La Magia della Medník House: Un Incontro tra Storia e Modernità

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Immaginate un luogo dove il tempo si ferma, dove le storie passate si intrecciano con visioni futuristiche. La Medník House, progettata dall'innovativo studio päivä architekti, è proprio quest'oasi di armonia. Situata su un'imponente scarpata che si affaccia sul fiume Sázava, questa casa non è solo un'abitazione, ma un racconto di evoluzione e adattamento.

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Costruita all'inizio del XX secolo, la Medník House ha subito una radicale trasformazione nel 2010. Ma, come un abito che non calza più, la necessità di un'espansione si è fatta sentire. Il progetto di ampliamento ha saputo rispondere a questa chiamata, realizzando un nuovo spazio che si fonde perfettamente con l'esistente, rispettando la memoria storica del luogo.

Il team di progettazione, composto da talenti come Miloš Munzar e Tomáš Kovalčík, ha saputo trarre ispirazione dalla natura circostante, utilizzando materiali come legno, vetro e pietra, per creare un dialogo continuo tra interno ed esterno. Ogni elemento, dalla scelta delle finestre INTERNORM ai dettagli di illuminazione forniti da Delta Light, è stato selezionato con cura per riflettere la bellezza intrinseca del sito.

La Medník House è molto più di un semplice ampliamento: è un esempio di come l'architettura possa rispondere alle esigenze contemporanee senza dimenticare le proprie radici. È un luogo dove le famiglie possono crescere, sognare e costruire ricordi. Un rifugio che, con il suo fascino senza tempo, invita a fermarsi e a contemplare la bellezza della vita.

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I Premi di Design Thermory 2025: Un Inno alla Bellezza Eterna del Legno

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Nel cuore pulsante dell'architettura contemporanea, i Premi di Design Thermory 2025 si sono rivelati un palcoscenico straordinario per le meraviglie del legno, celebrando la sua bellezza intramontabile. Questa edizione ha visto emergere opere che raccontano storie di tradizione e innovazione, unendo estetica e funzionalità in una danza armoniosa.

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Il premio per il miglior edificio pubblico è andato alla Scuola Primaria e all'Asilo di Võsu, situata nel suggestivo Parco Nazionale di Lahemaa in Estonia. Progettato dallo studio 3+1 Architects, l'edificio si distingue per la sua struttura a forma di fienile, rivestita con una gamma di prodotti Thermory, che abbracciano il calore e la semplicità del legno. La giuria ha elogiato l'abilità degli architetti di reinterpretare le tradizioni locali attraverso un design contemporaneo, creando un ambiente scolastico che invita i bambini a esplorare e a sentirsi a casa.

In un angolo pittoresco di Haapsalu, una villa progettata da Apex Arhitektuuribüroo OÜ ha conquistato il titolo di miglior casa privata. Con una facciata argentata e pannelli di pino radiata, questa dimora affacciata sul mare non è solo un'abitazione, ma un omaggio all'eredità architettonica estone, dove il legno si trasforma in un delicato pizzo architettonico. I giudici hanno descritto la villa come una fusione di artigianato audace e armonia con il paesaggio costiero, rivelando una bellezza che sfida le aspettative.

Ma non sono solo le strutture esterne a catturare l’immaginazione. Jõelähtme Juveel, un progetto sviluppato da Lasita – Perfecting Views, ha ricevuto il premio per il miglior design d'interni. Qui, l'architettura incontra la filosofia giapponese del wabi-sabi, abbracciando l'imperfezione e la transitorietà. Un'atmosfera di eleganza è stata creata attraverso l'uso di pareti in termo-ash di Thermory, che donano profondità e calore a ogni spazio.

Infine, l'Under Armour Performance Centre dei Baltimore Ravens, progettato dallo studio ZGF Architects, ha trionfato nella categoria miglior spa e sauna. Con un soffitto in termo-magnolia personalizzato e uno spazio idroterapico inondato di luce naturale, questo centro è un'esperienza immersiva, dove il legno e l'acqua si intrecciano in un abbraccio sensoriale che invita al relax.

La giuria di quest'anno, composta da architetti di spicco, tra cui l'italiano Alberto Salvadori, ha celebrato la versatilità e la sostenibilità del legno, sottolineando come queste opere possano modellare spazi innovativi, progettati per durare nel tempo e in armonia con la natura. I Premi di Design Thermory non sono solo un riconoscimento, ma un invito a riflettere sulla bellezza del legno, un materiale che continua a ispirare architetti e designer in tutto il mondo.

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La villa giapponese invisibile: un'opera d'arte tra natura e architettura

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In un angolo remoto del Giappone, sull'isola di Ishigaki, sorge una villa che sfida la percezione. Earth, così si chiama, è più di una semplice casa vacanze; è un manifesto architettonico che annulla i confini tra costruito e naturale. Progettata dall'illustre architetto Sou Fujimoto, la villa si presenta con un tetto verde che si fonde armoniosamente con il paesaggio circostante, quasi a voler su...

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La struttura, di forma circolare, si adagia delicatamente sotto un manto di vegetazione, e da un'altezza aerea, appare un prolungamento del territorio. Solo una parete bianca, curva e sinuosa, rivela la sua esistenza, racchiudendo un giardino che si erge come una collina artificiale, un abbraccio morbido tra arte e natura.

Fujimoto racconta: "Il design dell'edificio è concepito per creare un dialogo continuo con il paesaggio. La vista che si apre dall'interno, con l'oceano cristallino in lontananza e la vegetazione lussureggiante a fare da cornice, invita a un'esperienza sensoriale senza pari". Gli spazi comuni, aperti e ariosi, si affacciano su una piscina a sfioro, che pare fondersi con l'orizzonte marino.

La villa ospita fino a dieci persone ed è parte della rete Not A Hotel, un'esperienza immersiva pensata per chi cerca il contatto profondo con luoghi iconici. Qui, ogni dettaglio è studiato per garantire il massimo comfort, dal soggiorno alla sala da pranzo, fino alle tre camere da letto, dove il calore dell'architettura giapponese contemporanea si fa avvolgente.

Al piano inferiore, un'area benessere regala momenti di relax, con sauna e piscina fredda che riflettono la luce del sole attraverso i lucernari. "È come essere in fondo all'oceano", spiega l'architetto, evocando un'immagine che trasporta chiunque in un mondo di tranquillità e armonia. Un progetto paesaggistico curato da Taichi Saito arricchisce l'esperienza con una vegetazione che celebra la biodiversità locale.

In questo rifugio, dove il verde si fa tetto e la casa diventa parte del paesaggio, Fujimoto ha realizzato non solo un'abitazione, ma un vero e proprio manifesto ecologico, un invito a riflettere sulla nostra relazione con la natura. "Non voglio che la mia casa entri in competizione con il paesaggio; desidero che lo estenda e lo celebri".

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Collezione di Carta da Parati Flamenco: Trasforma le Pareti in Emozioni

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In un mondo dove le pareti raccontano storie, la collezione di carta da parati Flamenco di Inkiostro Bianco emerge come un poema visivo, un invito a danzare tra colori e forme. Ogni design, ispirato al ritmo travolgente del Flamenco e all'energia pulsante della natura, trasforma gli spazi in paesaggi emozionali, dove ogni parete diventa un palcoscenico.

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La collezione, disponibile sul sito di Inkiostro Bianco e presso rivenditori autorizzati, presenta dodici grafiche originali che catturano l’essenza di una danza che parla di passione e movimento. Con forme organiche e texture tattili che invitano al tocco, i rivestimenti murali di Flamenco non sono semplici decorazioni, ma vere e proprie opere d’arte che respirano e vivono. Ogni progetto è un esperimento unico, curato nei minimi dettagli, un viaggio di esplorazione attraverso il design.

La forza di Flamenco risiede nell’expertise di Inkiostro Bianco nel creare superfici continue e rivestimenti personalizzabili, dove opacità e lucentezza si intrecciano in un gioco di sfumature che arricchisce l’esperienza visiva e tattile. Ogni composizione è una riflessione, un invito a giocare con lo spazio e la luce, a riscoprire l’arte dell’abitare. Con pattern che si possono personalizzare, la collezione diventa un ponte tra l’estetica raffinata e la libertà espressiva, in grado di adattarsi a qualsiasi ambiente, privato o professionale.

Inkiostro Bianco, fondato nel 2013 in Italia, è un laboratorio di ricerca visiva e decorativa che riunisce artisti e designer per dare vita a creazioni sontuose, permettendo a chiunque di immaginare e realizzare la decorazione del proprio spazio. Con Flamenco, la casa di design riafferma il suo impegno verso un design immersivo, capace di risuonare emotivamente con chi lo osserva.

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La Strada dei 100 Giorni: Un Viaggio tra Storia e Ingegneria nel Cuore del Veneto

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Nel cuore delle Prealpi venete, dove la terra s'incontra con il cielo, si nasconde un'opera straordinaria: la Strada dei 100 Giorni. Un tracciato che racconta di ingegneria audace e di un'epoca di conflitti, un cammino che si snoda tra tornanti e gallerie, sfidando le leggi della gravità e del tempo.

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Costruita in un periodo di fervente attività bellica, la strada fu realizzata dall'esercito austro-ungarico in un tempo record: poco più di tre mesi. Immaginate, per un attimo, il fragore dei picconi e il sudore di prigionieri russi e donne locali, tutti uniti per forzare la roccia e dare vita a questo capolavoro, dove ogni curva racconta storie di determinazione e resistenza.

Il Passo San Boldo, a 706 metri di altitudine, non è un valico qualunque; è un corridoio di storia, un luogo dove si intrecciano le vite di soldati, pellegrini e mercanti. Gli antichi sentieri, testimoni di secoli di passaggi, vennero trasformati in una via strategica per il trasporto di uomini e materiali durante la Prima Guerra Mondiale, un percorso che, malgrado la sua difficoltà, si rivelò cruciale per le operazioni militari.

Ma come si giunse a questo risultato? Negli anni del conflitto, la necessità di un'occupazione per i disoccupati portò all'assunzione di 500 operai, e il progetto per la strada venne approvato in un batter d'occhio. Tuttavia, i lavori si fermarono di fronte a un ostacolo quasi insormontabile: un'imponente parete di roccia. Fu allora che entrò in gioco un tenente colonnello austro-ungarico, Nikolaus Waldmann, che con genio e determinazione progettò cinque gallerie a tornanti, capaci di trasformare l'impossibile in realtà.

La Strada dei 100 Giorni, inaugurata nel 1918, non solo facilitò il movimento delle truppe, ma divenne anche un simbolo di come la necessità possa generare bellezza. Oggi, percorrendo questo tragitto, si può riflettere su quanta storia è passata attraverso quelle gallerie, mentre i colori autunnali avvolgono il paesaggio in un abbraccio di calore e nostalgia.

Dal punto di vista paesaggistico, il tratto più arduo è regolato da semafori, garantendo una circolazione sicura. Ma la vera magia della Strada dei 100 Giorni è nell'esperienza: percorrere i tornanti, sentirsi piccoli di fronte alla grandezza della natura e della storia, è un viaggio che va oltre il semplice spostamento.

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La Magia della Tebaide: Un Capolavoro Trecentesco Rinasce

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È come se il tempo si fosse fermato, come se le storie di eremiti e santi, sospese tra le pareti del Complesso Museale Santa Maria della Scala, avessero atteso pazientemente il momento giusto per riemergere. La Tebaide, un ciclo pittorico attribuito al maestro Lippo Vanni, è tornato a brillare, riportando alla luce un mondo di virtù e meditazione che, seppur distante, parla ancora all’anima contem...

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Il lungo e meticoloso restauro si è concluso, e dal 7 novembre 2025, il pubblico potrà immergersi in queste scene affascinanti che raccontano la vita quotidiana dei monaci nel deserto di Tebe d’Egitto. La scoperta, avvenuta attraverso un lavoro di recupero che ha portato alla luce affreschi nascosti da strati di imbiancature, è stata una rivelazione, un piccolo miracolo che ha unito passato e presente in un abbraccio eterno.

Le immagini, realizzate in monocromo di ocra rossa, si snodano in una narrazione visiva che esalta la lotta tra virtù e vizio, riflettendo un impianto iconografico raffinato che invita alla riflessione e alla contemplazione. Queste opere non sono solo dipinti; sono finestre su un’epoca, su una spiritualità che si fa carne e colore, e che i confratelli della Compagnia dei Disciplinati hanno venerato nei loro riti penitenziali.

Il restauro è stato possibile grazie al generoso contributo della Fondazione Vaseppi, e rappresenta una delle più significative scoperte artistiche degli ultimi decenni. La storia di questi affreschi è un viaggio che inizia nel 1999, quando l’architetto Guido Canali scoprì le prime tracce di questo tesoro sepolto. Poi, nel 2021, l’operazione di completo recupero si è finalmente realizzata, consentendo a tutti noi di godere di questo patrimonio culturale.

Il ciclo pittorico si fa portavoce di una narrazione profonda, ispirata dalle Vite dei santi Padri di fra’ Domenico Cavalca, un’opera che ha saputo tradurre in immagini la spiritualità cristiana dell’epoca. Le storie di santi come san Paolo Eremita, sant’Antonio Abate e san Girolamo non sono solo racconti, ma veri e propri insegnamenti, espressioni di una ricerca di salvezza che risuona ancora oggi.

La presentazione ufficiale del restauro avverrà il giovedì 6 novembre alle ore 16 nella Sala Sant’Ansano, e le visite guidate saranno disponibili per tutti coloro che vorranno immergersi in questa esperienza unica. Non lasciatevi sfuggire l’opportunità di scoprire un capolavoro che, come un eco lontano, continua a raccontare storie e a ispirare anime.

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L'Incredibile Storia della Fabbrica Blu: Un Sogno Infranto e un Patrimonio Dimenticato

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Era il 1990 quando la Fabbrica Blu, un'opera d'arte architettonica, aprì le sue porte a Campogalliano. Progettata dall'architetto Giampaolo Benedini, l'edificio, con il suo inconfondibile colore blu, rappresentava l'apice dell'innovazione e della passione per l'automobile. Un sogno che, purtroppo, si è trasformato in un incubo.

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La fabbrica, custode di un'epoca dorata per la Bugatti, chiuse i battenti nel 1995, lasciando dietro di sé un vuoto incolmabile. A causa di una crisi che sembrava inimmaginabile, quel luogo, un tempo pulsante di vita e creatività, cadde nell'oblio. Un oblio che oggi rischia di diventare definitivo, se non si interverrà per salvaguardarne il patrimonio.

Negli anni, la Fabbrica Blu è stata mantenuta in vita grazie agli sforzi della famiglia Pavesi, custodi appassionati di una storia che non può essere dimenticata. Ma ora, con la vendita dell'area a un investitore, il futuro dell'edificio è incerto. Un progetto di riqualificazione era stato annunciato, ma è stato bloccato da controversie legali. La fabbrica è ora abbandonata, e il rischio di distruzione è reale.

Nel 2022, Benedini ha tentato di proteggere questo patrimonio presentando una richiesta di riconoscimento al Ministero della Cultura, ma la risposta è stata negativa. “È stata espressa una miopia delle istituzioni”, afferma l'architetto, sottolineando l'importanza storica e culturale dell'edificio. Un appello che merita di essere ascoltato, perché ciò che è stato creato non può andare perduto.

La storia della Fabbrica Blu è una storia di passione, di sogni infranti e di lotte per la salvaguardia della bellezza. È un richiamo a non dimenticare le nostre radici e a preservare ciò che, nonostante il degrado, continua a raccontare una storia di eccellenza e innovazione. Non possiamo permettere che questo tesoro architettonico cada nell'oblio.

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Le Corbusier e il Gioco delle Idee: La Libertà Creativa di Balkrishna Doshi

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Era un giorno di sole quando Khushnu Panthaki Hoof, la nipote di Balkrishna Doshi, si sedette per raccontare storie di un tempo che sembrava magico. Voci di architetti, risate e la figura imponente di Le Corbusier danzavano nell'aria. "Mio nonno era un maestro nel prendere la vita con leggerezza," spiegò. "Non voleva che nessuno fosse troppo serio. Per lui, ogni giorno era una nuova avventura da a...

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Le Corbusier, il grande innovatore, non era solo un mentore ma anche un burlone. I racconti di Khushnu rivelano l'anima giocosa di un uomo che, mentre progettava città e edifici, amava anche scherzare, sfidando così i suoi allievi a esplorare il lato ludico della creatività. "L'architettura non è solo costruire," diceva. "È anche divertirsi nel farlo."

La loro relazione, simile a quella tra un nonno e una nipote, era caratterizzata da un profondo rispetto e ammirazione. "Mio nonno considerava Le Corbusier come un secondo nonno," continuò Khushnu. "Ogni mattina guardava una foto di lui e si rifletteva in essa, come se stesse ricevendo una benedizione per la giornata. Era un legame unico, un'ispirazione continua."

Questa eredità di gioia e libertà si manifestò nel lavoro di Doshi, il cui portfolio è un caleidoscopio di stili e forme. "Non seguiva un'unica estetica; ogni progetto era un nuovo inizio," affermò Khushnu. "Le Corbusier gli aveva insegnato che ogni mattina nasceva nella pelle di un asino, pronto a reinventarsi. E mio nonno prese questo consiglio a cuore."

Il suo approccio all'architettura non si limitava a emulare il maestro, ma abbracciava la filosofia di seguire il proprio cammino. "La vera essenza era quella di rimanere fedeli a se stessi, senza la pressione di dover replicare il passato," aggiunse, riflettendo su come il suo nonno avesse voluto liberarla da qualsiasi peso legato alla sua eredità.

La sua ultima creazione, il Doshi Retreat, è un esempio perfetto di questa libertà creativa. Inizialmente concepito come uno spazio di meditazione ridotto, Doshi, con il suo carattere giocoso, trasformò il progetto in una struttura di 75 metri. "Se non viene costruito, non importa. L'importante è divertirsi!" ripeteva, trasmettendo la sua leggerezza anche nei momenti di sfida.

"Ogni giorno è un'opportunità per esplorare, per giocare con le idee," concluse Khushnu, con un sorriso che rifletteva l'eredità di un uomo che ha saputo fondere serietà e creatività. Una lezione che va oltre l'architettura, un invito a vivere la vita con curiosità e gioia.

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Rinasce il Grand Hotel San Pellegrino: Un Nuovo Inizio per l'Eleganza del Passato

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Nel cuore delle Alpi, dove la storia si intreccia con la natura, il Grand Hotel San Pellegrino si prepara a risorgere. Affidato a un team di esperti architetti milanesi, il progetto di recupero promette di riportare alla luce un gioiello architettonico dei primi del ‘900, abbracciando una nuova Belle Époque dell’hospitality. Questo non è solo un restauro, ma un'opportunità di rinascita per un luog...

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La società americana Ekn Development, che ha ottenuto la concessione per 99 anni del Grand Hotel, ha scelto il gruppo Lombardini22 per realizzare un progetto di fattibilità che ambisce a coniugare raffinatezza estetica e innovazione tecnologica. Con i suoi 18.200 metri quadrati di eleganza, il complesso ospiterà 118 camere di lusso, una spa all'avanguardia e aree comuni rinnovate, pronte a sedurre visitatori da tutto il mondo.

Ma la sfida non è solo estetica. Come sottolinea l’architetto Alessandra Magri, “si tratta di un’analisi chirurgica della struttura impiantistica esistente”, un passo fondamentale per restituire vita a questo monumento della storia italiana. La Sovrintendenza avrà un ruolo cruciale, poiché il recupero dovrà rispettare il fascino del Liberty, l’epoca in cui il Grand Hotel è nato, senza dimenticare l'evoluzione del tempo.

In parallelo, le QC Terme, già un punto di riferimento nel benessere, stanno progettando un ampliamento che trasformerà gli spazi dell’ex stabilimento termale in un nuovo polo del relax e della salute. Abbandonando l'idea di un centro commerciale, l’attenzione si concentra su un’esperienza di lusso che unisce storia e comfort moderno, in perfetta armonia con il contesto circostante.

La cifra di investimento per il progetto è di 64 milioni di euro, e l’apertura è prevista tra il 2028 e il 2029. Un atteso ritorno a un’epoca di splendore, dove il passato e il presente si fondono per creare un futuro incantevole. Come afferma Ebrahim Nakhjavani, CEO di EKN Development, “Siamo certi che il progetto verrà portato avanti con eccellenza e visione”.

Il Grand Hotel San Pellegrino non è solo una struttura alberghiera, ma un simbolo di eleganza e cultura. La sua rinascita è un invito a riscoprire l'arte del ricevere, l'arte di vivere un'esperienza unica, dove ogni dettaglio racconta una storia, dove ogni angolo è un ricordo di un passato che ritorna, rivisitato in chiave contemporanea.

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Giuseppe Samà: L'Ambasciatore del Design Italiano che Incanta New York

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Nel cuore pulsante di New York, dove l'arte e l'architettura si fondono in un abbraccio di bellezza, si è svolta una cerimonia che ha celebrato l'eccellenza italiana nel mondo. L'architetto calabrese Giuseppe Samà, con il suo stile inconfondibile e la sua visione innovativa, è stato insignito del premio ILICA 2025 presso il prestigioso Queens Museum.

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Questo riconoscimento, conferito dall'Italian Language Inter-Cultural Alliance, è un tributo a coloro che, come Samà, portano avanti i valori estetici e culturali italiani. Davanti a un pubblico di oltre 300 illustri ospiti, tra cui artisti e imprenditori, l'architetto ha condiviso la sua gioia e gratitudine, sottolineando l'importanza delle sue radici calabresi.

Originario della Calabria, Samà ha saputo trasformare la sua passione in una carriera internazionale, realizzando progetti che spaziano da residenze private a boutique hotel. La sua opera è caratterizzata da un senso innato di equilibrio tra natura, luce e proporzione, creando spazi che evocano emozioni e benessere. Ogni progetto racconta una storia, quella del luogo che lo ispira e delle tradizioni che lo accompagnano.

Il suo studio a New York è diventato un faro per coloro che cercano l'autenticità del design italiano. In un mondo sempre più globalizzato, Samà riesce a mantenere vivo il legame con la sua terra, portando un pezzo di Calabria in ogni sua creazione. La sua filosofia è semplice ma profonda: ogni spazio deve essere capace di emozionare.

Nel ricevere il premio, ha affermato: "Questo riconoscimento ha per me un valore speciale: rappresenta non solo un traguardo professionale, ma un simbolo di come la creatività italiana continui a ispirare e a unire le persone nel mondo". Le sue parole risuonano come un eco di speranza, un richiamo a non dimenticare da dove veniamo, anche mentre costruiamo il futuro.

