionalità, elementi che, come in una sinfonia, si intrecciano per creare qualcosa di unico e straordinario.

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Un Rifugio di Speranza: Anduhyaun, il Santuario per Donne Indigene a Toronto

Un Rifugio di Speranza: Anduhyaun, il Santuario per Donne Indigene a Toronto

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Nel cuore pulsante di Toronto, un luogo emerge come simbolo di speranza e rinascita: l'Anduhyaun Emergency Shelter. Questo rifugio, progettato con maestria dallo studio LGA Architectural Partners, non è soltanto un edificio, ma un abbraccio che accoglie le donne indigene colpite dalla violenza domestica. Ogni angolo di questo spazio è concepito per rispettare e celebrare le tradizioni ancestrali, ...

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Varcando la soglia dell'Anduhyaun, si viene accolti da un corridoio sinuoso che si snoda come un fiume, conducenti verso stanze dedicate all'accoglienza, alla consulenza e alla saggezza degli Anziani. LGA ha saputo infondere nei materiali e nelle forme un richiamo all'acqua, alla terra e al cielo, elementi intrisi di significato e vitalità. Le porte, sapientemente arretrate, garantiscono una continuità nel fluire di questo ambiente curvo, mentre i rivestimenti blu delle piastrelle evocano la serenità e la profondità dell'acqua.

Il piano terra si apre in uno spazio condiviso, una cucina e una sala da pranzo luminose, dove le residenti possono unirsi per preparare e gustare i pasti, creando legami e condividendo storie. Questo è un luogo di autonomia, dove l'atto di cucinare diventa un momento di connessione e sostegno reciproco. Proseguendo, si incontra Nookomis, una sala circolare che porta il nome della parola Ojibwe per 'nonna'. Qui, il legno rosso di sommacco avvolge le pareti, offrendo un'atmosfera intima per cerimonie e meditazioni, un vero e proprio rifugio per le anime in cerca di pace.

Al piano superiore, l'architettura si fa ancora più accogliente, con spazi comuni e camere da letto progettate per garantire privacy e comfort. Ogni suite è dotata di un bagno privato, un lusso raro in rifugi di questo tipo, rendendo l'esperienza abitativa più dignitosa. Le stanze, arredate con cura, possono essere collegate per accogliere famiglie più numerose, sottolineando l'impegno dell'Anduhyaun nel rispondere ai bisogni delle sue residenti.

“Vivi di crescita e trasformazione”, afferma LGA, e questo rifugio è testimone di un'eredità culturale che perdura da decenni. Un luogo dove le donne possono ritrovare la propria voce e la propria forza, immerso in un ambiente che celebra le loro radici e la loro resilienza.

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Ispirato all'articolo pubblicato su: Dezeen

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Scopri i progetti finalisti per il miglior edificio in Scozia nel 2025

Scopri i progetti finalisti per il miglior edificio in Scozia nel 2025

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Scopri i progetti finalisti per il miglior edificio in Scozia nel 2025 La Royal Incorporation of Architects in Scotland (RIAS) ha recentemente svelato i progetti finalisti per l'Andrew Doolan Best Building in Scotland 2025. Tra i quattro edifici selezionati, troviamo un ponte realizzato con granito locale e la restaurazione di una torre remota nelle Highlands scozzesi.

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In lizza per il premio ci sono anche un progetto di rigenerazione di uno spazio pubblico ad Aberdeen e un centro didattico per l'Università di Edimburgo. Simpson e Brown hanno completato la restaurazione della Fairburn Tower, trasformando questa torre del XVI secolo in un affascinante affitto per Landmark Trust.

Il Gairnshiel Jubilee Bridge, progettato dallo studio locale Moxon Architects, è realizzato in acciaio resistente e granito riciclato. Questo ponte ha lo scopo di deviare il traffico veicolare da un ponte classificato di Categoria A. Il progetto di rigenerazione di Union Terrace Gardens, sviluppato da Stallan Brand e LDA Design, ha introdotto nuovi edifici nel parco, inclusi un caffè, un ristorante e un wine bar, insieme al restauro di spazi verdi e statue storiche.

Infine, il Nucleus Building, progettato dallo studio britannico Sheppard Robson per l'Università di Edimburgo, funge da hub educativo per studenti e personale, favorendo l'insegnamento e la socializzazione.

La giuria, presieduta da Mary Duggan, ha sottolineato come questi progetti non solo dimostrino l'eccellenza architettonica, ma rispondano anche ai cambiamenti politici e comportamentali che influenzano la vita pubblica. In passato, il premio è stato vinto da studi prestigiosi come John McAslan + Partners e Ann Nisbet Studio, che hanno lasciato un segno significativo nel panorama architettonico scozzese.

Scopri di più sui progetti e segui il concorso per vedere quale edificio si aggiudicherà il prestigioso riconoscimento nel 2025!

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Architettura come Argomento: Comprendere il Pensiero Architettonico

Architettura come Argomento: Comprendere il Pensiero Architettonico

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Architettura come Argomento: Comprendere il Pensiero Architettonico L'architettura non è definita solo dagli edifici, ma dalle idee che li rendono possibili. Prima delle limitazioni di capitale, regolamenti e approvvigionamenti, c'è un momento in cui l'architettura è libera di esprimere il proprio pensiero. Questo primo confronto con questo momento fertile avviene spesso nel contesto accademico, ...

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Per molti, la tesi rappresenta anche la prima opportunità di pensare oltre la struttura dei programmi accademici: una prima occasione per esplorare qualcosa di più personale, irrisolto o addirittura irragionevole. Sebbene spesso vista come un punto di arrivo, la tesi è meglio compresa come un inizio: il primo coinvolgimento con l'architettura come forma di ragionamento, dove il progetto non è ancora una risposta, ma una domanda.

In questo contesto, è fondamentale riconoscere che l'architettura richiede di "pensare" con un approccio critico, mettendo in discussione le convenzioni e i limiti imposti. La tesi diventa così un laboratorio di idee, un momento in cui gli studenti possono esplorare le loro visioni e confrontarsi con le sfide del mondo reale.

In conclusione, il pensiero architettonico è un viaggio di scoperta che inizia con la tesi, un processo che invita a riflettere, esplorare e, soprattutto, a porre domande.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su ArchDaily Global.

Il Fascino Minimalista del True Black Coffee Bar: Un Viaggio nel Design di NaaV Studio

Il Fascino Minimalista del True Black Coffee Bar: Un Viaggio nel Design di NaaV Studio

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Nel cuore pulsante di Hyderabad, dove il vibrante caos urbano incontra la serenità di un rifugio, sorge il True Black Coffee Bar, un'opera d'arte architettonica concepita da NaaV Studio. Questo caffè non è solo un luogo per sorseggiare un espresso, ma un'esperienza sensoriale che invita a riflettere, a immergersi in una dimensione di pace e semplicità.

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Quando Rohith e Vikas, i fondatori di questo brand amato, si sono rivolti a NaaV Studio, la loro visione era chiara: ogni nuovo spazio doveva raccontare una storia unica, pur mantenendo un filo conduttore di minimalismo e autenticità. Il True Black Coffee Bar, con i suoi 4500 piedi quadrati di area, riesce a catturare questa essenza con linee pulite, materiali naturali e un'atmosfera avvolgente.

Il progetto, completato nel 2025, si distingue per l'uso sapiente della luce e degli spazi, creando un ambiente dove ogni dettaglio è pensato per il benessere del cliente. Sankeerth Jonnada, il fotografo che ha immortalato la bellezza di questo caffè, riesce a trasmettere l'anima del luogo attraverso i suoi scatti, rivelando la sinergia tra architettura e natura.

Il design, frutto della creatività di un team appassionato, tra cui Vaishnavi Patil e Abina V N, non trascura la sostenibilità. Ogni elemento è stato selezionato con cura per ridurre l'impatto ambientale, dimostrando che l'estetica e l'etica possono coesistere armoniosamente. Il risultato è un caffè che non solo serve bevande di alta qualità, ma che promuove anche una filosofia di vita responsabile.

In questo angolo di Hyderabad, il True Black Coffee Bar diventa così un punto di riferimento non solo per gli amanti del caffè, ma per chi cerca un'esperienza immersiva, dove ogni sorso è accompagnato da una riflessione sul design e sulla bellezza che ci circonda.

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Virgil Abloh: La Leggenda Creativa in Mostra al Grand Palais di Parigi

Virgil Abloh: La Leggenda Creativa in Mostra al Grand Palais di Parigi

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Virgil Abloh: La Leggenda Creativa in Mostra al Grand Palais di Parigi Dal 30 settembre al 10 ottobre 2025, il Grand Palais di Parigi ospiterà Virgil Abloh: The Codes, la prima grande esposizione europea dedicata all'opera del compianto designer. Organizzata dall'Archivio di Virgil Abloh in collaborazione con Nike, la mostra esplora quasi due decenni della carriera di Abloh, attingendo dal suo pe...

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La mostra mette in evidenza come i 'codici' creativi di Abloh, i principi ricorrenti che hanno guidato il suo approccio, colleghino discipline diverse come moda, calzature, architettura, musica e pubblicità. Un'area dell'esposizione riattiva il concept store parigino colette, piattaforma centrale per i primi lavori di Abloh. Questo negozio iconico, co-fondato da Sarah Andelman, sarà ricreato all'interno del Grand Palais come un'installazione ibrida e un negozio funzionante, dove saranno disponibili oggetti in edizione limitata realizzati in collaborazione con Abloh, inclusa una riedizione della sua collaborazione con Braun e un'edizione francese del suo libro Abloh-isms.

Curata da Chloe e Mahfuz Sultan, l'esposizione espande una precedente edizione presentata nel 2022, offrendo una visione più ampia della pratica di Abloh. Accanto a progetti noti, la mostra presenta prototipi, schizzi e oggetti delle sue collezioni e della sua biblioteca. L'archivio mira a rendere i metodi di Abloh disponibili per lo studio e il riutilizzo, riflettendo la sua convinzione nell'apertura e nell'apprendimento collettivo, focalizzandosi sul processo tanto quanto sui risultati.

Il progetto è supportato dalla Virgil Abloh Foundation e accompagnato da una serie di programmi pubblici, da workshop e dibattiti a performance e proiezioni. Per la moglie del designer, Shannon Abloh, che dirige l'archivio e la fondazione, l'esposizione è sia una celebrazione che uno strumento didattico, un modo per garantire che le idee di Virgil Abloh rimangano accessibili alle future generazioni.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

Tecnostrutture e Legambiente: Un Futuro Sostenibile Insieme a 'Puliamo il Mondo'

Tecnostrutture e Legambiente: Un Futuro Sostenibile Insieme a 'Puliamo il Mondo'

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Immagina una spiaggia, il sole che si riflette dolcemente sulle onde, un luogo dove la sabbia incontra il mare, e dove il rumore dei rifiuti non ha spazio. Questo è il sogno che Tecnostrutture abbraccia con fervore, partecipando per il quinto anno consecutivo a 'Puliamo il Mondo', una storica iniziativa che ci unisce a Legambiente. Il 25 ottobre, i nostri dipendenti, collaboratori e le loro famigl...

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In questo giorno di volontariato aziendale, l’obiettivo è chiaro: raccogliere rifiuti e contribuire attivamente alla tutela dell'ambiente costiero. Non è solo un gesto, ma un atto di responsabilità condivisa, un insegnamento per i più piccoli che imparano, attraverso esperienze dirette, l'importanza dei piccoli gesti per il futuro del nostro pianeta.

La nostra missione va oltre i confini delle strutture che progettiamo e realizziamo. Ogni solaio, ogni struttura, ogni innovazione è pensata anche per rispettare l'ambiente in cui viviamo. Con il nostro impegno, speriamo di seminare semi di consapevolezza e amore per la natura, affinché possano germogliare in futuri custodi del nostro mondo.

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Una casa multigenerazionale in terracotta: armonia tra luce e spazi

Una casa multigenerazionale in terracotta: armonia tra luce e spazi

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Una casa multigenerazionale in terracotta: armonia tra luce e spaziSituata a Da Nang, in Vietnam, Terracotta Breath è una casa che si presenta con discrezione, accogliendo i visitatori con un giardino d'ingresso e una facciata in laterizio lavorato a spessore. Questo progetto, realizzato da Live Out Studio, è un esempio perfetto di come l’architettura possa fondere tradizione e modernità, creando ...

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La struttura ospita due nuclei familiari: i genitori affacciati sulla strada e la figlia in fondo al lotto, separati da un cortile che diventa il cuore pulsante della casa. Utilizzando materiali locali e un budget misurato, il progetto si basa su principi di feng shui e strategie passive per il clima tropicale, generando un involucro termicamente sensibile e poroso.

Il design della casa è concepito come una successione di soglie, piuttosto che un semplice oggetto architettonico. Al piano terra, gli spazi di soggiorno, pranzo e cucina fluiscono verso il giardino, creando una continuità tra interno ed esterno. Le finestre a bilico e le schermature di bambù permettono alla luce di filtrare, arricchendo l'atmosfera degli ambienti. Una scala scolpita conduce a un ambiente di preghiera al primo piano, un luogo di riunione per la comunità locale.

La casa della figlia, invece, si distingue per la sua compattezza e libertà. Al piano terra, un ampio living-cucina si apre verso il cortile, mentre al piano superiore, camere ventilate da feritoie offrono la giusta privacy. Le aperture sono progettate con attenzione per garantire un equilibrio tra luminosità e intimità.

La coerenza materica, con l'uso di laterizio, bambù e legno, crea un'atmosfera calda e accogliente. Le superfici tattili e i colori terrosi non solo abbelliscono gli spazi, ma contribuiscono anche a un microclima in grado di ridurre l'affidamento a sistemi di climatizzazione costosi. In cucina e nei bagni, piastrelle in terracotta e pavimenti beige accentuano l'idea di comfort e funzionalità.

In conclusione, Terracotta Breath dimostra come un’architettura ben progettata possa essere un ecosistema, capace di rispondere alle esigenze di chi la abita, senza rinunciare alla bellezza e all’armonia con l’ambiente circostante.

Ispirato all'articolo pubblicato su: www.elledecor.com

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Otto spazi living autunnali ispirati ai colori delle foglie cadute

Otto spazi living autunnali ispirati ai colori delle foglie cadute

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Otto spazi living autunnali ispirati ai colori delle foglie caduteL'autunno è ormai alle porte nell'emisfero settentrionale e, per celebrare questo cambiamento stagionale, abbiamo raccolto un lookbook di otto soggiorni open-plan avvolti in tonalità calde e terrose. Dai monti dell'India alla costa scozzese, questi spazi abitativi combinano finiture e arredi morbidi che richiamano i colori delle fog...

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Zero House, Regno Unito

La Zero House è la casa di Londra del duo musicale Rae Morris e Ben Garrett, che hanno ristrutturato questa proprietà di metà secolo. I pavimenti in mahogany sottile rivestono il camino a tutta parete, accentuato da un divano arancione bruciato e soffitti in legno di tonalità rossastra. Le porte scorrevoli a tutta altezza offrono una vista sul lussureggiante giardino con i suoi numerosi alberi.

Appartamento di Parigi, Francia

Lo studio Atelier HA ha utilizzato il colore come elemento strutturale in questo appartamento parigino, situato in un edificio ottocentesco. Un bancone da cucina a strisce definisce il tono dello spazio open-plan, caratterizzato da arredi morbidi in arancione e elementi luminosi in verde brillante.

Tidal House, Scozia

La Tidal House è una casa costiera sulla Solway Coast, costruita dallo studio Brown & Brown. L'apertura dell'area living open-plan con pareti cremisi e divani marrone nocciola crea un'atmosfera accogliente, attorno a un camino sospeso di grande impatto.

Shadow House, Australia

Realizzata dallo Grotto Studio, la Shadow House è un'estensione in legno bruciato di un cottage luminoso a Perth. L'area living open-plan è caratterizzata da pannelli in legno chiaro e opere d'arte rosse, illuminate da una finestra clerestory.

Hybrid House, India

Situata ai piedi dei monti Aravalli in Rajasthan, la Hybrid House di Sketch Design Studio presenta un'ampia area living open-plan con pareti in intonaco di calce e pavimenti in terracotta, arricchita da dettagli in kolam e piante verdi che aggiungono un tocco di freschezza.

Casa Magarola, Spagna

Lo studio Raúl Sánchez Architects ha scelto un intonaco di tonalità arancione bruciato per la facciata della Casa Magarola, ripetendo il colore all'interno con telai di finestre e una scala a chiocciola drammatica.

Somers House, Australia

Costruita dallo studio Kennedy Nolan, la Somers House è caratterizzata da una palette di colori terrosi progettata per evocare un senso di pace, con toni di sughero e piastrelle marrone violaceo che dominano il design.

Courtyard House, USA

La Courtyard House, progettata da No Architecture, presenta un giardino centrale con alberi decidui. All'interno, un grande tappeto arancione completa l'area living open-plan, armonizzandosi con l'ambiente circostante.

Questo è l'ultimo della nostra serie di lookbook, che fornisce ispirazione visiva dall'archivio di Dezeen. Per ulteriori idee, consulta i precedenti lookbook dedicati a cucine in marmo, bagni in terrazzo e case in ex fabbriche.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

ABC Flats: L'Innovazione Abitativa nel Cuore di Jakarta

ABC Flats: L'Innovazione Abitativa nel Cuore di Jakarta

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Nel vibrante cuore di Cilandak, un quartiere pulsante di vita e cultura, sorge un gioiello architettonico: ABC Flats. Questo progetto, realizzato da Isso Architects, non è solo un edificio; è un manifesto della coabitazione moderna. Con una superficie di 423 m², distribuita su tre piani, ABC Flats si presenta come una struttura solida in calcestruzzo, concepita per rispondere alle esigenze di una ...

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Ogni dettaglio di questo progetto parla di funzionalità e design. ABC Flats offre tre tipologie di stanze, tutte dotate di un bagno privato, per un totale di 11 camere. Gli spazi comuni non sono trascurati: al piano superiore, un delizioso rooftop funge da piccolo pantry e area di socializzazione, un luogo dove le vite dei residenti si intrecciano in un abbraccio di convivialità.

Il progetto, che sarà completato nel 2025, è frutto della visione dei lead architects Wibisono Soegih e Stephanie Tatimu, supportati da un team di talentuosi professionisti. Ogni angolo di ABC Flats è pensato per favorire un senso di appartenenza, mentre la scelta dei materiali, come quelli forniti da Jotun e Toto, sottolinea un impegno verso la qualità e la sostenibilità.

In un mondo dove l'urbanizzazione continua a crescere, ABC Flats si erge come un esempio luminoso di come l'architettura possa rispondere alle sfide contemporanee, creando spazi dove le persone possano non solo vivere, ma anche prosperare.

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Il Complesso Residenziale di V Taller a Tulum: Un Riferimento alla Torre di Babele

Il Complesso Residenziale di V Taller a Tulum: Un Riferimento alla Torre di Babele

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Il Complesso Residenziale di V Taller a Tulum: Un Riferimento alla Torre di BabeleNel cuore di Tulum, in Messico, lo studio V Taller ha completato un innovativo complesso residenziale che richiama la mitica Torre di Babele. Questo progetto, terminato nel 2024, copre una superficie di 6.178 metri quadrati e si distingue per i suoi appartamenti a volta, realizzati in intonaco rosa, che si sviluppano...

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V Taller descrive il complesso come una risposta architettonica all'intersezione tra spazio, tempo e ambiente, ridefinendo l'architettura come una forza rigenerativa piuttosto che come un'imposizione sul paesaggio. Al centro del progetto si erge una torre rotonda, caratterizzata da finestre verticali e accessibile tramite una scala indipendente che attraversa un piccolo fossato. La base e la sommità della struttura sono adornate da piante, mentre un'apertura triangolare si apre verso il cielo, creando un collegamento visivo con l'esterno.

Il piano del complesso ha una forma a occhio, con la torre che funge da pupilla. Attraverso un cortile piantumato che favorisce la riforestazione e ottimizza la circolazione dell'aria, sono disposti quasi 60 unità residenziali su tre livelli. Questa configurazione curva e verticale riduce il consumo di terreno di quasi il 40% rispetto agli sviluppi orizzontali convenzionali, consentendo una concentrazione della costruzione e preservando ampi spazi aperti.

Il complesso è progettato per soddisfare le esigenze sia dell'industria turistica di Tulum che dei residenti permanenti, offrendo appartamenti sia per affitti a breve termine che per abitazioni a lungo termine, complete di cucine attrezzate, aree soggiorno e pranzo combinate, camere da letto private e giardini o balconi con jacuzzi integrata. Le unità sono disposte in un piano radiale, con scale strette che fungono da "tunnel di luce".