La serata si è conclusa con un lungo applauso, un tributo a un uomo che, con il suo talento e la sua determinazione, non solo rappresenta la nuova generazione di creativi italiani, ma funge anche da ponte tra le culture, unendo Italia e Stati Uniti in un dialogo senza fine.

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Toulouse-Lautrec: l'anima ribelle della Belle Époque

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Immagina di essere seduto in un angolo di un cabaret a Montmartre, il profumo dell'assenzio nell'aria e il suono di risate fragorose che si mescolano a un'eco di solitudine. È qui che Henri de Toulouse-Lautrec, il genio di Albi, si fa testimone di una Parigi che vive il suo momento di massimo splendore e decadenza. Non c'è giudizio nelle sue opere; c'è solo un'osservazione profonda, un'inquietudin...

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La Belle Époque, quel periodo di luci e ombre, di sfarzo e miseria, viene catturata nei suoi tratti audaci e nei colori vibranti. I suoi personaggi, le ballerine e i borghesi, danzano in un mondo di illusioni e desideri, dove il confine tra amore e affare è labile. Toulouse-Lautrec non idealizza: ritrattista della verità, mette in luce l’anima dei suoi soggetti, senza veli, senza pietà.

Alle sue tavole, ogni sorriso stanco di una prostituta, ogni sguardo languido di una ballerina, raccontano storie di speranza e disillusione. La sua piccola statura non gli ha mai impedito di vedere il mondo da un’angolazione unica: un occhio che sa cogliere il sublime nel quotidiano, il sublime nella fragilità umana. Ecco perché l’arte di Toulouse-Lautrec è un canto alla vita, un inno alla diversità.

La mostra a Firenze, con oltre cento opere esposte, è una porta aperta su questo universo. Manifesti, litografie e disegni dialogano con il passato, invitando il visitatore a perdersi in un viaggio che è anche un ritorno. Un ritorno a quella Parigi che, sebbene lontana nel tempo, continua a pulsare nel nostro presente, con la sua bellezza e la sua miseria, con il suo vizio e la sua poesia.

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L'Architettura come Visione: Celebrazione di Cesare Rota Nodari alla Fondazione Legler

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Il 14 novembre, la Fondazione Legler per la Storia Economica e Sociale di Bergamo si trasforma in un palcoscenico di riflessione e ispirazione, ospitando una mostra dedicata a Cesare Rota Nodari, figura emblematica dell'architettura bergamasca. Fino al 20 dicembre, visitatori e appassionati avranno l'opportunità di esplorare sessant'anni di creatività e innovazione, un viaggio che attraversa il te...

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Curata da Edoardo Milesi, l'esposizione non è solo una celebrazione del lavoro di Rota Nodari, ma un invito a interrogarsi sul mestiere dell'architetto in un'epoca di rapidi cambiamenti, dove il digitale ha trasformato il modo di progettare. "L'architettura non è solo costruzione", afferma Milesi, "ma un atto di pensiero politico e visione sociale". In questa sinfonia di idee, Rota Nodari si erge come un maestro che, pur abbracciando le nuove tecnologie, non dimentica le radici artigianali e il legame profondo con il territorio.

Un aspetto distintivo della mostra è il convegno “Il mestiere dell’architetto”, in programma il 21 novembre, dove relatori illustri discuteranno dell'importanza dell'architetto come interprete non solo dello spazio fisico, ma anche delle dinamiche sociali e ambientali. La conversazione si estenderà a esplorare relazioni complesse tra l'uomo e il mondo naturale, un tema che invita a riflettere sulla nostra esistenza e sul nostro impatto sul pianeta.

In un'epoca in cui l'architettura deve affrontare sfide senza precedenti, la mostra di Cesare Rota Nodari ci ricorda che ogni progetto è un'opportunità per sognare, ascoltare e trasformare. Non perdere questa occasione unica di immergerti nell'universo di un architetto che ha saputo coniugare passato e futuro, tradizione e innovazione.

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La Torre Lotte di Kengo Kuma: Un'Incontro tra Mare e Architettura a Busan

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Nel cuore pulsante di Busan, dove la terra abbraccia il mare, si erge la Torre Lotte progettata da Kengo Kuma e Associati. Un grattacielo che non si limita a sfidare il cielo, ma si fonde con il paesaggio circostante, catturando l'essenza del porto e dei suoi incessanti movimenti. Questa struttura di vetro fluido, eretta sull'ex sito del Municipio, racconta una storia di mare, città e architettura...

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La facciata della torre è un poema visivo che riflette il ritmo delle onde, danzando sotto la luce di Busan. Le sue bande orizzontali, che si ripetono come un canto, sfumano il confine tra vetro spandrel e vetro visivo, trasformando la verticalità in un gesto fluido, simile ai movimenti dell'acqua. Questo gioco di trasparenze e colori, che varia dal trasparente al delicatamente colorato, risponde alla luce e ai toni del cielo costiero, creando un'armonia visiva che incanta chiunque si fermi a osservare.

Il design della Torre Lotte è un esempio di come la moderna architettura possa dialogare con la natura. Le volumi curvi e trasparenti si sovrappongono in una composizione che suggerisce movimento, riflettendo l'ondulazione delle onde. I materiali scelti, come il vetro e l'alluminio, non solo permettono alla luce di danzare sulla facciata, ma creano anche un ritmo calmo, attenuando la scala imponente del grattacielo. Ai piani superiori, le linee orizzontali si dissolvono in eleganti lamelle che filtrano la luce e il vento, offrendo uno spazio di transizione all'osservatorio panoramico, dove città, mare e cielo si incontrano in un unico, vasto orizzonte.

La Torre Lotte non è solo un edificio: è un invito a esplorare la continuità tra l'architettura e il contesto marittimo di Busan. Kengo Kuma evita la monumentalità, favorendo invece una connessione profonda con il paesaggio circostante. Questa torre riflette il suo contesto, permettendo alla luce e all'acqua di animare la sua superficie durante tutto il giorno. Visto dal porto, l'edificio appare come un'estensione verticale della costa, la sua facciata scintillante assorbe i colori dell'alba e del crepuscolo. Di sera, la luce interna morbida mette in risalto le linee orizzontali, creando l'illusione di una corrente luminosa che sale attraverso la torre, mentre dal livello stradale, i volumi curvi in vetro incorniciano scorci di vita urbana, unendo il ritmo della vita metropolitana con la cadenza dell'approdo.

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Picasso e Modigliani: Un Viaggio nel Novecento a Palazzo Zabarella

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Nel cuore di Padova, a Palazzo Zabarella, si è aperta una mostra che è un vero e proprio viaggio attraverso il Novecento, un'epoca di rivoluzioni artistiche e culturali. Realizzata in collaborazione con il LaM, Lille Métropole Musée d'art moderne, d'art contemporain et d'art brut, l'esposizione celebra due giganti dell'arte moderna: Pablo Picasso e Amedeo Modigliani. Federico Bano, presidente dell...

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La mostra, inaugurata il 16 ottobre e aperta al pubblico fino al 25 gennaio, si articola in sei sezioni che pongono in dialogo le opere di Picasso e Modigliani con quelle di altri artisti pionieristici come Braque, Léger, Miró e Calder. È un percorso che non si limita a esporre, ma invita a riflettere sulla grande rivoluzione che ha caratterizzato il secolo scorso, un secolo che ha visto nascere le avanguardie e una nuova concezione dell'arte.

Con oltre 8.500 opere d'arte, il LaM non è solo un museo, ma un laboratorio internazionale di idee e scambi, dove ogni pezzo racconta una storia di innovazione e cambiamento. La mostra diventa così un'occasione imperdibile per immergersi in un'epoca che ha trasformato il nostro modo di vedere l'arte e il mondo.

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Hedeskov: Un Laboratorio Vivente di Architettura Rigenerativa

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Immaginate un luogo dove l'architettura non è solo un involucro, ma un attore vivente nella danza della natura. Questo è Hedeskov, un centro di ricerca e educazione situato nel cuore della Danimarca, progettato dallo studio Djernes & Bell. Qui, i materiali locali come argilla, sabbia, canapa e legno si intrecciano in una sinfonia di sostenibilità e innovazione. Situato su terreni recuperati, H...

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La visione di Djernes & Bell è chiara: l'architettura deve abbandonare l'idea di essere un oggetto isolato e diventare parte integrante della riparazione ecologica. Come ha affermato Justine Bell, partner dello studio, "Un edificio può diventare un laboratorio vivente per la pratica rigenerativa, non solo riducendo l'impatto ambientale, ma migliorando attivamente i sistemi circostanti". Questo centro è un esempio tangibile di come gli spazi possano riflettere i paesaggi e le culture costruttive che li hanno generati, rendendo visibili le relazioni tra esseri umani, terra e tempo.

Collaborando con artigiani locali e specialisti di materiali circolari, il team ha esplorato il paesaggio per trovare risorse naturali da utilizzare, conservando e restaurando edifici esistenti come una vecchia scuola in pietra. I mattoni recuperati sono stati riutilizzati, mentre l'interno è stato abbellito con intonaci di argilla e legno recuperato, creando spazi di lavoro e di vita che parlano di una cultura del riuso e della riparazione.

Il laboratorio di Hedeskov si distingue per il suo impegno nella ricerca. Gli studenti dell'Università BUILD di Aalborg monitoreranno il clima interno, le emissioni e il comportamento dell'umidità, contribuendo a una comprensione più profonda delle pratiche sostenibili. In questo contesto, ogni mattone, ogni trave, racconta una storia di cicli stagionali e conoscenza artigianale antica. La struttura si erge non solo come un centro di apprendimento, ma come un simbolo di un futuro dove l'architettura e la natura possono coesistere in armonia.

Con un tetto verde che accoglie un laboratorio e una cucina, Hedeskov si presenta come un esempio luminoso di come l'architettura moderna possa abbracciare il passato, reinventando gli spazi per le generazioni future. Qui, il rosso profondo delle strutture in legno richiama le tradizionali stalle agricole danesi, mentre ampie finestre circolari e lucernari creano un dialogo tra l'antico e il nuovo.

In un mondo in cui l'architettura è spesso vista come un peso, Hedeskov emerge come una boccata d'aria fresca, un invito a ripensare il nostro rapporto con gli edifici e il nostro ambiente. È un richiamo a esplorare non solo come costruire, ma come vivere e co-creare con la terra.

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Architettura Organica: La Bellezza Eccentrica delle Case Viventi

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In un mondo dove le linee dritte e i materiali freddi dominano il panorama urbano, l’architettura organica emerge come un canto di sirena. Case che si arrampicano come edera, tetti ondulati che danzano con il vento, pavimenti che evocano il movimento della natura stessa. Ci troviamo di fronte a strutture che, più che edifici, sembrano organismi viventi, in perfetta armonia con l’ambiente circostan...

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Ricordiamo la Casa sulla Cascata di Frank Lloyd Wright, un capolavoro che si fonde con il paesaggio, quasi come se fosse stata plasmata dalla corrente del fiume sottostante. Questa visione di architettura non è nuova, ma si sta riappropriando del suo posto nella nostra epoca, segnata da crisi ecologiche e da una crescente necessità di riconnettersi con la natura.

Ma cosa rende l’architettura organica così affascinante? È il suo rifiuto delle rigide convenzioni del modernismo tradizionale. Mentre i movimenti come il Bauhaus e il Brutalismo prediligono la funzionalità e la linearità, l’architettura organica abbraccia il caos e la bellezza imperfetta. Pensiamo alle opere di architetti come Bruce Goff, la cui Bavinger House esprimeva un universo onirico di forme e colori, un rifugio di creatività che sfidava ogni logica. La sua demolizione nel 2016 ha riacceso il dibattito sulla necessità di preservare queste architetture eccentriche.

In un’epoca di incertezze, l’architettura organica fiorisce. È un rifugio per i nostri sogni, una risposta visiva e tangibile alle crisi che affrontiamo. Case come la Casa Orgánica di Javier Senosiain ci trasportano in un mondo dove le pareti diventano giardini e i tetti sembrano nuvole. Ogni angolo è un invito a esplorare, a sentirsi parte di qualcosa di più grande, di un ecosistema vivente. Qui, il design non è solo estetica; è un’esperienza sensoriale.

Ma non è solo una questione di forma. È anche una filosofia, una riconnessione con la terra. Architetti come Antti Lovag e Imre Makovecz ci mostrano come il legno e la pietra possano raccontare storie, come ogni struttura possa essere un poema dedicato alla natura. La residenza di Lovag, il Palais Bulles, è un esempio lampante di come l’architettura possa diventare un’opera d’arte, un sogno che si materializza nel paesaggio.

In un’epoca in cui la sostenibilità è fondamentale, l’architettura organica ci offre una via per riconsiderare il nostro modo di costruire. Non più semplici edifici, ma case che respirano, che vivono, che ci parlano. Siamo pronti a riscoprire il meraviglioso mondo dell’architettura organica, dove ogni casa è un organismo, e ogni organismo è parte di un tutto?

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Le Corbusier e il Lago di Garda: Un Incontro di Luce e Architettura

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Era un giorno di ottobre, e la luce del Lago di Garda danzava sulle acque come un sogno che si avvera. Il giovane Charles-Édouard Jeanneret-Gris, futuro Le Corbusier, si trovava lì, a Riva del Garda, mentre il mondo lo stava ancora scoprendo. L’architetto arcense Andrea Rigo, con la sua penna intrisa di passione, riporta alla luce un episodio dimenticato, ma carico di significato: l’arrivo di un g...

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Era il 22 ottobre 1907, e Le Corbusier, con solo diciannove anni, stava intraprendendo un viaggio che lo avrebbe portato a esplorare le meraviglie dell’Italia. Dalla panchina al sole, dove si era concesso un riposo, il giovane architetto decise di abbandonare l’itinerario previsto per tuffarsi nella bellezza del lago, un cambiamento di rotta che si rivelò cruciale. Riva del Garda, all’epoca un angolo di raffinatezza mitteleuropea, lo accolse con le sue limonaie e un panorama che sembrava scolpito da un maestro.

Rigo suggerisce, con una punta di meraviglia, che forse le immagini di quel paesaggio affascinante hanno lasciato un’impronta indelebile nell’anima di Le Corbusier. La luce che giocava tra le montagne e le acque del Garda, il profumo della vegetazione mediterranea, tutto contribuiva a creare un’atmosfera che ispirava non solo i viaggiatori, ma anche gli architetti del futuro. Le lettere scritte a Charles L’Eplattenier rivelano un entusiasmo contagioso, un amore per la bellezza che si rifletteva in ogni angolo.

Ma cosa rimase di quell’incontro fugace? Rigo si chiede se Le Corbusier, contemplando le limonaie, possa aver intuito il concetto di pilotis, quell’idea che avrebbe rivoluzionato l’architettura moderna. O se la luce del Garda, con il suo “gioco sapiente e magnifico dei volumi” non abbia influenzato il suo modo di concepire lo spazio. Un pensiero affascinante, che riporta il Garda al centro della scena artistica e intellettuale.

Oggi, mentre Riva del Garda continua a brillare, possiamo immaginare quel giovane architetto, con gli occhi pieni di meraviglia, mentre osserva il lago e le montagne, elementi che avrebbe poi fuso con maestria nei suoi progetti. Perché, come scrisse lui stesso, “l’architettura è il gioco sapiente, rigoroso e magnifico dei volumi assemblati nella luce”. E quella luce, un giorno d’ottobre del 1907, brillava in modo speciale sul lago di Garda.

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Canale di Tenno: il Borgo Medievale che Incanta in Autunno

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Immagina di passeggiare per strade che sembrano scorrere come fiumi di pietra, circondato da un silenzio che racconta storie millenarie. Canale di Tenno, un angolo di Medioevo affacciato sul Lago di Garda, si svela in tutta la sua bellezza durante l’autunno. Qui, tra vicoli acciottolati e vecchie botteghe, il tempo si ferma e la magia si sprigiona ad ogni passo. Le finestre fiorite si illuminano d...

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Il fascino di Canale di Tenno sta nei dettagli: porte scolpite che raccontano storie, scale che si arrampicano come radici e angoli che sussurrano segreti dimenticati. In questo periodo dell'anno, il borgo si veste di rame e oro, un vero e proprio dipinto naturale. Non è solo un luogo da visitare, ma un’esperienza da vivere. Durante l’anno, eventi come Rustico Medioevo trasformano il borgo in un vivace mercato medievale, dove artigiani e musicisti riportano in vita antiche tradizioni, creando un’atmosfera vibrante e coinvolgente.

Ma Canale di Tenno non è solo storia e cultura; è anche un paradiso per gli amanti della natura. I sentieri che partono da qui offrono panorami mozzafiato sul Lago di Tenno, famoso per le sue acque turchesi. Camminare tra i boschi, con il foliage autunnale che abbraccia il paesaggio, è un’esperienza che riempie il cuore e lo spirito. Gli escursionisti più avventurosi possono salire verso il Monte Misone, dove si trova uno dei punti di vista più spettacolari sul lago, un balcone naturale che lascia senza fiato.

Per visitare Canale di Tenno, basta un’ora per immergersi nella sua essenza, ma la vera magia si svela solo a chi si concede il tempo di esplorare ogni angolo, assaporando i gusti del Trentino in una delle sue piccole osterie. Le temperature autunnali, miti e piacevoli, rendono ogni passeggiata un vero piacere. Se desideri prolungare la tua visita, fermati in uno dei B&B disseminati tra le case in pietra, dove il silenzio racconta storie di secoli e la vista sul lago ti riempie di meraviglia.

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Michele De Lucchi: Un Maestro dell'Architettura Italiana si Aggiudica il Premio del 2025

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Il mondo dell'architettura italiana si è illuminato con la notizia dell'assegnazione del Premio "Architetto dell'anno" 2025 a Michele De Lucchi, un vero e proprio gigante del settore. Il suo studio, AMDL CIRCLE, ha brillato alla Festa dell'Architetto, un evento annuale che celebra l'eccellenza architettonica e che quest'anno si è svolto nella suggestiva cornice di Venezia.

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Il progetto che ha catapultato De Lucchi sul podio è il restauro e la riconversione delle Gallerie d'Italia a Torino, un'opera che ha saputo trasformare spazi storici in luoghi di cultura e conoscenza, dedicati alla fotografia e alla videoarte. La giuria, presieduta dall'architetta messicana Tatiana Bilbao, ha elogiato la capacità del progetto di recuperare ambienti una volta destinati a usi bancari, trasformandoli in musei interattivi e vibranti.

Il restyling degli spazi ipogei di Palazzo Turinetti, completato nel 2022, è stato descritto come un'opera di grande raffinatezza, capace di combinare funzionalità e estetica con una particolare attenzione ai dettagli e ai materiali utilizzati. De Lucchi e il suo team hanno dimostrato una maturità progettuale rara, offrendo una nuova vita a spazi che, altrimenti, sarebbero rimasti dimenticati nel tempo.

Non solo De Lucchi ha brillato in questa edizione della Festa dell'Architetto. Anche lo studio facchinelli daboit saviane ha ricevuto il premio "Giovane Talento dell'Architettura italiana" per il progetto della Nuova Scuola Secondaria di Primo Grado a Puos d'Alpago, un'opera che ha catturato l'attenzione per la sua innovativa rigenerazione di spazi esistenti, dimostrando come l'architettura possa rispondere alle esigenze contemporanee con creatività e sensibilità.

Questa edizione ha visto anche menzioni speciali per progetti di notevole impatto, come il Bicocca Superlab a Milano e il padiglione Hortus Conclusus a Mestre, che hanno saputo reinterpretare il concetto di rigenerazione urbana in chiave moderna, creando connessioni tra didattica e ambiente.

La Festa dell'Architetto 2025 non è solo un riconoscimento, ma un invito a riflettere sull'importanza della progettazione architettonica nel nostro quotidiano. È un appello a lavorare insieme per una Legge per l'Architettura che tuteli le comunità e permetta di costruire un futuro migliore per tutti.

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I 5 progetti architettonici più stravaganti in costruzione nel mondo

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Nel vasto panorama dell'architettura contemporanea, dove i sogni si intrecciano con la realtà, emergono progetti che sfidano la logica e riscrivono le regole del possibile. I cinque progetti architettonici più stravaganti in costruzione nel mondo non sono solo edifici, ma vere e proprie dichiarazioni d'intenti, espressioni di audacia che ci invitano a riflettere su ciò che può essere. Ecco un viag...

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1. Il Toro Monumentale di Spagna
Immaginate un toro di metallo alto oltre 300 metri, che si erge come un faro nel panorama spagnolo. Questo progetto, sostenuto dall'Accademia Spagnola della Tauromachia, ha l'ambizione di diventare l'icona nazionale della Spagna, sfidando la Torre Eiffel per il titolo di monumento più visitato al mondo. Un'idea audace che pone interrogativi su tradizione e modernità, sulla cultura e l'identità.

2. N'Arrow House a Creta
Nell'incantevole paesaggio di Creta, una villa a forma di freccia si inserisce delicatamente nel contesto naturale. Progettata per fondersi con le colline, la N'Arrow House incarna un'architettura che rispetta l'ambiente, con linee pulite e materiali che dialogano con la terra. Un rifugio che promette di offrire una vista mozzafiato, ancora in fase di costruzione, ma già avvolto nell'aura del potenziale.

3. Il Giardino Verticale di Singapore
Un grattacielo che rifiuta le convenzioni, avvolto da un giardino verticale di 100 piani. Questo progetto ambizioso non solo mira a ridefinire il concetto di abitare in città, ma anche a restituire spazio alla natura nel cuore di un’urbanizzazione frenetica. Un vero e proprio polmone verde che si arrampica verso il cielo, trasformando l'idea di architettura in una sinfonia di vegetazione e struttura.

4. La Casa del Futuro in Giappone
Immaginate una residenza che si adatta alle esigenze dei suoi abitanti, un luogo dove la tecnologia si integra perfettamente con la vita quotidiana. La Casa del Futuro, in costruzione in Giappone, è un esempio di come l'architettura possa evolversi in risposta ai cambiamenti sociali e ambientali, un concept che sfida le convenzioni e abbraccia il domani.

5. La Torre dell'Universo in Cina
Concepita come un omaggio all'umanità e alle sue aspirazioni, la Torre dell'Universo promette di essere una delle strutture più alte mai realizzate. Un simbolo di progresso e innovazione che, con i suoi design futuristici, mira a ispirare una nuova generazione di architetti e sognatori. Una struttura che non solo guarda al cielo, ma invita tutti noi a farlo.