All'interno, materiali in legno tropicale e elementi in argilla creano un'atmosfera calda e texturizzata, tipica dell'artigianato locale. La luce naturale penetra negli ambienti attraverso grandi finestre, garantendo ventilazione incrociata e riducendo la necessità di raffreddamento meccanico in un contesto tropicale. L'intero progetto è rifinito in chukum, un intonaco a base di calcare tipico della penisola dello Yucatán, noto per la sua resistenza all'umidità e per la bassa manutenzione.

In sintesi, il complesso residenziale di V Taller non solo offre abitazioni moderne e funzionali, ma promuove anche un'interazione continua tra spazio costruito e natura, dove luce, vegetazione e aria plasmano l'esperienza di abitare. Questo progetto rappresenta un modello di architettura sostenibile, contribuendo a un turismo rigenerativo.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Architecture – Dezeen.

Come Vincere un A+Product Award: 3 Consigli Esclusivi dall'Editor

Come Vincere un A+Product Award: 3 Consigli Esclusivi dall'Editor

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Il sipario si alza: il palcoscenico del design è pronto, e tu hai l'opportunità di brillare. Le candidature per il prestigioso A+Product Award 2026 sono ufficialmente aperte, un momento imperdibile per i produttori e i designer che desiderano far riconoscere le loro opere dai più rinomati architetti del mondo. Ogni prodotto verrà esaminato da una giuria di esperti provenienti da studi di fama inte...

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1. Racconta una storia chiara con la tua presentazione. La tua candidatura deve brillare, e per farlo avrai bisogno di alcuni elementi essenziali: nome del prodotto, data di lancio, descrizione (massimo 300 parole), collaboratori (opzionale), categorie selezionate e risorse grafiche. La descrizione del prodotto è la tua prima occasione per colpire. Mantienila concisa, ma assicurati di comunicare ciò che rende il tuo prodotto unico: non solo di cosa si tratta, ma perché è stato creato e come risponde alle esigenze di architetti, designer e clienti. Mettendo in evidenza funzionalità, scelte materiali e il problema che il tuo prodotto risolve attraverso creatività ed eleganza, potrai catturare l'attenzione della giuria.

2. Scegli le categorie strategicamente. Quest'anno, il programma è strutturato attorno a due importanti gruppi di categorie. Partecipare a entrambe le categorie è il modo migliore per massimizzare le tue possibilità di successo. Rifletti su quali categorie 'Miglior Tipo di Prodotto' si adattano meglio al tuo prodotto, e quali premi 'Migliore dell'Anno' riflettono al meglio l'etica e la missione del tuo brand. I prodotti devono essere disponibili ora o lanciarsi entro il 28 febbraio 2026 per qualificarsi.

3. Adatta la tua candidatura ai criteri di valutazione. Leggere i criteri di valutazione è il primo passo per descrivere i tuoi prodotti e presentarli visivamente. Estetica, prestazioni e impatto sono le tre aree chiave in cui i prodotti saranno giudicati. La giuria valuterà la qualità visiva, la funzionalità tecnica e come il tuo prodotto può influenzare il futuro dell'architettura. Assicurati che la tua candidatura comunichi chiaramente come il tuo prodotto soddisfa questi criteri.

Vincere un A+Product Award non è solo un riconoscimento, ma segna anche il tuo posto tra i leader nel design e nell'innovazione. Preparati a far brillare il tuo prodotto e a condividere la tua visione con architetti e designer in tutto il mondo. Una volta raccolti i materiali per la tua candidatura, puoi inviarli immediatamente. Buona fortuna!

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L'arte del tempo: il nuovo orologio Hublot di Daniel Arsham

L'arte del tempo: il nuovo orologio Hublot di Daniel Arsham

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Nel mondo dell'orologeria, dove il tempo si misura non solo in secondi ma anche in emozioni e sensazioni, il nuovo orologio di Daniel Arsham per Hublot si erge come un'opera d'arte. Il MP-17 Meca-10 Arsham Splash Titanium Sapphire rappresenta una fusione perfetta tra l'arte e la meccanica, un viaggio nel tempo che ci invita a contemplare la fluidità dell'acqua.

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Limitato a sole 99 unità, questo orologio da 42 mm continua il dialogo intrapreso con l'MP-16 Arsham Droplet, un incontro tra passato e futuro. La sua cassa in titanio, incorniciata da un vetro in sapphire, non è solo un contenitore per il movimento, ma un invito a esplorare la trasparenza e la leggerezza, come se stessimo osservando un padiglione architettonico piuttosto che un semplice orologio.

La caratteristica distintiva di questo pezzo è il quadrante a forma di spruzzo, un'apertura irregolare che rivela l'intricato meccanismo del movimento Meca-10 sotto di esso. Attraverso questa apertura, non solo osserviamo il movimento degli ingranaggi, ma ci immergiamo in un flusso di creatività che riflette il mondo acquatico, un'interpretazione della tensione tra il tempo collassato e l'istante presente.

Arsham stesso descrive il suo lavoro come un'esplorazione del tempo, un oggetto che sembra provenire da un'epoca passata o futura. Con un prezzo di 69.000 USD, questo orologio è un simbolo di esclusività e di maestria artigianale, disponibile solo presso le boutique Hublot e rivenditori selezionati.

La sua asimmetria, accentuata dal motivo spruzzato, invita chi lo indossa a un'esperienza visiva unica. Le superfici in titanio lucido si contrappongono alle texture matte del movimento, creando un gioco di riflessi e profondità che affascina e intriga. Ogni componente è pensato per armonizzarsi, proprio come un'opera d'arte che trascende il tempo e lo spazio.

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La Residenza di Edavanna: Un Viaggio nell'Architettura di ZERO STUDIO

La Residenza di Edavanna: Un Viaggio nell'Architettura di ZERO STUDIO

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Nel cuore di Edavanna, un luogo dove il tempo sembra danzare con la memoria, sorge la Residenza progettata da ZERO STUDIO. Questo progetto architettonico, che si estende per 3014 piedi quadrati, è un omaggio alle dimore del Kerala degli anni '80, dove ogni casa era un universo di verde, un rifugio per la natura e per l'anima.

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Immagina un giardino privato, un orto che racconta storie di frutti e fiori, e una fauna che vive non solo per ornare, ma per essere parte integrante della vita quotidiana. La residenza, completata nel 2024, è stata concepita da un team di architetti visionari, tra cui Hafeef Pk e Hamid Mm, che hanno saputo mescolare innovazione e tradizione con elegantissima maestria.

Ogni angolo di questa casa è stato pensato per riflettere un equilibrio perfetto tra spazio interno ed esterno, tra modernità e storia. Atmosfere avvolgenti e dettagli architettonici raffinati si intrecciano, creando un ambiente che invita alla contemplazione e alla serenità.

La scelta dei materiali, attentamente selezionati, racconta di un'architettura sostenibile, capace di dialogare con il paesaggio circostante. I prodotti di aziende come ATOMBERG e Aura Illumination contribuiscono a creare un'atmosfera unica, dove la luce naturale si sposa con quella artificiale, illuminando gli spazi con delicatezza.

La Residenza di Edavanna non è solo un edificio; è un'esperienza, un viaggio attraverso il tempo e le emozioni. È un esempio di come l'architettura possa raccontare storie, e di come sia possibile vivere in armonia con la natura, senza rinunciare al comfort e alla modernità.

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Il Ruolo delle Donne nell'Architettura: Incontro alla Biennale di Venezia

Il Ruolo delle Donne nell'Architettura: Incontro alla Biennale di Venezia

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Il Ruolo delle Donne nell'Architettura: Incontro alla Biennale di Venezia Il 20 settembre, la Biennale di Venezia diventa palcoscenico per un'importante iniziativa dedicata alle donne nell'architettura e nell'ingegneria. Più di cento professioniste, socie di Aidia, si riuniranno per una giornata che celebra il valore delle connessioni professionali e il crescente ruolo delle donne nel settore tec...

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Il tema dell'incontro, intitolato “100 voci, una sola rete”, include una visita all'Arsenale e un incontro presso il Padiglione Italia, guidato dall'architetta Guendalina Salimei. L'evento è un'opportunità per discutere delle sfide e dei successi delle professioniste, in un contesto dove il cambiamento culturale è fondamentale.

Alberta Baldin, presidente della sezione veneziana di Aidia, sottolinea l'importanza di fare rete: “Incontrarsi e fare rete è un modo per far sentire la propria voce. Vogliamo conoscere le nostre problematiche comuni e lavorare per risolverle, sia a livello politico che sociale.”

Aidia non è solo un’associazione, ma un movimento che mira a cambiare la percezione delle donne nel campo delle professioni tecniche. Con 23 sezioni in tutta Italia e oltre 530 socie, Aidia affronta le disuguaglianze di genere e promuove l'uguaglianza non solo nelle statistiche, ma anche nella realtà quotidiana delle professioniste.

Le statistiche parlano chiaro: nonostante le donne rappresentino il 45% degli iscritti, continuano a subire un significativo divario salariale. Un recente studio ha rivelato che le donne guadagnano in media 25.000 euro in meno rispetto ai colleghi maschi. Questa disparità è ancora più marcata tra le libere professioniste, che guadagnano solo il 54% rispetto ai loro omologhi maschili.

Oltre a discutere del divario salariale, l'associazione si impegna a sensibilizzare le istituzioni e a migliorare le politiche di supporto per le professioniste, affrontando temi come la maternità e le misure di sostegno disponibili.

Aidia si distingue anche per le sue iniziative rivolte ai giovani, con attività dedicate alla promozione delle discipline STEM e la creazione di modelli culturali più equi. L'associazione punta a formare una nuova generazione di professioniste che possano contribuire attivamente a un futuro inclusivo nel campo dell'architettura e dell'ingegneria.

In conclusione, l'incontro alla Biennale di Venezia rappresenta un passo importante verso un cambiamento culturale necessario e auspicato. Come ha affermato Gae Aulenti, “l’architettura non dev’essere considerata un mestiere ‘da uomini’” e il futuro è nelle mani di tutti noi.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su alleyoop.ilsole24ore.com.

Opportunità per Architetti e Ingegneri: Selezione di 411 Posti nelle Istituzioni dell'UE

Opportunità per Architetti e Ingegneri: Selezione di 411 Posti nelle Istituzioni dell'UE

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Opportunità per Architetti e Ingegneri: Selezione di 411 Posti nelle Istituzioni dell'UEL'Ufficio europeo di selezione del personale ha aperto un concorso per titoli ed esami, offrendo la possibilità di entrare a far parte delle istituzioni, degli organismi e delle agenzie dell'Unione Europea. Con oltre 400 posti disponibili, questa è un'occasione imperdibile per professionisti nel campo dell'arch...

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Settori di Selezione

Il bando riguarda quattro principali settori:

  • Gestione di progetti nel settore edilizio (153 posti)
  • Architettura e gestione di progetti (75 posti)
  • Ingegneria elettrica e gestione di progetti (93 posti)
  • Ingegneria del riscaldamento, ventilazione e condizionamento dell'aria (HVAC) e gestione di progetti (90 posti)

In totale, sono 411 posti a disposizione per professionisti qualificati.

Requisiti di Candidatura

Per candidarsi, è necessario avere una laurea in architettura o ingegneria, con specifiche esperienze lavorative richieste a seconda del grado di istruzione. Inoltre, è fondamentale avere una conoscenza approfondita (minimo C1) di una lingua ufficiale dell'UE e una soddisfacente (minimo B2) di un'altra.

Cosa Fanno i Funzionari?

I funzionari nei settori di gestione progetti ed architettura saranno responsabili della pianificazione concettuale e della supervisione tecnica e amministrativa degli edifici delle istituzioni dell'UE. Le aree di intervento includono ristrutturazioni, nuove costruzioni e sostenibilità.

Fasi del Concorso

Il concorso è articolato in quattro fasi: presentazione della candidatura, prove scritte e test di ragionamento, assegnazione del punteggio e compilazione degli elenchi di riserva. La candidatura deve essere presentata entro il 17 ottobre 2025 alle 12:00, ora di Bruxelles.

Non perdere questa opportunità di far parte delle istituzioni europee. Visita il sito ufficiale dell'EPSo per ulteriori dettagli e per inviare la tua candidatura!

Per ulteriori informazioni, consulta l'articolo pubblicato su: www.professionearchitetto.it

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.professionearchitetto.it.

Il Centro Congressi 'La Vela': Un Nuovo Faro per Rouen

Il Centro Congressi 'La Vela': Un Nuovo Faro per Rouen

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Nel cuore di Rouen, la nuova opera architettonica chiamata 'La Vela' si erge maestosa lungo le rive della Senna, come un faro di innovazione e sostenibilità. Progettato dallo studio danese BIG, questo centro congressi rappresenta un perfetto equilibrio tra modernità e tradizione, un luogo dove l'architettura incontra la natura, e dove l'arte del costruire si fa poesia.

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La Vela, con il suo tetto ondulato che ricorda le vele delle navi, non è solo un edificio; è un invito a esplorare, a connettersi con l'ambiente circostante. La sua struttura in legno massiccio non solo abbraccia l'estetica, ma si impegna anche in una filosofia di sostenibilità, con interni ottimizzati per la luce naturale e un tetto che produce energia attraverso pannelli fotovoltaici.

Questo centro sarà dotato di due auditorium, ampi spazi espositivi, sale riunioni e un ristorante, il tutto incorniciato da facciate in vetro e legno che richiamano le caratteristiche case a graticcio tipiche della Normandia. La facciata più alta, rivolta verso il fiume, si erge come un saluto ai viaggiatori, mentre il lato che guarda verso la città offre rifugi ombreggiati, estendendo il foyer in un paesaggio pubblico a misura d'uomo.

Come un'opera d'arte che si fonde con il suo ambiente, La Vela non è solo un centro congressi, ma un hub culturale che abbraccia tutti coloro che visitano Rouen. Sostenuto da una visione che guarda al futuro, questo progetto è destinato a diventare un simbolo di inclusività e innovazione per la comunità.

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Un Cuore Sociale in Acciaio: La Rivoluzione della Scuola di Swan Hill

Un Cuore Sociale in Acciaio: La Rivoluzione della Scuola di Swan Hill

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Nell'angolo soleggiato del Victoria, un sogno di inclusione prende forma: la Swan Hill Specialist School, un luogo dove i bambini con disabilità non sono solo studenti, ma protagonisti. Qui, l'architettura non è semplicemente un involucro; è la melodia di una nuova sinfonia sociale, orchestrata dallo studio WHDA. Il nuovo campo sportivo in acciaio, con il suo vivace brise soleil colorato, emerge c...

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La prima fase di questa metamorfosi ha visto la luce nel 2023. Un campo sportivo, progettato per esaltare le abilità atletiche degli studenti, non è solo un luogo di gioco: è uno spazio dove le barriere si dissolvono, dove i sorrisi si intrecciano. Douglas Wan, il direttore di design, dipinge con le parole un'immagine vivida: "Questo campo demarca uno spazio sociale, accogliendo studenti e visitatori in un abbraccio caloroso. È un nuovo volto, un invito aperto alla comunità".

Ma la metamorfosi non si ferma qui. Nel 2025, un secondo atto porterà alla nascita di un caffè gestito dagli studenti, un luogo dove il sapere incontra il sapore, dove le idee si mescolano con il profumo del caffè appena fatto. La biblioteca e il centro di apprendimento si affacciano su un cortile condiviso, creando un microcosmo di interazioni sociali e scoperte quotidiane.

L'approccio di WHDA è come un abbraccio avvolgente: le strutture esistenti sono state ristrutturate e riadattate, trasformando corridoi in spazi utilizzabili, rendendo ogni angolo della scuola un'opportunità di socializzazione. Ogni aula, con il suo tema di colore unico e il suo angolo lettura ad arco, si apre a un giardino sensoriale, un luogo dove esplorare e apprendere diventa un'avventura sensoriale.

In questo viaggio di trasformazione, la scuola di Swan Hill non è più solo un luogo di apprendimento. È diventata un faro di speranza, una testimonianza che l'architettura può essere una forza per il bene, un rifugio per la comunità, un abbraccio che accoglie tutti. E mentre il sole gioca tra le ombre dei brise soleil, i bambini giocano, ridono e crescono, costruendo un futuro migliore, un passo alla volta.

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La Boutique Louis Vuitton di Cancún: Un'Opera d'Arte in Calcestruzzo

La Boutique Louis Vuitton di Cancún: Un'Opera d'Arte in Calcestruzzo

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Nel cuore pulsante di Cancún, dove l'azzurro del mare incontra il calore della terra, la boutique Louis Vuitton si erge con una nuova veste, frutto del genio di MATERIA e Gustavo Carmona. Sette anni dopo la sua prima metamorfosi, questa icona di stile si presenta al mondo con una facciata di calcestruzzo precast, un materiale che racconta storie di eleganza e innovazione.

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La facciata, un mosaico di forme scultoree, reinterpreta il motivo floreale distintivo del marchio, creando un gioco di luci e ombre che danza con il passare delle ore. Ogni angolo, ogni rilievo, si trasforma in un’esperienza sensoriale, dove la luce si riflette e si piega, regalando un ritmo visivo che cattura l’attenzione dei passanti.

Al centro di questo progetto c'è un'unità modulare, concepita per essere non solo un elemento strutturale, ma anche un ricettore di luce. Ripetuta lungo la facciata, essa genera una pelle vibrante, un tessuto architettonico che unisce precisione e movimento, creando un’identità collettiva forte e suggestiva.

Non si tratta semplicemente di un negozio, ma di un’esperienza architettonica che evoca emozioni profonde. La nuova facciata di Louis Vuitton a Cancún non è solo un elemento di branding; è una presenza viva nel tessuto urbano, un invito a esplorare e a lasciarsi trasportare dalla bellezza del design contemporaneo.

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L'Arte dell'Acustica: Come il Suono Plasmi gli Spazi

L'Arte dell'Acustica: Come il Suono Plasmi gli Spazi

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Il suono, una melodia invisibile che danza nell'aria, si propaga in ogni angolo, scrivendo storie silenziose su superfici e oggetti. È un linguaggio che parla a chi sa ascoltare, che svela l'essenza di ogni ambiente, spesso trascurato in favore di colori e forme. Prendiamo ad esempio il Cincinnati Children's Hospital, un luogo dove il design acustico gioca un ruolo cruciale nella guarigione dei pi...

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Ogni sussurro, ogni rumore di fondo, si intreccia con la luce e la struttura, creando un'atmosfera di calma o di stimolo. L'acustica non è solo una questione di tecnica, ma un'arte che modella le interazioni umane. Immagina un'aula scolastica: il modo in cui il suono si diffonde può determinare l'attenzione degli studenti e la loro capacità di apprendere. Oppure un teatro, dove il legame tra il pubblico e le performance è amplificato da un'architettura sonora pensata ad hoc.

Nonostante il suo impatto profondo, il suono rimane spesso in ombra, relegato a un ruolo secondario nelle discussioni progettuali. Eppure, il suo potere di influenzare la concentrazione, l'interazione e il benessere è innegabile. Esplorare l'acustica significa abbracciare un nuovo modo di vivere gli spazi, di sentirli. Così, la prossima volta che varcherai la soglia di un luogo, ascolta attentamente: potresti scoprire che il suono è l'architetto invisibile che lavora instancabilmente per te.

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Cersaie 2025: La Ceramica Tra Innovazione e Design Avanguardistico

Cersaie 2025: La Ceramica Tra Innovazione e Design Avanguardistico

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Cersaie 2025: La Ceramica Tra Innovazione e Design Avanguardistico Il Cersaie 2025, il Salone Internazionale della Ceramica per l’Architettura e dell’Arredobagno, ha presentato un'ampia gamma di novità nel settore della ceramica. Tra texture 3D e soluzioni hi-tech, le aziende hanno dimostrato come la ceramica possa reinventarsi, offrendo infinite possibilità per l'arredamento degli interni e degl...

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I Nuovi Rivestimenti e Formati

Nei padiglioni di Bologna, sono emerse innovazioni che spaziano dai mini formati da comporre come puzzle a maxi lastre sempre più leggere. I rivestimenti in gres effetto pietra e cemento continuano a dominare, ma con aggiornamenti significativi. Mentre i marmi policromi lasciano spazio a materiali lapidei più neutri, le palette si arricchiscono di toni delicati come grigi e beige.

Il Ritorno del Colore e delle Texture

Un trend significativo emerso è il ritorno del colore, con piastrelle cariche e vitaminiche. Formati più piccoli, come le quadrotte 10x10 e 15x15, si affiancano a formati rettangolari, portando un tocco di vivacità agli ambienti. Gli effetti tridimensionali, cannettati e prismatici, danno vita a pareti dinamiche e coinvolgenti.

Decorazioni e Pavimenti Ispirati al Passato

I rivestimenti decorativi, con fantasie floreali e geometrie ispirate agli azulejos iberici, offrono un modo unico per movimentare gli spazi. Anche i pavimenti effetto terrazzo e cotto, con cartelle colori sempre più ampie, si integrano perfettamente con le proposte più essenziali, facilitando la scelta per i progettisti.

Innovazione Tecnologica e Sostenibilità

Dal punto di vista tecnico, le aziende si stanno concentrando su lastre più sottili e resistenti, riducendo così l'uso di materie prime. La creazione di effetti superficiali innovativi, che variano dalla mano ruvida alla finitura setosa, è il risultato di un’accurata ricerca. Inoltre, si stanno esplorando nuove amalgame cementizie per realizzare rivestimenti dal design audace e moderno.

In conclusione, il Cersaie 2025 ha dimostrato che la ceramica non è solo un materiale funzionale, ma anche un mezzo espressivo che continua a sorprendere con la sua versatilità e innovazione. Con nuovi rivestimenti e formati, la ceramica si prepara a essere protagonista nelle case del futuro.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su living.corriere.it.

Creazioni in Legno al Festival di Woodstock: L'Arte di Costruire per la Pace

Creazioni in Legno al Festival di Woodstock: L'Arte di Costruire per la Pace

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Nel cuore pulsante di Bethel, New York, dove nel 1969 si è svolto il leggendario festival di Woodstock, un gruppo di studenti e docenti di dieci università si è riunito per dare vita a un sogno di legno e innovazione. Il BuildFest 2: Peace Rises, quarto capitolo di una saga artistica, ha visto più di 150 partecipanti costruire installazioni in legno che raccontano storie di comunità e speranza.

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Per cinque giorni, queste menti brillanti hanno vissuto e lavorato sul sito, esplorando come le tecnologie emergenti possano contribuire al bene collettivo. Sotto la curatela di Neal Lucas Hitch, il festival ha dato vita a strutture sperimentali, frutto di metodi di assemblaggio e fabbricazione all’avanguardia.

Tra le creazioni, spicca Polylith, un palcoscenico modulare realizzato con un braccio robotico a sei assi, progettato con un occhio attento alla circolarità e ispirato dall'etica comunitaria di Woodstock. Al suo fianco, la suggestiva Trillium, un canopy illuminato costruito con plastica riciclata e legno recuperato, riflette la luce come i petali del fiore da cui prende il nome, simbolo di trasformazione e rinnovamento.

Non meno affascinante è il Peace Pavilion, un’installazione che offre ai visitatori due spazi identici separati da un elegante schermo di legno, invitandoli a sedersi e a riflettere. Le frasi e le liriche incise al laser, che riecheggiano gli ideali del festival del '69, creano un legame emotivo con il passato. Durante il festival, studenti e docenti non si sono limitati a costruire; hanno anche partecipato a programmi culturali quotidiani, culminati in un concerto della band rock sperimentale Guerilla Toss.

Il BuildFest 2, che ha avuto luogo dal 10 al 14 settembre, non è solo un evento; è una celebrazione dell'arte, della tecnologia e della pace, un invito a riflettere su come il progresso possa coesistere con il benessere umano. Le installazioni rimarranno visibili fino a novembre, un'eredità di creatività che invita tutti a sognare e costruire un futuro migliore.

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L'arte della sedia: il design senza tempo di Frank Lloyd Wright

L'arte della sedia: il design senza tempo di Frank Lloyd Wright

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Nel cuore del Wisconsin, un'esposizione straordinaria celebra un maestro del design: Frank Lloyd Wright. Frank Lloyd Wright: Modern Chair Design si propone come un viaggio nell'evoluzione del design delle sedie, un aspetto spesso trascurato della sua vasta opera, ma di fondamentale importanza per comprendere la sua visione architettonica e l'evoluzione della vita domestica americana.

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La mostra, che accoglie oltre trenta modelli di sedie, ripercorre un arco temporale che va dal 1900 fino alla fine degli anni '50, mettendo in evidenza come i suoi design siano cambiati nel corso del XX secolo. Le sedie, espressione di un'epoca e di un pensiero, raccontano la transizione da un'idea di mobilio massiccio e artigianale, tipica del movimento Arts and Crafts, a soluzioni più leggere e modulari, in linea con le esigenze della vita moderna.

Wright, attraverso il suo linguaggio unico, ha saputo coniugare estetica e funzionalità, anticipando tendenze che oggi ci sembrano familiari. Il curatore Thomas Szolwinski ha affermato che "le sedie di Wright offrono una lente affascinante sul suo filosofico evolversi e sulla trasformazione della vita domestica americana". Non si tratta solo di mobili, ma di una riflessione profonda su come viviamo e interagiamo con lo spazio.

La mostra non si limita a presentare pezzi storici, ma include anche repliche di progetti mai realizzati, come le sedie concepite per il Guggenheim Museum di New York e per l'AD German Warehouse. Attraverso un lavoro di ricerca meticoloso, i curatori hanno collaborato con artigiani per ricreare esemplari che incarnano l'essenza del pensiero di Wright e la sua continua innovazione. E così, dodici di queste opere sono state create appositamente per l'esposizione, tra cui una poltrona destinata alla James Kibben Ingalls House.

Il design di Wright, lontano dall'essere statico, è un continuo dialogo con la contemporaneità. Le sedie sono disposte in ordine cronologico, raccontando una storia di innovazione e trasformazione. Ogni pezzo è un capitolo che si interseca con il contesto sociale e culturale del suo tempo. Tra i pezzi di spicco si trovano la poltrona a pannelli in canna per la Emil Bach House e le poltrone Origami progettate per il suo studio a Taliesin West.

La mostra Frank Lloyd Wright: Modern Chair Design è un invito a riflettere su come il design possa influenzare le nostre vite, rimanendo sempre attuale e affascinante. Un'esperienza da non perdere per chi ama l'architettura e il design, in programma dal 4 ottobre 2025 al 26 gennaio 2026.

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Innovazioni nel Design: Mobili, Prodotti e Bevande Sostenibili

Innovazioni nel Design: Mobili, Prodotti e Bevande Sostenibili

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Innovazioni nel Design: Mobili, Prodotti e Bevande SostenibiliNel settembre 2025, designboom ha presentato una selezione curata di innovazioni nei prodotti, che spaziano dalla tecnologia per la casa intelligente a bevande sostenibili, tutte inviate dai lettori di designboom provenienti da tutto il mondo. Questi progetti mostrano una vasta gamma di idee, da mobili modulari a sistemi riconfigurabili...

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Community Creativa Globale

Le proposte dei lettori di designboom offrono ad architetti, designer e creativi una piattaforma per condividere i propri progetti con un vasto pubblico internazionale. Questa iniziativa promuove un dialogo aperto e inclusivo all'interno della nostra comunità creativa globale. Ogni proposta riceve un articolo nella pagina dei lettori di designboom, con i progetti più interessanti selezionati dal nostro team editoriale per una promozione più ampia.

Progetti in Evidenza

HomeBox di Seung Keun Kim

HomeBox è una soluzione di stoccaggio intelligente sviluppata per affrontare i crescenti problemi di furto di pacchi e gestione delle consegne. Questo prodotto unisce durata, sicurezza e connettività in una forma discreta, integrandosi perfettamente con l'ambiente domestico.

Unthinkables! di BBH Singapore

Per celebrare il 60° compleanno di Singapore, BBH Singapore ha introdotto Unthinkables!, un chewing gum legale che sembra e sa di chewing gum ma è realizzato senza una base di gomma.

SELLO di Antonio Lanzillo & Partners

Il SELLO unisce le funzioni di sedia e sgabello in un pezzo innovativo, rispondendo alle esigenze di design contemporaneo.

CANOVA Toothpaste Dispenser di Mara Pezzotta

Un dispenser di dentifricio scultoreo che trasforma la routine mattutina in un rituale di tranquillità.

Electric Beer di Einride Design

Una birra senza alcol consegnata interamente da camion elettrici, simbolo di una fusione tra tecnologia e tradizione birraria.

Heritage di Paged Furniture

Una collezione che riporta in vita un design polacco degli anni '50, reinterpretato per il pubblico contemporaneo.

Fuse di Seung Keun Kim e Wenqi Zheng

Un frullatore personale elegante e intuitivo, concepito per un'esperienza di preparazione fluida e sensoriale.

Se sei ispirato da queste innovazioni, non aspettare! Condividi il tuo progetto con il nostro pubblico globale.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

Un Villaggio di Legno: Il Centro Studentesco di Johns Hopkins

Un Villaggio di Legno: Il Centro Studentesco di Johns Hopkins

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Nel cuore del campus di Johns Hopkins a Baltimora, un sogno architettonico prende vita: il Bloomberg Student Center. Immaginate un villaggio, un insieme di 29 padiglioni in legno massiccio, che si arrampicano dolcemente lungo un pendio naturale. Questa creazione, firmata dallo studio danese BIG e dal Rockwell Group di New York, è il primo edificio dedicato esclusivamente alla vita studentesca dell...

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Con una superficie di 14.000 metri quadrati, il centro è un mosaico di volumi rettangolari impilati, avvolti in vetro e sormontati da tetti piani. Bjarke Ingels, fondatore di BIG, descrive il progetto come un villaggio in legno, un luogo dove le attività degli studenti non sono più disperse, ma raccolte in uno spazio che favorisce l'incontro e l'interazione.

I padiglioni non sono solo belli; sono anche intelligenti. Ognuno di essi è dotato di pannelli solari che contribuiscono a generare circa la metà dell'elettricità necessaria al funzionamento dell'edificio, un passo fondamentale verso la certificazione LEED Platinum. La struttura, concepita come una serie di volumi a cascata, è un esempio di come l'architettura possa armonizzarsi con l'ambiente, rispettando la sostenibilità e l'efficienza energetica.

All'interno, il centro si apre in un atrio centrale che varia in altezza, creando uno spazio dinamico e accogliente. Al piano terra, una food hall, un caffè e un ristorante accolgono gli studenti in un'atmosfera vivace e informale, mentre una scala monumentale conduce verso aree lounge e spazi per eventi, tra cui un teatro da 250 posti e studi di danza.

La scelta dei materiali riflette un'attenzione particolare alla sostenibilità: legno massiccio, soffitti in legno lamellare acustico, e finiture in pietra calcarea e rovere bianco si combinano per creare un ambiente caldo e accogliente. David Rockwell, fondatore di Rockwell Group, ha dichiarato di essersi lasciato ispirare dalla struttura in legno per creare un interno coeso e dinamico.

Fuori, giardini paesaggistici e terrazze invitano alla socialità, mentre la cisterna sotterranea da 20.000 galloni raccoglie l'acqua piovana, dimostrando un ulteriore impegno verso la sostenibilità. Questa meraviglia architettonica non è solo un luogo di incontro; è un manifesto di ciò che l'architettura contemporanea può e deve essere: un luogo dove forma e funzione si intrecciano in un abbraccio di legno e vetro, dove gli studenti possono sentirsi a casa.

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Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.dezeen.com.

Il Centro Sportivo Comunitario di Aranya: Un Incontro tra Passato e Presente

Il Centro Sportivo Comunitario di Aranya: Un Incontro tra Passato e Presente

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Nel cuore di Qinhuangdao, a poche ore da Pechino, sorge una struttura che non è solo un centro sportivo, ma un vero e proprio simbolo dell'incontro tra il passato e il presente. Il Centro Sportivo Comunitario di Aranya, progettato dall'atelier XÜK, si erge come un faro di innovazione e tradizione, riflettendo la storia di un'area un tempo industriale.

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Questo progetto, completato nel 2024, si estende su una superficie di 3840 m², rappresentando un'interpretazione contemporanea delle memorie architettoniche locali. Gli architetti Liu Kenan e Zhang Xu, insieme al loro team, hanno saputo trasformare un terreno incolto in un luogo di ritrovo per la comunità, dove sport e attività ricreative si intrecciano con la cultura e la storia del luogo.

La scelta dei materiali, come vetro, acciaio e cemento, non è casuale. Questi elementi, pur nella loro modernità, richiamano l'identità del contesto circostante, permettendo al centro di integrarsi armoniosamente nel paesaggio. La luce naturale penetra attraverso ampie vetrate, creando spazi luminosi e accoglienti, dove ogni angolo invita alla socializzazione e all'attività fisica.

Il progetto si distingue non solo per la sua funzionalità, ma anche per l'atmosfera che riesce a evocare. Gli architetti hanno saputo creare un ambiente sereno e stimolante, capace di ispirare i visitatori e promuovere un senso di appartenenza. Ogni dettaglio è stato pensato per offrire un'esperienza unica, dove il design moderno si sposa con il calore della comunità.

In questo modo, il Centro Sportivo Comunale di Aranya diventa più di una semplice struttura: è un ponte tra generazioni, un luogo dove il passato viene celebrato e il futuro costruito. Attraverso un approccio progettuale sensibile e innovativo, Atelier XÜK ha dato vita a uno spazio che non solo soddisfa le esigenze contemporanee, ma fa anche da custode della memoria collettiva di un'intera comunità.

Fonte: www.archdaily.com.

Riscopri il Pulse Autocycle del 1985: un veicolo jet-like con canopy scorrevole e sedili in tandem

Riscopri il Pulse Autocycle del 1985: un veicolo jet-like con canopy scorrevole e sedili in tandem

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Immaginate un veicolo che fluttua tra il sogno di un aereo e la realtà di un'automobile. È così che si presenta il Pulse Autocycle, un gioiello del 1985, concepito da Jim Bede, un visionario nel mondo della progettazione aeronautica. Con la sua scocca aerodinamica e il canopy scorrevole, il Pulse evoca l'immagine di un jet pronto al decollo, mentre si adagia delicatamente su tre ruote, una danza p...

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Prodotto negli Stati Uniti tra il 1985 e il 1990, il Pulse Autocycle è un veicolo raro, con solo 326 esemplari realizzati dalla Owosso Motor Car Company nel Michigan. Questo veicolo, descritto come un Ground Cruising Recreational Vehicle, mescola sapientemente elementi di automobile e motocicletta, creando una categoria intermedia che affascina e sorprende.

Entrando nel cockpit del Pulse, si viene accolti da un'atmosfera biplanica, con sedili in tandem rivestiti in vinile marrone e dettagli a contrasto. Ogni elemento è pensato per trasmettere un senso di avventura, dal cruscotto ispirato alla Yamaha XS400, fino ai controlli disposti con cura davanti al volante a tre razze. Ogni viaggio diventa un'esperienza unica, un viaggio nel tempo che ci riporta indietro a un'epoca in cui l'innovazione era la regina.

La meccanica del Pulse è altrettanto affascinante: un motore Yamaha da 399cc, dotato di un sistema di controllo dell'induzione, accompagna il pilota in ogni curva. Con un design esteriore che richiama le linee degli aerei, il Pulse Autocycle è un'opera d'arte su ruote, un esempio di come l'ingegneria possa sposare la bellezza.

In un mondo che corre veloce, il Pulse ci invita a rallentare, a vivere il momento, a sognare. È più di un veicolo; è un simbolo di un'epoca, un collezionabile per chi sa apprezzare l'eleganza della rarità.

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Snow Peak MATRO: Un Rivoluzionario Spazio di Vendita a Suzhou

Snow Peak MATRO: Un Rivoluzionario Spazio di Vendita a Suzhou

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Snow Peak MATRO: Un Rivoluzionario Spazio di Vendita a SuzhouNel cuore del centro storico di Suzhou, il leggendario marchio outdoor Snow Peak ha recentemente inaugurato il suo nuovo showroom multifunzionale. Progettato dallo studio KiKi ARCHi, guidato dall'architetto Yoshihiko Seki, il progetto incarna la filosofia centrale del marchio.

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Il nuovo spazio non è solo un negozio, ma un ambiente ibrido che integra un angolo caffè, offrendo una pausa rinfrescante a clienti e visitatori. Il design minimalista e astratto richiama la topografia naturale delle colline e delle foreste, creando un'atmosfera che riflette perfettamente lo spirito avventuroso di Snow Peak.

Oltre a presentare attrezzature da campeggio, abbigliamento outdoor e strumenti per escursioni, il MATRO Department Store rappresenta un punto di riferimento per gli amanti della natura e dell'outdoor, combinando estetica e funzionalità. Questo progetto innovativo è stato realizzato in collaborazione con Suzhou HaiYiDa Construction & Decoration Co., Ltd. e rappresenta un passo significativo verso la sostenibilità e l'innovazione nel retail.

Il risultato è un ambiente che non solo promuove i prodotti Snow Peak, ma invita anche a una riflessione sul rapporto tra uomo e natura, rendendo ogni visita un'esperienza unica e memorabile.

Ispirato all'articolo pubblicato su: www.archdaily.com

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

ABRA: La Patisserie Parigina che Unisce Design e Gusto

ABRA: La Patisserie Parigina che Unisce Design e Gusto

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Nel cuore pulsante di Parigi, precisamente in Rue des Mauvais Garçons, si erge ABRA, una patisserie che si distingue non solo per le sue delizie culinarie, ma anche per un design che racconta una storia. Concepite dal talentuoso chef Tal Spiegel, le creazioni di ABRA sono incorniciate in un ambiente che evoca le linee pulite e i colori audaci del Bauhaus, grazie alla visione dell'interior designer...

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Varcando la soglia, si viene accolti da una palette di colori primari – blu, rosso e giallo – che danzano armoniosamente su un fondo bianco, creando un'atmosfera di calore e vivacità. I pavimenti, rivestiti con piastrelle geometriche, introducono un ritmo ripetitivo che invita a esplorare ogni angolo di questo spazio, dove il design e il cibo si intrecciano in un abbraccio inusuale.

ABRA non è solo un luogo dove gustare prelibatezze, ma un'esperienza sensoriale completa. I dolci non sono esposti in file ordinate, ma presentati come opere d'arte, quasi come prototipi di un processo creativo, incoraggiando i visitatori a riflettere sul significato di ciascuna creazione. La semi-apertura tra la cucina e il negozio permette di osservare il lavoro che avviene dietro le quinte, trasformando ogni visita in una scoperta. Qui, il confine tra produzione e consumo si dissolve, e ogni morso diventa un atto di partecipazione a un rituale di creazione.

In questo angolo di Parigi, il design diventa un compagno insostituibile della gastronomia. Le scaffalature, ornate da oggetti geometrici e stampe, richiamano l'idea di modularità e composizione, mentre la luce naturale che filtra attraverso la facciata in vetro conferisce un senso di apertura e accoglienza. Ogni dettaglio è pensato per stimolare la curiosità, per raccontare una storia che va ben oltre il semplice assaggio.

ABRA è un esempio lampante di come un patisserie possa incarnare un concetto così profondo, dove il gusto si fonde con l'estetica, creando un'esperienza unica e memorabile.

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La Prima Biennale di Bukhara 2025: Un Evento Culturale Senza Precedenti in Uzbekistan

La Prima Biennale di Bukhara 2025: Un Evento Culturale Senza Precedenti in Uzbekistan

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La Prima Biennale di Bukhara 2025: Un Evento Culturale Senza Precedenti in UzbekistanIl 5 settembre 2025 segna l'apertura della prima edizione della Biennale di Bukhara, un evento che porta oltre 70 commissioni specifiche per il sito, realizzate da più di 200 partecipanti provenienti da 39 paesi, nel cuore storico della città uzbeka. Commissionato dalla Fondazione per lo Sviluppo dell'Arte e della...

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Curata da Diana Campbell e incentrata sul tema "Ricette per Cuori Spezzati", la Biennale si svolge nell'arco di dieci settimane in una costellazione di siti recentemente restaurati, tra cui madrasse, caravanserragli e moschee, tutti parte del patrimonio mondiale dell'UNESCO di Bukhara. Oltre a fungere da piattaforma espositiva, la biennale è inserita in un piano di sviluppo più ampio, posizionando la cultura come catalizzatore per la trasformazione urbana e il rinnovamento del patrimonio.

Questo evento rappresenta non solo un'opportunità per scoprire l'arte contemporanea, ma anche un momento cruciale per riflettere sulla storia e sull'identità culturale dell'Uzbekistan. La Biennale di Bukhara non è solo un festival, ma un'esperienza immersiva che invita a esplorare le intersezioni tra il passato e il futuro, tra tradizione e innovazione.

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Scopri il Fenix Museum of Migration: un simbolo di speranza a Rotterdam

Scopri il Fenix Museum of Migration: un simbolo di speranza a Rotterdam

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Il Fenix Museum of Migration: Un Nuovo Faro Culturale a RotterdamIl Fenix Museum of Migration, progettato dallo studio MAD, è aperto da alcuni mesi a Rotterdam, diventando un punto di riferimento iconico lungo il litorale industriale della città. Situato in un magazzino restaurato, un tempo legato al flusso di migranti, il museo invita i visitatori a riflettere sulle esperienze di partenza e arriv...