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L'Amore e l'Architettura: La Magia di Stardust

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All'inizio di ogni grande storia c'è un incontro, un colpo di telefono, un'idea che si insinua come un sogno nella mente di chi ama. In Stardust: A Story of Love and Architecture, la magia prende forma attraverso la voce di Denise Scott Brown, che chiama Robert Venturi per mostrargli il mondo scintillante della Las Vegas Strip. Siamo nel novembre del 1966, e quel ‘qualcosa’ si trasformerà in un vi...

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Il film, diretto con maestria da Jim Venturi, il figlio dei due protagonisti, non è solo un racconto di mattoni e cemento, ma un’ode a una vita condivisa, a una danza di idee, conflitti e scoperte. La telecamera si muove con delicatezza, quasi come un amante che esplora il viso del proprio partner, rivelando non solo l’architettura, ma anche l’umanità che ci sta dietro. Venturi e Scott Brown, due anime in un’unica visione, hanno saputo scardinare dogmi e pregiudizi, abbracciando la complessità e la contraddizione come essenze vitali del loro lavoro.

Con Complexity and Contradiction in Architecture, pubblicato nel 1966, hanno sfidato la tirannia del minimalismo, mentre Learning from Las Vegas ha aperto le porte a un’architettura popolare e ironica, capace di dialogare con il caos della realtà. Non si trattava più di eleganza austera, ma di abbracciare il ‘diverso’, il ‘non convenzionale’ e, perché no, anche il ‘banale’ come linguaggio architettonico.

Il film non celebra, indaga. Non costruisce monumenti, ma lascia che le ombre parlino. La domanda centrale è affascinante: può la creatività coesistere in due menti? Il viaggio di Bob e Denise, tra Philadelphia e Venezia, è un continuo dialogo, un flusso di pensiero che ci invita a riflettere sulla forza dell’amore e della collaborazione. L’immagine finale, di due viaggiatori che continuano a esplorare insieme, ci ricorda che l’architettura, come l’amore, è un atto di costruzione.

In un mondo che spesso premia il consenso, Venturi e Scott Brown hanno scelto la libertà, pagando il prezzo del silenzio. Ma il loro lascito è uno di quelli che brilla come polvere di stelle, illuminando il cammino di chi verrà dopo. Stardust è, quindi, non solo un film, ma una riflessione profonda sulla vita, sull’amore e sull’architettura, che ci invita a guardare oltre le superfici e a scoprire il mondo che ci circonda con occhi nuovi.

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Bolzano e il Genio di Iliazd: Una Retrospettiva da Non Perdere

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A Bolzano, nei suggestivi spazi della Fondazione Antonio Dalle Nogare, si apre un capitolo affascinante della storia dell'arte italiana. La mostra "TOUTITÉ – ILIAZD. Lo studio della forma" ci invita a esplorare l'universo creativo di Ilia Zdanevich, un artista poliedrico che ha saputo mescolare parole e forme in un abbraccio senza tempo. La retrospettiva, la più grande mai dedicata a questo maestr...

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Iliazd, nato a Tbilisi nel 1894, ha trascorso la sua vita tra le pieghe della poesia e le sfide della tipografia, lasciando un segno indelebile non solo in Francia, dove si è stabilito dopo aver abbandonato la Russia, ma anche nel cuore di chi ama l'arte. La mostra, curata con maestria da Eva Brioschi e Julia Marchand, svela il genio di un artista che ha collaborato con nomi illustri del Novecento, come Pablo Picasso e Coco Chanel, creando opere che sono veri e propri oggetti d'arte.

Il percorso espositivo si articola attorno alla pratica del libro d'artista, un linguaggio che Iliazd ha saputo reinventare, facendolo diventare un mezzo per esprimere la sua visione della "toutité", una filosofia che abbraccia ogni forma di espressione artistica. Dalla tipografia alla moda, dall'architettura alla poesia, la toutité rappresenta un'idea di creatività che non conosce limiti, un invito a vedere il mondo con occhi nuovi.

Non perdere l'occasione di immergerti in questo affascinante mondo. La mostra è un viaggio che trascende il tempo e lo spazio, un'opportunità per comprendere l'essenza di un artista che ha saputo trasformare la sua vita in un'opera d'arte. Scopri i volumi iconici e i progetti che hanno definito la sua carriera e lasciati ispirare dalla magia di Iliazd.

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Il Potere del Contatto: Habitare 2025 e l'Essenza dei Materiali Tattile

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Nel cuore pulsante di Helsinki, Habitare 2025 si è rivelato un palcoscenico straordinario per esplorare la necessità umana di toccare e sentire le cose. In un'epoca in cui il virtuale sembra prevalere sul reale, questo evento ha messo in luce l'importanza dei materiali tattili nel design, diventando una vera e propria controparte a un mondo sempre più digitalizzato.

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Sotto il tema evocativo del Tocco, la fiera ha presentato le ultime novità in fatto di interior design, mobili, illuminazione e accessori. La curatrice Päivi Helander, a capo del CollaboratorioCreative di Habitare, ha affermato che il contatto con i materiali è essenziale per stimolare creatività e immaginazione. "Quando il mondo diventa tecnico e distante, desideriamo avere attorno a noi oggetti che abbiano una consistenza, che possano parlare ai nostri sensi," ha detto Helander, sottolineando come la necessità di toccare e sentire sia una parte integrante della nostra umanità.

La fiera ha creato spazi multisensoriali che invitavano i visitatori a esplorare come le texture degli oggetti influenzino la nostra esperienza dello spazio. L'area Neighbours, curata dall'interior designer Laura Seppänen, ha cercato di evocare l'atmosfera di un blocco residenziale, riflettendo come le personalità e gli stili di vita si manifestano all'interno delle abitazioni. "Neighbours invita a riflettere su come le personalità e le circostanze di vita si manifestano nell'ambiente domestico," ha affermato la fiera.

Ogni oggetto esposto era una porta aperta a sensazioni, un invito a esplorare la profondità del tatto. "Il tema del Tocco si esprime in tutto lo spazio attraverso scelte materiali, contrasti e stratificazioni – tutto può essere toccato, e ogni domanda è benvenuta," ha spiegato la fiera. In un mondo dove tutto sembra effimero e usa e getta, il contatto fisico diventa un atto di curiosità e avventura.

Habitare non si è limitata a celebrare il tatto, ma ha anche messo in evidenza le tendenze emergenti nel design, come un rinnovato focus sui materiali tradizionali e l'apprendimento di abilità manuali, insieme all'uso crescente di biomateriali. Con la sua divisione Habitare Pro, la fiera ha creato uno spazio per aziende e professionisti del settore per connettersi e discutere il futuro del design.

Al termine di questa esperienza immersiva, Habitare 2025 ha dimostrato che, in un mondo sempre più digitale, il tatto e la sensorialità non sono solo aspetti dell'estetica, ma sono fondamentali per la nostra connessione con l'ambiente che ci circonda. La fiera ha avuto luogo dal 2 al 6 settembre a Helsinki, lasciando un segno indelebile nel panorama del design.

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Pietra Mare: Un Incanto Rinascimentale a Palm Beach con il Tocco di Monet

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Affacciata sull'azzurro dell'Atlantico, Pietra Mare si erge come un miraggio, un sogno architettonico che rievoca le meraviglie del Rinascimento. Questa villa, situata a Palm Beach, è molto più di una semplice residenza: è un viaggio nel tempo, un invito a perdersi tra le sue proporzioni classiche e i dettagli raffinati che raccontano storie di eleganza e bellezza. L'aria che si respira qui è preg...

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Progettata da Susan Marinello e l'architetto dello Smith Architectural Group, Pietra Mare è una fusione di stili, un dialogo tra passato e presente. Ogni stanza è un'opera d'arte, curata nei minimi dettagli per riflettere il desiderio dei nuovi proprietari di vivere in un ambiente che incarna sia la sobrietà che l'eleganza. Con otto camere da letto e quindici bagni, questa residenza di oltre 2600 mq è un vero e proprio palazzo, dove il comfort si unisce alla raffinatezza.

La designer ha saputo valorizzare ogni ambiente, creando spazi che si integrano perfettamente con l'esterno. In questo contesto, il blu intenso dell'oceano e il verde vibrante del giardino si fondono in una palette cromatica che avvolge ogni angolo di freschezza e leggerezza. La luxury pool, incastonata in un peristilio romano, diventa il fulcro di questa meraviglia architettonica, perfettamente attrezzata per resistere alle intemperie degli uragani, grazie a un ingegnoso sistema di drenaggio sotterraneo.

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Snøhetta Completa l'Espansione Arcuata del St. Louis Symphony Hall Centenario

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Snøhetta Completa l'Espansione Arcuata del St. Louis Symphony Hall CentenarioIl St. Louis Symphony Orchestra sta per festeggiare un importante traguardo: il centenario del Powell Hall, una storica sala da concerto costruita nel 1925. Grazie al lavoro dell'architetto Snøhetta, la ristrutturazione porta una nuova vita a questo simbolo della città, armonizzando il patrimonio architettonico con un des...

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Situato lungo il Grand Boulevard di St. Louis, il progetto prevede un'espansione di 64.000 piedi quadrati che migliora l'accessibilità e introduce spazi pubblici, aree educative e zone per il dietro le quinte. Questi miglioramenti sono fondamentali per supportare l'ampia gamma di programmi e eventi comunitari della Sinfonica.

L'Aggiunta Arcuata di Snøhetta

La nuova entrata, caratterizzata da volte arcuate e superfici inclinate, offre una vista aperta sull'attività che si svolge all'interno del teatro. L'atrio a tripla altezza è progettato per favorire l'interazione tra i visitatori, creando spazi di raccolta che collegano visivamente i diversi livelli del teatro.

All'esterno, Snøhetta ha creato una nuova piazza pubblica che si affaccia sul Grand Boulevard e sulla Samuel Shepard Drive, ampliando la vitalità della Sinfonia nella città. Questo spazio soleggiato è stato progettato per essere flessibile, integrando zone di carico e aree verdi che ammorbidiscono l'ambiente urbano.

Un Collegamento Fluido tra Antico e Nuovo

I percorsi di circolazione sono stati progettati per permettere un facile movimento tra gli spazi interni ed esterni, garantendo accessibilità e funzionalità. Inoltre, l'espansione include moderne sale di prova e studi di registrazione, fornendo ai musicisti e al personale strutture all'avanguardia per la pratica e la collaborazione.

Concludendo, il progetto di Snøhetta non solo preserva l'eredità architettonica del St. Louis Symphony Hall, ma la rinnova, conferendole un'appeal contemporaneo e migliorando la sua funzionalità per le generazioni future.

Immagini © Sam Fentress

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Borealis: L'Arte del Rivestimento Murale che Evoca Emozioni

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In un mondo dove il frastuono si fa sempre più assordante, Borealis emerge come un rifugio di serenità. Questo rivestimento murale, creato dall'illustre marchio Designtex, non è solo un semplice elemento decorativo, ma una vera e propria esperienza sensoriale. Immaginate di trovarvi davanti a un paesaggio sfocato, osservato attraverso un vetro bagnato dalla pioggia; una visione che si trasforma in...

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La gamma Borealis è stata concepita con un profondo rispetto per la salute emotiva degli spazi che abitiamo. La sua estetica morbida e pittorica è il risultato di una stampa digitale che dà vita a texture ricche e colori stratificati. Questa opera d'arte murale, realizzata in un materiale non vinilico e contenente il 50% di sostanze bio-based, è perfetta per ambienti dedicati al benessere, alle residenze per anziani e all'ospitalità.

Ogni dettaglio di Borealis è studiato per evocare una sensazione di calma e connessione con la natura. Karen Gelardi, designer principale di Designtex, descrive il rivestimento come un “pattern immersivo che invita alla riflessione”. Con la sua tavolozza che include tonalità come Parula, Limestone, e Water Lily, Borealis si integra armoniosamente in ogni contesto, trasformando le pareti in una dichiarazione di stile e tranquillità.

In definitiva, Borealis non è solo un rivestimento; è un manifesto di come il design possa contribuire al nostro benessere, portando la poesia della natura all'interno delle nostre vite quotidiane. Scegliere Borealis significa abbracciare un'estetica che parla al cuore e all'anima, risvegliando la nostra connessione più profonda con il mondo naturale.

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Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.dezeen.com.

Innovazione Sostenibile: Il Padiglione PAKK e l'Isolamento in Micelio

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Il Padiglione PAKK: Un Esempio di Architettura Sostenibile con Micelio Situato a Tallinn, il PAKK Pavilion rappresenta un'innovazione nell'architettura sostenibile, grazie all'uso di pannelli isolanti realizzati in micelio, un biomateriale che proviene dalle radici dei funghi. Questo progetto è frutto della collaborazione tra Myceen, un'azienda specializzata in materiali sostenibili, e il diparti...

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Il PAKK Pavilion è stato concepito non solo come struttura architettonica, ma anche come laboratorio per testare e dimostrare le prestazioni dei pannelli isolanti in micelio. Questi pannelli, noti come mycocomposite, utilizzano la crescita del micelio come legante naturale per residui industriali come segatura e polpa di legno, offrendo una valida alternativa alle tradizionali isolate in lana minerale o polistirene espanso.

Siim Karro, CEO e co-fondatore di Myceen, afferma: "Parlando con architetti e costruttori in tutta Europa, abbiamo acquisito fiducia che questo materiale è necessario nel mercato". I pannelli di micelio rivestono la struttura, che è stata costruita utilizzando un sistema di costruzione modulare in legno sviluppato da EKA PAKK. Questo sistema è progettato per essere facilmente smontabile, modificabile o espandibile in base alle necessità.

La struttura del padiglione è realizzata in legno di frassino, con un telaio cubico rivestito da tavole di legno. Il sistema di facciata sLender, che conferisce al PAKK Pavilion il suo aspetto angolare distintivo, è stato sviluppato per contrastare il rischio di omogeneizzazione nel rinnovamento del patrimonio edilizio estone. Le sezioni modulari di legno sono progettate per rivestire strutture esistenti, migliorando l'isolamento e aggiungendo balconi e moduli per ascensori e scale.

Fino alla fine del 2026, i pannelli isolanti in micelio saranno esaminati per valutare le loro prestazioni termiche e il rischio di muffa. I risultati preliminari mostrano una gestione dell'umidità eccellente, senza rischi di condensa o muffa, e valori U che indicano una resistenza termica superiore rispetto alla lana minerale nelle stesse condizioni.

Il PAKK Pavilion non è solo un esempio di innovazione nel settore dell'architettura, ma rappresenta anche una speranza per la costruzione sostenibile del futuro, dimostrando come i materiali naturali possano essere utilizzati in modo efficace ed ecologico.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Un Ponte di Speranza: Il Nuovo Ospedale Municipale di Karlsruhe

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Nel cuore pulsante di Karlsruhe, dove l'architettura incontra la speranza, sorge un progetto straordinario: il nuovo ponte dell'ospedale municipale, firmato dall'architetto Caspar Schols. Questo non è solo un collegamento fisico tra il suolo e il cielo, ma un simbolo di un futuro in cui la tecnologia e la salute danzano in armonia.

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Con una superficie di 200 metri quadrati, il ponte è stato concepito per unire il luogo di atterraggio dell'elisoccorso con l'ospedale e la clinica Helios. È un'opera che sfida le convenzioni, frutto di una collaborazione ispirata con Werner Sobek, un nome che evoca innovazione e sostenibilità. Nel 2020, in un concorso di design, hanno impressionato la giuria con estetica e funzionalità, dimostrando che la bellezza può coesistere con l'efficienza.

Il ponte non è solo un'infrastruttura, ma una promessa di un'assistenza sanitaria migliore e più rapida. I materiali scelti, come quelli di Norka per l'illuminazione, riflettono un'attenzione maniacale al dettaglio. Ogni elemento è stato pensato per garantire che ogni paziente, ogni soccorritore, possa sentirsi al sicuro e accolto, mentre attraversa questo straordinario passaggio verso la guarigione.

La struttura è progettata per fungere da catalizzatore di benessere, unendo le persone e le istituzioni in un abbraccio architettonico. Non è un semplice ponte; è un'opera d'arte, un canto alla vita, una testimonianza del potere dell'architettura di trasformare le nostre esperienze quotidiane.

Con la conclusione dei lavori nel 2024, il ponte dell'ospedale municipale di Karlsruhe non sarà solo un luogo di transito, ma un simbolo luminoso di speranza e progresso. Il futuro della salute è qui, ed è costruito su solide fondamenta di creatività e innovazione.

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Un Cubo di Silenzio: La Residenza AER in Cipro

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Nel cuore di Cipro, ai margini di una foresta silenziosa che si affaccia sulle sobborghi di Nicosia, sorge AER, una residenza suburbana concepita dallo Studio Kyriakos Miltiadou. Qui, l'architettura si fa poesia, e il cubo diventa un palcoscenico di introspezione. A differenza delle tradizionali abitazioni che si aprono all'esterno, AER si erge come un austero e introverso monolite, un cubo che ra...

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La progettazione inizia con una griglia tridimensionale, un reticolo di punti che definisce l'essenza di un cubo di 14×17 metri. Frammenti del paesaggio naturale si infiltrano gradualmente all'interno, provocando una frattura progressiva e dando vita a una composizione prismatica di vuoti e solidi. Quattro pareti verticali in cemento, alte sei metri, avvolgono questo cubo fratturato, mantenendo i volumi divisi all'interno di un insieme coerente e fluido. Intagliate con tagli verticali, queste pareti fungono da mediatori tra il mondo interno e quello esterno, filtrando, proteggendo e rivelando, instaurando così una relazione dialettica con la foresta, la città e il cielo.

AER si sviluppa in una formazione di ‘un cubo dentro un cubo’. Come un collezionista, la struttura assorbe le sfumature tangibili e intangibili dell'ambiente circostante, reinterpretandole in relazione alla vita quotidiana della famiglia. All'esterno, un'apertura verticale sulla facciata est funge da ingresso, segnando l'arrivo e accentuando la transizione dal mondo esterno a quello interno. Qui, il primo incontro avviene con un giardino aperto, uno spazio centrale che diventa cruciale nella vita quotidiana della famiglia, parte di una rete continua di spazi esterni, passaggi e cortili che abbracciano la massa costruita della casa.

All'interno, la residenza è organizzata su quattro livelli distinti, sempre in relazione con i percorsi esterni. Al piano terra si trovano le aree pubbliche: cucina, sala da pranzo e soggiorno. Negli spazi superiori, le camere private si distribuiscono su due piani diversi, mentre spazi intermedi offrono un'armonia fluida tra le unità funzionali, smussando i confini tra pubblico e privato. Una scala esterna nascosta conduce a una piccola terrazza sul tetto, dove il soffitto si dissolve nel blu intenso del cielo mediterraneo, e parte della superficie è ricoperta di vegetazione naturale, creando un microclima unico.

Le superfici scolpite avvolgono l'attività umana, trasformandola in uno spazio abitativo. Con il passare del tempo, la vegetazione cresce, ammorbidendo la presenza monolitica della struttura. Il gioco tra attività umana, architettura e natura diventa continuo e indissolubile. I tagli verticali nelle pareti in cemento incorniciano e rivelano vedute intriganti dell'ambiente circostante. In questo modo, AER non è solo un'abitazione, ma un'esperienza sensoriale che invita a riflettere sul legame tra l'uomo e il suo habitat.

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Addio a Terry Farrell: l'Architetto Maverick che ha Ridefinito Londra

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Il mondo dell'architettura piange la scomparsa di Terry Farrell, un visionario che ha saputo unire audacia e creatività in ogni sua opera. Con un cuore pulsante nella vibrante Londra, Farrell ha lasciato un'eredità indelebile, rendendosi protagonista di progetti iconici come il palazzo MI6 e gli studi TV-am, dove la sua estetica postmoderna ha trovato la sua massima espressione.

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Nato nel 1938 in Cheshire, il suo percorso si è snodato tra le aule della Newcastle University e le esperienze formative alla University of Pennsylvania. Fu a Londra, nel 1965, che Farrell ha dato vita a una delle collaborazioni più celebri con Nicholas Grimshaw, un sodalizio che ha generato opere audaci, come la fabbrica Herman Miller a Bath, simbolo di un'architettura che abbraccia il futuro con fervore.

Farrell non era solo un architetto; era un pensatore, un innovatore che non si è mai adattato alle convenzioni del settore. I suoi progetti, come la stazione ferroviaria di Beijing South e il Ground Transportation Centre all'aeroporto di Incheon, raccontano storie di spazi che respirano e vivono, riflettendo un impegno costante verso l'urbanismo e il design sostenibile.

Il suo viaggio creativo si è arricchito con la fondazione del Farrell Centre a Newcastle, un luogo dedicato al dialogo sull'architettura, dove le sue intuizioni continuano a ispirare nuove generazioni. Con onorificenze che vanno dall'OBE al titolo di Sir, il suo nome rimarrà scolpito nella storia dell'architettura britannica, un faro per coloro che osano sognare e creare.

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I 30 Migliori Studi di Architettura e Design in India: Innovazione e Tradizione

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In un paese vasto e ricco di storia come l'India, l'architettura si erge a testimone di una cultura in continua evoluzione. Dalla decolonizzazione degli anni '40, gli architetti indiani hanno abbracciato un linguaggio moderno, lontano dai vincoli del passato, creando opere che raccontano storie di tradizione e innovazione. Oggi, con una popolazione di oltre 1,3 miliardi e più di 90.000 architetti ...

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Ma quali sono i nomi che emergono in questo mare di creatività? Ecco una selezione dei 30 migliori studi di architettura e design in India, scelti con cura per il loro talento e la loro visione unica. Ogni studio è un viaggio in un mondo di idee, dove l'architettura non è solo costruzione, ma un'arte che dialoga con il contesto e le persone.

1. Kamat & Rozario Architecture: Con una filosofia che celebra l'unicità dei luoghi, i loro progetti, come la Sharma House a Bengaluru, riflettono idee forti e originali.

2. CP Kukreja Architects: Con oltre 800 progetti all'attivo, questo studio di New Delhi si distingue per la sua versatilità e la capacità di adattarsi a diversi contesti.

3. Morphogenesis: Pionieri nell’uso di soluzioni progettuali passive, offrono un linguaggio architettonico che rispetta le radici indiane pur abbracciando la modernità.

4. Abha Narain Lambah Associates: Specializzati nella conservazione, hanno guadagnato riconoscimenti internazionali per il loro lavoro su patrimoni storici e culturali.

5. Anagram Architects: Con un approccio che spazia dall'architettura residenziale a grandi infrastrutture pubbliche, offrono soluzioni progettuali innovative e sostenibili.

Ogni studio in questa lista rappresenta una storia di passione e dedizione, una ricerca di bellezza che trascende il tempo e lo spazio. Con tale varietà di talenti, l'India si posiziona come un faro di creatività architettonica, pronta a guidare il futuro del design nel mondo.

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Le Case di Kylie Jenner: Un Patrimonio Immobiliare da 80 Milioni di Dollari

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In un mondo dove la celebrità si mescola con l'architettura, Kylie Jenner emerge come una figura emblematica, non solo per il suo status di icona della moda, ma anche per il suo impressionante patrimonio immobiliare. Con un valore complessivo che supera gli 80 milioni di dollari, le sue case raccontano storie di crescita, cambiamento e un gusto sofisticato per il design.

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Dall'età di diciassette anni, quando ha lasciato la sua storica dimora di Hidden Hills, Kylie ha intrapreso un viaggio che l'ha vista acquistare e vendere abitazioni di lusso che catturano l'immaginazione. La sua prima casa, un'elegante villa in stile toscano a Calabasas, è stata solo l'inizio di un'avventura immobiliare che ha visto una rapida crescita e trasformazione.

Ogni casa che Kylie ha posseduto ha portato con sé un pezzo della sua vita, una testimonianza delle sue esperienze e delle sue aspirazioni. La villa di Calabasas, acquistata per 2,7 milioni di dollari e rivisitata con l'aiuto del designer Jeff Andrews, era un rifugio di eleganza moderna, con pavimenti in legno scuro e stanze illuminate da un gioco di contrasti. Non è solo un luogo dove vive, ma un palcoscenico per la sua vita da celebrità.

La sua successiva acquisizione, una residenza in stile Cape Cod a Hidden Hills, ha segnato un passo decisivo, non solo per la sua posizione vicino alla famiglia, ma anche per il suo design lussuoso e le sue comodità. Con un home theater, una cantina e una vista mozzafiato sulle montagne, ogni angolo di questa casa rifletteva il suo spirito giovane e audace.

La terza proprietà a Hidden Hills, un mansion di 12 milioni di dollari, ha rappresentato il culmine della sua evoluzione stilistica, un'opera d'arte che unisce colori vivaci e una personalità audace, progettata dal noto designer Martyn Lawrence Bullard. “Volevo un'atmosfera fresca e divertente,” ha dichiarato Kylie, e così ha fatto, trasformando la sua casa in un rifugio di lusso e creatività.

In un mondo che cambia rapidamente, Kylie Jenner ha saputo adattarsi e investire nel suo futuro, non solo attraverso il suo marchio di cosmetici, ma anche creando uno spazio che riflette chi è davvero. La sua storia immobiliare è una vera e propria narrazione di risalita, passione e innovazione, un viaggio che continua a stupire e ispirare.

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Nove porte d'ingresso che raccontano storie uniche

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In un mondo dove il primo impatto è essenziale, la porta d'ingresso diventa l'ambasciatrice della casa, un portale che invita a scoprire ciò che si cela oltre. Immagina di camminare lungo una strada e di fermarti davanti a una porta che racconta storie, un ingresso che emana personalità e calore. Ecco nove esempi di porte d'ingresso che non solo abbelliscono le abitazioni, ma le rendono uniche, qu...

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La CLT House nel Regno Unito cattura l'attenzione con la sua vernice giallo banana, avvolgendo un ingresso sovradimensionato. La porta pivotante, con bordi delicatamente arrotondati, si fonde con catene da pioggia in stile giapponese, progettate per minimizzare il disordine visivo dei tubi di scarico, creando così un'armoniosa sinfonia visiva.

In Australia, la 19 Waterloo Street gioca con la sua facciata vibrante grazie a una porta d'ingresso semi-circolare in bronzo fuso, opera dell'artista Mika Utzon-Popov. I suoi corrimano contorti e il design che si inserisce perfettamente nel muro in mattoni danno vita a un'entrata che sembra danzare.

Passiamo ora in Giappone, dove la Hokuriku Residence No. 3 presenta una porta che funge anche da specchio a tutta altezza. Questo ingegnoso ingresso, protetto da un tetto sporgente, si sposa perfettamente con l'estetica industriale della casa, mentre il meccanismo scorrevole offre un'esperienza unica ad ogni apertura.

La Brockley House di Londra reinterpreta la tradizionale porta britannica, adornata da un portico tempestato di colori pastello. La porta verde menta, accarezzata da un tetto rosa, è immersa in un gioco di luce creato da un muro di blocchi di vetro, evocando un'atmosfera di dolcezza e accoglienza.

Negli Stati Uniti, la Lil Shingle si distingue con la sua porta blu baby che aggiunge un tocco di colore all'esterno della casa. Un finestrino circolare e un pianterreno coordinato definiscono l'area d'ingresso, invitando gli ospiti a scoprire il fascino interiore della residenza.

La Yamaguchicho House, con la sua facciata in legno annerito, rischia di nascondere la sua porta d'ingresso. Ma grazie a un astuto box in acciaio invecchiato, il passaggio è ben visibile, senza compromettere l'estetica minimalista.

In Taiwan, la Living Lab si distingue con una porta scorrevole rossa che contrasta vividamente con la storia di un edificio dormitoriale di 90 anni. Questo ingresso è un manifesto di come le tradizioni possano vivere e respirare in un contesto moderno.

La Peckham House a Londra gioca con le forme, invertendo l'arco del fanlight sopra la porta, creando un ingresso che invita a entrare e che rappresenta una casa familiare piena di vita.

Infine, il MMS House a San Paolo, Brasile, sfoggia porte in acciaio verde che si stagliano su un'estetica altrimenti discreta, con un numero civico che svetta sulla parte superiore del telaio, rendendola una presenza che non passa inosservata.

Ogni porta racconta una storia, un carattere, una visione. Scegliere quella giusta significa scegliere come si desidera comunicare al mondo. E tu, quale storia vuoi raccontare attraverso la tua porta d'ingresso?

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Riscoprire la Tradizione: Il Teatro di Cheng Tsung FENG in Taiwan

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Riscoprire la Tradizione: Il Teatro di Cheng Tsung FENG in TaiwanNel cuore di Changhua, Taiwan, il Cheng Tsung FENG Design Studio ha realizzato un progetto che fonde modernità e tradizione. Questo teatro all'aperto, completato nel 2025, è una monumentale installazione in bambù che celebra le radici culturali dell'isola.

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Artista e architetto, Cheng Tsung FENG ha dedicato la sua carriera alla preservazione delle arti tradizionali. Con questo progetto, ha voluto riportare in vita il palcoscenico in bambù, un elemento architettonico che ha caratterizzato le celebrazioni nei templi taiwanesi, ma che oggi è sempre più raro. Situato presso il Wenwu Temple di Lukang, questo palcoscenico è realizzato con migliaia di pali di bambù, evocando l'antica grandezza di una tradizione in via di estinzione.

La struttura, progettata con attenzione alla sostenibilità e all'utilizzo di materiali locali, rappresenta un esempio di come l'architettura possa dialogare con il passato, creando spazi che sono sia funzionali che evocativi. Il team di progettazione ha collaborato con ingegneri strutturali e specialisti dell'illuminazione per garantire che il teatro non solo fosse esteticamente gradevole, ma anche sicuro e pratico per eventi futuri.

Questo progetto è un invito a esplorare e a riapprezzare le tradizioni culturali, mostrando come la modernità possa essere integrata armoniosamente con la storia. In un'epoca in cui molte di queste pratiche stanno scomparendo, il teatro di Cheng Tsung FENG si erge come un simbolo di speranza e rinascita culturale.

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La Boutique Louis Vuitton di Cancún: Un'Opera d'Arte in Calcestruzzo

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Nel cuore pulsante di Cancún, dove l'azzurro del mare incontra il calore della terra, la boutique Louis Vuitton si erge con una nuova veste, frutto del genio di MATERIA e Gustavo Carmona. Sette anni dopo la sua prima metamorfosi, questa icona di stile si presenta al mondo con una facciata di calcestruzzo precast, un materiale che racconta storie di eleganza e innovazione.

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La facciata, un mosaico di forme scultoree, reinterpreta il motivo floreale distintivo del marchio, creando un gioco di luci e ombre che danza con il passare delle ore. Ogni angolo, ogni rilievo, si trasforma in un’esperienza sensoriale, dove la luce si riflette e si piega, regalando un ritmo visivo che cattura l’attenzione dei passanti.

Al centro di questo progetto c'è un'unità modulare, concepita per essere non solo un elemento strutturale, ma anche un ricettore di luce. Ripetuta lungo la facciata, essa genera una pelle vibrante, un tessuto architettonico che unisce precisione e movimento, creando un’identità collettiva forte e suggestiva.

Non si tratta semplicemente di un negozio, ma di un’esperienza architettonica che evoca emozioni profonde. La nuova facciata di Louis Vuitton a Cancún non è solo un elemento di branding; è una presenza viva nel tessuto urbano, un invito a esplorare e a lasciarsi trasportare dalla bellezza del design contemporaneo.

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Scoprire l'Invisibile: Viaggi Autocuratati tra gli Archivi dei Musei

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Immaginate di trovarvi in una stanza avvolta nel silenzio, dove il tempo sembra essersi fermato e le opere d'arte, custodite gelosamente, attendono di svelare le loro storie. Negli archivi dei musei, questo è il luogo dove l'arte ha è stato da sempre, raramente esposta, eppure carica di significato. Qui, in spazi che sono stati concepiti per proteggere e preservare, si cela un universo di o...

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La visita a un museo tradizionale è un'esperienza altamente curata, dove ogni pezzo è posizionato con cura per raccontare una narrazione specifica. Ma cosa accade quando l'attenzione si sposta verso gli archivi, tipicamente inaccessibili al grande pubblico? Questi luoghi, che è stato also concepiti per garantire la sicurezza e l'integrità delle opere, sono spazi di ricerca e scoperta, dove accademici e appassionati possono immergersi in una realtà che è rimasta nascosta per troppo tempo.

In un'epoca in cui l'arte viene sempre più democratizzata, c'è una crescente domanda di accesso a queste meraviglie. Le istituzioni stanno iniziando a riconoscere che l'apertura di questi archivi può essere un modo per coinvolgere il pubblico, permettendo a tutti di esplorare la ricchezza di un patrimonio culturale che, altrimenti, rimarrebbe invisibile.

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Scopri il Museo d'Arte di Taichung: Un Capolavoro di SANAA

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Scopri il Museo d'Arte di Taichung: Un Capolavoro di SANAA Il Museo d'Arte di Taichung, progettato dall'illustre studio SANAA, è pronto a diventare un simbolo culturale di Taiwan. Situato a Taichung, la seconda città più grande dell'isola, il museo è parte di un ambizioso progetto chiamato Taichung Green Museumbrary, che aprirà ufficialmente al pubblico il 13 dicembre 2025.

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Questo innovativo complesso culturale combina la biblioteca centrale della città con un museo d'arte metropolitano, creando un modello istituzionale nuovo e integrato. Il Taichung Green Museumbrary si trova all'interno del Central Park, un'area verde di 67 ettari che fa parte del più ampio Shuinan Trade and Economic Park, un'ex base militare dismessa nel 2004.

Il design di SANAA si basa sull'idea di "una biblioteca in un parco e un museo d'arte in una foresta". La struttura è elevata dal suolo, permettendo alla luce naturale e alle brezze del parco di fluire liberamente attraverso piazze ombreggiate, offrendo accesso aperto e permeabile da tutti i lati.

Uno Spazio Aperto che Connette Cultura e Natura

Il progetto dissolve le divisioni tradizionali tra gli spazi del museo e quelli della biblioteca all'interno di un interno aperto e inclusivo. Le aree lettura e le zone espositive si sovrappongono, incoraggiando l'interazione e la programmazione incrociata. La biblioteca ospiterà oltre un milione di risorse fisiche e digitali.

Sulla cima dell'edificio, il team di design di SANAA ha creato un giardino all'aperto che offre una vista panoramica sul Central Park e sullo skyline di Taichung. Concepite come un paesaggio pubblico e un'estensione culturale dell'edificio, le aree verdi sul tetto migliorano la continuità tra l'ambiente costruito e quello naturale.

La facciata a doppio strato combina rivestimenti in vetro o metallo ad alte prestazioni con uno strato esterno in rete metallica espansa in alluminio. Questo velo argentato produce una sensazione di trasparenza, migliorando al contempo le prestazioni ambientali. La facciata e la struttura elevata enfatizzano leggerezza, apertura e integrazione con il parco circostante.

All'altezza del suolo, le piazze ombreggiate fungono da soglie pubbliche dove la città incontra il museo e la biblioteca, creando un ambiente dinamico e accogliente per tutti.

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Un Clubhouse Circolare: Il Rifugio di Pietra che Abbraccia la Natura

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Nel cuore di un paesaggio semi-desertico, dove le acacie danzano al vento e i yuccas si ergono come sentinelle silenziose, sorge un clubhouse che sfida le convenzioni: La Pedrera. Progettato dallo studio Taller Ezequiel Aguilar Martínez, questo gioiello architettonico è situato nelle colline del Complesso Cola de Lagarto, a pochi passi da Atlixco, Puebla, a due ore da Città del Messico.

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Con un design circolare che si fonde armoniosamente con l'ambiente, il clubhouse si erge come un abbraccio progettato per accogliere. La sua forma, che si apre verso un panorama mozzafiato che abbraccia i campi da golf e i vulcani Popocatépetl e Iztaccíhuatl, ricorda la semplicità e l'efficacia di un cerchio perfetto, un simbolo di unione e continuità.

La struttura, parzialmente interrata per rispettare la pendenza naturale del terreno, è realizzata con materiali che raccontano una storia di fusione: pietra locale, legno e calcestruzzo si intrecciano in un linguaggio architettonico che non solo è visivo, ma anche tattile. Le pareti di pietra curvata sorgono dalla collina come se fossero sempre state lì, mentre il tetto piatto funge da terrazza panoramica, un luogo dove il cielo e la terra si incontrano.

Al centro, una piscina riflettente cattura la luce del sole e la restituisce, creando un cuore pulsante che filtra la vita del clubhouse. Gli spazi interni si aprono e chiudono attraverso porte di legno rotanti, permettendo a ogni ambiente di adattarsi alle esigenze degli ospiti, come un abito che si adatta alla forma del corpo.

L'architetto Ezequiel Aguilar Martínez ha concepito questo luogo non solo come un edificio, ma come un'esperienza, un rifugio dove il tempo sembra rallentare e dove ogni dettaglio è pensato per favorire la connessione con la natura circostante. La Pedrera non è solo un clubhouse; è un invito a vivere, a respirare, a sentirsi parte di un tutto più grande.

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Iman S Fayyad: Innovazione Architettonica con Pannelli di Plywood per il Chicago Architecture Biennial

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Iman S Fayyad: Innovazione Architettonica con Pannelli di Plywood per il Chicago Architecture BiennialLa designer e docente Iman S Fayyad, con sede nel Massachusetts, ha presentato una straordinaria installazione al Chicago Architecture Biennial, intitolata In The Round. Questa struttura è realizzata utilizzando semplici pannelli di plywood, creando uno spazio collettivo facilmente assemblabile.

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Collocata nel Chicago Cultural Center, l'installazione utilizza pezzi di plywood standard che sono stati piegati per formare forme cilindriche composite, unite con semplici cinghie, eliminando la necessità di chiodi o adesivi esterni. Fayyad ha dichiarato che questo progetto esplora tecniche di utilizzo di materiali standard e accessibili per creare superfici geometriche strutturali.

La ricerca di Fayyad si concentra sull'importanza di utilizzare materiali prontamente disponibili, riducendo al minimo gli sprechi durante la trasformazione delle superfici da piatte a curve. Le forme curve sono state ottenute tramite un semplice processo di piegatura, che ha incluso l'ammollo e il riscaldamento dei pannelli, modellati poi manualmente.

L'installazione offre spazi interni accoglienti e piccoli alcove esterni dove ci si può sedere, mentre l'interno presenta una forma a cupola con pareti che si curvano verso un oculo. Questo design permette di creare un ambiente intimo, perfetto per riunioni, specialmente in contesti che richiedono costruzioni rapide ed economiche.

Fayyad ha enfatizzato l'importanza di creare strutture temporanee, come rifugi di emergenza, che possano essere assemblate e smontate facilmente. La sua installazione risponde al tema del CAB di quest'anno, Architettura in Tempi di Cambiamento Radicale, affrontando la necessità di strutture efficienti e sostenibili.

In un'epoca in cui la giustizia ambientale è fondamentale, l'ambizione di Fayyad è di promuovere l'innovazione formale, collegando le pratiche architettoniche con le esigenze sociali e culturali. Questo progetto è un esempio di come un design accessibile possa rinnovare il legame tra mente e mano nel processo creativo.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Ripensare l'Autorialità attraverso il Design Partecipativo

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Ripensare l'Autorialità attraverso il Design PartecipativoNel campo dell'architettura, storicamente, molti edifici iconici sono stati plasmati da visioni unilaterali, spesso progettati senza una reale interazione con gli utenti, le comunità e le città. Sebbene questo approccio dall'alto possa garantire una forte coerenza formale e chiarezza concettuale, ha anche dato priorità all'autorialità rispe...

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Progettare per altri è intrinsecamente complesso. Gli architetti sono spesso chiamati a creare ambienti per comunità con cui potrebbero non avere familiarità personale o culturale. Tuttavia, questa distanza può offrire un'oggettività preziosa. Consente di coinvolgere diverse prospettive con occhi nuovi, analizzando criticamente le esigenze e le limitazioni di molteplici stakeholder. Attraverso questo processo, la disciplina dell'architettura ha fatto progressi significativi, spingendo i confini del pensiero spaziale, innovazione dei materiali e sperimentazione strutturale.

Il lavoro di Rizvi Hassan è un esempio calzante di come il design partecipativo possa trasformare l'architettura, rendendo il processo creativo più inclusivo e rappresentativo delle vere esigenze delle comunità. In questo contesto, è fondamentale riconoscere che l'architettura non è solo una questione di estetica, ma anche di funzionalità e relazione umana.

In conclusione, ripensare l'autorialità attraverso il design partecipativo non solo arricchisce il processo creativo, ma crea anche spazi che rispondono realmente alle esigenze delle comunità, promuovendo una connessione più profonda tra gli utenti e l'architettura stessa.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su ArchDaily Global.

Due Grandi Tetti Che Si Incontrano: Design Residenziale Giapponese

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Due Grandi Tetti Che Si Incontrano / KOMINORU DesignIl progetto residenziale "Due Grandi Tetti Che Si Incontrano", realizzato dall'architetto giapponese KOMINORU Design, rappresenta una fusione unica di estetica e funzionalità. Situato in una zona densamente popolata vicino a una stazione, questa casa è progettata per ospitare due famiglie, genitori e figli, su un'area di 250 m².

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Un elemento distintivo di questo progetto è la struttura a due piani che, grazie ai suoi eaves bassi, riesce a creare un aspetto simile a quello di un edificio a un solo piano. Questa soluzione architettonica non solo ottimizza lo spazio, ma offre anche un senso di intimità e connessione tra le famiglie.

Le immagini di Yohei Shirai catturano perfettamente l'essenza di questo progetto, mostrando come i tetti, in un abbraccio architettonico, uniscano i due spazi abitativi. L'uso di materiali sostenibili e tecnologie moderne è un altro aspetto fondamentale del design, che si allinea con le attuali tendenze nel campo dell'architettura residenziale.

Per ulteriori dettagli e immagini, visita l'articolo completo su ArchDaily.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

Gioco: Lo Spazio Creativo per Bambini alla Triennale di Milano

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Gioco: Lo Spazio Creativo per Bambini alla Triennale di Milano La Triennale di Milano ha inaugurato Gioco, un nuovo e stimolante spazio creativo dedicato ai bambini, progettato dall'architetto Luca Cipelletti. Questo progetto fa parte della più ampia ristrutturazione del Piano Parco e si propone di offrire un ambiente interattivo e modulare, realizzato con blocchi di sughero.

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Gioco è concepito per essere un luogo di esplorazione pratica, dove i bambini possono dare libero sfogo alla loro creatività. I blocchi di sughero utilizzati sono leggeri e possono essere facilmente riorganizzati, permettendo di creare sedute, scrivanie o aree di relax. Questo design flessibile incoraggia l'interazione spontanea e l'apprendimento collaborativo.

Il nuovo spazio non è solo un'area educativa, ma anche un luogo di gioco libero, dove i bambini e i loro accompagnatori possono trascorrere del tempo insieme. Gioco offre anche un'ampia gamma di attività, tra cui laboratori organizzati dal Dipartimento Educativo della Triennale, arricchendo ulteriormente l'esperienza dei visitatori.

Inoltre, la struttura è dotata di servizi pratici per le famiglie, come parcheggio per passeggini, armadietti e servizi igienici adatti ai bambini, assicurando così un'accoglienza comoda per tutti. Anche il ristorante Cucina Triennale propone un menù dedicato ai più piccoli, estendendo l'inclusione dei bambini all'intera offerta della Triennale.

La biblioteca presente nel Gioco invita all'esplorazione e alla scoperta, con una collezione di libri illustrati in italiano e inglese, libri silenziosi e opere che introducono la Lingua dei Segni Italiana. Questo rende il progetto accessibile a un pubblico più ampio e arricchisce la visita con attività interattive che collegano lo spazio alle mostre attuali.

Gioco rappresenta così un'importante iniziativa della Triennale di Milano, unendo creatività, apprendimento e inclusione in un ambiente pensato per i bambini e le loro famiglie.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

Gathering Grove Residence: Un Capolavoro di Architettura Residenziale in India

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Gathering Grove Residence: Un Capolavoro di Architettura Residenziale in IndiaSituata ad Ahmedabad, la Gathering Grove Residence progettata da R+R Architects rappresenta un esempio straordinario di architettura residenziale che va oltre il semplice utilizzo funzionale. Completata nel 2024, questa residenza è stata concepita come un rifugio sociale dinamico per un cliente di Los Angeles, appassiona...

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Non si tratta di un'estensione utilitaria, ma di un enclave curata che incarna celebrazione, spirito e connessione. Ogni decisione progettuale è stata influenzata dalla personalità vibrante e stilosa del cliente, creando un ambiente che non solo accoglie incontri, ma li ispira.

L'architettura della Gathering Grove Residence è caratterizzata da un linguaggio giocoso e raffinato, dove le fluidità dei collegamenti interni ed esterni, le scelte audaci dei materiali e l'illuminazione ambientale si uniscono per evocare un senso di occasione. Il risultato è uno spazio che diventa una tela vivente per esperienze condivise, adatto a serate intime o a vivaci soirées.