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Design e Architettura in Movimento

La struttura centrale del museo è la scala a spirale, che si erge come un monumento alla convergenza. Con un design che favorisce l'interazione, la scala offre un'esperienza unica di movimento e scoperta, dove ogni passo rivela nuove prospettive sulla città e sul mare. Ma Yansong, architetto principale, descrive il museo come un luogo di incontro e riflessione, dove la storia delle migrazioni viene raccontata attraverso l'arte e l'architettura.

Un Museo che Celebra la Storia della Migrazione

All'interno, il museo ospita una collezione di reperti storici e opere contemporanee, presentate in uno spazio aperto che incoraggia il movimento fluido tra passato e presente. Come sottolineato da Wim Pijbes, presidente della Droom en Daad Foundation, il museo si propone di dare forma alle emozioni legate alle esperienze migratorie, ispirando le generazioni future a guardare avanti.

Innovazione Strutturale e Sostenibilità

La scala a spirale, lunga 550 metri e alta 30 metri, rappresenta un esempio di innovazione ingegneristica, con un rivestimento in acciaio inossidabile riflettente che cattura la luce e i movimenti circostanti. Inoltre, il tetto verde del museo contribuisce all'isolamento e alla ritenzione dell'acqua, integrando sostenibilità e design contemporaneo.

Il Fenix Museum of Migration non è solo un luogo di esposizione, ma un simbolo di speranza e coraggio, che invita tutti a riflettere sulle storie di migrazione e ad abbracciare il futuro con ottimismo.

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Trump e il Nuovo Tariffario: Cos'è in Gioco per il Settore dell'Arredamento

Trump e il Nuovo Tariffario: Cos'è in Gioco per il Settore dell'Arredamento

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Un vento di cambiamento si è levato nel panorama dell'arredamento americano. Il presidente Donald Trump, con una decisione che echeggerà nel tempo, ha proclamato l'introduzione di una tariffa del 30% sui mobili imbottiti, un annuncio che ha acceso il dibattito su come la politica possa influenzare il design e la produzione. Da ottobre, un nuovo capitolo si aprirà per le aziende che importano quest...

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In un post su Trump Social, il presidente ha espresso la sua determinazione a fermare quello che ha chiamato un "inondazione" di prodotti dall'estero, un fenomeno che ha messo in difficoltà i produttori locali. "È una pratica ingiusta", ha dichiarato, sottolineando l'urgenza di proteggere il processo manifatturiero nazionale per ragioni di sicurezza e competitività.

Oltre alla tariffa sul mobile imbottito, una stangata del 50% colpirà anche i mobili da cucina e i lavabi da bagno, segnando un netto giro di vite su un settore già sotto pressione. L'importazione di oltre 20 miliardi di dollari di mobili ogni anno, gran parte dei quali proviene dall'Asia orientale, è ora in discussione, e le aziende americane si preparano a un futuro incerto.

Le reazioni non si sono fatte attendere. Grandi nomi del settore, come IKEA, hanno espresso preoccupazione, avvertendo che queste tariffe renderanno il business "più difficile". Le azioni di rivenditori americani come Wayfair e Williams-Sonoma hanno subito un brusco calo, un segnale chiaro di come le politiche commerciali possano influenzare le dinamiche di mercato.

In questo contesto, la comunità del design guarda con apprensione alle possibili ripercussioni che queste misure potrebbero avere sull'industria. La Milano Design Week, uno dei palcoscenici più prestigiosi per i designer, ha già visto alcuni professionisti esprimere timori riguardo agli effetti "brutali" delle tariffe sul futuro della creatività e dell'innovazione nel settore.

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Design Mumbai 2025: Un Palcoscenico per l'Arte e la Creatività Indiana

Design Mumbai 2025: Un Palcoscenico per l'Arte e la Creatività Indiana

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Nel cuore pulsante di Mumbai, dove il vibrante caos urbano incontra l'eleganza del design contemporaneo, si svolgerà la seconda edizione di Design Mumbai, dal 26 al 29 novembre 2025. Questo evento, concepito come un crocevia di talenti emergenti e marchi internazionali, promette di esaltare la creatività indiana con una serie di collaborazioni esclusive e conversazioni illuminanti.

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Guidato da esperti del settore come Ian Rudge, Michael Dynan e Piyush Suri, Design Mumbai 2025 si propone di trasformare Jio World Garden in un palcoscenico dove l’innovazione si intreccia con la tradizione. Tra le anteprime internazionali, spicca la creazione di un caffè site-specific da parte di Lucas Muñoz Muñoz, realizzato con materiali recuperati da progetti di ristrutturazione di THE Park Hotels. Un'opera che esplora temi di impermanenza e rinnovamento, riflettendo la continua evoluzione del design.

Il programma di talk, Design Mumbai Exchange, arricchirà ulteriormente l'esperienza, con voci autorevoli come Manijeh Verghese e Adam Markowitz che affronteranno questioni urgenti come la sostenibilità, la resilienza urbana e il futuro del lavoro. Ogni discussione sarà un invito a riflettere su come il design possa modellare le nostre vite e i nostri spazi.

In questo contesto, l’arte della falegnameria e dell’arredamento avrà un ruolo centrale, con marchi come Natuzzi e Racconti che presenteranno collezioni uniche. La poliedricità di Design Mumbai si manifesta anche nella presenza di giovani talenti nella Emerging Designers Pavilion, dove studi come Studio Abrash e Wannas Design Atelier sfideranno le convenzioni con progetti innovativi e audaci.

La manifestazione non è solo un evento, ma una celebrazione della creatività indiana che si affaccia sul palcoscenico globale. Con ogni installazione e ogni conversazione, Design Mumbai 2025 si propone di posizionare la città come un hub di design internazionale, riflettendo il dinamismo della sua economia creativa e il suo crescente impatto sulla scena mondiale.

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Scopri la Collezione Pure Black di Villeroy & Boch per un Bagno Elegante

Scopri la Collezione Pure Black di Villeroy & Boch per un Bagno Elegante

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Scopri la Collezione Pure Black di Villeroy & Boch per un Bagno EleganteVilleroy & Boch sta rivoluzionando il concetto di bagno con la sua nuova collezione Pure Black, una proposta audace che dissolve i confini e invita a esplorare nuove dimensioni di design. I bagni in nero profondo stanno diventando una vera e propria tendenza, dove le linee si sfumano e gli spazi assumono una nuova forma.

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Abbandonare il tradizionale mantra del bianco e della crema può sembrare una sfida, ma abbracciare il comfort avvolgente del nero è un passo verso un'esperienza di design unica. Come le caverne che i nostri antenati abitavano, i bagni in nero offrono un senso di protezione e intimità.

La serie Finion in Pure Black di Villeroy & Boch non è solo un'estetica, ma una vera dichiarazione di benessere. I lavabi di questa collezione, realizzati in TitanCeram, un materiale ceramico super resistente, presentano pareti eccezionalmente sottili e un design purista che si integra perfettamente in un ambiente monocromatico.

In aggiunta ai lavabi, la collezione include anche mobili coordinati, come unità modulari e armadi, con linee pulite e un design senza maniglie, creando un look armonioso e sofisticato. La combinazione di questi elementi con le vasche Theano, disponibili in Pure Black, arricchisce ulteriormente l'estetica del bagno, sia nel modello monolitico che in quello curvilineo.

L'uso del nero va oltre una semplice tendenza: è un colore senza tempo, capace di donare profondità ed eleganza a qualsiasi ambiente. Con la collezione Pure Black, Villeroy & Boch invita a trasformare il bagno in un luogo di relax e introspezione, dove ogni dettaglio conta.

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Sogni d'acqua: la magia della houseboat di Sausalito

Sogni d'acqua: la magia della houseboat di Sausalito

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Sogni d'acqua: la magia della houseboat di Sausalito Nel cuore della storica comunità galleggiante di Sausalito, un progetto architettonico straordinario prende vita. La houseboat concepita da Craig Steely non è solo una dimora, ma un viaggio sensoriale che si dispiega tra materiali naturali e spazi armoniosi. Immaginate di svegliarvi ogni mattina circondati dall'acqua, mentre il sole si riflette ...

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Questa creazione architettonica si distingue per il suo design innovativo, dove la semplicità di un cubo si trasforma in un labirinto di emozioni. La suddivisione in zone pubbliche e private, insieme ai livelli sfalsati, consente di vivere ogni angolo con un'intimità unica. Non è solo una casa, ma un rifugio sospeso tra cielo e mare, dove ogni dettaglio è pensato per fondersi con l'ambiente circostante.

La houseboat di Sausalito è un esempio lampante di come l'architettura possa rispondere alle sfide della sostenibilità, offrendo soluzioni abitative che rispettano la natura. I materiali utilizzati, principalmente legno e vetro, non solo richiamano la bellezza del paesaggio marino, ma garantiscono anche un'efficienza energetica che è sempre più necessaria nel nostro tempo.

In un mondo che corre verso il futuro, la houseboat di Craig Steely ci invita a riflettere su cosa significhi vivere in armonia con l'acqua, a riscoprire il piacere di uno spazio che respira e si evolve. È un esempio di come l'architettura possa non solo accogliere, ma anche ispirare, creando un legame profondo tra l'uomo e il suo ambiente.

La bellezza di questo progetto non sta solo nei suoi volumi, ma nella capacità di raccontare storie, di far vibrare le emozioni e di ricordarci che ogni casa, anche galleggiante, è prima di tutto un luogo di incontri e di sogni.

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Ristrutturazione di Hearth House: un'armonia tra passato e presente nel Surrey

Ristrutturazione di Hearth House: un'armonia tra passato e presente nel Surrey

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Ristrutturazione di Hearth House: un'armonia tra passato e presente nel Surrey Lo studio di architettura britannico Medium ha recentemente completato la ristrutturazione di Hearth House, una casa di campagna degli anni '50 situata nel Surrey. Questo progetto ha portato chiarezza a una serie di estensioni disordinate, migliorando sia l'estetica che la funzionalità dell'abitazione.

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Immersa nel Surrey Hills National Landscape, la casa originaria era stata ampliata nel tempo con un insieme di blocchi rettilinei a un piano, che soffrivano di scarsa performance termica e di una disposizione disgiunta. Medium ha lavorato per unificare questi ampliamenti, mantenendo il maggior numero possibile di elementi esistenti e rivestendo l'intera facciata con intonaci bianchi lisci e grezzi.

Il progetto ha ridotto l'area totale della casa di 17 metri quadrati, un processo descritto dal direttore Benjamin Wells come un modo per far "lavorare di più" ogni stanza. L'obiettivo principale era quello di mantenere il più possibile la struttura esistente, trasformando nel contempo la funzionalità della casa per la vita familiare.

L'abitazione presenta un piano a forma di L, con il cottage originale a ovest e una serie di estensioni a nord, in precedenza scarsamente collegate tra loro e con il giardino. Medium ha trasformato l'area di incontro tra i due spazi in una sala da pranzo che ruota attorno a una colonna in legno e presenta un soffitto in abete di Douglas.

Questa sala da pranzo offre una vista sul giardino attraverso ampie finestre e si affaccia su un'accogliente area di soggiorno, organizzata attorno al focolare, che dà il nome alla casa. Il focolare, in precedenza ostruito, è stato ripristinato e specchiato per affrontare la nuova sala da pranzo, diventando il centro attorno al quale si collegano la sala da pranzo e la cucina.

Il design ha anche enfatizzato i collegamenti tra la casa e il giardino, realizzati tramite viste incorniciate, soglie estese e diverse "stanze" esterne. In aggiunta, Medium ha utilizzato scarti di legno per creare arredi su misura, come panche, armadi e scaffalature, contribuendo a un ambiente accogliente e funzionale.

La ristrutturazione di Hearth House rappresenta un perfetto esempio di come sia possibile unire design e sostenibilità, creando spazi che non solo rispettano l'architettura storica, ma la esaltano, rendendo la casa un luogo ideale per la vita familiare moderna.

Per ulteriori ispirazioni e progetti innovativi, visita architectsadvisor.com.

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Casa Multigenerazionale con Facciata in Mattone Traspirante a Da Nang

Casa Multigenerazionale con Facciata in Mattone Traspirante a Da Nang

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Casa Multigenerazionale con Facciata in Mattone Traspirante a Da NangNascosta in un vicolo stretto di Da Nang, Vietnam, l'architettura di Live Out Studio ha completato Terracotta Breath, una residenza multigenerazionale caratterizzata da una facciata in mattone poroso. Progettata per ospitare due famiglie su un modesto lotto urbano di 7 × 22 metri, il progetto bilancia intimità e indipendenza. Al ...

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Una Palette Radicata nella Terra e nel Clima

Il design di Live Out Studio abbraccia i principi del feng shui vietnamita e un budget contenuto, risultando in una casa che si sente sia radicata che inventiva. Strategie climatiche passive garantiscono ventilazione naturale e ombra, mentre una palette di materiali composta da mattone, bambù, legno, intonaco color argilla e tetto in lamiera ondulata lega l'edificio al suo contesto locale. Questo linguaggio coeso e terroso, creato dallo studio vietnamita, fluisce dalla facciata al sentiero del giardino, formando un involucro termicamente responsivo che si integra senza soluzione di continuità nel suo denso contesto urbano.

Dettagli di Eccellenza Artigianale Locale

Ogni dettaglio porta l'impronta dell'artigianato locale. Schermi in mattone operabili filtrano luce e flusso d'aria, balaustre in corda intrecciata a mano addolciscono gli spazi di circolazione, e il mattone lavorato con cura aggiunge texture e ritmo alla facciata. Questi gesti sono tanto pratici quanto poetici — garantendo comfort nel clima tropicale e creando sottili strati di privacy e apertura.

La residenza multigenerazionale è definita dalla sua facciata in mattone poroso, mentre al centro del progetto si trova un cortile piantumato. Le strategie climatiche passive assicurano ventilazione naturale e ombra, creando un'abitazione che si sente sia radicata che inventiva, progettata per accogliere due famiglie, bilanciando intimità e indipendenza.

Scopri di più su questo straordinario progetto su designboom | architecture & design magazine.

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Otto case infill che trasformano gli spazi vuoti delle città

Otto case infill che trasformano gli spazi vuoti delle città

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Otto case infill che trasformano gli spazi vuoti delle cittàNel nostro ultimo articolo, esploriamo otto case infill che rispondono alle sfide dei lotti in città con design che si integrano o contrastano con gli edifici circostanti. Da Dublino a Buenos Aires, queste case dimostrano modi intelligenti per trasformare i terreni vacanti in abitazioni uniche.

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Spruce House, Regno Unito, di Ao-ft

La Spruce House è stata progettata per integrarsi con il paesaggio urbano di Londra, unendo le case a schiera circostanti. La facciata è completamente coperta da listelli di legno verticali, creando un elemento di curiosità. Basata sulla storia del quartiere come via principale di un villaggio, la facciata ricorda una vetrina, con un piano interrato in vetro schermato da listelli di legno.

Glass Brick House, Belgio, di Delmulle Delmulle Architecten

Situata a Gand, questa casa è circondata da edifici su tre lati, limitando le aperture delle finestre. I mattoni di vetro nel piano superiore della facciata portano luce naturale all'interno, mentre le camere da letto sono posizionate al piano terra dietro la facciata in terracotta.

Curtain House, USA, di Johnsen Schmaling Architects

In Wisconsin, la Curtain House si distacca dalla sagoma inclinata delle case vicine e opta per una forma rettangolare rivestita di lamelle di legno e metallo. Questa aggiunta contemporanea mira a ridefinire le convenzioni delle abitazioni infill.

Casa Dublino, Irlanda, di Gró Works

Questa casa infill a Dublino utilizza mattoni rossi e pannelli metallici perforati per creare un’atmosfera industriale, richiamando le eleganti case vittoriane circostanti. Gli spazi interni sono ben definiti, con camere da letto al piano terra e un’area living open space al piano superiore.

Casa Ederlezi, Messico, di Práctica Arquitectura

Situata a Monterrey, Casa Ederlezi è composta da due volumi in cemento rosso separati da un cortile centrale, progettata per garantire privacy e spazio aperto all'interno delle mura perimetrali.

NW10 House, Regno Unito, di Platform 5 Architects

Questa casa occupa un lotto triangolare a Londra e presenta una forma irregolare che risponde ai vincoli di pianificazione. Gli spazi interni sono caratterizzati da interni in calcestruzzo esposto.

TH House, Vietnam, di ODDO Architects

Situata ad Hanoi, TH House sfrutta un lotto stretto con lucernari e pareti perforate per massimizzare la luce naturale, mantenendo una facciata in vetro leggermente sporgente.

Casa Vedia, Argentina, di BHY Arquitectos

Questa casa a Buenos Aires, situata tra due pareti divisorie, incorpora due cortili e un design bianco per ottimizzare la qualità degli spazi, con un tetto a doppia pendenza per armonizzarsi con il quartiere residenziale circostante.

Per ulteriori informazioni su queste case innovative, visita il sito di Dezeen.

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Un'Extension da Sogno: L'arte di James Grayley in un Cottage di Suffolk

Un'Extension da Sogno: L'arte di James Grayley in un Cottage di Suffolk

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Nel cuore della campagna inglese, dove il tempo sembra scorrere con un ritmo diverso, sorge un cottage che racconta storie di epoche lontane. L'architettura di James Grayley ha saputo dare nuova vita a questo angolo di Suffolk, realizzando un'extension che è un inno alla rusticità e al calore. I mattoni rossi, le scandole di rovere e i pavimenti in terracotta si intrecciano in un abbraccio di mate...

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Church Cottage, un antico fienile convertito, è un gioiello architettonico che ha visto il susseguirsi delle generazioni. Originariamente costruito nel XVIII secolo per accogliere due famiglie di agricoltori, questo edificio di Grade II ha subito diverse trasformazioni, culminando in quest'ultima opera di Grayley. L'extension, avvolta in una veste di scandole che sembrano danzare al vento, si erge con orgoglio, richiamando la silhouette dei tetti di paglia circostanti.

La nuova ala, situata a nord-ovest, non è solo un ampliamento, ma un gesto di connessione con il paesaggio, un dialogo tra interno ed esterno. L'idea principale era quella di creare uno spazio per riunirsi, un luogo dove le famiglie potessero ritrovarsi attorno a una tavola, condividendo risate e storie. Con un soffitto inclinato punteggiato da lucernari, la luce naturale inonda l'area living, trasformando ogni pasto in un'esperienza unica.

Ogni dettaglio è pensato con cura. Le finestre incassate in rovere incorniciano la vista del giardino, mentre una porta scorrevole in vetro invita a varcare la soglia verso un patio che si fonde con il verde circostante. Sul tetto, un giardino di fiori selvatici si unisce armoniosamente al prato locale, creando un'estensione della natura stessa.

Il pavimento in piastrelle a herringbone, che ricorda le antiche tradizioni locali, si sposa perfettamente con il camino in mattoni rossi, il cuore pulsante di questo spazio aperto. Qui, il passato e il presente si intrecciano in un abbraccio caldo e accogliente, permettendo a chiunque di sentirsi a casa.

In un mondo che corre veloce, l'architettura di James Grayley invita a rallentare, a respirare e a godere della bellezza che ci circonda. L'extension di Church Cottage non è solo una questione di spazio, ma un atto d'amore verso la cultura e la storia di Suffolk.

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Il Royal Park Hotel Ginza 6 Chome: Un'Oasi di Eleganza nel Cuore di Tokyo

Il Royal Park Hotel Ginza 6 Chome: Un'Oasi di Eleganza nel Cuore di Tokyo

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Nel frenetico cuore di Tokyo, dove il passato incontra il futuro, sorge il Royal Park Hotel Ginza 6 Chome. Questo straordinario progetto, firmato dagli architetti di Mitsubishi Jisho Design, si erge maestoso con i suoi 15 piani, offrendo un rifugio di lusso e modernità in uno dei quartieri più iconici del Giappone.

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Situato lungo la vivace Showa-dori, il nuovo hotel con 273 camere è un vero e proprio punto d'incontro per visitatori internazionali e la cultura locale. La sua struttura, progettata con una sapiente combinazione di funzionalità e stile, si integra perfettamente nel paesaggio urbano, richiamando l’attenzione con il suo design elegante e contemporaneo.

La costruzione, che occupa un'area di 900 m², non è solo un luogo dove pernottare, ma un'esperienza che abbraccia l'arte dell'accoglienza. Con un livello sotterraneo e una facciata che riflette il dinamismo della zona, il Royal Park Hotel si propone come una destinazione imperdibile per chi cerca un soggiorno indimenticabile nella capitale giapponese.

Completato nel 2024, il progetto è stato orchestrato da un team di talentuosi architetti, tra cui Michio Koda e Satoshi Shimizu, che hanno unito le loro visioni per dar vita a questo spazio unico. L'interior design, realizzato da HBA, arricchisce ulteriormente l'atmosfera di lusso e raffinatezza, rendendo ogni angolo dell'hotel un capolavoro da scoprire.