Grazie all'attenzione ai dettagli e all'innovazione, la Gathering Grove Residence si distingue come un esempio di architettura che celebra la vita e le relazioni umane, trasformando il concetto tradizionale di outhouse in una zona di festa vivace e coinvolgente.

Scopri di più su questo progetto affascinante e sull'opera di R+R Architects visitando ArchDaily.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

WA Lamp: L'Innovativa Creazione di Akasaki & Vanhuyse da Maniglie di Treni Giapponesi

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WA Lamp: L'Innovativa Creazione di Akasaki & Vanhuyse La WA lamp è un esempio straordinario di design sostenibile, realizzata dallo studio londinese Akasaki & Vanhuyse. Questa lampada minimalista è composta da maniglie in resina recuperate da treni giapponesi dismessi, in particolare le maniglie dei treni Tokyu 8500, ritirati nel 2023. Con una produzione limitata a sole 150 unità, ogni lampada ra...

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Le maniglie sono state accuratamente selezionate: circa 1.400 maniglie in resina sono state pulite e valutate per eventuali difetti visivi, come graffi o ammaccature. Ogni imperfezione è stata considerata come un elemento da celebrare, riflettendo l'uso e il contatto con i passeggeri nel corso degli anni. Questo approccio permette di trasformare componenti che altrimenti sarebbero stati scartati in opere d'arte funzionali.

La lampada è composta da nove anelli di maniglie, impilati per formare un paralume. Piccole fessure tra gli anelli permettono alla luce di filtrare delicatamente, creando un'atmosfera calda e accogliente. Le gambe in acciaio lucidato, che sorreggono la struttura, richiamano il design originale delle maniglie, con una curvatura che simula le cinghie che una volta le collegavano ai treni.

La maggior parte del processo produttivo della WA lamp è stata realizzata da artigiani locali a Tokyo, dove ha sede la Tokyu Corporation. Akasaki & Vanhuyse sperano che queste lampade trovino posto non solo negli uffici e nelle informazioni delle stazioni, ma anche in ambienti residenziali più informali.

La WA lamp non è l'unica creazione che celebra il riutilizzo di materiali. Altri designer, come Sara Regal e Yuma Kano, hanno trovato modi creativi per trasformare rifiuti di cantiere in mobili e complementi d'arredo. La WA lamp si inserisce perfettamente in questa tendenza di design consapevole e innovativo, dimostrando che si può creare bellezza anche partendo da ciò che è considerato scarto.

In conclusione, la WA lamp di Akasaki & Vanhuyse non è solo un'illuminazione, ma una testimonianza del potere del design di trasformare l'ordinario in qualcosa di straordinario.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

La Mostra NUTS + BOLTS a NY: Arredi DIY da Materiali di Ferramenta

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La Mostra NUTS + BOLTS a NY: Arredi DIY da Materiali di FerramentaFino al 5 ottobre 2025, la mostra NUTS + BOLTS a Tivoli, NY, organizzata da Available Items, esplora il design innovativo attraverso l'uso di materiali di ferramenta per creare mobili DIY come sedie, tavoli e lampade. Questo evento rappresenta la seconda edizione della mostra, che mette in luce il lavoro di 24 designer, tra cui Fort...

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I designer sono stati incaricati di realizzare un pezzo di arredamento utilizzando esclusivamente articoli reperibili in un negozio di ferramenta locale, limitando l'uso di legno e vietando l'uso di stampa 3D o parti acquistate online. Il risultato è una collezione di oggetti funzionali, visibili presso la mostra NUTS + BOLTS.

Tra i materiali utilizzati ci sono tubi in PVC, parti di grondaia, martelli da terra, morsetti, dadi, bulloni, scope da strada, cancelli di recinzione, teloni e soglie in alluminio. I designer dimostrano così come prodotti utilitari possano essere trasformati in mobili finiti.

La mostra, situata al 64 Broadway, Tivoli, NY, offre una visione unica di come la creatività possa emergere dall'uso di materiali quotidiani. Ad esempio, Christian Borger presenta una lampada modulare realizzata con lamelle per soffitti, mentre Office of Tangible Space espone lo Street Broom Stool, una sedia che utilizza manici di scope come gambe e telaio, con le setole che costituiscono la seduta principale.

Un altro pezzo notevole è il Catch & Release di Fort Standard, una lampada a pavimento che combina un martello da terra, morsetti e una rete da pesca, creando un oggetto funzionale dall'unione di materiali di diverse categorie come giardinaggio e plumbing.

La mostra NUTS + BOLTS è una celebrazione della creatività e della riutilizzazione, mostrando come l'innovazione possa nascere dall'ordinario. Non perdere l'opportunità di visitarla fino al 5 ottobre 2025.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

Rivoluzionare gli Spazi: Le Sedie Twin di A204 che Diventano Arredo e Stoccaggio

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Immagina un oggetto che, pur nella sua apparente semplicità, racchiude in sé la capacità di reinventarsi, come un attore versatile in un palcoscenico di possibilità. È così che le sedie Same Same di A204 si presentano: un duo di sedie in legno che non si limitano a essere semplici posti a sedere, ma si evolvono in forme di arredo sorprendentemente pratiche.

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Ogni sedia, realizzata in Maritime Pine Plywood e rifinita con un linoleum colorato, è un invito a scoprire il design minimalista, dove la funzione si sposa con l'estetica. Sotto la superficie di queste sedie, un compartimento segreto attende di accogliere riviste o piccoli oggetti, trasformando ogni sedia in un raffinato elemento di storage.

Ma la vera magia avviene quando queste sedie si uniscono. Possono diventare un tavolo laterale con cassetti, oppure un'unità di scaffalatura alta, adattandosi così alle esigenze di ogni spazio. Questo approccio modulare di A204 non solo amplia la funzionalità delle sedie, ma invita gli utenti a partecipare attivamente alla loro evoluzione.

Con Same Same, la flessibilità non è solo un concetto, ma un modo di vivere il design. La capacità di adattarsi e cambiare forma offre una soluzione a chi cerca non solo un mobile, ma un compagno di viaggio che accompagni le proprie avventure quotidiane. In un mondo in continua mutazione, queste sedie rappresentano un faro di creatività e praticità.

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Barn Again Pavilion: un Nuovo Approccio all'Architettura Culturale a Copenaghen

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Barn Again Pavilion: un Nuovo Approccio all'Architettura Culturale a CopenaghenIl Barn Again Pavilion, progettato dallo THISS Studio in collaborazione con l'architetto Tom Svilans, rappresenta un esempio straordinario di architettura culturale moderna, situato nel cuore di Copenaghen. Inaugurato per la Biennale di Architettura di Copenaghen nel 2025, questo padiglione di 25 m² è stato concepito co...

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Situato a Gammel Strand, il Barn Again si propone di rievocare l’essenza delle vecchie stalle danesi, ripensando e riutilizzando strutture storiche per un pubblico contemporaneo. Questa iniziativa non solo celebra la tradizione architettonica, ma invita anche a una riflessione profonda sul nostro modo di vivere e interagire con l'ambiente.

Realizzato principalmente in legno, il padiglione si distingue per la sua sostenibilità e il suo design innovativo. Grazie all’uso di materiali locali e tecnologie sostenibili, il Barn Again Pavilion non è solo un luogo di esposizione, ma un simbolo del futuro dell'architettura culturale.

Il progetto è stato curato da Hadir Al Koshta e fotografato da Maja Flink, che ha catturato la bellezza e la funzionalità di questa straordinaria struttura. Con il suo design evocativo e la sua tematica profonda, il Barn Again Pavilion invita visitatori e architetti a riflettere su come possiamo vivere in armonia con il nostro ambiente.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

Concéntrico: La Città come Laboratorio di Processi Urbani

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Concéntrico: La Città come Laboratorio di Processi UrbaniNegli ultimi anni, le città hanno visto un'evoluzione significativa nella pianificazione e gestione degli spazi urbani. Mentre le normative si fanno più rigorose, il rischio è che i centri urbani perdano il loro carattere unico e accogliente, diventando eccessivamente ordinati e sterilizzati. Per contrastare questa tendenza, nascono iniziati...

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Una delle manifestazioni più significative è il festival Concéntrico, che si tiene a Logroño, in Spagna. Questo evento internazionale, giunto alla sua decima edizione, si propone come un laboratorio di innovazione urbana. Attraverso installazioni artistiche e architettoniche, Concéntrico stimola il dialogo tra la realtà urbana attuale e le potenzialità future delle città.

La pubblicazione del libro Concéntrico: Urban Innovation Laboratory segna un traguardo importante, offrendo una panoramica di un decennio di design urbano e trasformazione collettiva. Questa opera è accompagnata da un tour internazionale che mira a condividere le esperienze e le intuizioni raccolte nel corso degli anni.

In un mondo dove la progettazione urbana si fa sempre più complessa, eventi come Concéntrico rappresentano un faro di speranza e creatività, invitando le comunità a partecipare attivamente alla ridefinizione dei propri spazi.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su ArchDaily Global.

Open Architecture: Riscoprire il Design oltre il Conformismo

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In un angolo pulsante di Pechino, una visione audace di architettura prende forma. Open Architecture, guidato dalla coppia dinamica Huang Wenjing e Li Hu, non si limita a soddisfare le richieste dei clienti; piuttosto, si immerge in un territorio inesplorato, dove la creatività danza con l'inaspettato. "Se un cliente desidera uno stile specifico, è un po' noioso per noi", afferma Li, spalancando l...

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Dal 2008, questo studio ha sfidato le convenzioni, creando opere che non sono solo edifici, ma esperienze immersive. La recente Sun Tower, un cono di cemento alto 50 metri, si erge come un enorme orologio solare, un simbolo di come l'architettura possa interagire con il tempo e la luce. "Siamo più interessati a un progetto che sia una domanda", spiega Li, suggerendo che ogni creazione nasce da un desiderio di scoperta piuttosto che da un mero compito da svolgere.

Il prossimo capitolo di questa avventura si scrive in Australia, dove Open Architecture è stato scelto per curare Task Eternal, una mostra che esplora le tendenze espansionistiche dell'umanità. Concepite come atti di un'opera teatrale, le quattro sezioni della mostra promettono di portare i visitatori in un viaggio attraverso la storia dell'esplorazione spaziale e le sue implicazioni. "È letteralmente un museo dentro un museo", commenta Li, sottolineando l'intento di fondere architettura, concetto e curatela in un'unica, fluida esperienza.

La filosofia di Open si radica in una profonda connessione con la natura. Huang condivide che "gli edifici devono proteggere la natura, non distruggerla", una visione che si riflette in ogni decisione progettuale. La loro recente incursione nel design residenziale con il progetto Nanshan Commune a Shenzhen rappresenta un antidoto alle comunità chiuse e agli edifici monotoni, mirando a elevare la qualità della vita attraverso un approccio che integra paesaggi, spazi comunitari e un dialogo continuo con l'ambiente.

In un mondo in rapida evoluzione, Huang e Li sostengono che l'adattamento è essenziale. "Siamo meno arroganti di prima, umiliati dalla velocità con cui le cose possono cambiare", affermano, evidenziando l'importanza di evolversi continuamente. Dal loro punto di vista, la sostenibilità è un argomento sociale, non solo un calcolo tecnico, e ogni progetto diventa un'opportunità per riflettere su come l'architettura possa rispondere alle sfide del nostro tempo.

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Il Futuro delle Auto Elettriche: Oltre i Confini con Avatr

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Il Futuro delle Auto Elettriche: Oltre i Confini con AvatrIl marchio di veicoli elettrici premium Avatr sta cambiando le regole del gioco con la sua nuova creazione, l'Avatr Vision Xpectra, presentata all'IAA Mobility di Monaco. Secondo il Chief Design Officer Nader Faghihzadeh, il design di questo veicolo rappresenta una filosofia che si basa su esperienze emotive e personali.

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Il Vision Xpectra è un'auto a quattro posti che si distingue per i suoi dettagli lussuosi, come un hub di interazione centrale realizzato in vetro e legno, e poggiatesta gonfiabili ispirati all'alta moda. Con il suo corpo lungo e basso e un design prismatico che richiama il logo poliedrico di Avatr, questo veicolo è concepito per riflettere i valori e le esigenze degli utenti.

Faghihzadeh sostiene che il design dovrebbe andare oltre l'estetica e la funzionalità, creando un legame emotivo profondo con gli utenti. "Vogliamo che ogni auto sia un compagno, non solo un oggetto", afferma. Questo approccio si traduce in un'auto che non è solo un mezzo di trasporto, ma un'estensione della personalità del conducente.

Un altro aspetto innovativo del Vision Xpectra è l'integrazione dell'intelligenza artificiale. Un'entità AI vivente, chiamata "Vortex", interagisce con i conducenti attraverso la luce e il movimento, contribuendo a creare un'esperienza di guida unica e personalizzata. Questo è solo un esempio di come Avatr stia spingendo i confini del design automobilistico, mirando a un futuro dove le auto elettriche non solo soddisfano esigenze pratiche, ma arricchiscono la vita quotidiana.

"Il futuro delle auto elettriche è una questione di superare i confini e ridefinire cosa può essere un'auto", afferma Faghihzadeh. Con la continua evoluzione della tecnologia EV, Avatr si propone di riconsiderare il modello tradizionale di automobile, creando veicoli con proporzioni flessibili e interni innovativi.

In un mondo dove le aspettative sul design automobilistico sono spesso limitate, Avatr si impegna a esplorare nuove strade. "Desideriamo provare nuove vie e offrire un'esperienza unica ai nostri consumatori", conclude Faghihzadeh.

In conclusione, l'Avatr Vision Xpectra rappresenta non solo un nuovo veicolo, ma una visione del futuro dell'automotive, dove il design incontra l'emozione e la tecnologia si fa compagna.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Personaggi Disney e Architettura: Un Mondo di Sogni e Realtà

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Immagina un mondo in cui i personaggi Disney non solo vivono in storie incantate, ma danzano tra le colonne dei monumenti architettonici che abbiamo amato per secoli. Johana Mendoza Rodriguez, architetto e illustratrice di Quito, Ecuador, fa proprio questo. Le sue illustrazioni sono una magica fusione di realtà e sogno, dove la precisione architettonica incontra la meraviglia dell'immaginazione.

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Ogni linea tracciata da Mendoza Rodriguez non è solo un semplice schizzo; è un racconto che esplora come la luce e il colore possano trasformare spazi fisici in esperienze emotive. Attraverso i suoi disegni, vediamo gli iconici edifici del mondo non solo come strutture, ma come custodi di storie e memorie collettive. Il Salk Institute, la Casa di Farnsworth, e il Museo Guggenheim diventano palcoscenici per i nostri eroi animati, invitandoci a guardare oltre il visibile.

La bellezza del lavoro di Mendoza Rodriguez sta nella sua capacità di recontextualizzare questi luoghi. Non si limita a rappresentare ciò che è noto; ci invita a riflettere su come l'architettura possa evocare emozioni e raccontare storie culturali. I personaggi Disney, con il loro carico di nostalgia e fantasia, si intrecciano con l'architettura, creando un dialogo visivo che travalica il tempo e lo spazio.

La sua formazione alla Pontificia Universidad Católica del Ecuador ha forgiato una mente capace di unire il rigore tecnico con una narrazione creativa. Ogni illustrazione diventa così un mezzo di espressione, un linguaggio poetico che parla della bellezza e della complessità del design. Mendoza Rodriguez ci ricorda che l'architettura non è solo un insieme di materiali e forme, ma un'esperienza che vive nei nostri ricordi e nelle nostre fantasticherie.

In un mondo dove il sogno incontra la realtà, i personaggi Disney ci guidano attraverso le meraviglie architettoniche, trasformando ogni angolo in un'opera d'arte. E così, ci ritroviamo a riflettere: qual è il confine tra ciò che è reale e ciò che è immaginato? Forse, in questo gioco di luci e colori, non c'è confine, ma solo la possibilità di sognare in grande.

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Casa Calumbi: Un Eccellente Esempio di Architettura Sostenibile in Brasile

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Casa Calumbi: Un Eccellente Esempio di Architettura Sostenibile in BrasileSituata nella splendida area rurale di Lençóis, nella Chapada Diamantina, la Casa Calumbi, progettata dall'architetto Amanda Neuberger, rappresenta un perfetto connubio tra architettura e natura. Questo progetto, completato nel 2023, si estende su una superficie di 140 m² e si inserisce armoniosamente nel paesaggio caratteri...

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La casa è stata concepita in un territorio di transizione tra gli ecosistemi del cerrado e della caatinga, dove le condizioni climatiche estreme richiedono soluzioni innovative. Qui, le intense piogge si alternano a lunghi periodi di siccità, rendendo fondamentale l'adozione di sistemi autonomi e strategie per un uso consapevole dell'acqua. La progettazione attenta e l'uso di materiali come legno, pietra e mattoni non solo contribuiscono all'estetica della casa, ma anche alla sua sostenibilità.

La Casa Calumbi è un esempio di come l'architettura possa integrarsi con l'ambiente circostante, rispettando e valorizzando il paesaggio locale. Ogni elemento è stato studiato per massimizzare l'efficienza energetica e idrica, dimostrando che è possibile costruire in armonia con la natura.

In conclusione, la Casa Calumbi non è solo un'abitazione, ma un manifesto di sostenibilità e innovazione nella progettazione architettonica contemporanea. Scopri di più su questo progetto ed esplora come l'architettura possa contribuire a un futuro più verde e responsabile.

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Il Sentiero dei Colori: Un'Installazione Artistica che Trasforma gli Spazi Pubblici

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Nel cuore di Poznań, un'opera straordinaria si erge come un invito a esplorare la bellezza della collettività e della sensorialità: il Color Path. Creato da Adam Kalinowski, questo percorso di colori non è solamente un'installazione artistica, ma un'esperienza che trasforma la concezione di spazio pubblico. La sua presenza, visibile dal 12 settembre al 26 ottobre 2025, è un punto di riferimento pe...

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Composta da ben 17 tonnellate di aggregati colorati, il sentiero si estende per 2700 x 480 x 20 cm, racchiuso all'interno di una cornice in compensato. Ogni passo su questa superficie vibrante non è solo un atto fisico, ma un modo per partecipare attivamente alla creazione di un paesaggio in continua evoluzione. I visitatori sono invitati a calzare i piedi nudi e a lasciarsi trasportare dalla sensazione tattile, contribuendo a modificare le forme e i colori del percorso con ogni loro movimento.

Il Color Path rappresenta un'indagine profonda sulla relazione tra corpo, materiale e ambiente condiviso. Attraverso il movimento e l'interazione collettiva, l'installazione mette in discussione le consuetudini quotidiane, trasformando un semplice passaggio in un'opera d'arte dinamica. Ogni visitatore diventa parte integrante di questa narrazione, mentre i suoi passi tracciano nuove traiettorie e disegnano nuovi schemi di colore e texture.

In un mondo dove l'arte tende a essere osservata, Kalinowski invita a vivere l'arte, a farne esperienza diretta, a lasciarsi sorprendere dalle possibilità di un sentiero che è tanto fisico quanto emotivo. Il Color Path, in questo senso, non è solo un'opera da ammirare, ma un invito a riscoprire il potere della partecipazione e dell'interazione nell'arte contemporanea.

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Un Rifugio di Luce: Trasformare Tubazioni Industriali in Spazi di Intimità

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Immaginate un angolo della città, dove le strade si intrecciano e le persone si affrettano. In questo contesto frenetico, emerge una struttura singolare: un rifugio che invita a fermarsi, a respirare. Questa installazione, progettata con tubazioni industriali, si erge come un monumento alla pausa, un abbraccio di metallo che racchiude un cuore di legno. Un bar di tranquillità in un mondo che corre...

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La struttura, concepita per essere un luogo di ritrovo, offre un sedile centrale in compensato, dove ogni passante può fermarsi e riflettere. Le tubazioni, normalmente invisibili nel loro uso quotidiano, si trasformano in un linguaggio architettonico che invita a esplorare il concetto di spazio condiviso. Sotto le stelle, un delicato bagliore emana dalla sommità dell'installazione, creando un'atmosfera intima che invita a lasciarsi andare.

Questo progetto non è solo un'opera d'arte, ma un invito a ripensare l'urbanistica. Immaginate una rete di queste piccole strutture sparse per la città, ognuna pronta a offrire un attimo di pausa e riflessione. Un richiamo a trovare la bellezza anche nel grigiore urbano, a cercare l'intimità anche tra le tubazioni e i rumori della vita quotidiana. Il design industriale si fonde con l'esperienza umana, creando un equilibrio perfetto tra funzionalità e poesia.

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ArchDaily Annuncia il Next Practices Award 2025 a Copenhagen

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ArchDaily Annuncia il Next Practices Award 2025 a CopenhagenIl Next Practices Award 2025 di ArchDaily si svolgerà il 19 settembre 2025 presso la sede di CAFx a Copenhagen. Questo evento segna un'importante evoluzione nel panorama dell'architettura, riconoscendo il ruolo crescente degli architetti come mediatori in un sistema complesso, dove le sfide e le opportunità di innovazione si moltiplicano.

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Dal 2020, il premio ha messo in luce professionisti dell'architettura di tutto il mondo che sfidano lo status quo, sviluppando soluzioni creative e altamente reattive alle questioni più urgenti del nostro tempo. Finora, 85 team provenienti da 32 paesi sono stati premiati, dimostrando un impegno per la diversità geografica e l'inclusione di regioni spesso sottorappresentate nel discorso architettonico globale.

Questa quinta edizione si concentra non solo su ciò che è nuovo, ma su ciò che è prossimo, celebrando le pratiche che privilegiano la sostenibilità, la longevità e un impegno più profondo con l'ambiente costruito. Non perdere l'occasione di partecipare a questo evento significativo nel mondo dell'architettura.

Per ulteriori informazioni, visita il sito ufficiale di ArchDaily e segui gli aggiornamenti sul premio.

La magia dei prefabbricati: case sofisticate che raccontano storie di luce e natura

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Nel cuore del Queensland, dove il cielo si fonde con la terra in un abbraccio di colori, tre case prefabbricate nascono come un canto di sirene, pronte a raccontare storie di legami e armonie. Un progetto che trae ispirazione da legami familiari, dove le tre sorelle si ritrovano in un abbraccio architettonico che sfida le convenzioni. Blok Modular, in collaborazione con lo studio Vokes and Peters,...

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Le opinioni si dividono, come le onde su una spiaggia: alcuni elogia la connessione con la luce e l'esterno, un risultato sorprendentemente sofisticato, mentre altri lamentano una mancanza di rispetto per il contesto. In questo dibattito, emerge la domanda cruciale: cosa significa davvero costruire in armonia con l'ambiente?

Altre storie di questa settimana ci portano a riflettere su temi affascinanti: una torre di chiesa medievale sospesa sopra un cantiere di grattacieli a Londra, un dispositivo per tatuaggi alimentato dall'IA che promette di rendere il processo meno doloroso, e una minuscola chiesa dodici lati a Copenaghen. Ogni racconto è un frammento di un mosaico più grande, un invito a esplorare le meraviglie del design.

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Panchine Ondulate: Un Nuovo Spazio di Relax nel Cuore di Londra

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Nel cuore pulsante di Londra, dove il traffico e la frenesia si intrecciano con la storia e l'arte, emerge un nuovo concetto di spazio pubblico, un luogo dove le panchine ondulate diventano protagoniste. Qui, sulla Strand, un'area recentemente pedonalizzata, i visitatori possono trovare rifugio, rilassarsi e godere della bellezza architettonica concepita dallo studio LDA Design e realizzata da Mil...

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Questo progetto, frutto della collaborazione con il Consiglio di Westminster, ha trasformato una delle strade più affollate e inquinate della capitale britannica in un’oasi di tranquillità per oltre 700 persone. Lungo un tratto di 375 metri, il paesaggio è stato ripensato, arricchito da giardini, indicazioni e piante biodiverse, creando spazi che invitano alla socializzazione e al relax.

Le panchine, con le loro forme curvilinee e ondulate, non sono solo un elemento di arredo urbano, ma anche opere d’arte che si integrano armoniosamente con il paesaggio circostante. Suddivise in tre aree – il Giardino, il Margine dello Spettatore e il Prato delle Attività – queste strutture offrono angoli di raccolta per residenti, studenti del vicino King's College e turisti in visita a luoghi iconici come il Somerset House e la Courtauld Gallery.

Ogni panchina è stata progettata per adattarsi a diverse esigenze: dalle sedute alte per chi desidera osservare, ai divanetti più rilassati, complete di schienali e braccioli in acciaio per un comfort ottimale. Il Giardino, ad esempio, funge da porta d’ingresso all’area pedonale, mentre il Margine dello Spettatore è pensato per ospitare eventi e performance.

Realizzate in Accoya, un legno modificato per la sua durabilità, queste panchine sono un esempio di innovazione tecnologica e artigianato. Utilizzando modelli 3D e un robot Kuka a sette assi, sono state scolpite forme uniche che non solo abbelliscono lo spazio, ma garantiscono anche sicurezza, nascondendo all'interno strutture in cemento rinforzato.

Il risultato è un ambiente dinamico, in cui ogni visita diventa un'esperienza sensoriale, un momento di incontro, un'opportunità per contemplare l'arte e la vita che scorre. In un mondo che corre, queste panchine invitano a rallentare, a respirare, a vivere.

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Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

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La Casa Verde: Un Abbraccio alla Natura nel Cuore di Gibsons

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Incastonata tra gli alberi e accarezzata da un ruscello che scorre lento, 'The Green House' si presenta come un rifugio familiare, un luogo dove l'architettura si fonde in modo armonico con la natura circostante. Progettata dallo studio Boniface Oleksiuk Politano Architects, questa casa, situata a Gibsons, British Columbia, si distingue per la sua modestia e per l'eleganza del suo profilo architet...

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La struttura, che copre un'area di 1650 piedi quadrati, non è solo un'abitazione, ma un manifesto di sostenibilità e rispetto per l'ambiente. In un'epoca in cui l'architettura si trova a dover rispondere alle sfide del cambiamento climatico, 'The Green House' emerge come esempio luminoso di come si possa vivere in simbiosi con il contesto naturale. La scelta dei materiali, in prevalenza legno, riflette un approccio ecologico che invita a riflessioni più profonde sul nostro modo di abitare il mondo.

Ogni angolo di questa casa racconta una storia, un dialogo continuo tra gli spazi interni ed esterni. Le finestre, a volte giocose, a volte sobrie, si trasformano in opere d'arte, incorniciando momenti di bellezza quotidiana. Dalla luce del mattino che filtra attraverso i rami, ai colori caldi del tramonto che danzano sulle pareti, ogni giorno è un invito a vivere con consapevolezza.

'The Green House' non è solo un progetto architettonico; è una dichiarazione d'intenti, un esempio di come l'architettura possa diventare parte integrante della nostra vita, un rifugio dove sentirsi a casa e allo stesso tempo parte di un ecosistema più ampio.

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La Magia dell'Architettura: I Vincitori dei Vision Awards 2025

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Nel cuore pulsante di New York, il 29 settembre 2025, Architizer ha svelato i vincitori dei Vision Awards, una manifestazione che celebra l'arte e l'impatto dell'immaginario architettonico. È un trionfo di idee, dove schizzi concettuali e modelli intricati danzano insieme in un'armonia visiva che racconta storie di spazi e forme. Ogni opera premiata è una finestra su un mondo di possibilità, un in...

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Quest'anno, i premi si sono distinti per tre temi principali: la rappresentazione architettonica, i progetti concettuali e le visioni architettoniche. Ogni categoria ha offerto uno spettacolo di creatività, dove l'immagine ferma e in movimento ha preso vita, rivelando l'essenza dell'architettura attraverso fotografie, rendering, disegni a mano e film. I vincitori, scelti da una giuria di esperti tra cui nomi illustri come Steven Holl e Daniel Libeskind, rappresentano una voce potente nel dialogo globale sulla comunicazione del design.

Tra le opere premiate, Tower di ZOA Studio ha conquistato il titolo di Rendering Artist of the Year, mentre Populus di Jason O'Rear ha brillato come Best Photo - Architecture & Details. Ogni progetto è un racconto visivo che sfida le convenzioni spaziali e propone nuove modalità di vivere e costruire. Un'ode alla visione architettonica che non conosce confini.

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Raul De Lara: Sculture Surreali in Legno che Interrogano il Concetto di Appartenenza

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In un angolo di Austin, dove le radici messicane e americane si intrecciano come rami di un albero, Raul De Lara plasma il legno in forme surreali. Le sue sculture non sono semplici oggetti; sono racconti, domande, riflessioni che danzano sul confine tra il quotidiano e il sacro, tra l’immigrazione e l’identità queer. Fino all'11 gennaio 2026, il Contemporary Austin ospita la prima esposizione per...

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De Lara, cresciuto osservando artigiani intagliare santi da rami, si interroga su un concetto profondo: “A che punto un ramo diventa un santo?”. Questa soglia, questo limbo creativo, è il fulcro della sua arte. Le sue opere, che variano da divinità evocate attraverso il legno a mobili reinventati con un dettaglio inquietante, riflettono non solo la bellezza del materiale, ma anche la resilienza e l'umorismo dell'esperienza umana.

Per la sua mostra ad Austin, De Lara ha creato sette nuove sculture, modellate da mesquite, noce, cedro e quercia, che richiamano fiori selvatici nativi del Texas e del nord del Messico. “Perché le piante possono essere native di due posti, ma le persone no?”, si chiede l’artista, trasformando il legno in un palcoscenico di negoziazione identitaria e precarietà. Ogni pezzo è un invito a riflettere su chi ha il diritto di appartenere e su come le storie siano scolpite nei materiali che ci circondano.

De Lara sostiene che l'atto di condividere è essenziale per la sua pratica: “Alcune delle migliori opere sono quelle che, quando condividi te stesso, superi l’oggetto”. In questo dialogo tra arte e vita, le sue sculture non solo incantano, ma stimolano anche questioni difficili sul diritto di appartenenza e sul significato della nostra esistenza nel mondo contemporaneo.

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La Serra che Dialoga: Un Padiglione per l'Istruzione Agricola

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Immagina un luogo dove il sapere si intreccia con la natura, dove le piante non sono solo elementi decorativi, ma protagoniste di un racconto collettivo. È questo il cuore pulsante del progetto "La tua Serra è la tua Cucina è il tuo Soggiorno", concepito dagli architetti dello Office for Roundtable e JXY Studio a Guangzhou, in Cina. Qui, una serra espandibile rivestita di pannelli in policarbonato...

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Questo straordinario progetto, realizzato per il museo Fei Arts, è un esempio di architettura flessibile: un telaio in acciaio avvolto da lastre di policarbonato crea un microclima ideale per la crescita di verdure come patate, peperoni e diverse erbe aromatiche. Le fessure strategicamente posizionate tra i pannelli permettono una ventilazione passiva, garantendo così un ambiente confortevole in un contesto subtropicale. Non è solo una serra; è un laboratorio vivente dove le stagioni si riflettono e i legami sociali si rafforzano.

La magia di questo spazio risiede nella sua capacità di mutare: grazie a cavi di tensione, le pareti possono essere sollevate o abbassate, trasformando la serra in un'accogliente area per eventi e incontri. L'architetto Leyuan Li, uno dei creatori, afferma: "I confini tra natura e artefatti sono in continuo movimento, così come il ruolo di questo padiglione". Quando è chiuso, accoglie le piante; quando è aperto, si fa palcoscenico per una nuova forma di convivialità.

Dopo l'esperienza della pandemia, questo progetto ha preso vita per rispondere alle sfide legate alla sicurezza alimentare, diventando un simbolo di comunità e resistenza. Durante i mesi di esposizione, la serra ha ospitato eventi sociali che hanno trattato temi come la memoria alimentare e l'agricoltura civica. I volontari locali si sono presi cura delle piante, organizzando attività di raccolta e condivisione dei prodotti, contribuendo così a una rete di relazioni che va oltre il semplice scambio di cibo.

Inoltre, il progetto prevede un sistema innovativo di scambio di vasi, permettendo ai partecipanti di portare a casa le piante e sostituirle con nuovi vasi. Ogni pianta diventa quindi un messaggero di cultura e comunità, un modo per riconnettersi con la terra e con gli altri. Li sottolinea l'importanza di creare spazi pubblici informali che incoraggino l'interazione sociale, specialmente in un'epoca in cui il contatto umano è spesso limitato dalle tecnologie virtuali.

In un mondo che corre veloce, la serra di Guangzhou ci ricorda l'importanza della lentezza, della condivisione e del dialogo. È un luogo dove il cibo diventa un ponte tra le persone, un invito a riscoprire il valore della comunità attraverso l'agricoltura. "Volevamo sviluppare un progetto che utilizzasse gli strumenti e gli spazi dell'agricoltura per promuovere nuove forme di convivialità", conclude Li, lasciandoci con una riflessione profonda sulla nostra connessione con il cibo e con gli altri.

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La Casa su El Dragón: Un Capolavoro di Cristian Nanzer in Argentina

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La Casa su El Dragón: Un Capolavoro di Cristian Nanzer in ArgentinaSituata nella valle di Punilla, in Córdoba, Argentina, la Casa su El Dragón realizzata da Estudio Cristian Nanzer si erge maestosa su un rilievo collinare, tra La Falda e Huerta Grande. Questo luogo unico è caratterizzato da un terreno montano semi-arido, dove le ripide pendici segnano la transizione tra la valle e le Sierras Chica...

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La topografia gioca un ruolo cruciale nella posizione della dimora. Collocata nel punto più alto del lotto, la casa comanda il paesaggio pur mantenendo un rapporto misurato con l'ambiente circostante. L'architettura in pietra e cemento è guidata dalle condizioni fisiche del sito e dall'orizzonte vasto che si estende oltre.

Una Casa in Cemento su una Base di Pietra Ciclopica

Il team di Estudio Cristian Nanzer ha progettato la Casa su El Dragón su due livelli con un layout lineare. Il piano terra è concepito come un solido basamento costruito con pareti in cemento ciclopico. Queste pesanti pareti, riempite di pietra, ospitano gli spazi più funzionali: camere per gli ospiti, un laboratorio, aree di servizio e il garage. Da qui, l'ingresso principale si collega a una terrazza che si estende verso l'esterno, collegando questa base solida al terreno circostante.

Questo primo livello stabilisce un senso di permanenza. Le spesse pareti ancorano la casa e richiamano le formazioni geologiche della regione, creando un dialogo tattile tra costruzione e sito.

L'Architettura Precisa e Duratura di Cristian Nanzer

Il piano superiore della Casa su El Dragón è caratterizzato da una struttura in cemento a vista, organizzata attorno a una griglia modulare che rende leggibile la gerarchia degli spazi. Gli spazi sociali aperti sono definiti da campate di sei metri, mentre le aree private utilizzano moduli di tre metri. Un ampio atrio d'ingresso separa queste due zone e incornicia le viste verso sud all'ingresso principale.

Le lastre aggettanti estendono il volume superiore verso l'esterno, formando gallerie attorno al perimetro su ogni lato eccetto la facciata sud. Qui, la circolazione lineare si sviluppa lungo la lunghezza della casa, protetta da una partizione sospesa che filtra la luce e punteggia la parete con tre grandi aperture. Queste aperture incorniciate permettono al corridoio meridionale di registrare il movimento della luce durante il giorno, mantenendo al contempo la sua enclosure protettiva.

In sintesi, la Casa su El Dragón rappresenta un perfetto connubio tra natura e architettura, dove pietra e cemento si uniscono in un'armonia visiva e funzionale.

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Un Ufficio Sospeso: L'Arte di Reinventare il Columbia Building di St. Louis

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Nel cuore pulsante di St. Louis, dove la storia incontra l'innovazione, si erge il Columbia Building, un simbolo di un'epoca passata che ora si prepara a scrivere un nuovo capitolo. Il progetto Fluxwork, firmato dallo studio Yione e guidato dall'architetto Yi Wang, propone un audace ampliamento dell'edificio storico, creando un ufficio sospeso che affascina e sorprende.

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Immaginate una struttura leggera, sospesa sopra le vestigia di questo monumento del 1892, sostenuta da tre colonne eleganti e un'ascensore che pare sfidare la gravità. Questo nuovo volume cantileverato non è solo un'aggiunta architettonica; è un dialogo visivo tra il solido passato e la trasparente modernità. La base storica, ora trasformata in un hub pubblico che accoglie un lobby, un’auditorium e un giardino pensile, si sposa perfettamente con un ambiente di lavoro flessibile e orientato ai dati.

Il Columbia Building, progettato da Isaac Taylor, era un tempo un faro di ottimismo nel panorama urbano di St. Louis. Troncato nel 1976, ha perso gran parte della sua grandezza, ma ora Fluxwork si propone di riconnettere la comunità con la sua eredità architettonica. Le sue quattro piani inferiori sono dedicati a spazi di lavoro individuali, mentre i tre superiori offrono layout aperti che stimolano la collaborazione. Le aree mezzanine, adiacenti a scale a forbice, fungono da punti di incontro informali.

Materiali e strategie architettoniche delineano un contrasto audace. Un sistema ibrido di acciaio e calcestruzzo sostiene i piani sospesi, mentre i pannelli metallici forati che rivestono l'esterno filtrano la luce del giorno, conferendo un senso di leggerezza. Gli interni, un equilibrio tra struttura a vista e elementi caldi come soffitti in legno, si adattano a esigenze diverse, creando ambienti che possono passare da aperti a intimi con facilità.

Ma non è solo un progetto estetico; Fluxwork adotta un modello di ufficio reattivo alle prestazioni, utilizzando simulazioni comportamentali per ottimizzare le interazioni lavorative. Questo approccio innovativo non solo onora la memoria architettonica di St. Louis, ma propone anche un prototipo per spazi di lavoro adattabili, in continua evoluzione. La giustapposizione tra storia preservata e design sperimentale offre una nuova visione, dove il ricordo culturale si intreccia con il contesto urbano e le condizioni lavorative in cambiamento.

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Selezionati i Progetti di Architettura e Design per i Dezeen Awards China 2025

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Nel vasto orizzonte dell'architettura contemporanea, una nuova luce si accende: i Dezeen Awards China 2025 hanno svelato i progetti in lizza, una selezione di meraviglie che abbracciano l'innovazione e la creatività. Tra i finalisti, una pavilion marittimo sull'isola remota di Chaishan si staglia come un simbolo di unione tra uomo e natura, mentre un centro culturale a Guangzhou, riparato da tetti...

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In totale, 120 opere provenienti da 30 città diverse si contendono il prestigioso riconoscimento in 23 categorie, spaziando dall'architettura agli interni, fino al design. I nomi dei protagonisti sono illustri: Foster + Partners, Studio Link-Arc, Atelier Xi e molti altri, tutti pronti a stupire con le loro visioni audaci. La selezione è stata curata da una giuria di esperti, tra cui architetti di fama internazionale come Ziyu Zhuang e Patrik Schumacher, affiancati da designer d’interni e curatori.

Ma non è solo una competizione; è un viaggio attraverso l'immaginario, dove ogni progetto racconta una storia unica. Dalla Casa della Luce di LQS Architects a Shanghai, all'incantevole Ginkgo Valley Treehouse di Moguang Studio, ogni creazione invita a esplorare nuove dimensioni del vivere e del progettare. I vincitori saranno rivelati dal vivo durante una serata di gala a Shanghai, un evento che promette di essere un trionfo di eleganza e innovazione.

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La Residenza di Edavanna: Un Viaggio nell'Architettura di ZERO STUDIO

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Nel cuore di Edavanna, un luogo dove il tempo sembra danzare con la memoria, sorge la Residenza progettata da ZERO STUDIO. Questo progetto architettonico, che si estende per 3014 piedi quadrati, è un omaggio alle dimore del Kerala degli anni '80, dove ogni casa era un universo di verde, un rifugio per la natura e per l'anima.

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Immagina un giardino privato, un orto che racconta storie di frutti e fiori, e una fauna che vive non solo per ornare, ma per essere parte integrante della vita quotidiana. La residenza, completata nel 2024, è stata concepita da un team di architetti visionari, tra cui Hafeef Pk e Hamid Mm, che hanno saputo mescolare innovazione e tradizione con elegantissima maestria.

Ogni angolo di questa casa è stato pensato per riflettere un equilibrio perfetto tra spazio interno ed esterno, tra modernità e storia. Atmosfere avvolgenti e dettagli architettonici raffinati si intrecciano, creando un ambiente che invita alla contemplazione e alla serenità.

La scelta dei materiali, attentamente selezionati, racconta di un'architettura sostenibile, capace di dialogare con il paesaggio circostante. I prodotti di aziende come ATOMBERG e Aura Illumination contribuiscono a creare un'atmosfera unica, dove la luce naturale si sposa con quella artificiale, illuminando gli spazi con delicatezza.

La Residenza di Edavanna non è solo un edificio; è un'esperienza, un viaggio attraverso il tempo e le emozioni. È un esempio di come l'architettura possa raccontare storie, e di come sia possibile vivere in armonia con la natura, senza rinunciare al comfort e alla modernità.

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Ristrutturazione di una Casa a Gracia: L'Intervento di Parramon + Tahull Arquitectes

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Ristrutturazione di una Casa a Gracia: L'Intervento di Parramon + Tahull ArquitectesNel cuore di Gracia, un quartiere vibrante di Barcellona, si trova un progetto di ristrutturazione che ha catturato l'attenzione di architetti e appassionati di design: la ristrutturazione di una casa realizzata da Parramon + Tahull Arquitectes. Completato nel 2022, questo progetto di 753 piedi quadrati combina fun...

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Il team di Parramon + Tahull ha saputo valorizzare ogni angolo della casa, utilizzando materiali di alta qualità come il legno, per garantire una sensazione di calore e accoglienza. A testimonianza del loro approccio innovativo, il progetto è stato documentato in modo dettagliato su ArchDaily da Judith Casas Sayós, mostrando la maestria dell'architettura contemporanea.

Tra i marchi di alta gamma coinvolti nel progetto figurano Hansgrohe, Duravit, Grohe e Daikin, che hanno fornito prodotti per il bagno e il riscaldamento, garantendo un comfort ottimale. Questo non solo sottolinea la qualità del design, ma anche l'attenzione alla sostenibilità e all'efficienza energetica.

La ristrutturazione non è solo un intervento architettonico; è una rinascita per gli spazi di vita, trasformando una casa tradizionale in un ambiente moderno e funzionale. Con questo progetto, Parramon + Tahull Arquitectes hanno dimostrato come sia possibile fondere storia e innovazione in un'unica soluzione abitativa.

Scopri di più sulla ristrutturazione di questa casa a Gracia e lasciati ispirare dalla visione creativa di Parramon + Tahull.

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BIENALSUR: Un Viaggio Artistico dal Sudamerica all'Italia

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Il mondo dell'arte si prepara a un evento straordinario: per la prima volta, la biennale internazionale di arte contemporanea BIENALSUR approda in Italia. Un viaggio che collega il Sudamerica al cuore pulsante dell'arte italiana, portando con sé un messaggio di democrazia e decentralizzazione. Dal 22 ottobre 2025 al 30 gennaio 2026, le città di Biella, Milano, Roma e Napoli si trasformeranno in pa...

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BIENALSUR, concepita dall'Universidad Nacional de Tres de Febrero di Buenos Aires, si distingue per la sua natura umanistica e per la capacità di affrontare le sfide contemporanee. Con una mappa culturale che si estende per oltre 18.000 chilometri, questa biennale non è solo un evento artistico, ma un movimento che abbatte le barriere geografiche e culturali, creando una rete di connessioni tra artisti, pubblico e comunità.

Il tema di quest'edizione, "Invocazioni", trae ispirazione dalle riflessioni del psicoanalista James Hillman, evocando la necessità di un richiamo a forze invisibili e a una trasformazione collettiva. Le mostre, curate con un approccio aperto e inclusivo, sfideranno le convenzioni e inviteranno a riflettere sulla nostra interazione con l'ambiente e con l'arte stessa.

Milano sarà la cornice di "Divenire Animale", una mostra che esplora la relazione fra uomo e natura, invitando a superare le dicotomie tradizionali. A Roma, il Museo di Palazzo Braschi ospiterà opere che riflettono sulla rappresentazione della natura selvaggia delle Americhe, mentre Napoli e Biella offriranno spazi di residenza per artisti emergenti, promuovendo un dialogo vitale tra culture diverse.

In questo contesto, ogni città diventa un laboratorio di idee, un crocevia di esperienze artistiche che arricchiscono il tessuto culturale italiano. BIENALSUR non è solo un evento; è un invito a partecipare a un'esperienza condivisa, dove l'arte diventa un veicolo di riflessione e trasformazione.