In un'epoca in cui l'ospitalità si evolve, il Royal Park Hotel Ginza 6 Chome rappresenta un nuovo standard di eleganza e comfort, un invito a vivere Tokyo in modo autentico e sofisticato.

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Sofà Bloom: Un Abbraccio di Design e Natura

Sofà Bloom: Un Abbraccio di Design e Natura

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Nel mondo del design, dove gli oggetti raccontano storie e i materiali evocano emozioni, il sofà Bloom di Hee Welling per Ocee & Four si erge come un poema visivo, un inno alla morbidezza e alla convivialità. Immaginate un giardino in fiore, dove i petali si intrecciano in un abbraccio caldo e accogliente: così si presenta questa creazione che strizza l'occhio alla natura, con curve delicate e...

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La struttura modulare di Bloom permette una versatilità senza precedenti, permettendo di plasmare il sofà in configurazioni che spaziano da accoglienti divani a isole intime, perfette per il lavoro concentrato o semplicemente per un momento di relax. Ogni elemento è pensato per rispondere a un bisogno umano, per invitare a sedersi, a condividere, a sognare. “Volevo creare un sistema che si sentisse veramente invitante”, confida Welling, catturando l'essenza di ciò che significa vivere uno spazio.

Ma non è solo l'estetica a colpire: Bloom è frutto di una scelta responsabile, realizzato con materiali sostenibili e un design riparabile, per garantire una vita lunga e fruttuosa al vostro nuovo compagno di stanza. Con un telaio robusto e componenti sostituibili, questo sofà è più di un semplice pezzo d'arredo; è un investimento in un futuro più verde.

In un'epoca dove il culto dell'effimero rischia di prevalere, Bloom si pone come un faro di speranza, un oggetto che invita a rallentare, a prendersi cura di ciò che ci circonda. Sedersi sul sofà Bloom significa immergersi in un abbraccio di design e natura, un'esperienza che trasforma il soggiorno in un rifugio di serenità.

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La Biennale di Architettura di Pisa 2025: Un Viaggio nel Futuro tra Natura e Innovazione

La Biennale di Architettura di Pisa 2025: Un Viaggio nel Futuro tra Natura e Innovazione

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Dal 10 ottobre al 16 novembre 2025, Pisa si trasformerà in un palcoscenico di idee e innovazioni grazie alla Biennale di Architettura. Un evento che invita a riflettere sul nostro futuro attraverso il tema "NATURE", un dialogo aperto tra architettura ed ecologia. In un periodo in cui il nostro pianeta chiede attenzione, la Biennale si propone come un cantiere di idee, dove oltre settanta studi int...

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Curata dall’Associazione LP, questa VI edizione non è solo una mostra, ma un vero e proprio laboratorio di pensiero. Gli spazi storici di Pisa – dalle logge agli arsenali – diventeranno luoghi di discussione e riflessione, unendo architetti, cittadini e amministratori in un’unica narrazione. La missione? Riscoprire i legami tra l’uomo e la natura, promuovendo una conversione ecologica ed etica che sfidi le convenzioni del passato.

Il presidente del Comitato Scientifico, Massimo Pica Ciamarra, ci ricorda che per affrontare questa sfida servono coraggio e immaginazione. La Biennale, da sempre, si è proposta come un dispositivo civico, cercando soluzioni innovative per il benessere collettivo. Ogni progetto esposto sarà un tassello di un mosaico che unisce architettura, salute, paesaggio e tecnologia, invitando a ripensare il nostro modo di vivere gli spazi urbani.

Sei ambiti di ricerca guideranno la narrazione di quest’anno: dall’importanza delle infrastrutture verdi alla connessione tra città e natura, dal ruolo dell’acqua nella rigenerazione urbana alla creazione di spazi lavorativi più sostenibili. Ogni tema sarà esplorato attraverso mostre, conferenze e talk, offrendo una panoramica a 360 gradi su come possiamo costruire un futuro in sintonia con l’ambiente.

La Biennale di Architettura di Pisa 2025 non sarà solo un evento da osservare, ma un’occasione per partecipare attivamente a una riflessione condivisa. La qualità della vita e la tutela dei paesaggi fragili saranno al centro di questa manifestazione, che si preannuncia ricca di spunti e incontri.

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Ritorno al Futuro: Il Rinnovamento dell'Eagle and Child di Foster + Partners

Ritorno al Futuro: Il Rinnovamento dell'Eagle and Child di Foster + Partners

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Nel cuore di Oxford, tra le pieghe di una storia che affonda le radici nel 1840, si erge l'Eagle and Child, un pub che non è solo un luogo di ritrovo, ma un vero e proprio scrigno di storie. Qui, gli Inklings, quel gruppo di scrittori che includeva nomi come J.R.R. Tolkien e C.S. Lewis, si incontravano per dare vita a conversazioni che avrebbero cambiato la letteratura. Oggi, questo luogo iconico ...

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Questo è il primo progetto di pub per la celebre firma architettonica, e si presenta come una sfida avvincente: come preservare l’anima di un luogo intriso di storia, mentre si introduce un tocco di modernità? La risposta risiede nella collaborazione con gli architetti del patrimonio Donald Insall Associates e nella visione del team di Foster + Partners, che punta a mantenere intatto il carattere originale dell'edificio sottoposto a tutela.

Il piano di ristrutturazione prevede la creazione di spazi di lavoro informali al piano superiore per l'Ellison Institute of Technology e un caffè al piano terra, destinato a trasformare l'Eagle and Child in una meta quotidiana per residenti e visitatori. Gerard Evenden, capo dello studio, sottolinea come ogni intervento sarà delicato, volto a rispettare le molteplici stratificazioni della storia di questo pub. Il progetto prevede anche il restauro del famoso 'Rabbit Room', dove gli Inklings si ritrovavano, e la rinascita di due salotti, con un occhio attento a preservare elementi storici, come le imperfezioni nelle riparazioni in pietra e i lucernari degli anni '80.

La parte posteriore dell'edificio vedrà l'aggiunta di una sala da pranzo, progettata per integrarsi armoniosamente con l'architettura esistente, il tutto incorniciato da un giardino rinnovato e da un passaggio storico che collegherà il pub al caffè. Un percorso che si snoda tra il passato e il futuro, dove ogni pietra racconta una storia e ogni angolo invita a una nuova conversazione.

Foster + Partners, fondato dal premio Pritzker Norman Foster, dimostra ancora una volta la sua abilità nel creare spazi che non solo soddisfano le esigenze moderne, ma celebrano e onorano il passato. La ristrutturazione dell'Eagle and Child non è solo un progetto architettonico, ma un atto di amore verso un luogo che ha ispirato generazioni di pensatori e creativi. Un luogo che, grazie a questo rinnovamento, continuerà a vivere e a raccontare le proprie storie nel corso dei decenni a venire.

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Scoprire gli Interni Brutalisti: Vita Nascosta Dietro le Facciate di Cemento

Scoprire gli Interni Brutalisti: Vita Nascosta Dietro le Facciate di Cemento

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Scoprire gli Interni Brutalisti: Vita Nascosta Dietro le Facciate di CementoIl libro Brutalist Interiors, curato da Derek Lamberton e pubblicato da Blue Crow Media, esplora gli spazi interni di alcuni dei più emblematici edifici brutalisti nel mondo. Dietro le austere facciate in cemento, si nasconde una realtà di interni profondamente influenti e culturalmente significativi.

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Questa pubblicazione presenta una survey globale dell'architettura brutalista, rivelando luoghi come sale civiche, strutture sacre, complessi di edilizia sociale e abitazioni private. Con oltre 100 fotografie e sette saggi, il libro offre un'opportunità unica di contemplare la bellezza e la chiarezza scultorea che caratterizzano il brutalismo.

Il volume include esempi significativi da tutto il mondo, come i progetti civici in Ghana, le forme meditative in cemento del Giappone e l'iconico Habitat 67 di Montreal. Ogni luogo è documentato con rigore, combinando nuovi scatti fotografici con saggi originali che esaminano le condizioni etiche, sociali e politiche che hanno plasmato il design brutalista.

Le fotografie di autori come Iwan Baan e Roberto Conte catturano l'estetica austera e il dinamismo formale degli interni, mentre i saggi di storici e critici architettonici offrono una prospettiva sfumata su come questi spazi riflettano le ambizioni culturali del loro tempo. Brutalist Interiors non è solo un archivio visivo, ma anche una riflessione critica che invita i lettori a esplorare l'essenza degli interni che definiscono alcune delle opere più significative del brutalismo.

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Venezia si illumina con 'Granda': Una mostra che celebra i giovani talenti dell'arte

Venezia si illumina con 'Granda': Una mostra che celebra i giovani talenti dell'arte

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In una Venezia che si veste di nuovi colori, dal 5 ottobre al 23 novembre, due storiche sedi diventano palcoscenico per i sogni di una generazione di artisti. La mostra 'Granda', curata con passione da Antonio Grulli, rappresenta non solo il culmine del programma Atelier 2024-25 delle Fondazioni Musei Civici di Venezia e Bevilacqua La Masa, ma un vero e proprio viaggio nell’arte contemporanea. Qui...

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Palazzetto Tito e la Galleria di Piazza San Marco, due luoghi emblematici, si trasformano così in un crocevia di idee e creazioni. 'Granda' si fa dunque veicolo di dialogo, un invito a esplorare le sensibilità artistiche che nascono dal vivere e dal lavorare a Venezia. Ogni opera esposta racconta una storia, un pensiero, un frammento dell'anima di chi ha scelto questa città come proprio laboratorio creativo.

La mostra è aperta al pubblico dal mercoledì alla domenica, dalle 10.30 alle 17.30, con un'apertura speciale il giorno dell'inaugurazione. Un pomeriggio che promette di essere memorabile, dove il pubblico potrà immergersi in un’atmosfera vibrante e ricca di emozioni. Venezia si prepara ad accogliere l’arte in tutte le sue forme, in un evento che celebra la gioventù e la creatività.

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La Magia del Mocha Mousse: Trasformare il Bagno in un Santuario con LAUFEN

La Magia del Mocha Mousse: Trasformare il Bagno in un Santuario con LAUFEN

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È un colore che abbraccia, che avvolge come una carezza: il Mocha Mousse, selezionato da Pantone come colore dell'anno 2025, si fa strada nella nostra quotidianità, specialmente in quegli spazi che consacriamo al nostro benessere, come il bagno. LAUFEN, un nome che risuona da oltre un secolo nel mondo del design d'interni, ha colto questa tendenza e l'ha trasformata in una realtà tangibile.

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Immagina di entrare in un bagno dove le tonalità morbide e vellutate del marrone, ispirate dalla natura, creano un'atmosfera di tranquillità. Questi colori non sono semplici sfumature, ma veri e propri strumenti per riequilibrare le energie e dedicare tempo a se stessi. Con LAUFEN, ogni dettaglio è pensato per accompagnarti in questo viaggio sensoriale.

Le collezioni di ceramiche, accessori e mobili di LAUFEN, come il raffinato ILBAGNOALESSI, esplorano il profondo significato dei colori. La nuova palette, sviluppata con il designer Roberto Sironi, trae ispirazione da oltre 10.000 reperti storici, esibendo tonalità avvolgenti che evocano la luce del sole e la calda terra delle civiltà passate. I toni sabbiosi della Mesopotamia e l'arancio bruciato della terra romana si fondono in un linguaggio cromatico contemporaneo e senza tempo.

Ma il colore non è tutto. LAUFEN non può prescindere dalla qualità dei materiali. Il Saphirkeramik, una ceramica innovativa, permette di realizzare forme leggere e curve senza compromettere la resistenza. È qui che il Mocha Mousse entra in gioco, non solo come un colore, ma come un modo per influenzare l'umore e l'emozione. Le finiture metalliche della collezione ADA, disponibili in rame, titanio e oro, aggiungono un tocco di eleganza a questa tavolozza calda.

Per completare l'esperienza di un bagno che sa di lusso e serenità, la nuova collezione ARUN di LAUFEN si distingue per la sua lavorazione artigianale di alta qualità. Le finiture calde, dai toni terracotta al rame, si abbinano a materiali naturali come il rovere chiaro e il noce pregiato, creando un'atmosfera sensoriale che eleva ogni momento di cura personale.

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Un Rifugio di Luce: Trasformare Tubazioni Industriali in Spazi di Intimità

Un Rifugio di Luce: Trasformare Tubazioni Industriali in Spazi di Intimità

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Immaginate un angolo della città, dove le strade si intrecciano e le persone si affrettano. In questo contesto frenetico, emerge una struttura singolare: un rifugio che invita a fermarsi, a respirare. Questa installazione, progettata con tubazioni industriali, si erge come un monumento alla pausa, un abbraccio di metallo che racchiude un cuore di legno. Un bar di tranquillità in un mondo che corre...

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La struttura, concepita per essere un luogo di ritrovo, offre un sedile centrale in compensato, dove ogni passante può fermarsi e riflettere. Le tubazioni, normalmente invisibili nel loro uso quotidiano, si trasformano in un linguaggio architettonico che invita a esplorare il concetto di spazio condiviso. Sotto le stelle, un delicato bagliore emana dalla sommità dell'installazione, creando un'atmosfera intima che invita a lasciarsi andare.

Questo progetto non è solo un'opera d'arte, ma un invito a ripensare l'urbanistica. Immaginate una rete di queste piccole strutture sparse per la città, ognuna pronta a offrire un attimo di pausa e riflessione. Un richiamo a trovare la bellezza anche nel grigiore urbano, a cercare l'intimità anche tra le tubazioni e i rumori della vita quotidiana. Il design industriale si fonde con l'esperienza umana, creando un equilibrio perfetto tra funzionalità e poesia.

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Scopri House L: Un Capolavoro di Architettura Sostenibile a Paraty

Scopri House L: Un Capolavoro di Architettura Sostenibile a Paraty

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House L: Un Capolavoro di Architettura Sostenibile a Paraty Situata nel suggestivo quartiere di Corisquinho a Paraty, Brasile, House L progettata da Kiti Vieira Arquitetura si distingue per la sua armoniosa integrazione con il paesaggio circostante. Per accedere a questa straordinaria abitazione, è necessario attraversare un ponte di legno e cavo che sovrasta un fiume, offrendo viste mozzafiato s...

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Una volta superato il ponte, il terreno inizia a salire e la casa si rivela all'orizzonte, emergendo tra le chiome degli alberi. La progettazione di House L non è solo estetica, ma riflette un profondo rispetto per l'ambiente, utilizzando materiali sostenibili come il legno, che contribuiscono a creare un'atmosfera calda e accogliente.

Completata nel 2024, questa abitazione di 54 m² si sviluppa su un unico livello, consentendo una connessione immediata con la natura circostante. Ogni dettaglio è stato pensato per garantire il massimo comfort e funzionalità, rendendo House L un esempio di innovazione nell'architettura residenziale.

In questo progetto, Kiti Vieira e il suo team, tra cui Lais Carvalho, hanno dimostrato come sia possibile coniugare modernità e sostenibilità, creando spazi che non solo soddisfano le esigenze abitative, ma che celebrano anche la bellezza naturale di Paraty. Non perdere l'occasione di scoprire questo straordinario esempio di architettura contemporanea!

Per ulteriori dettagli, visita l'articolo completo su ArchDaily.

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Casa Tao: Un Rifugio di Calma e Minimalismo a Puerto Vallarta

Casa Tao: Un Rifugio di Calma e Minimalismo a Puerto Vallarta

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Casa Tao: Un Rifugio di Calma e Minimalismo a Puerto VallartaSituata a Puerto Vallarta, in Messico, Casa Tao è un capolavoro progettato da HW Studio, dove l'architettura si fonde armoniosamente con il clima costiero. Anziché cercare una vista da cartolina, la casa si affaccia su un cortile alberato, accogliendo brezze e profumi mentre filtra la luce intensa del sole del Pacifico.

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Il progetto nasce dalla memoria silenziosa di coloro che lo abitano. Gustavo, cresciuto a Puerto Vallarta, desiderava una casa che promettesse frescura e rifugio, ispirandosi alla modestia dell'abitazione della sua infanzia, dove l'ombra era essenziale. Sua moglie, Cynthia, ha portato un fascino per il design giapponese, influenzata da un viaggio che ha fatto con le loro figlie.

Il team di design ha commentato: "Vorremmo sentirci come se vivessimo in un museo giapponese", descrivendo un luogo dove il tempo rallenta e il silenzio è palpabile. Queste esperienze hanno plasmato ogni decisione, conferendo a Casa Tao un linguaggio di sobrietà e profondità.

Una Composizione di Geometrie Semplici

HW Studio ha organizzato il piano di Casa Tao come una composizione di forme sovrapposte. Le camere da letto, il garage e le aree di servizio formano una base solida, mentre un volume leggero e a doppia altezza fluttua sopra, ospitando gli spazi sociali. Sollevando le aree living, gli architetti le hanno circondate di aria e viste tra gli alberi, catturando la brezza marina senza esporre gli interni alla luce solare diretta.

All'interno, le camere da letto si affacciano su un patio appartato, dove una parete curva e un singolo albero creano una soglia morbida, incoraggiando un movimento lento e deliberato. "L'ombra qui è una condizione emotiva", osserva il team, "una promessa di calma e protezione silenziosa".

HW Studio e l'Influenza del Design Giapponese

Il cemento costituisce il nucleo strutturale di Casa Tao, scelto da HW Studio per la sua durabilità e profondità tattile. Le superfici esposte assorbono la luce del sole costiero con un bagliore attenuato, mentre le finiture bianche esaltano il delicato contrasto tra ombra e luce. Il team desiderava che il materiale registrasse la luce, piuttosto che rimbalzarla.

Nel tempo, il cemento si scalderà e si ammorbidisce, diventando una superficie che documenta l'uso e il clima, piuttosto che resistervi. La combinazione di massa solida e illuminazione delicata conferisce alla casa una serenità meditativa, invitando a sostare e riflettere.

Ogni spazio è un'atmosfera per l'osservazione silenziosa, in sintonia con le riflessioni dell'autore giapponese Junichirō Tanizaki nel suo saggio "In Praise of Shadows", dove la luce sottile rivela profondità e texture. HW Studio cattura quello spirito, permettendo a luce e ombra di guidare i sensi e rallentare il giorno, trasformando l'abitare in uno studio della presenza.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

Festival Internazionale di Architettura di Hiroshima 2025: Un Viaggio nel Futuro

Festival Internazionale di Architettura di Hiroshima 2025: Un Viaggio nel Futuro

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Immaginate di passeggiare tra le strade di Hiroshima, dove l'architettura non è solo una questione di edifici, ma una sinfonia di idee, materiali e sogni. Dal 4 ottobre al 30 novembre 2025, la città ospiterà il Festival Internazionale di Architettura di Hiroshima, un evento triennale concepito dalla Fondazione Culturale Kambara–Tsuneishi. Questa prima edizione promette di essere un crocevia di cre...

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Il festival abbraccia un assortimento di voci che spaziano dai maestri come Tadao Ando e Toyo Ito a studi emergenti come Studio Mumbai e VUILD. Attraverso esposizioni e installazioni specifiche per il sito, i partecipanti offriranno una riflessione profonda su come l'architettura giapponese continui a evolversi, bilanciando tradizione e innovazione, artigianato e tecnologia.

Nel cuore di Onomichi, il Museo d'Arte della Città di Onomichi ospiterà un'esposizione intitolata Nove Visioni: Architetti Giapponesi dal Giappone al Mondo, mettendo in luce i premiati con il Pritzker e il loro impatto sul discorso architettonico globale. Qui, l'architettura diventa un potente strumento di dialogo sociale, come dimostra la Casa di Carta di Shigeru Ban, simbolo di responsabilità sociale e resilienza.

Spostandosi a Fukuyama, il Museo e Giardini Zen di Shinshoji presenterà l'esposizione Next Architecture: Connecting Futures Through Design, che esplora il dialogo tra architettura, ambiente e società. Attraverso modelli e progetti, gli architetti invitati ci faranno riflettere su come le future città possano coesistere in armonia con la natura.

Il festival non si limita a mostre statiche: piccole architetture mobili, progettate da Yasushi Horibe e Junya Ishigami, punteggiano il paesaggio urbano, invitando i visitatori a interagire con l'ambiente e a riflettere sul concetto di transitorietà. Ogni chiosco racconta una storia unica, unendo arte e vita quotidiana.

Ma il vero cuore pulsante di questo festival è la sua missione: coltivare una cultura di creatività, educazione e immaginazione civica. Ogni esposizione è accompagnata da discussioni pubbliche e laboratori, dove il pubblico avrà l'opportunità di dialogare con figure di spicco come Sou Fujimoto e Junya Ishigami. Questo è un invito a tutti noi, non solo a osservare, ma a partecipare attivamente alla costruzione del nostro futuro.