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Tracce di Luce: Un Viaggio nel Golf Indoor di Taichung

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Nel cuore pulsante di Taichung, dove l'urbanizzazione si intreccia con la ricerca di spazi di svago e relax, sorge il Traces of Light Indoor Golf Course. Progettato dallo studio Degree Design, questo spazio non è solo un campo da golf, ma un'esperienza immersiva in cui la luce diventa protagonista, tracciando percorsi invisibili che guidano il visitatore attraverso un viaggio sensoriale unico.

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Appena varcata la soglia, si viene accolti da un abbraccio di illuminazione che danza tra le pareti, creando un'atmosfera di calore e accoglienza. Qui, la luce non è mera illuminazione; è un linguaggio che comunica, un arco disegnato nell'aria che invita a fermarsi, a osservare e a riflettere. Ogni angolo è pensato con cura, ogni raggio di sole filtrato attraverso le aperture è un richiamo a scoprire l’ordine e il ritmo di questo spazio.

Con una superficie di 161 m², il campo da golf indoor si trasforma in un palcoscenico dove il design incontra la funzionalità. Gli architetti, guidati da Tseng Chih-Hao, hanno saputo catturare l'essenza del gioco, rendendolo accessibile a tutti, dai professionisti ai neofiti. La disposizione degli spazi è studiata per favorire un flusso naturale, dove il golf non è solo un'attività, ma un momento di condivisione e divertimento.

La scelta dei materiali e delle finiture riflette un impegno verso la sostenibilità, con soluzioni innovative che riducono l'impatto ambientale e promuovono un uso responsabile delle risorse. Ogni elemento del design è una dichiarazione di intenti, un passo verso un'architettura consapevole e rispettosa dell'ambiente.

Ma Traces of Light è più di un semplice progetto architettonico; è un'opera d'arte che invita a vivere il golf in una nuova dimensione, dove ogni colpo è accompagnato da un gioco di luci e ombre che arricchisce l'esperienza. È un luogo dove il tempo sembra fermarsi, permettendo di immergersi completamente nel momento presente.

In questo angolo di Taiwan, il golf indoor si trasforma in una celebrazione della luce e della creatività, un esempio lampante di come l'architettura possa ispirare e trasformare la nostra percezione dello spazio.

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Reset Hotel: Un'oasi di tranquillità nel deserto della California

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Nel cuore del deserto californiano, dove la sabbia incontra il cielo e il silenzio è un abbraccio, sorge il Reset Hotel, un luogo dove il tempo sembra fermarsi e gli ospiti possono assaporare l'essenza di un'esperienza unica. Composto da unità modulari che richiamano le forme dei container marittimi, questo hotel è una vera e propria oasi di tranquillità, progettata per evocare la sensazione di tr...

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Con 65 stanze che si affacciano su un vasto panorama deserto, Reset Hotel è stato concepito da una squadra di visionari, tra cui il designer Benjamin Uyeda e il collettivo Gry Space. Ogni cabina è un rifugio di minimalismo e comfort, dove gli ospiti possono immergersi nella bellezza cruda del deserto, lasciando dietro di sé il trambusto della vita quotidiana.

La disposizione delle stanze, organizzate in file ordinate, crea spazi di vita all'aperto, perfetti per godere dell'aria fresca e della vista mozzafiato. Le Mountain View King suites occupano un intero container e offrono un accesso diretto al deserto, con finestre panoramiche che incorniciano il paesaggio come un'opera d'arte. Qui, gli ospiti possono rilassarsi in una vasca da bagno all'aperto sotto un cielo punteggiato di stelle, mentre il calore del deserto avvolge ogni istante.

Il Clubhouse, il cuore pulsante del Reset Hotel, è caratterizzato da container di un elegante colore marrone polveroso, distinti dai toni grigi delle stanze. Questo spazio accogliente include un bar, un lounge e una piscina di acqua salata, tutti progettati per fondersi con l'ambiente circostante, utilizzando materiali che raccontano la storia di un paesaggio arido ma affascinante. Le texture e i colori scelti per gli interni si armonizzano perfettamente con l'essenza del deserto, invitando alla contemplazione e al riposo.

Ogni elemento, dai mobili in legno semplice alle piastrelle bianche dei bagni, è pensato per creare un ambiente di relax e benessere. Non ci sono televisioni, né plastica monouso, solo la bellezza della natura e la serenità del luogo. Come afferma il team di Reset, "è un approccio architettonico che invita gli ospiti a rallentare e a lasciar entrare il deserto, sia visivamente che emotivamente".

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Casa Tao: Un Rifugio di Calma e Minimalismo a Puerto Vallarta

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Casa Tao: Un Rifugio di Calma e Minimalismo a Puerto VallartaSituata a Puerto Vallarta, in Messico, Casa Tao è un capolavoro progettato da HW Studio, dove l'architettura si fonde armoniosamente con il clima costiero. Anziché cercare una vista da cartolina, la casa si affaccia su un cortile alberato, accogliendo brezze e profumi mentre filtra la luce intensa del sole del Pacifico.

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Il progetto nasce dalla memoria silenziosa di coloro che lo abitano. Gustavo, cresciuto a Puerto Vallarta, desiderava una casa che promettesse frescura e rifugio, ispirandosi alla modestia dell'abitazione della sua infanzia, dove l'ombra era essenziale. Sua moglie, Cynthia, ha portato un fascino per il design giapponese, influenzata da un viaggio che ha fatto con le loro figlie.

Il team di design ha commentato: "Vorremmo sentirci come se vivessimo in un museo giapponese", descrivendo un luogo dove il tempo rallenta e il silenzio è palpabile. Queste esperienze hanno plasmato ogni decisione, conferendo a Casa Tao un linguaggio di sobrietà e profondità.

Una Composizione di Geometrie Semplici

HW Studio ha organizzato il piano di Casa Tao come una composizione di forme sovrapposte. Le camere da letto, il garage e le aree di servizio formano una base solida, mentre un volume leggero e a doppia altezza fluttua sopra, ospitando gli spazi sociali. Sollevando le aree living, gli architetti le hanno circondate di aria e viste tra gli alberi, catturando la brezza marina senza esporre gli interni alla luce solare diretta.

All'interno, le camere da letto si affacciano su un patio appartato, dove una parete curva e un singolo albero creano una soglia morbida, incoraggiando un movimento lento e deliberato. "L'ombra qui è una condizione emotiva", osserva il team, "una promessa di calma e protezione silenziosa".

HW Studio e l'Influenza del Design Giapponese

Il cemento costituisce il nucleo strutturale di Casa Tao, scelto da HW Studio per la sua durabilità e profondità tattile. Le superfici esposte assorbono la luce del sole costiero con un bagliore attenuato, mentre le finiture bianche esaltano il delicato contrasto tra ombra e luce. Il team desiderava che il materiale registrasse la luce, piuttosto che rimbalzarla.

Nel tempo, il cemento si scalderà e si ammorbidisce, diventando una superficie che documenta l'uso e il clima, piuttosto che resistervi. La combinazione di massa solida e illuminazione delicata conferisce alla casa una serenità meditativa, invitando a sostare e riflettere.

Ogni spazio è un'atmosfera per l'osservazione silenziosa, in sintonia con le riflessioni dell'autore giapponese Junichirō Tanizaki nel suo saggio "In Praise of Shadows", dove la luce sottile rivela profondità e texture. HW Studio cattura quello spirito, permettendo a luce e ombra di guidare i sensi e rallentare il giorno, trasformando l'abitare in uno studio della presenza.

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Tecnostrutture e Legambiente: Un Futuro Sostenibile Insieme a 'Puliamo il Mondo'

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Immagina una spiaggia, il sole che si riflette dolcemente sulle onde, un luogo dove la sabbia incontra il mare, e dove il rumore dei rifiuti non ha spazio. Questo è il sogno che Tecnostrutture abbraccia con fervore, partecipando per il quinto anno consecutivo a 'Puliamo il Mondo', una storica iniziativa che ci unisce a Legambiente. Il 25 ottobre, i nostri dipendenti, collaboratori e le loro famigl...

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In questo giorno di volontariato aziendale, l’obiettivo è chiaro: raccogliere rifiuti e contribuire attivamente alla tutela dell'ambiente costiero. Non è solo un gesto, ma un atto di responsabilità condivisa, un insegnamento per i più piccoli che imparano, attraverso esperienze dirette, l'importanza dei piccoli gesti per il futuro del nostro pianeta.

La nostra missione va oltre i confini delle strutture che progettiamo e realizziamo. Ogni solaio, ogni struttura, ogni innovazione è pensata anche per rispettare l'ambiente in cui viviamo. Con il nostro impegno, speriamo di seminare semi di consapevolezza e amore per la natura, affinché possano germogliare in futuri custodi del nostro mondo.

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iF DESIGN ACADEMY: Il Nuovo Programma di Formazione per Leader del Design

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iF DESIGN ACADEMY: Il Nuovo Programma di Formazione per Leader del Design iF Design, noto per il prestigioso iF Design Award e per oltre settant'anni di promozione della cultura del design a livello globale, lancia l'iF DESIGN ACADEMY a settembre 2025. Questa iniziativa si propone come un centro di formazione all'avanguardia per i leader del design che desiderano approfondire le loro competenze s...

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Attraverso il sito ifdesign-academy.com, l'Academy offrirà corsi interattivi in diretta online in inglese, con piani per formati in presenza a partire dal 2026. Grazie a un network di esperti riconosciuti a livello globale, provenienti da aziende come Apple, McKinsey e IBM, l'Academy si propone di coltivare una leadership efficace, responsabile e sostenibile.

Struttura del Programma

Il programma dell'iF DESIGN ACADEMY si fonda su quattro pilastri di competenza: comprensione del business, crescita personale, alfabetizzazione futura e operazionalizzare e scalare il design nelle organizzazioni. Questi elementi sono pensati per creare un ambiente in cui i leader del design possano acquisire nuove competenze e ampliare le loro prospettive attraverso il dialogo con i pari.

Corsi Personalizzati per Professionisti

I corsi iniziali dell'Academy offrono una combinazione di opportunità fondamentali e avanzate, progettate per professionisti in diverse fasi del loro percorso di leadership. Il Design Leadership Studio 01 introduce i futuri leader ai framework essenziali, mentre il Design Leadership Studio 02 si basa sull'esperienza di manager esperti. Moduli più specializzati come Leading Beyond Design e Elevating Your Design Team affrontano le sfide della gestione di team in un ambiente complesso.

Un Corpo Docente di Eccellenza

L'iF DESIGN ACADEMY vanta un corpo docente internazionale di figure influenti provenienti dal mondo del design, business e educazione. Tra questi, Garen Kouyoumjian di McKinsey e Tiffany Chen di Apple, che offrono la loro esperienza a corsi come Leadership Studio 01 e Leading Beyond Design.

Un Approccio Ibrido all'Apprendimento

I corsi dell'Academy si svolgeranno in modalità online interattiva, favorendo il coinvolgimento e lo scambio tra i partecipanti. A partire dal 2026, workshop e eventi di networking in presenza arricchiranno l'esperienza di apprendimento, permettendo connessioni più profonde tra studenti e docenti.

Con l'iF DESIGN ACADEMY, iF Design sta tracciando un percorso verso il futuro della leadership nel design, creando uno spazio unico per la crescita e l'innovazione.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

BLOK: Il Nuovo Studio di Tatuaggi a Barcellona che Rinnova gli Spazi Sterili

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Nel cuore di Badalona, a pochi passi da Barcellona, BLOK si erge come un monumento all'innovazione nel mondo del tatuaggio. Progettato dallo studio XAARCHIVE, questo spazio di 80 metri quadrati reinterpreta il concetto di ambiente clinico, trasformandolo in un rifugio artistico che sfida le convenzioni. Con l'idea di 'Anti-Ospedale: Rethinking Sterile Spaces', BLOK si propone di rompere i confini ...

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L'interno, caratterizzato da cemento levigato e acciaio inossidabile locale, è un omaggio all'industria e alla manualità. Le tende in PVC, artigianalmente realizzate, permettono una flessibilità che varia tra trasparenza e opacità, creando spazi intimi e accoglienti. Il soffitto originale, esposto, si unisce a linee luminose di LED che accentuano la geometria del design, offrendo un'illuminazione controllata e uniforme, ideale per il lavoro degli artisti.

La modularità è al centro del progetto: BLOK consente fino a quattro artisti di lavorare simultaneamente, adattandosi a diverse configurazioni grazie a partizioni mobili e sistemi di illuminazione regolabili. Questo studio non è solo un luogo di lavoro, ma un laboratorio di creatività dove si intrecciano la cura, l'arte e il corpo umano.

Il tavolo Canova, una creazione unica progettata attraverso scansione 3D e codifica binaria, rappresenta la ricerca di XAARCHIVE sulle intersezioni tra dati e materialità. Qui, l'architettura diventa strumento di esplorazione, un modo per indagare la relazione tra l'arte del tatuaggio e il benessere del corpo.

La bellezza di BLOK risiede nella sua capacità di mescolare funzionalità e arte, creando transizioni fluide tra tatuaggi, pittura e momenti di riposo. La calma funzionale è enfatizzata da arredi minimali e pavimenti in cemento, mentre le opere d'arte e gli strumenti convivono in un interno mutevole, concepito per la creazione e il riposo.

Quando cala la notte, la luce calda avvolge lo spazio, rivelando un ritmo silenzioso e accogliente che invita alla contemplazione. La luce rossa filtra attraverso le tende traslucide, trasformando l'ambiente industriale in un caldo abbraccio, dove ogni angolo racconta una storia di creatività e passione.

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Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

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Trasformazione del Lungofiume a Teluk Intan: Un Progetto di Ristrutturazione Sostenibile

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Trasformazione del Lungofiume a Teluk Intan: Un Progetto di Ristrutturazione SostenibileIl progetto di ristrutturazione del lungofiume a Teluk Intan, realizzato da A3 Projects e Arch Cubic, rappresenta un esempio di architettura innovativa e sostenibile. Questo intervento ha trasformato un ex cantiere navale di 3,21 acri in un centro vitale per la comunità e la sede di un'azienda di piantagione di...

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Completato nel 2025, il progetto non solo ha rivitalizzato un'area precedentemente trascurata, ma ha anche integrato elementi che richiamano la natura circostante, con tonalità di rosso terra e abbondante vegetazione. La nuova struttura serve come un hub per la comunità, promuovendo interazioni sociali e attività commerciali.

Il team di progettazione, guidato dagli architetti Ar. Kenny Chong e Ar. Choon Sin Ho, ha collaborato con esperti di ingegneria e architettura del paesaggio per garantire che il progetto fosse non solo esteticamente gradevole, ma anche funzionale e sostenibile.

Questo progetto rappresenta un passo significativo verso la ristrutturazione di spazi urbani in modo che possano adattarsi alle esigenze moderne, mantenendo al contempo un forte legame con il patrimonio industriale locale.

Per ulteriori dettagli, visita il sito di ArchDaily.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

Ferrari Rinnova la Testarossa con la Nuova Supercar Ibrida 849

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Ferrari Rinnova la Testarossa con la Nuova Supercar Ibrida 849La Ferrari ha ufficialmente svelato la nuova 849 Testarossa, una rivisitazione della storica auto del 1984. Questa supercar ibrida plug-in rappresenta un connubio perfetto tra tradizione e innovazione. La Testa Rossa, che deve il suo nome alla storia di Maranello, è stata originariamente utilizzata nel 1956 per descrivere il colore dell...

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Oggi, il design della Testarossa mantiene la silhouette familiare del suo predecessore, ma con un look moderno e audace grazie al lavoro del Ferrari Styling Center, guidato da Flavio Manzoni. Le linee geometriche che attraversano la carrozzeria creano un gioco di contrasti tra bordi affilati e curve morbide, dando vita a un corpo aerodinamico e accattivante.

Design e Prestazioni Uniche

Il frontale dell'849 Testarossa presenta un paraurti che collega i fari e crea una forma a ponte, con un splitter nero che migliora l'aerodinamica. Il design del retro richiama quello della 512 S, con due sezioni posteriori e un'ala attiva che può modificare la sua posizione in un attimo. Le pannellature in alluminio, tagliate con precisione, sono state assemblate da artigiani esperti, conferendo un tocco di esclusività alla vettura.

All'interno, la Ferrari 849 offre un cockpit all'avanguardia con un cruscotto a due livelli e ventilazioni C-shaped, che dirigono l'aria nell'abitacolo. Sono disponibili due tipi di sedili: quelli da corsa in fibra di carbonio e quelli più confortevoli in tessuto o pelle, per un'esperienza di guida personalizzata.

Versione Assetto Fiorano

La versione Assetto Fiorano della Ferrari 849 è un'opzione che riduce il peso di 30 kg, utilizzando materiali leggeri come fibra di carbonio e titanio. Questa variante non solo migliora le prestazioni, ma offre anche dettagli estetici come le strisce iconiche che attraversano la carrozzeria, rendendo ogni modello unico e ricercato.

In conclusione, la Ferrari 849 Testarossa non è solo un'auto, ma un pezzo di storia che si evolve in un contesto moderno, mantenendo intatta l'essenza del marchio. Con la sua combinazione di design audace e tecnologia ibrida, rappresenta un nuovo capitolo nella storia delle supercar Ferrari.

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Energia Sostenibile: Pannelli Solari Verticali Galleggianti per Laghi e Lagune

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Immaginate un lago, un riflesso di luce che danza sulla superficie dell'acqua, e sopra di esso, pannelli solari verticali che si ergono come sentinelle silenziose, pronti a catturare ogni raggio di sole. È questa l'idea geniale dei pannelli solari verticali galleggianti, progettati da SINN Power. Questi moduli innovativi, chiamati SKipp, si posizionano su barili di plastica vuoti, galleggiando ser...

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Recentemente, in Baviera, Germania, precisamente a Gilching, un team instancabile ha dato vita a una serie di questi pannelli in uno stagno di ghiaia. I risultati? Un'autonomia energetica che soddisfa circa il 70% del fabbisogno annuale di elettricità dell'impianto di ghiaia, riducendo le emissioni di CO₂ di circa 934 tonnellate all'anno. Un passo importante verso l'autosufficienza energetica.

I pannelli SKipp, grazie alla loro struttura galleggiante, sono progettati per resistere alle intemperie. Possono inclinarsi dolcemente sotto la pressione del vento, tornando poi alla loro posizione originale. Questo movimento flessibile non solo protegge i moduli da eventuali danni meccanici, ma mantiene anche la stabilità sull'acqua, rendendoli ideali per condizioni meteorologiche avverse. E non è solo questo: la loro inclinazione verticale consente alla neve di scivolare via naturalmente, evitando accumuli che potrebbero ostacolare l'assorbimento della luce solare.

Ogni unità SKipp è dotata di moduli bifacciali, capaci di generare energia da entrambe le facce del pannello: la parte frontale cattura la luce diretta, mentre quella posteriore sfrutta i riflessi provenienti dalla superficie dell'acqua. Questo design innovativo non solo accresce l'efficienza energetica, ma garantisce anche che l'ecosistema acquatico non venga compromesso, mantenendo aperta la maggior parte della superficie dell'acqua.

Ma non è solo la tecnologia a rendere questi pannelli speciali. La loro installazione è rapida e modulare, permettendo di adattarsi facilmente a diverse dimensioni e necessità energetiche. Realizzati con materiali resistenti alla corrosione e alla degradazione, come plastica, metallo e vetro fotovoltaico, i pannelli sono progettati per durare nel tempo, anche in condizioni di esposizione continua a sole, vento e umidità.

In questo modo, i pannelli solari galleggianti non solo promettono di illuminare il nostro presente, ma anche di garantire un futuro più verde. Un futuro dove i laghi e le lagune non sono solo paesaggi da contemplare, ma fonti di energia rinnovabile pronte a sfidare il tempo e la tradizione.

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La Paranoia dell'Efficienza: Un Viaggio tra le Cose da Fare e il Tempo da Pensare

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In un mondo dove l'efficienza è venerata come una divinità, ci troviamo a danzare in un vortice di attività incessanti. Fare dieci cose tutte insieme diventa la norma, un mantra che ripetiamo come se fosse l'unica verità. Ma in questa frenesia, ci perdiamo. Pensare ci appare come un lusso, un momento rubato a quella corsa che ci spinge a essere sempre di più, a fare sempre di più.

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La nostra mente è un palcoscenico affollato, dove i pensieri si accavallano, poi si sovrappongono, e ci troviamo a rincorrere un'idea dopo l'altra, convinti che fare sia l'unico modo per essere validi. E così, la ricerca di quell'equilibrio perfetto ci trasforma in macchine, pronte a fare dieci cose insieme, mentre il tempo per pensare sfugge come sabbia tra le dita.

Ma cosa succede quando ci fermiamo? Quando ci concediamo il permesso di respirare e riflettere? La verità è che l'efficienza, in tutta la sua pura bellezza, può diventare una prigione. L'ossessione di essere sempre più produttivi ci priva della gioia di fare le cose con cura, di assaporare ogni istante. E così, in questo incessante rincorrere, rischiamo di perdere di vista ciò che è veramente importante.

In fondo, essere efficienti non significa accumulare compiti, ma trovare il giusto equilibrio tra azione e riflessione. E forse, in questo viaggio frenetico, dovremmo imparare a concederci il diritto di pensare prima di fare, per riscoprire il valore di ogni singolo momento.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Michele De Lucchi’s Substack.

Un'abitazione che abbraccia la natura: la casa sostenibile tra le sequoie di Big Sur

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Immaginate di trovarvi nel cuore pulsante della California, dove le sequoie secolari si innalzano maestose e il panorama si fonde con il cielo. Qui, tra i canyon verdi di Big Sur, si erge una casa che sembra danzare con il paesaggio, un rifugio progettato per mimetizzarsi e celebrare la natura.

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Questa casa, opera dello Studio Schicketanz, è un esempio luminoso di come l'architettura possa sposare la sostenibilità e la bellezza. La zona notte si snoda lungo un percorso che invita alla scoperta, mentre ampie finestre a nastro offrono una vista incantevole sulle chiome degli alberi. Ogni mattina, i proprietari si risvegliano circondati da un abbraccio di verde, con il sole che filtra tra le foglie.

Il progetto, nato dalla necessità di sostituire una vecchia baita, si propone di rispettare l'essenza del luogo, una sfida non da poco in un territorio fragile come quello di Big Sur, soggetto a incendi e frane. L'architetta Mary Ann Schicketanz ha saputo superare queste difficoltà progettando una casa su pali, riducendo l'impatto sul terreno e proteggendo le radici delle sequoie. L'innovazione si intreccia con la tradizione: il redwood, legno autoctono, diventa il filo conduttore di questo viaggio architettonico.