Così, mentre Hiroshima si prepara a trasformarsi in un palcoscenico di idee, il Festival Internazionale di Architettura di Hiroshima 2025 non è solo un evento: è un inizio. Un inizio di un dialogo significativo e duraturo che potrebbe diventare la risposta del Giappone alla Biennale di Architettura di Venezia.

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Un Gioiello Architettonico: La Torre Vilo di Buenos Aires

Un Gioiello Architettonico: La Torre Vilo di Buenos Aires

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Nel cuore pulsante di Buenos Aires, un edificio si erge come un faro di modernità: la Torre Vilo, creazione del noto studio Rafael Viñoly Architects. Con la sua facciata in vetro, la torre invita a riflettere non solo sulla sua estetica, ma anche sul significato profondo di trasparenza e razionalità che la guida. In un mondo dove l'architettura spesso sembra correre verso l'ovvio, questo capolavor...

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Le opinioni si intrecciano come le linee architettoniche di questo grattacielo. "Visivamente, è piuttosto straordinario", dichiara un lettore, mentre un altro non esita a definirlo "un vero gioiello di edificio!”. Eppure, la bellezza è soggettiva e non mancano le voci critiche. Un commentatore avverte: "È difficile immaginare che qualcuno che vive a Buenos Aires possa proporre un ufficio che sembra una serra." E, in effetti, la questione della funzionalità in un clima caldo è un tema che merita attenzione.

Ma non è solo la Torre Vilo a suscitare discussioni appassionate. In un angolo della Repubblica Ceca, un altro progetto – una torre panoramica realizzata con due container – solleva un dibattito simile. "È un'idea economica e rimovibile", sostiene un sostenitore, mentre i detrattori vedono in essa un'aggiunta superflua a un paesaggio già incantevole. Questa tensione tra progresso e preservazione è il fulcro del dibattito contemporaneo sull'architettura.

In questo panorama di opinioni contrastanti, emerge la bellezza della discussione architettonica: ognuno porta il proprio punto di vista, le proprie esperienze e il proprio background culturale. Ogni commento, ogni parola scritta, contribuisce a costruire un dialogo che va oltre l'edificio stesso. E tu, cosa ne pensi? Qual è la tua visione dell'architettura moderna?

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La Fondazione Cartier: un Nuovo Inizio nel Cuore di Parigi

La Fondazione Cartier: un Nuovo Inizio nel Cuore di Parigi

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Il 25 ottobre 2025, Parigi si preparerà ad accogliere una nuova era dell'arte contemporanea con la riapertura della Fondazione Cartier pour l'Art Contemporain. Questa istituzione, già simbolo di innovazione, si trasforma grazie al genio architettonico di Jean Nouvel, che ha reinventato i Grands Magasins du Louvre in un organismo mobile, un palcoscenico per l'arte che sfida le convenzioni del museo...

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La prima esposizione, Exposition Générale, curata da Formafantasma, riunisce oltre 600 opere di oltre 100 artisti, tra cui nomi illustri come David Lynch, Claudia Andujar e Sarah Sze. Questi artisti tracciano un percorso attraverso quarant'anni di creazione contemporanea, invitando il pubblico a esplorare un ambiente dove ogni opera diventa parte di un dialogo in continua evoluzione.

Nouvel ha concepito un edificio che si comporta come una macchina cinetica, dotata di cinque piattaforme monumentali in acciaio, ciascuna capace di cambiare la configurazione degli spazi espositivi con un semplice comando. Questi spazi, ricchi di luce e movimento, offrono un'esperienza sensoriale unica, dove il confine tra l'interno e l'esterno si dissolve, creando un palcoscenico urbano trasparente.

Le sezioni della mostra, suddivise in quattro costellazioni tematiche - Machines d'architecture, Être nature, Making Things e Un monde réel - offrono una visione sfaccettata del nostro mondo contemporaneo. Ogni sezione invita il visitatore a riflettere su questioni di architettura, natura, artigianato e tecnologia, mescolando opere d'arte, installazioni e performance.

La Fondazione Cartier non è solo un luogo dove osservare, ma un campo di esperimenti sociali e culturali, dove l'arte si intreccia con la vita quotidiana. Con un design che dialoga con la storia del sito, il nuovo spazio ricorda le grandi esposizioni dell'800, mentre si proietta verso il futuro.

Parigi, con la sua architettura e la sua anima artistica, si prepara a celebrare questa rinascita, dove ogni visitatore è invitato a diventare parte di un'esperienza collettiva, un viaggio attraverso l'arte che promette di essere tanto sorprendente quanto illuminante.

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Curvature in Legno: Un Eclatante Ufficio nel Cuore della Norvegia

Curvature in Legno: Un Eclatante Ufficio nel Cuore della Norvegia

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Nel panorama architettonico di Kristiansand, un edificio si erge non solo come spazio di lavoro, ma anche come un'opera d'arte viva. Il progetto di Oslotre, intitolato Lumber 4, si distingue per la sua audace facciata curvilinea in legno, che danza con la luce e crea un ritmo visivo unico. Ogni curva racconta una storia, un invito a esplorare l'armonia tra natura e architettura.

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Strutturato su sei piani, Lumber 4 accoglie al piano terra uno spazio commerciale, mentre i piani superiori si dedicano a uffici moderni e funzionali. La scelta del legno massiccio, con colonne e travi in legno lamellare, non è solo una questione estetica, ma un chiaro impegno verso la sostenibilità e l'efficienza. Le travi in CLT e cemento, unite in un abbraccio progettuale, garantiscono sicurezza e comfort acustico, mentre le ampie finestre a tutta altezza inondano gli ambienti di luce naturale, creando un'atmosfera accogliente e stimolante.

La facciata, rivestita di elementi curvi prefabbricati in pino, è trattata con una vernice verde che evolve nel tempo, regalando al palazzo una pellicola di storia e cambiamento. Le ombre proiettate dalle eaves dritte, che contrastano con le curve sottostanti, offrono un gioco di luci che trasforma l'aspetto dell'edificio durante le diverse ore del giorno. Questo dinamismo visivo non è solo un capriccio estetico, ma una riflessione del paesaggio circostante e della variazione degli elementi naturali.

Il cuore pulsante di Lumber 4 è un atrio che collega i piani, creando un punto di incontro e comunicazione tra gli spazi. Qui, il legno massiccio non è solo un materiale, ma un elemento di design che invita a fermarsi, a respirare, a vivere. Con un tempo di costruzione record di soli dodici mesi, questo progetto dimostra che l'architettura in legno può competere e superare le tradizionali strutture in cemento e acciaio.

Con il 90% degli spazi già affittati al termine dei lavori, Lumber 4 non è solo un edificio, ma un simbolo di come il design curvo in legno possa dare vita a spazi di lavoro innovativi e sostenibili, integrandosi perfettamente con l'ambiente che lo circonda.

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Due Grandi Tetti Che Si Incontrano: Design Residenziale Giapponese

Due Grandi Tetti Che Si Incontrano: Design Residenziale Giapponese

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Due Grandi Tetti Che Si Incontrano / KOMINORU DesignIl progetto residenziale "Due Grandi Tetti Che Si Incontrano", realizzato dall'architetto giapponese KOMINORU Design, rappresenta una fusione unica di estetica e funzionalità. Situato in una zona densamente popolata vicino a una stazione, questa casa è progettata per ospitare due famiglie, genitori e figli, su un'area di 250 m².

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Un elemento distintivo di questo progetto è la struttura a due piani che, grazie ai suoi eaves bassi, riesce a creare un aspetto simile a quello di un edificio a un solo piano. Questa soluzione architettonica non solo ottimizza lo spazio, ma offre anche un senso di intimità e connessione tra le famiglie.

Le immagini di Yohei Shirai catturano perfettamente l'essenza di questo progetto, mostrando come i tetti, in un abbraccio architettonico, uniscano i due spazi abitativi. L'uso di materiali sostenibili e tecnologie moderne è un altro aspetto fondamentale del design, che si allinea con le attuali tendenze nel campo dell'architettura residenziale.

Per ulteriori dettagli e immagini, visita l'articolo completo su ArchDaily.

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La Mostra NUTS + BOLTS a NY: Arredi DIY da Materiali di Ferramenta

La Mostra NUTS + BOLTS a NY: Arredi DIY da Materiali di Ferramenta

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La Mostra NUTS + BOLTS a NY: Arredi DIY da Materiali di FerramentaFino al 5 ottobre 2025, la mostra NUTS + BOLTS a Tivoli, NY, organizzata da Available Items, esplora il design innovativo attraverso l'uso di materiali di ferramenta per creare mobili DIY come sedie, tavoli e lampade. Questo evento rappresenta la seconda edizione della mostra, che mette in luce il lavoro di 24 designer, tra cui Fort...

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I designer sono stati incaricati di realizzare un pezzo di arredamento utilizzando esclusivamente articoli reperibili in un negozio di ferramenta locale, limitando l'uso di legno e vietando l'uso di stampa 3D o parti acquistate online. Il risultato è una collezione di oggetti funzionali, visibili presso la mostra NUTS + BOLTS.

Tra i materiali utilizzati ci sono tubi in PVC, parti di grondaia, martelli da terra, morsetti, dadi, bulloni, scope da strada, cancelli di recinzione, teloni e soglie in alluminio. I designer dimostrano così come prodotti utilitari possano essere trasformati in mobili finiti.

La mostra, situata al 64 Broadway, Tivoli, NY, offre una visione unica di come la creatività possa emergere dall'uso di materiali quotidiani. Ad esempio, Christian Borger presenta una lampada modulare realizzata con lamelle per soffitti, mentre Office of Tangible Space espone lo Street Broom Stool, una sedia che utilizza manici di scope come gambe e telaio, con le setole che costituiscono la seduta principale.

Un altro pezzo notevole è il Catch & Release di Fort Standard, una lampada a pavimento che combina un martello da terra, morsetti e una rete da pesca, creando un oggetto funzionale dall'unione di materiali di diverse categorie come giardinaggio e plumbing.

La mostra NUTS + BOLTS è una celebrazione della creatività e della riutilizzazione, mostrando come l'innovazione possa nascere dall'ordinario. Non perdere l'opportunità di visitarla fino al 5 ottobre 2025.

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Un Cortile Verde: L'Anima di una Casa-ufficio Ibrida a Bangkok

Un Cortile Verde: L'Anima di una Casa-ufficio Ibrida a Bangkok

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In una Bangkok frenetica, dove il cemento e l'asfalto sembrano dominare ogni angolo, emerge un'opera che sfida le convenzioni: P Home, una casa-ufficio ibrida conçepita dallo studio Krubka. Qui, la natura non è un semplice accessorio, ma il cuore pulsante di un'abitazione che si snoda in verticalità, abbracciando la luce, l'aria e il verde in ogni sua sfumatura.

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Occupando un lotto urbano di 400 mq, questa struttura compatta non solo ospita uffici in affitto e uno studio privato, ma diventa anche un rifugio familiare. L'architettura non si limita a separare le funzioni, ma crea un dialogo continuo tra gli spazi grazie a vuoti luminosi e aperture che permettono alla ventilazione naturale e alla luce di penetrare in profondità. Al centro di questo progetto, un cortile aperto, ancorato da un maestoso albero di Crescentia alata Kunth, diventa il cuore pulsante della casa, un luogo di incontro tra interni, clima e luminosità.

Nel disegno di P Home, la verticalità gioca un ruolo cruciale. Il parcheggio al piano terra accoglie i visitatori, mentre gli uffici si trovano al secondo piano e nel mezzanino. La casa, invece, si estende sul terzo piano e nel mezzanino superiore. Questa disposizione crea un fluido percorso di accesso, favorendo transizioni morbide tra gli spazi e attutendo la densità urbana. Una scala di acciaio rosso funge da controparte delicata al rigore del calcestruzzo a vista, permettendo agli utenti degli uffici di risalire facilmente, mentre i residenti accedono all'abitazione tramite un ascensore privato.

Il soggiorno richiede un rito silenzioso: attraversare il cortile sotto il grande albero di Crescentia prima di entrare nella sala doppia. È un gesto semplice, ma carico di significato, che sottolinea l'importanza della natura nella vita quotidiana. Grandi porte scorrevoli, lucernari e un tendaggio di tessuto retrattile portano luce, brezza e protezione dalla pioggia, mentre interni minimali mettono in risalto le qualità dei materiali: calcestruzzo a vista, blocchi di vetro e mattoni forati che plasmano giochi di luce e ombra. Così, P Home diventa un santuario, dove calcestruzzo, clima e vita umana coexistono in perfetta armonia.

Con P Home, Studio Krubka ci invita a riflettere su come l'architettura possa rimanere aperta, respirabile e connessa alla natura, anche nel cuore di una metropoli densamente popolata. La progettazione verticale non solo ottimizza lo spazio, ma invita la luce naturale e il flusso d'aria tropicale a penetrare in ogni livello. Il cortile centrale, presente solo nella zona residenziale, non è solo un dispositivo climatico, ma rappresenta un simbolo, un punto di incontro tra la vita quotidiana e il ritmo naturale.

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La Casa su El Dragón: Un Capolavoro di Cristian Nanzer in Argentina

La Casa su El Dragón: Un Capolavoro di Cristian Nanzer in Argentina

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La Casa su El Dragón: Un Capolavoro di Cristian Nanzer in ArgentinaSituata nella valle di Punilla, in Córdoba, Argentina, la Casa su El Dragón realizzata da Estudio Cristian Nanzer si erge maestosa su un rilievo collinare, tra La Falda e Huerta Grande. Questo luogo unico è caratterizzato da un terreno montano semi-arido, dove le ripide pendici segnano la transizione tra la valle e le Sierras Chica...

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La topografia gioca un ruolo cruciale nella posizione della dimora. Collocata nel punto più alto del lotto, la casa comanda il paesaggio pur mantenendo un rapporto misurato con l'ambiente circostante. L'architettura in pietra e cemento è guidata dalle condizioni fisiche del sito e dall'orizzonte vasto che si estende oltre.

Una Casa in Cemento su una Base di Pietra Ciclopica

Il team di Estudio Cristian Nanzer ha progettato la Casa su El Dragón su due livelli con un layout lineare. Il piano terra è concepito come un solido basamento costruito con pareti in cemento ciclopico. Queste pesanti pareti, riempite di pietra, ospitano gli spazi più funzionali: camere per gli ospiti, un laboratorio, aree di servizio e il garage. Da qui, l'ingresso principale si collega a una terrazza che si estende verso l'esterno, collegando questa base solida al terreno circostante.

Questo primo livello stabilisce un senso di permanenza. Le spesse pareti ancorano la casa e richiamano le formazioni geologiche della regione, creando un dialogo tattile tra costruzione e sito.

L'Architettura Precisa e Duratura di Cristian Nanzer

Il piano superiore della Casa su El Dragón è caratterizzato da una struttura in cemento a vista, organizzata attorno a una griglia modulare che rende leggibile la gerarchia degli spazi. Gli spazi sociali aperti sono definiti da campate di sei metri, mentre le aree private utilizzano moduli di tre metri. Un ampio atrio d'ingresso separa queste due zone e incornicia le viste verso sud all'ingresso principale.

Le lastre aggettanti estendono il volume superiore verso l'esterno, formando gallerie attorno al perimetro su ogni lato eccetto la facciata sud. Qui, la circolazione lineare si sviluppa lungo la lunghezza della casa, protetta da una partizione sospesa che filtra la luce e punteggia la parete con tre grandi aperture. Queste aperture incorniciate permettono al corridoio meridionale di registrare il movimento della luce durante il giorno, mantenendo al contempo la sua enclosure protettiva.

In sintesi, la Casa su El Dragón rappresenta un perfetto connubio tra natura e architettura, dove pietra e cemento si uniscono in un'armonia visiva e funzionale.

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Il Rinnovamento Giocoso del Giardino d'Infanzia Gyöngyszem di Archikon

Il Rinnovamento Giocoso del Giardino d'Infanzia Gyöngyszem di Archikon

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Nel cuore di Budapest, un luogo che un tempo era solo un semplice asilo degli anni '60 è rinato, abbracciando la vivacità e la sostenibilità. Archikon, uno studio di architettura locale, ha dato vita a Gyöngyszem Kindergarten, un progetto che trasforma la concezione di un asilo prefabbricato in un ambiente giocoso e vivibile. Con una palette di colori pastello e arredi ispirati ai giochi dei bambi...

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Il rinnovamento ha preso forma lungo un viale alberato, dove si ergono quattro blocchi un tempo trascurati. Aggiungendo un piano e sostituendo un oscuro corridoio con volumi vetrati aperti a momenti di aggregazione, Archikon ha creato un giardino d'infanzia che respira. La facciata, un abbraccio di tinte tenui, è adornata da piastrelle colorate che accolgono i piccoli esploratori in un atrio illuminato da un lucernario.

Ogni corridoio, che si snoda come un filo di seta, connette i blocchi e si apre su cortili incantevoli, dove la luce naturale danza attraverso pareti vetrate. Qui, la presenza di scale modulari e di tunnel per strisciare evoca un senso di avventura, mentre spazi comuni attrezzati con arredi in legno offrono riparo per giacche e zaini.

All'estremità orientale, un pergolato di acciaio bianco con tende in tessuto crea un rifugio accogliente, regalando a ciascuna delle dieci aule l'accesso diretto a spazi all'aperto. La progettazione ha tenuto conto dell'ecosostenibilità e della tecnologia, dando vita a quello che viene definito un 'asilo intelligente', pronto a fornire strumenti moderni per l'educazione.

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Riscoprire la Tradizione: Il Teatro di Cheng Tsung FENG in Taiwan

Riscoprire la Tradizione: Il Teatro di Cheng Tsung FENG in Taiwan

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Riscoprire la Tradizione: Il Teatro di Cheng Tsung FENG in TaiwanNel cuore di Changhua, Taiwan, il Cheng Tsung FENG Design Studio ha realizzato un progetto che fonde modernità e tradizione. Questo teatro all'aperto, completato nel 2025, è una monumentale installazione in bambù che celebra le radici culturali dell'isola.

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Artista e architetto, Cheng Tsung FENG ha dedicato la sua carriera alla preservazione delle arti tradizionali. Con questo progetto, ha voluto riportare in vita il palcoscenico in bambù, un elemento architettonico che ha caratterizzato le celebrazioni nei templi taiwanesi, ma che oggi è sempre più raro. Situato presso il Wenwu Temple di Lukang, questo palcoscenico è realizzato con migliaia di pali di bambù, evocando l'antica grandezza di una tradizione in via di estinzione.

La struttura, progettata con attenzione alla sostenibilità e all'utilizzo di materiali locali, rappresenta un esempio di come l'architettura possa dialogare con il passato, creando spazi che sono sia funzionali che evocativi. Il team di progettazione ha collaborato con ingegneri strutturali e specialisti dell'illuminazione per garantire che il teatro non solo fosse esteticamente gradevole, ma anche sicuro e pratico per eventi futuri.

Questo progetto è un invito a esplorare e a riapprezzare le tradizioni culturali, mostrando come la modernità possa essere integrata armoniosamente con la storia. In un'epoca in cui molte di queste pratiche stanno scomparendo, il teatro di Cheng Tsung FENG si erge come un simbolo di speranza e rinascita culturale.

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L'Armonia dell'Architettura Giapponese: Eleganza e Tradizione per la Tua Casa

L'Armonia dell'Architettura Giapponese: Eleganza e Tradizione per la Tua Casa

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L’architettura giapponese non è solo un insieme di linee e spazi; è una sinfonia di eleganza e armonia, dove ogni dettaglio racconta una storia. Immagina di entrare in una casa che respira, che dialoga con la natura, dove il legno caldo si sposa con la luce naturale e i materiali raccontano il tempo e le mani che li hanno plasmati. Questo è il potere del design giapponese, un equilibrio tra tradiz...

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Le origini di questa architettura affondano le radici nei secoli, partendo dai templi buddisti fino ad arrivare alle residenze contemporanee. La semplicità e la funzionalità caratterizzano ogni costruzione, dove ogni elemento ha un significato preciso e un ruolo ben definito. Le stuoie di tatami, ad esempio, non sono solo un pavimento, ma un modo per definire gli spazi e creare armonia; le porte scorrevoli in carta shoji non sono soltanto una separazione fisica, ma un filtro di luce che cambia con il passare delle ore.

Nel Giappone moderno, architetti visionari come Kengo Kuma e Tadao Ando reinterpretano questi principi, mescolando materiali innovativi con tecniche tradizionali. La loro architettura è un viaggio, un invito a esplorare un mondo dove la bellezza si nasconde nell’inaspettato, dove il cemento e il vetro si uniscono al legno e alla natura, creando spazi che sono non solo abitabili, ma anche ispiratori.

Per chi desidera portare un tocco di questa elegante tradizione nelle proprie case, è importante considerare alcuni elementi chiave. L’uso di materiali naturali come il legno e la pietra, la creazione di spazi aperti e luminosi, e l’attenzione ai dettagli sono solo alcune delle caratteristiche che possono aiutarti a realizzare un ambiente che evochi l'essenza dell'architettura giapponese. E non dimenticare l'importanza della luce: ogni stanza dovrebbe comunicare con l'esterno, permettendo alla luce di danzare dentro casa, creando atmosfere mutevoli e suggestive.

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UFC annuncia la costruzione di un'arena nel prato della Casa Bianca

UFC annuncia la costruzione di un'arena nel prato della Casa Bianca

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UFC annuncia la costruzione di un'arena nel prato della Casa BiancaNella recente edizione della nostra newsletter Dezeen Agenda, sono stati presentati i render per un'arena della UFC che verrà costruita nel prato della Casa Bianca. Il presidente della UFC, Dana White, ha svelato i piani per un'arena di arti marziali miste nel South Lawn della Casa Bianca a Washington DC. Questo progetto fa parte d...

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Oltre alla notizia dell'arena, la newsletter di questa settimana include anche i progetti di Foster + Partners per un showroom a Gstaad, un approfondimento sulla carne coltivata in laboratorio e la lista dei migliori edifici della Scozia rivelata dalla RIAS.

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Costruire con Forche: La Magia degli Studenti dell'Architectural Association

Costruire con Forche: La Magia degli Studenti dell'Architectural Association

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Nel cuore di un bosco incantato, dove la natura danza in perfetta armonia, un gruppo di studenti dell'Architectural Association di Londra ha intrapreso un viaggio straordinario. Hanno scoperto un modo semplice e ripetibile per costruire con le forche degli alberi, quei rami che spesso vengono trascurati e lasciati a marcire, ma che invece racchiudono una forza sorprendente.

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Il progetto, intitolato A Forest Datum, ha visto questi giovani architetti cimentarsi nella creazione di un sentiero sospeso, un cammino elevato che si snoda tra gli alberi, realizzato con un materiale che potrebbe essere considerato un rifiuto. Utilizzando una jig, una sorta di attrezzo adattabile, hanno tagliato le forche degli alberi, mantenendo intatta la loro forma a Y, così vantaggiosa dal punto di vista strutturale.

In questo laboratorio a cielo aperto, all'interno del campus di Hooke Park, i partecipanti al corso Design & Make hanno affrontato la sfida di lavorare con i rifiuti del sito, plasmando idee innovative e sperimentando nuove forme di architettura. La forza delle forche, provenienti da potature selettive, è stata sfruttata in modo ingegnoso: ogni ramo, con la sua forma irregolare, è stato concepito come una parte di un blocco invisibile, disposto in modo da sostenere l'intera struttura del pavimento.

La jig, realizzata con legno e connettori stampati in 3D, ha permesso tagli precisi e veloci, mentre un sistema di tensione con cavi Dyneema ha garantito la stabilità del cammino. Non c'è bisogno di tecnologia complessa; la genialità di questo progetto risiede nella sua semplicità, rendendolo accessibile anche in contesti a basso reddito.

Con entusiasmo, Emmanuel Vercruysse, co-direttore del corso, ha dichiarato che questo metodo rappresenta un cambiamento di paradigma nell'uso del legno. Attualmente, l'industria del legno considera altamente efficiente l'uso del 50% di un albero, ma ciò non è sostenibile. A Hooke Park, gli studenti sono riusciti a utilizzare fino all'80% dell'albero, dando nuova vita a materiali che altrimenti sarebbero stati sprecati.

In un mondo dove il legno è visto come la soluzione per l'ambiente costruito, ci si rende conto che non c'è abbastanza legno per soddisfare la crescente domanda. Ma qui, tra le forche degli alberi e l'ingegno umano, si sta scrivendo una nuova storia di sostenibilità e innovazione.

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Cinque Temi Inaspettati Emersi dalla Dutch Design Week 2025

Cinque Temi Inaspettati Emersi dalla Dutch Design Week 2025

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Ogni anno, la Dutch Design Week (DDW) sorprende con fili conduttori inaspettati che emergono dal suo ricco programma. Quest’anno, la manifestazione si svolge a Eindhoven e il tema ufficiale è "Passato. Presente. Possibile", ma vi sono anche altre idee che rimbalzano tra i padiglioni, risvegliando la curiosità e l’immaginazione di designer, visitatori e appassionati di arte. Ecco i cinque temi prin...

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Democrazia in CPR
In un'epoca in cui le strutture democratiche sembrano vacillare, i designer si sono mobilitati per ripristinare il dialogo e l'engagement civico. Progetti come "Designing Democracy: In Need of New Dialogues" hanno invitato i visitatori ad ascoltarsi e a riappropriarsi del proprio potere, mentre iniziative come la "Connection Lost" hanno trasformato la tecnologia in un manifesto per la libertà digitale. Ogni angolo della manifestazione vibrava di un fervore per la partecipazione attiva e la riconquista della democrazia.

Creature Curiose
L'abbondanza di creature strane e forme aliene ha trovato spazio nei cuori e nelle menti dei visitatori. La meraviglia e l’ignoto si fondono nell'interattività dell'opera "The Alien Between Us" di Laura A. Dima, dove esseri robotici invitano a un contatto empatico. Queste entità bizzarre non sono solo frutto dell'immaginazione, ma rappresentano anche un invito a riflettere sulla vita oltre l'umano, in tutte le sue manifestazioni.

Wool Re(discovered)
Il dibattito sulla lana, non come materiale di lusso ma come risorsa preziosa e trascurata, ha trovato una voce forte alla DDW. L'esposizione "Wool: Re(discovered)" celebra le fibre locali, il loro potenziale rigenerativo e l'importanza di riscoprire tecniche artigianali. Con progetti che vanno dai tappeti ai mobili stampati in 3D, la lana si ripresenta come simbolo di sostenibilità e innovazione.

Agenzia oltre l'AI
La crescente interazione con l'intelligenza artificiale ha portato a riflessioni profonde sulla nostra agenzia come creatori. Opere come "From Text-to-Clay" di Vera van der Burg utilizzano l'AI non come un fine, ma come un mezzo per esplorare la relazione tra tecnologia e materialità. I designer stanno interrogando il futuro, non solo accettando l'AI, ma reinventando il proprio ruolo nel processo creativo.

Il Tempo è Adesso
Il tempo, come concetto e come medium, è diventato un tema centrale. I giovani designer stanno esplorando nuovi modi di esprimere la temporalità attraverso performance, video e installazioni. L’opera "Chronotopic Fractures" di Aleksandra Nazarova, ad esempio, mette in discussione il ritmo della natura rispetto a quello umano, invitando a riflettere su un'esperienza più lenta e consapevole.

La Dutch Design Week 2025 si conferma così un palcoscenico per idee audaci e un laboratorio di creatività, dimostrando che il design può essere un catalizzatore per il cambiamento sociale e culturale. Non perdere l'opportunità di esplorare questi temi affascinanti!

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.dezeen.com.

Il Cubo Magico di RULA: Un'Esperienza Immersiva al Concerto di Terence Lam

Il Cubo Magico di RULA: Un'Esperienza Immersiva al Concerto di Terence Lam

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Il Cubo Magico di RULA: Un'Esperienza Immersiva al Concerto di Terence Lam Durante il concerto White Summer di Terence Lam al Hong Kong Coliseum, un cubo bianco di sette metri, progettato da Ruby Law del RULA Design Studio, ha catturato l'attenzione del pubblico. Questa struttura innovativa ruota, si apre e si trasforma, fungendo da scultura, superficie di proiezione e cornice architettonica.

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Immaginato come una scatola di Pandora, il cubo si apre e chiude per rivelare molteplici strati della narrazione dello spettacolo. In una sequenza, si dispiega in una forma a croce (+) sul pavimento del palcoscenico, un emblema visivo di unione e connessione. In altri momenti, incornicia i performer attraverso aperture circolari, ospita il cantante sulla sua superficie mentre coreografie si svolgono al suo interno, o diventa un contenitore per il mapping di proiezione, con visualizzazioni come un quadrante che evocano temi di memoria e tempo.

Sospesi sopra il palco, schermi LED circolari fluttuano in contrasto con il cubo, talvolta assomigliando a occhiali astratti che inquadrano la performance da nuove prospettive. La progettazione architettonica di Ruby Law, formatasi presso HKU, MIT e The Bartlett (UCL), si riflette nel suo approccio, che è parte di una continua esplorazione degli ambienti concertistici immersivi.

Il cubo è costruito con una trave in acciaio rivestita di pannelli in legno e montata su un sistema di rotazione centrale che consente una continua riconfigurazione. Un sistema di cerniere idrauliche permette a ciascuna sezione di aprirsi o chiudersi in meno di dieci secondi, mantenendo il ritmo frenetico di una produzione pop dal vivo.

Man mano che lo spettacolo volge al termine, il cubo si richiude, la spirale interna di tungsteno brilla all'interno della sua cornice circolare come una lampadina, simboleggiando speranza, calore e rinnovamento. I performer emergono dalle aperture circolari, trasformando il cubo in un contenitore di ricordi.

Con un caleidoscopio di laser e proiezioni che riempiono il Coliseum, il cubo si trasforma in un dispositivo narrativo, amplificando la presenza del cantante e giocando con luce, ombra e movimento.

Il concerto White Summer, progettato dal RULA Design Studio, rappresenta un esempio straordinario di come l'architettura possa fondersi con l'arte performativa per creare esperienze indimenticabili.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

La Casa dei Cuarti Rodanti: Un Eccellente Esempio di Architettura Sostenibile in Ecuador

La Casa dei Cuarti Rodanti: Un Eccellente Esempio di Architettura Sostenibile in Ecuador

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La Casa dei Cuarti Rodanti: Un Eccellente Esempio di Architettura Sostenibile in EcuadorSituata su una pendenza a Ilaló, la Casa dei Cuarti Rodanti, progettata da Rama Estudio, rappresenta un approccio innovativo e consapevole all'architettura residenziale. Questa abitazione, con i suoi 140 m², è stata realizzata per una giovane coppia con una visione sensibile del vivere, integrandosi perfettamen...

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Il progetto è stato concepito come una risposta ai tradizionali modelli costruttivi, proponendo soluzioni economiche e rispettose dell'ambiente. La Casa dei Cuarti Rodanti non è solo un'abitazione, ma un simbolo di una comunità impegnata nella gestione responsabile delle risorse idriche e nella conservazione dell'ecosistema locale.

Il team di architetti, guidato da Carolina Rodas, Felipe Donoso e Carla Chávez, ha lavorato in sinergia con esperti di ingegneria e architettura del paesaggio, creando uno spazio che non è solo esteticamente gradevole, ma anche funzionale e sostenibile. La Casa dei Cuarti Rodanti si propone come un'alternativa concreta e ispiratrice per le future costruzioni nelle aree rurali in espansione urbana.

Questo progetto, completato nel 2024, è già stato oggetto di attenzione e ammirazione da parte della comunità architettonica internazionale, grazie alla sua capacità di coniugare bellezza, funzionalità e rispetto per l'ambiente. Scopri di più sulla Casa dei Cuarti Rodanti e lasciati ispirare dalla sua architettura innovativa.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

Il Pavilion del Flusso: Un Ponte Sinuoso tra Spazi e Idee

Il Pavilion del Flusso: Un Ponte Sinuoso tra Spazi e Idee

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Immaginate un luogo dove il movimento non è solo una necessità, ma un'opera d'arte in sé. Il Pavilion del Flusso, progettato dallo studio Nudes per l'evento Design Democracy 2025 a Hyderabad, India, è un'affascinante fusione di architettura e natura, un ponte sinuoso che connette due sale espositive mentre invita il pubblico a interagire e a riflettere.

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Questo padiglione non è solo una struttura; è un intervento architettonico che reinventa la concezione di spazio. Ispirato al comportamento dell'acqua, il suo design fluido e continuo ricorda le onde del mare, un ritmo universale che si manifesta nella luce, nel suono e nei movimenti delle correnti. La geometria ondulata del padiglione, simile a una sinusoide, permette al visitatore di vivere una transizione armoniosa tra l'architettura e il paesaggio circostante, rendendo la struttura un punto di incontro visivo e sociale all'interno del contesto espositivo.

Realizzato in acciaio e tubi in PVC, il Pavilion del Flusso combina robustezza e leggerezza, garantendo stabilità senza compromettere l'estetica. La struttura in acciaio offre una base solida, mentre i tubi in PVC disposti ritmicamente introducono trasparenza e modulazione della luce, creando un'involucro stratificato che filtra il giorno e arricchisce la percezione del movimento. Questo gioco di materiali, duro e morbido, riflette la duplice natura dell'acqua: resiliente ma fluida.

Seppur concepito per un uso temporaneo durante l'evento, la composizione modulare del padiglione promette un futuro di adattabilità. Dopo la conclusione di Design Democracy 2025, il Pavilion del Flusso sarà trasferito in un parco pubblico a Hyderabad, continuando a fungere da spazio civico dedicato al riposo, alla conversazione e alla riflessione.

La sua forma sinuosa si erge come un tessuto connettivo che attraversa i terreni espositivi, un simbolo di transizione dove il movimento si trasforma in dialogo. Ogni angolo del padiglione invita a esplorare, a scoprire l'interazione tra le persone e le idee, rendendo la visita un'esperienza vivace e dinamica. Gli elementi oscillanti in PVC generano un gioco cinetico di ombre e luci, animando il corridoio fluido che il padiglione offre.

In questo modo, il Pavilion del Flusso non è solo un connettore infrastrutturale, ma anche un catalizzatore sociale, un luogo dove ogni passo è accompagnato da un ritmo che invita alla riflessione e all'incontro.

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Un Padiglione di Legno Circolare: Un Viaggio attraverso Texture e Finiture

Un Padiglione di Legno Circolare: Un Viaggio attraverso Texture e Finiture

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Nel cuore di un affollato salone dedicato all'architettura e al design d'interni, emerge un'opera che sfida le convenzioni: un padiglione circolare di legno, un rifugio di calma e bellezza. Progettato dagli ISSO Architects per l'esposizione MUKA all'IndoBuildTech 2025, questo spazio non è solo un semplice stand, ma un invito a esplorare la sinergia tra materiali e design.

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Occupando un lotto di 11 per 17 metri, il padiglione, intitolato A Nest in the Tree, reinterpreta il concetto di esposizione attraverso un linguaggio di apertura e chiarezza spaziale. In un ambiente spesso sopraffatto dalla densità visiva, qui si respira una sensazione di respiro, di spazio che invita il visitatore a immergersi in un'esperienza unica.

La struttura, pur essendo ancorata al suolo, gioca con un intricato reticolo di vuoti e aperture incorniciate, che incoraggiano il movimento e la scoperta visiva. Fessure sottili lungo la facciata offrono scorci dell'interno, creando una sottile linea tra privacy e esposizione. Attraverso questa danza di luce e ombra, il progetto invita a un'esplorazione graduale, dove ogni angolo rivela nuove sorprese.

Il design trae ispirazione dal processo di produzione del veneer, dove sottili strati vengono scartati dal legno massiccio. Allo stesso modo, il padiglione emerge attraverso un approccio di intaglio e sottrazione, trasformando una massa solida in uno spazio fluido e interconnesso. Ogni elemento, dalla veranda al cortile, gioca un ruolo specifico all'interno di questo sistema architettonico compatto, bilanciando apertura e chiusura.

Il colore e la matericità sono fondamentali in questo progetto. La facciata grigia e sobria si apre a un vibrante bancone rosso, incorniciato da un muro verde che cattura l'occhio. Questa gradazione non solo mette in risalto la varietà di texture e finiture del veneer di MUKA, ma guida anche i visitatori attraverso le diverse zone dell'installazione, creando un'esperienza stratificata e coinvolgente.

In definitiva, il padiglione non è solo un ambiente espositivo, ma una vera e propria installazione architettonica temporanea che dimostra come l'esperimentazione dei materiali e la misura spaziale possano trasformare il design espositivo in un'esperienza architettonica coesa.

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Gathering Grove Residence: Un Capolavoro di Architettura Residenziale in India

Gathering Grove Residence: Un Capolavoro di Architettura Residenziale in India

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Gathering Grove Residence: Un Capolavoro di Architettura Residenziale in IndiaSituata ad Ahmedabad, la Gathering Grove Residence progettata da R+R Architects rappresenta un esempio straordinario di architettura residenziale che va oltre il semplice utilizzo funzionale. Completata nel 2024, questa residenza è stata concepita come un rifugio sociale dinamico per un cliente di Los Angeles, appassiona...

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Non si tratta di un'estensione utilitaria, ma di un enclave curata che incarna celebrazione, spirito e connessione. Ogni decisione progettuale è stata influenzata dalla personalità vibrante e stilosa del cliente, creando un ambiente che non solo accoglie incontri, ma li ispira.

L'architettura della Gathering Grove Residence è caratterizzata da un linguaggio giocoso e raffinato, dove le fluidità dei collegamenti interni ed esterni, le scelte audaci dei materiali e l'illuminazione ambientale si uniscono per evocare un senso di occasione. Il risultato è uno spazio che diventa una tela vivente per esperienze condivise, adatto a serate intime o a vivaci soirées.

Grazie all'attenzione ai dettagli e all'innovazione, la Gathering Grove Residence si distingue come un esempio di architettura che celebra la vita e le relazioni umane, trasformando il concetto tradizionale di outhouse in una zona di festa vivace e coinvolgente.

Scopri di più su questo progetto affascinante e sull'opera di R+R Architects visitando ArchDaily.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

La Magia della 18esima Quadriennale di Roma: Un Viaggio nell'Arte Contemporanea

La Magia della 18esima Quadriennale di Roma: Un Viaggio nell'Arte Contemporanea

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Un nuovo capitolo si apre al Palazzo delle Esposizioni di Roma, un luogo che si trasforma in un palcoscenico per l’arte contemporanea, ospitando la 18esima edizione della Quadriennale. L’evento, che celebra l’arte italiana degli ultimi 25 anni, si presenta sotto l’egida di un tema evocativo: Fantastica. Un termine che, nella sua duplice accezione, invita a riflettere sulla meraviglia e sull’immagi...

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Con la curatela di cinque esperti, il progetto riunisce cinquantiquattro artisti viventi, tra cui molti volti nuovi, in un dialogo che abbraccia stili e linguaggi diversi. Questa edizione, che segna un traguardo significativo, è anche un tributo alla memoria del presidente Luca Beatrice, scomparso prematuramente.

La mostra si snoda attraverso 2000 metri quadri di spazio espositivo, presentando 187 opere, molte delle quali create appositamente per l’occasione. Ogni sezione, curata con maestria, offre un’esperienza immersiva, invitando il visitatore a scoprire le traiettorie artistiche che contraddistinguono il nostro tempo.

In aggiunta, l’esposizione storica I giovani e i maestri: la Quadriennale del 1935, curata da Walter Guadagnini, rende omaggio alle radici di questo evento, evocando un senso di continuità tra passato e presente. L’architettura dell’allestimento, firmato da BRH+/ Barbara Brondi & Marco Rainò, gioca con i vuoti e i pieni, creando un’atmosfera in cui l’arte vive e respira.

La Quadriennale non è solo una mostra, ma un progetto espositivo corale che si arricchisce di performance e incontri, rendendo l’esperienza di visita ancora più coinvolgente. Fantalk, il public program a cura di Nicolas Ballario, stimola discussioni attuali, riflettendo le suggestioni delle opere esposte. In un momento in cui Roma si riafferma come un centro culturale vitale, la Quadriennale si presenta come un faro luminoso per l’arte contemporanea.

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Scopri l'arte attraverso la realtà virtuale: ART MASTERS al Museo del Prado

Scopri l'arte attraverso la realtà virtuale: ART MASTERS al Museo del Prado

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Scopri l'arte attraverso la realtà virtuale: ART MASTERS al Museo del Prado ACCIONA Living & Culture ha lanciato ART MASTERS: A Virtual Reality Experience presso il Museo del Prado di Madrid, un'iniziativa pionieristica che unisce arte classica e tecnologia immersiva. Questa esposizione ridefinisce il modo in cui il pubblico interagisce con opere d'arte, utilizzando la realtà virtuale per portare ...

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I visitatori possono immergersi in Las Meninas di Velázquez, Il Giardino delle Delizie Terrestri di Bosch, Venere e Adone di Veronese, Il Senso della Vista di Brueghel e Rubens, e Il Sabba delle Streghe di Goya. Mai prima d'ora opere che non hanno mai lasciato le mura del museo sono state accessibili a un pubblico globale attraverso un'esperienza narrata e immersiva.

Dal suo debutto internazionale, ART MASTERS ha catturato l'attenzione di oltre 10.000 visitatori a Shanghai e più di 8.600 a Buenos Aires, segnando l'inizio di un viaggio globale che porterà queste opere in nuove città.

La risposta di ACCIONA Living & Culture a una domanda cruciale per i musei nell'era digitale è chiara: come può un'istituzione d'arte classica evolversi in un mondo dominato da intrattenimento e tecnologia immersiva? Integrando i tesori artistici del Museo del Prado con le ultime innovazioni in intelligenza artificiale e realtà virtuale, questa esperienza offre una narrazione visiva e interattiva che affascina sia i visitatori esperti che i neofiti.

Guidati da un guardiano del museo, i visitatori intraprendono un viaggio immaginario di 35 minuti, esplorando paesaggi surreali e corridoi misteriosi. Ogni scena combina ricerca accademica con design teatrale, creando un'esperienza che trasforma i visitatori in partecipanti attivi, svelando passaggi segreti e interagendo con personaggi.

Con ART MASTERS, la bellezza e il significato delle opere sono riportati in vita, permettendo una connessione più profonda con la loro simbolica e storia. Non perdere questa opportunità unica di vivere l'arte come mai prima d'ora!

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L'architettura minima: abitare uno scoglio nel Mediterraneo

L'architettura minima: abitare uno scoglio nel Mediterraneo

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L'architettura minima: abitare uno scoglio nel MediterraneoNel cuore del Mediterraneo, la sfida di fondare un luogo su uno scoglio rappresenta un equilibrio tra ambizione e necessità. Questo approccio architettonico si basa su una cultura del bordo, che trasforma l’inospitale in spazi vivibili senza cercare di addomesticarli completamente. Due opere emblematiche, la Casa Malaparte a Capri e il pro...

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Un esempio contemporaneo è Le Plongeoir a Nizza, dove la roccia diventa il basamento e una passerella funge da infrastruttura di accesso. Questo progetto non si limita a creare un oggetto architettonico, ma introduce un sistema che integra spazi abitabili distribuiti su diverse altimetrie. Le aree di sosta, le terrazze e le scale si fondono con il paesaggio marino, creando un dialogo tra natura e architettura.

La storia di Le Plongeoir risale alla fine dell’Ottocento, quando un salotto sospeso collegava la terraferma a un rocher. Con il passare degli anni, il progetto è stato aggiornato con un linguaggio architettonico più essenziale, mantenendo però la stratificazione storica. L’uso di materiali come il teak e l’acciaio inox, insieme a una palette ridotta di colori, rende l’opera coerente con l’ambiente marino e facilmente manutenibile.

Tipologicamente, Le Plongeoir rappresenta un manuale su come rendere praticabile un margine. L’architettura non nega lo scoglio, ma lo traduce in una sequenza di stanze all’aperto, dove l’acqua diventa un elemento essenziale e l’orizzonte non è solo una scenografia, ma una misura. Questo approccio crea un equilibrio tra la città e il mare, dove il paesaggio resta protagonista e l’architettura, con pochi elementi ben congegnati, rende accessibile ogni frammento di roccia.

In conclusione, l'architettura minima non è solo un concetto estetico, ma un metodo per fondare luoghi dove prima c’era solo roccia, restituendo alla comunità spazi vivibili e condivisi.

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Overlap House: l'Innovativa Fusione di Casa e Ufficio di Sugurufukuda

Overlap House: l'Innovativa Fusione di Casa e Ufficio di Sugurufukuda

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Overlap House: l'Innovativa Fusione di Casa e Ufficio di SugurufukudaSituata in Giappone, l'Overlap House progettata da Office Sugurufukuda rappresenta una nuova frontiera nell'architettura residenziale e lavorativa. Completata nel 2025, questa struttura di 74 m² sfida le convenzioni tradizionali creando spazi che non sono rigidamente separati da muri, ma piuttosto da confini sovrapposti che crean...

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Il progetto, descritto dettagliatamente su ArchDaily, presenta un piano semplice, suddiviso in quattro aree che, a prima vista, possono sembrare stanze identiche, disposte come un'unità di studio. Tuttavia, le connessioni tra le stanze e la disposizione delle aperture impediscono una visione completa dell'intero spazio, dando vita a un senso di scoperta e sorpresa.

Con questo design innovativo, Sugurufukuda riesce a creare un ambiente versatile che può adattarsi sia a necessità residenziali che lavorative, dimostrando come l'architettura possa rispondere alle esigenze contemporanee senza sacrificare l'estetica e la funzionalità.

Per ulteriori dettagli sull'Overlap House, visita www.archdaily.com.

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Scopri le Piastrelle Innovative di Marazzi su Dezeen Showroom

Scopri le Piastrelle Innovative di Marazzi su Dezeen Showroom

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Scopri le Piastrelle Innovative di Marazzi su Dezeen Showroom Marazzi, il rinomato produttore italiano di piastrelle, ha recentemente ampliato la sua offerta su Dezeen Showroom, presentando una selezione di prodotti che spaziano da piastrelle intricate a superfici effetto pietra. Tra le novità, spiccano le piastrelle Terramater, progettate per omaggiare l'estetica delle ceramiche vintage.

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Le piastrelle Terramater sono disponibili in sette varianti cromatiche e due finiture testurizzate. Ogni piastrella, smaltata, combina il colore originale del materiale con superfici riccamente testurizzate. Inoltre, le piastrelle possono essere personalizzate con due diversi pattern superficiali: il lineare Ritmo o il romboidale Losanga.

Un altro prodotto interessante è Top, ideale non solo per rivestire pareti e pavimenti, ma anche per armadi, piani di lavoro e altri arredi. Realizzate in grès porcellanato, le lastre Top sono disponibili in vari pattern che richiamano il marmo e la pietra, perfetti per diversi stili di interior design.

Marazzi ha anche ampliato la sua gamma di piastrelle Lume, aggiungendo quattro nuove varianti cromatiche: Bone, Caramel, Emerald e Ocean. Questa collezione si distingue per il suo aspetto ispirato allo zellige, conferendo un look artigianale alle piastrelle.

Per applicazioni interne ed esterne, le piastrelle Mystone Pietra Ligure sono un'ottima scelta. Ispirate alla lavagna, queste piastrelle presentano una superficie realistica grazie alla tecnologia 3D Ink di Marazzi.

Infine, la collezione Slow Cold, che trae ispirazione dalla terra battuta, offre tonalità fredde e una texture che, una volta posata, crea una finitura mottled e testurizzata su superfici interne ed esterne.

Marazzi, fondata nel 1935, continua a produrre piastrelle per una vasta gamma di applicazioni, mantenendo vive le tradizioni italiane nel design e nella manifattura. Scopri di più su queste collezioni innovative visitando Dezeen Showroom.

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Snøhetta Completa l'Espansione Arcuata del St. Louis Symphony Hall Centenario

Snøhetta Completa l'Espansione Arcuata del St. Louis Symphony Hall Centenario

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Snøhetta Completa l'Espansione Arcuata del St. Louis Symphony Hall CentenarioIl St. Louis Symphony Orchestra sta per festeggiare un importante traguardo: il centenario del Powell Hall, una storica sala da concerto costruita nel 1925. Grazie al lavoro dell'architetto Snøhetta, la ristrutturazione porta una nuova vita a questo simbolo della città, armonizzando il patrimonio architettonico con un des...

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Situato lungo il Grand Boulevard di St. Louis, il progetto prevede un'espansione di 64.000 piedi quadrati che migliora l'accessibilità e introduce spazi pubblici, aree educative e zone per il dietro le quinte. Questi miglioramenti sono fondamentali per supportare l'ampia gamma di programmi e eventi comunitari della Sinfonica.

L'Aggiunta Arcuata di Snøhetta

La nuova entrata, caratterizzata da volte arcuate e superfici inclinate, offre una vista aperta sull'attività che si svolge all'interno del teatro. L'atrio a tripla altezza è progettato per favorire l'interazione tra i visitatori, creando spazi di raccolta che collegano visivamente i diversi livelli del teatro.

All'esterno, Snøhetta ha creato una nuova piazza pubblica che si affaccia sul Grand Boulevard e sulla Samuel Shepard Drive, ampliando la vitalità della Sinfonia nella città. Questo spazio soleggiato è stato progettato per essere flessibile, integrando zone di carico e aree verdi che ammorbidiscono l'ambiente urbano.

Un Collegamento Fluido tra Antico e Nuovo

I percorsi di circolazione sono stati progettati per permettere un facile movimento tra gli spazi interni ed esterni, garantendo accessibilità e funzionalità. Inoltre, l'espansione include moderne sale di prova e studi di registrazione, fornendo ai musicisti e al personale strutture all'avanguardia per la pratica e la collaborazione.

Concludendo, il progetto di Snøhetta non solo preserva l'eredità architettonica del St. Louis Symphony Hall, ma la rinnova, conferendole un'appeal contemporaneo e migliorando la sua funzionalità per le generazioni future.

Immagini © Sam Fentress

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Grand Bayview Qianhai: Le Torri Residenziali di Foster + Partners a Shenzhen

Grand Bayview Qianhai: Le Torri Residenziali di Foster + Partners a Shenzhen

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Grand Bayview Qianhai: Le Torri Residenziali di Foster + Partners a ShenzhenSituato nella vibrante città di Shenzhen, il progetto Grand Bayview Qianhai rappresenta un'innovativa tipologia abitativa progettata dallo studio Foster + Partners. Completato nel 2025, questo complesso residenziale si distingue per la sua architettura unica e per la sua attenzione al benessere dei professionisti con uno s...

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Le due torri collegate sono disposte a ventaglio, ottimizzando così le viste e la luce naturale. Questo design non solo massimizza la privacy degli appartamenti situati all'esterno, ma crea anche aree comuni focalizzate al centro del progetto, favorendo l'interazione tra i residenti.

Con una superficie totale di 96.000 m², Grand Bayview Qianhai è più di un semplice complesso residenziale; è un ambiente pensato per supportare un equilibrio tra lavoro e vita privata, offrendo spazi funzionali e confortevoli. Il progetto, curato da un team di esperti tra cui Luke Fox e Perry lp, utilizza materiali moderni come vetro, acciaio e cemento, contribuendo a un'estetica contemporanea e a una sostenibilità ambientale.

Per scoprire di più su questo straordinario progetto, visita ArchDaily.

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Brutal Honesty: La Casa di Montagna di OF Studio in Argentina

Brutal Honesty: La Casa di Montagna di OF Studio in Argentina

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Brutal Honesty: La Casa di Montagna di OF Studio in ArgentinaSituata sulle pendici delle Ande a Mendoza, Argentina, la casa Brutal Honesty, progettata dallo studio OF Studio, rappresenta un esempio straordinario di architettura che si fonde con l'ambiente circostante. Completata nel 2024, questa residenza in cemento brutale si estende su 571 metri quadrati e si erge su un canyon, con una terrazza ...

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Il progetto, frutto della visione degli architetti Valentina Cerrone e Sebastián Andia, è caratterizzato da un design che emerge naturalmente dal terreno. "La casa si integra con il paesaggio, creando uno spazio che coesiste armoniosamente con la natura", afferma Andia. La scelta di materiali onesti e la sostenibilità sono al centro dell'approccio progettuale, con un'attenzione particolare alla texture e alla presenza del monte.

La struttura è divisa in tre livelli, ognuno dei quali è progettato per massimizzare l'interazione con l'ambiente. Il piano interrato si fonde con il terreno, mentre il piano terra è parzialmente interrato, e il livello superiore si erge con eleganza sopra il suolo. La cucina, situata al centro della casa, funge da fulcro per gli spazi comuni, che si estendono verso l'esterno con angoli arrotondati.

Le terrazze, che si affacciano sui soggiorni e sulla sala da pranzo, creano spazi esterni per il relax e la socializzazione, mentre un'area giochi per i bambini è stata progettata per garantire un ambiente sicuro e divertente. La casa è dotata di sistemi di isolamento termico e di ventilazione naturale, riducendo il consumo energetico e migliorando le prestazioni ambientali, grazie anche a pannelli solari e un sistema di recupero delle acque grigie.

Brutal Honesty non è solo una costruzione, ma un'estensione della montagna stessa, un esempio di architettura che celebra la presenza cruda della natura. Con il suo design sincero e la sua integrazione con il paesaggio, questa casa rappresenta un passo avanti verso una vita in armonia con l'ambiente.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

L'Incanto dell'Alba: La Casa di Alba e Oriol di MH.AP Studio

L'Incanto dell'Alba: La Casa di Alba e Oriol di MH.AP Studio

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In un angolo soleggiato della Spagna, dove il cielo si tinge di sfumature dorate all'alba, si erge la Alba & Oriol House, un progetto firmato MH.AP Studio. Questa residenza, che si estende su 250 m², è un inno alla bellezza e alla funzionalità, dove ogni dettaglio è pensato per armonizzarsi con l'ambiente circostante.

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Nel 2023, l'opera ha preso forma sotto la visione creativa di Marina Huguet e Andrés Peñuela, architetti che hanno saputo unire innovazione e tradizione. Le immagini evocative catturate da Simone Marcolin raccontano di spazi aperti, di luce che danza nelle stanze e di materiali scelti con cura, come quelli forniti da marchi rinomati come Technal e Porcelanosa.

La casa non è solo un rifugio, ma un'esperienza sensoriale, dove il paesaggio gioca un ruolo fondamentale. Il design del giardino, curato da Anna Vilarnau, invita a esplorare la natura, mentre gli interni, pensati per il comfort e l'estetica, offrono un rifugio dal mondo esterno. Ogni angolo della casa è un invito alla contemplazione, un luogo dove il tempo sembra fermarsi.

Questo progetto, pubblicato su ArchDaily, rappresenta una fusione perfetta tra architettura contemporanea e sostenibilità. La scelta dei materiali, la progettazione degli spazi e l'attenzione ai dettagli sono elementi che elevano la Alba & Oriol House a un simbolo di ciò che l'architettura moderna può e deve essere.

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Ispirato all'articolo pubblicato su: www.archdaily.com

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Il Meeting Dome: L'installazione sferica in bambù di Cheng Tsung Feng a Taoyuan

Il Meeting Dome: L'installazione sferica in bambù di Cheng Tsung Feng a Taoyuan

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Il Meeting Dome: L'installazione sferica in bambù di Cheng Tsung Feng a TaoyuanIl Meeting Dome, una straordinaria installazione sferica situata a Fugang, Taoyuan, reinterpretata dall'artista Cheng Tsung Feng, trae ispirazione dalla tradizionale tecnica di intreccio delle sedie in bambù taiwanesi. Questo progetto rappresenta un'evoluzione delle pratiche artigianali, trasformando un oggetto quotidia...

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L'installazione amplia la seduta intrecciata della sedia in bambù in una struttura imponente, realizzata attraverso l'uso di sottili strisce di bambù disposte in parallelo e estese su un telaio metallico esagonale, creando una superficie a reticolo continuo. Questa composizione richiama il carattere cinese per 'persona' (人), sottolineando l'importanza dell'equilibrio strutturale e della connessione umana.

La geometria aperta dell'opera incoraggia i visitatori a muoversi al suo interno, a riunirsi e ad interagire. La luce filtra attraverso i livelli di bambù, creando ombre cangianti che animano il terreno e offrono aree ombreggiate sotto la cupola. All'interno, i panchine di bambù sono disposte in varie configurazioni e altezze attorno a una piantagione centrale di vegetazione locale di Taoyuan, invitando alla riflessione e all'interazione sociale.

Attraverso la magnifica reinterpretazione di un oggetto domestico comune, il Meeting Dome di Cheng Tsung Feng trasforma un mestiere utilitario in un'esperienza architettonica unica. L'interazione tra bambù e metallo unisce la matericità tattile alla chiarezza strutturale, mentre l'installazione nel suo complesso riflette sulla memoria, sulla comunità e sul ruolo degli oggetti quotidiani nella definizione degli spazi condivisi.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

Overlap House: Un Nuovo Concetto di Architettura Residenziale e Ufficio

Overlap House: Un Nuovo Concetto di Architettura Residenziale e Ufficio

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Overlap House: Un Nuovo Concetto di Architettura Residenziale e UfficioIspirato all'articolo pubblicato su: www.archdaily.com

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Situata in Giappone, l'Overlap House progettata dallo studio Sugurufukuda rappresenta una straordinaria fusione tra spazi residenziali e lavorativi. Con una superficie di 74 m², completata nel 2025, questa abitazione sfida le convenzioni architettoniche standard, proponendo un design che supera i confini tradizionali.

Una delle caratteristiche più affascinanti di questa casa è l'assenza di pareti divisorie che segregano le funzioni. Invece, gli spazi sono organizzati in modo tale da sovrapporre i confini, creando un ambiente che si estende oltre l'ordinario. Il piano semplice, suddiviso in quattro sezioni, potrebbe apparire come una serie di stanze identiche allineate, ma le connessioni tra gli ambienti e la disposizione delle aperture impediscono una visione completa dell'intero spazio.

Questa progettazione non solo ottimizza l'uso dello spazio ma incoraggia anche una fluidità tra le diverse aree della casa e dell'ufficio, promuovendo un'interazione continua tra le attività quotidiane.

Fotografie: Yurika Kono, Kenya Chiba

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Settembre: Riscopri il Comfort e la Luce per una Routine Efficiente

Settembre: Riscopri il Comfort e la Luce per una Routine Efficiente

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Settembre: Riscopri il Comfort e la Luce per una Routine EfficienteSettembre, un mese di transizione, in cui rientriamo nella nostra solita routine. Ma perché rinunciare al comfort? In questo periodo di ripartenza, la luce e l'atmosfera che creiamo nei nostri spazi diventano fondamentali per affrontare le sfide quotidiane.

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Immagina di poter controllare la luce che entra nelle tue stanze, di poterla modulare come una melodia. Con i sistemi oscuranti giusti, ogni ambiente può essere trasformato in un rifugio di tranquillità, dove privacy e funzionalità si intrecciano. Non si tratta solo di oscurare, ma di creare un'atmosfera ideale per lavorare, studiare o semplicemente rilassarsi.

Le soluzioni disponibili spaziano dal design moderno a opzioni più tradizionali, adattandosi perfettamente a ogni stile. La luce diventa così la tua alleata più preziosa, capace di influenzare il tuo stato d'animo e la tua produttività.

Non lasciare che la routine ti schiacci; scegli di abbracciare il comfort che meriti. Scopri come i nostri sistemi oscuranti possono arricchire il tuo settembre, rendendo ogni giornata un'opportunità per brillare.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.linkedin.com.

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Pentagram presenta il nuovo logo di Austin ispirato alla sua bellezza naturale

Pentagram presenta il nuovo logo di Austin ispirato alla sua bellezza naturale

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Pentagram presenta il nuovo logo di Austin ispirato alla sua bellezza naturale L'agenzia di design Pentagram ha recentemente svelato il nuovo logo per la città di Austin, Texas. Questo logo, caratterizzato da archi verdi e blu, rappresenta il paesaggio circostante e le risorse naturali della città. Sebbene il logo sia stato presentato come parte di un'iniziativa di rebranding da 1,1 milioni di dol...

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Il nuovo logo si distingue per due archi che si intersecano, formando una lettera "A" inclinata, simbolizzando la "bellezza naturale" di Austin, come dichiarato da DJ Stout, partner di Pentagram. L'arco blu in primo piano rappresenta le abbondanti risorse idriche della città, inclusi il fiume Colorado e Barton Springs, mentre il verde simboleggia la posizione di Austin all'inizio della fertile Hill Country del Texas.

Questo progetto di rebranding è stato realizzato in collaborazione con lo studio locale TKO Advertising e mira a stabilire un'identità grafica coerente per i servizi governativi della città, che, secondo Stout, non ha mai avuto un vero sistema di identità dai tempi della sua fondazione. "Ci sono oltre 300 variazioni di logo esistenti che presentano un'identità di marca disordinata e caotica per questa città moderna e in crescita," ha affermato Stout.

Nonostante le critiche iniziali sui social media, Pentagram ha scelto di puntare sulla bellezza naturale di Austin, rifiutando motivi più tradizionali e governativi, come una palette di rosso, bianco e blu, che erano stati scartati da focus group locali. "Austin è un'isola blu in uno stato prevalentemente rosso," ha aggiunto Stout, evidenziando l'indipendenza mentale della città.

Il logo è stato scoperto in anticipo a causa di una fuga di notizie, che ha complicato ulteriormente la situazione, contribuendo a malintesi e critiche. "Sapevamo che qualsiasi cosa mostrata al pubblico sarebbe stata controversa, ma queste circostanze sfortunate hanno reso tutto più difficile," ha concluso Stout.

Il nuovo logo di Austin rappresenta un passo significativo verso la creazione di un'identità di marca coerente per la città, riflettendo il suo spirito e la sua bellezza naturale.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.