Ma cosa rende questa casa veramente unica? È la sua capacità di dialogare con l'ambiente circostante. Ogni spazio è pensato per armonizzarsi con la natura, i tre padiglioni distinti offrono funzioni autonome, creando una sinfonia di volumi che si fondono nel paesaggio. Il soggiorno, dotato di un lucernario circolare, diventa il cuore pulsante, dove la luce naturale danza con le ombre, trasformando ogni momento in un'esperienza sensoriale.

Un patio che si estende verso la foresta invita a serate sotto le stelle, mentre un tetto verde irrigato non solo abbellisce, ma rappresenta un impegno tangibile verso la sostenibilità. Questa casa non è solo un'abitazione, ma un manifesto ecologico, un luogo dove la vita quotidiana si intreccia con il rispetto per l'ambiente.

In questo rifugio, ogni dettaglio è una poesia scritta con materiali recuperati, con una storia da raccontare. È un esempio di come l'architettura possa essere piccola nelle dimensioni, ma grande nelle potenzialità. Una casa che non si impone, ma che dialoga, integra e rispetta, rivelando la bellezza dell'abitare consapevole.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su share.google.

La Magia della Skate Ramp: Un Sogno che Prende Forma a Porto Alegre

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Immagina di trovarsi di fronte a un edificio che, per un attimo, sembra aver preso vita, come se avesse deciso di rispondere alle speranze e ai sogni di giovani skater. Questo è ciò che è accaduto a Porto Alegre, in Brasile, dove Red Bull ha eretto una straordinaria skate ramp che sfida la gravità e ridefinisce il concetto stesso di skateboarding. La struttura, un'opera d'arte temporanea, si erge ...

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Sandro Dias, un nome che risuona forte nel mondo dello skate, ha affrontato la sfida di scendere da un'altezza vertiginosa di 70 metri, raggiungendo la strabiliante velocità di 103 km/h. Il suo atterraggio, assistito da cuscini di sicurezza tipici delle gare di MotoGP, ha segnato non solo un record personale, ma anche due Guinness World Records. E così, una leggenda urbana è diventata realtà, trasformando il Centro Administrativo in un palcoscenico per il talento e l'audacia.

La rampa, una delle più grandi mai costruite, è stata realizzata con 800 pannelli di compensato che creano una superficie continua e perfetta per la discesa. La preparazione ha richiesto un mese, un lavoro meticoloso che ha visto il team di Red Bull installare un rivestimento in legno su un edificio di cemento che, fino a quel momento, non era adatto per questo sport. Ogni pezzo di legno, ogni vite, ogni centimetro di superficie è stato pensato per garantire la massima sicurezza, per permettere a Dias di danzare con la gravità e superare i limiti del possibile.

Questo evento non è solo una celebrazione delle capacità umane, ma un invito a riflettere su come l'architettura e lo sport possano fondersi in modi inaspettati. Dopo l'evento, i materiali utilizzati per la rampa saranno riutilizzati o riciclati, dimostrando un impegno verso la sostenibilità e una visione che guarda oltre il momento. La storia di Porto Alegre, un racconto di sogni e sfide, continua a scriversi, mentre il Centro Administrativo Fernando Ferrari si trasforma, per un breve momento, in un'opera d'arte vivente.

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Un Giardino di Luce nel Cuore di Londra: Il Progetto di Cuozzo.Company

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Nel cuore pulsante di Londra, dove gli spazi sembrano spesso contratti e le possibilità appaiono limitate, si erge un progetto visionario firmato da Cuozzo.Company. All'indirizzo 112 di Peckham High Street, un block residenziale e commerciale ha preso vita, abbracciando un lightwell che non è solo un elemento architettonico, ma una celebrazione della luce e della natura.

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Immaginate di attraversare una stretta via, per poi ritrovarvi in un cortile inondato di luce. Questo è il risultato di un attento dialogo con l'esistente, una risposta ai vincoli imposti dagli edifici vicini e dalle finestre che scrutavano il sito da ogni lato. Alessio Cuozzo, fondatore dello studio, ha saputo trasformare queste limitazioni in opportunità, creando un giardino di felci che avvolge il cuore dell'edificio, dove gli appartamenti trovano respiro e luminosità.

Il progetto ospita un'unità commerciale al piano terra, attualmente abitata da un salone di bellezza, mentre i quattro appartamenti si snodano attorno al lightwell. Ogni spazio è un rifugio di tranquillità, con finestre che si affacciano su un cortile interno, permettendo alla luce di filtrare senza sacrificare la privacy. La disposizione dei volumi, con scale in cemento e passerelle perforate, invita a esplorare ogni angolo, creando un dialogo tra interno ed esterno.

La scelta dei materiali riflette una ricerca di equilibrio: mattoni neri per la facciata esterna, bianchi all'interno, un gioco di compressione e rilascio che invita a scoprire la bellezza celata. Ogni finestra, con le sue aperture ad arco, racconta una storia di eleganza e funzionalità, mentre il tetto mansardato, rivestito di zinco, gioca con le ombre e le luci in un delicato balletto visivo.

In questo angolo di Londra, Cuozzo.Company non ha solo costruito un infill ma ha creato uno spazio che respira, vive e si evolve, dimostrando come l'architettura possa rispondere con poesia alle sfide contemporanee. La fusione di design e natura si traduce in un'esperienza abitativa unica, un invito a vivere in armonia con il contesto urbano.

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Forn Lleva't: La Rivoluzione della Tradizione Panificatrice ad Avinyonet

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Nel cuore pulsante di Avinyonet de Puigventós, un vecchio magazzino ha subito una metamorfosi straordinaria. Forn Lleva't, un panificio artigianale, non è solo un luogo dove il pane viene impastato e cotto, ma è un viaggio nelle radici culturali di una comunità. Qui, la tradizione del pane si intreccia con l'architettura, creando un dialogo tra passato e presente.

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Progettato da Quim Olea e il suo studio, questo progetto di ristrutturazione non si limita a rinnovare una struttura; è un atto d'amore nei confronti di un luogo che racconta storie. Gli architetti hanno scelto di non trattare il vecchio magazzino come una tela vuota, ma piuttosto come un archivio vivente. Ogni angolo, ogni pietra, ogni texture è stata ascoltata e interpretata, dando vita a uno spazio che invita i visitatori a immergersi in un'esperienza sensoriale unica.

La trasformazione di Forn Lleva't è un esempio perfetto di come l'architettura possa rispondere alle esigenze sociali e culturali di un luogo. Non è solo un panificio; è un centro di aggregazione, un punto di riferimento per gli abitanti e un richiamo per i turisti. Qui, il profumo del pane fresco si mescola con la storia di un paese che non ha mai dimenticato le sue origini.

La ristrutturazione ha portato alla luce un ambiente che celebra l'arte della panificazione, dove la tecnica si sposa con l'estetica. Ogni elemento è stato scelto con cura, riflettendo la bellezza del lavoro manuale e l'importanza della comunità. Forn Lleva't non è solo un luogo dove acquistare il pane, ma un'esperienza che nutre l'anima.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

Il Ponte Serpentino di Hangzhou: Un’Opera d’Arte che Nasce dalla Tradizione della Seta

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In un abbraccio di forme sinuose e delicate, il Ponte Serpentino di Hangzhou emerge come una poesia architettonica che racconta storie di tradizione e modernità. Firmato da Zaha Hadid Architects, questo ponte pedonale e ciclabile non è solo un'infrastruttura, ma un vero e proprio manifesto della bellezza contemporanea, radicata nella cultura della seta che ha reso celebre la città.

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Ultimato di recente, il Grand Canal Gateway Bridge si estende per 390 metri, unendo le sponde est e ovest di uno dei canali più antichi e lunghi del mondo, patrimonio dell’UNESCO. Qui, l'acqua scorre come un filo di seta, collegando il passato con il presente, e offrendo ai residenti e ai visitatori un nuovo modo di vivere il paesaggio.

La struttura, leggera e affusolata, è un gioco di archi d'acciaio che si intrecciano, riflettendo l'arte della ricamo tipica della regione. Ogni curva e ogni angolo sono pensati per armonizzarsi con il contesto naturale, creando spazi pubblici dove la comunità può riunirsi e interagire. Il ponte non è solo un passaggio; è un luogo di incontro, un palcoscenico dove la natura e l’architettura danzano insieme.

La scelta di materiali sostenibili e il design innovativo, che prevede l'uso di elementi modulari prefabbricati, dimostrano un impegno verso la sostenibilità. Con una illuminazione LED alimentata da fonti rinnovabili, il ponte si illumina di notte, tracciando un percorso luminoso che invita a esplorare le sue curve, mentre l’eco del fiume e il fruscio della vegetazione creano una melodia di sottofondo.

Così, il Ponte Serpentino non è solo un’opera di ingegneria, ma un racconto che si snoda lungo le acque del Grand Canal, unendo passato e futuro, tradizione e innovazione, in un abbraccio senza tempo.

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Rivoluzione del Design: Come l'AI Sta Riscrivendo le Regole della Creazione

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In un mondo dove il tempo e l'efficienza si intrecciano, l'architettura ha sempre danzato con gli strumenti a disposizione. I nostri progetti, un tempo tracciati con penna e inchiostro su fogli delicati, hanno visto l'emergere di Mylar, un materiale che ha rivoluzionato la riproduzione dei disegni, liberandoli dalle fragilità del passato. Con Mylar, il processo di creazione ha guadagnato leggerezz...

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Oggi, ci troviamo all'alba di una nuova era, dove l'intelligenza artificiale si erge come un architetto invisibile, capace di raccogliere informazioni in un battito di ciglia e di generare immagini su comando. L'AI non è solo uno strumento, è un compagno di viaggio, che ci invita a ripensare il nostro approccio alla creazione. Ci offre efficienza, ma solleva anche interrogativi profondi sull'autorialità e sull'essenza del mestiere. Cosa significa creare, quando il processo può essere accelerato a velocità inimmaginabile?

Il design, nella sua essenza, è un riflesso del nostro tempo. Dalla penna all'AI, ogni evoluzione degli strumenti ha segnato un cambiamento nel nostro modo di pensare e di sentire. L'era post-bellica ha visto la nascita di una semplicità industriale, un minimalismo che rispondeva a necessità di ricostruzione. Oggi, mentre ci abbandoniamo alla potenza dell'AI, la domanda rimane: come possiamo mantenere la nostra voce in un coro di algoritmi?

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su ArchDaily Global.

Il Complesso Residenziale di V Taller a Tulum: Un Riferimento alla Torre di Babele

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Il Complesso Residenziale di V Taller a Tulum: Un Riferimento alla Torre di BabeleNel cuore di Tulum, in Messico, lo studio V Taller ha completato un innovativo complesso residenziale che richiama la mitica Torre di Babele. Questo progetto, terminato nel 2024, copre una superficie di 6.178 metri quadrati e si distingue per i suoi appartamenti a volta, realizzati in intonaco rosa, che si sviluppano...

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V Taller descrive il complesso come una risposta architettonica all'intersezione tra spazio, tempo e ambiente, ridefinendo l'architettura come una forza rigenerativa piuttosto che come un'imposizione sul paesaggio. Al centro del progetto si erge una torre rotonda, caratterizzata da finestre verticali e accessibile tramite una scala indipendente che attraversa un piccolo fossato. La base e la sommità della struttura sono adornate da piante, mentre un'apertura triangolare si apre verso il cielo, creando un collegamento visivo con l'esterno.

Il piano del complesso ha una forma a occhio, con la torre che funge da pupilla. Attraverso un cortile piantumato che favorisce la riforestazione e ottimizza la circolazione dell'aria, sono disposti quasi 60 unità residenziali su tre livelli. Questa configurazione curva e verticale riduce il consumo di terreno di quasi il 40% rispetto agli sviluppi orizzontali convenzionali, consentendo una concentrazione della costruzione e preservando ampi spazi aperti.

Il complesso è progettato per soddisfare le esigenze sia dell'industria turistica di Tulum che dei residenti permanenti, offrendo appartamenti sia per affitti a breve termine che per abitazioni a lungo termine, complete di cucine attrezzate, aree soggiorno e pranzo combinate, camere da letto private e giardini o balconi con jacuzzi integrata. Le unità sono disposte in un piano radiale, con scale strette che fungono da "tunnel di luce".

All'interno, materiali in legno tropicale e elementi in argilla creano un'atmosfera calda e texturizzata, tipica dell'artigianato locale. La luce naturale penetra negli ambienti attraverso grandi finestre, garantendo ventilazione incrociata e riducendo la necessità di raffreddamento meccanico in un contesto tropicale. L'intero progetto è rifinito in chukum, un intonaco a base di calcare tipico della penisola dello Yucatán, noto per la sua resistenza all'umidità e per la bassa manutenzione.

In sintesi, il complesso residenziale di V Taller non solo offre abitazioni moderne e funzionali, ma promuove anche un'interazione continua tra spazio costruito e natura, dove luce, vegetazione e aria plasmano l'esperienza di abitare. Questo progetto rappresenta un modello di architettura sostenibile, contribuendo a un turismo rigenerativo.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Architecture – Dezeen.

CottoMilano: Un Viaggio Sensoriale tra Terracotta e Rinascimento

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Nel cuore pulsante di Milano, dove l'arte e l'architettura si intrecciano in un abbraccio senza tempo, nasce la collezione CottoMilano di Ceramiche Keope. Questa gamma di tiles in gres porcellanato, concepita dal designer Domenico Orefice, trae ispirazione dai maestosi monumenti del Rinascimento milanese, reinterpretando l'antica tradizione della terracotta.

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Presentata durante l'illustre fiera Cersaie 2025, la collezione si propone di raccontare una storia che affonda le radici nella storia e nella cultura della città. I tiles CottoMilano evocano la sensazione calda e avvolgente della terracotta lombarda, famosa per il suo caratteristico tono rosso profondo, a differenza del rosa tipico della terracotta toscana.

Ogni pezzo è un omaggio alla storicità della Fornace Curti, un'istituzione lombarda che dal XV secolo lavora la terracotta con maestria. Le superfici dei tiles presentano una finitura opaca che ricorda quella dei materiali artigianali, creando un'esperienza tattile unica e coinvolgente.

La collezione è arricchita da tiles decorativi che sfoggiano motivi geometrici ispirati a capolavori come la chiesa di Santa Maria delle Grazie e l'ospedale della Ca' Granda. Questi dettagli architettonici, reinterpretati in chiave moderna, conferiscono un carattere distintivo alla collezione, come se fossero stati modellati a mano.

Con una palette che spazia dai toni caldi del Terracotta, Sabbia e Creta a tonalità più neutre come Talco e Argilla, CottoMilano offre la possibilità di creare ambienti accoglienti e immersivi. La scelta di formati ampi, come 120x120 e 60x120 centimetri, permette di progettare spazi unici, mentre i tiles da 20x20 centimetri, con design astratti, richiamano l'armonia delle facciate rinascimentali.

In un'epoca sempre più digitale, CottoMilano si distingue per il suo richiamo all'autenticità e all'artigianalità, proponendo un valore di lentezza e attenzione ai dettagli. Con l'introduzione di mattoncini da 6x24, disponibili in versioni lucide e opache, la collezione si completa, offrendo infinite possibilità di personalizzazione.

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Spazi vibranti per le comunità indigene: i progetti degli studenti della Mount Royal University

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Spazi vibranti per le comunità indigene: i progetti degli studenti della Mount Royal UniversityLa Mount Royal University si distingue per la sua attenzione al design inclusivo e alla valorizzazione delle comunità locali. Tra i progetti recenti presentati dagli studenti della Facoltà di Arti, spicca un spazio comunitario per le persone indigene, concepito per celebrare e preservare la loro cultura....

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Il programma di laurea in Design d'Interni (BID) della Mount Royal University è strutturato attorno a tre filoni fondamentali: Design e Precedenti, Sistemi e Strumenti di Design, e Studio di Design. Questi corsi forniscono una solida base di conoscenze progettuali e competenze pratiche, preparando gli studenti a risolvere problemi complessi e a collaborare in modo efficace.

Altri progetti degni di nota includono una casa per famiglie multigenerazionali che riflette l'estetica contemporanea della costa occidentale canadese e un skate park che funge anche da luogo per concerti dal vivo. Questi progetti mostrano come il design possa integrare funzionalità e bellezza, rispondendo alle esigenze delle diverse comunità.

Uno degli studenti, Tanny Lopez, ha presentato il progetto Bodies in Space, un'indagine sulla relazione tra corpo umano e spazio, creando un riparo temporaneo che sfrutta la luce naturale e la sequenza spaziale. Un altro studente, Clare Juneau, ha progettato un'abitazione che riflette il passaggio da Vancouver a Calgary, incorporando colori e materiali che richiamano la costa canadese.

I progetti di design degli studenti dimostrano non solo la loro capacità di affrontare sfide architettoniche, ma anche il loro impegno verso la sostenibilità e l'inclusività. Attraverso un approccio tematico, gli studenti sono incoraggiati a esplorare il significato del design in relazione ai contesti sociali e ambientali.

In conclusione, i progetti degli studenti della Mount Royal University offrono un'importante testimonianza del potere del design nel promuovere spazi significativi e connessi per le comunità. Questi lavori non solo celebrano la cultura indigena, ma pongono anche l'accento sull'importanza di creare ambienti che rispondano alle esigenze di tutti.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Rinascita di un Patrimonio: L'Intervento Architettonico della Casa a Cortile di Yulin

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Nella storica città di Yulin, dove le mura antiche raccontano storie di un passato glorioso, si erge un intervento architettonico che fonde tradizione e modernità. La casa a cortile, un simbolo dell'architettura Ming, ha recentemente subito una trasformazione sotto la guida dei talentuosi Tumushi Architects. Questo progetto non è solo una ristrutturazione, ma un vero e proprio omaggio alla cultura...

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Con un'area di 1050 m², l'intervento ha saputo mantenere l'essenza della struttura originale, preservando i dettagli storici e integrandoli con elementi contemporanei. L'uso di materiali come legno, vetro e mattoni non è casuale; ogni scelta progettuale è stata pensata per dialogare con l'ambiente circostante, rispettando la storia mentre si guarda al futuro.

Yulin, situata nel cuore della provincia di Shaanxi e riconosciuta come uno dei nove importanti avamposti della Cina, si arricchisce ora di uno spazio espositivo che promuove la cultura e l'arte locale. Non è solo un edificio, ma un luogo di incontro, un palcoscenico per la comunità, dove ogni visitatore può immergersi nella storia e nell'innovazione.

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Scopri i Progetti Incredibili: Le Nomination dei Dezeen Awards 2025

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Questa settimana, il mondo del design e dell'architettura si è fermato per contemplare le nomination dei Dezeen Awards 2025, un momento di celebrazione dei progetti che stanno plasmando il nostro futuro. Tra le opere in lizza, emerge la House for Julia, un hospice per bambini che si presenta come un moderno santuario, un capolavoro firmato dallo studio Čtyřstěn Architekti.

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Martedì, la shortlist degli interni ha svelato il lavoro dello studio spagnolo Isern Serra, che ha progettato un’agenzia di moda a Barcellona, un progetto che fonde eleganza e funzionalità. Mercoledì, è stata la volta del design, con la collezione di articoli per la casa di Hermès, presentata durante la settimana del design a Milano, che ha catturato l'immaginazione di molti.

Il tema della sostenibilità è stato al centro delle discussioni giovedì, con la presentazione di opere come il più grande edificio in legno massiccio della Finlandia, un esempio di come l’architettura può rispondere alle sfide ambientali contemporanee. Infine, venerdì ha visto l'annuncio dei Designers of the Year, con nomi prestigiosi come Kéré Architecture e Iris van Herpen, che continuano a ridefinire i confini del design.

In un contesto di cambiamenti, anche i giganti della tecnologia si evolvono: Microsoft ha presentato il restyling dei suoi loghi, un segno di come l'intelligenza artificiale stia influenzando il design e lo sviluppo dei prodotti. E mentre il mondo architettonico piange la perdita di figure iconiche come Nicholas Grimshaw, la riflessione sulla loro eredità ci invita a considerare cosa significa davvero progettare per il futuro.

Con la conclusione della settimana, non possiamo fare a meno di meravigliarci di quanto il design possa ispirare e trasformare. Segui le nostre pubblicazioni per rimanere aggiornato su queste e altre storie che plasmano il nostro mondo.

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Un Gelato Sostenibile: L'Armonia tra Architettura e Natura in Thailandia

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In un angolo incantevole di Koh Phangan, dove il profumo del cocco si mescola all'aria salmastra del mare, un gelato ha trovato casa. Satimi.sook non è solo un luogo dove gustare dolci prelibatezze, ma un esempio di come l'architettura possa danzare in perfetta armonia con la natura circostante. Progettato dallo studio Bamboosaurus, questo negozio di gelato racconta una storia di sostenibilità e r...

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Le colonne in bamboo, che si ergono come le palme che un tempo occupavano il sito, creano un ritmo spaziale che non solo ricorda il passato, ma lo celebra. La struttura, con il suo tetto a falde basse, è un omaggio all'architettura vernacolare locale, progettata per resistere alle violente tempeste monsoniche senza compromettere la bellezza del luogo. Ogni dettaglio, dal bamboo alle pareti in vetro, è pensato per riflettere la luce naturale e per amalgamarsi con il paesaggio circostante, creando un'atmosfera calda e accogliente.

Ma Satimi.sook va oltre l'estetica: la sua costruzione è stata concepita con una particolare attenzione alla sostenibilità. Utilizzando fondazioni leggere che non danneggiano le radici degli alberi vicini, il progetto dimostra che è possibile costruire senza compromettere la natura. La combinazione di bamboo, acciaio e vetro non solo garantisce la resistenza, ma offre anche una trasparenza che invita l'esterno a entrare, rendendo l'esperienza del gelato ancora più coinvolgente.

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NEOM Stadium: L'Incredibile Stadio Sospeso a 330 Metri di Altezza

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Immagina un luogo dove il cielo incontra la terra, dove lo sport si eleva in una dimensione mai vista prima. Questo è NEOM Stadium, un audace progetto architettonico che sorgerà a 330 metri di altezza, portando il concetto di stadio a nuovi livelli, letteralmente. Situato nel cuore della futuristica città di The Line, in Arabia Saudita, questo impianto sportivo non è solo un luogo per assistere a ...

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Con una capacità di circa 46.000 spettatori, il NEOM Stadium è destinato a diventare il simbolo della candidatura saudita per la FIFA World Cup 2034. La costruzione, prevista per iniziare nel 2027, segna un passo audace verso un futuro in cui la sostenibilità e l'innovazione tecnologica si fondono in un'unica visione. Ma cos'è che rende questo stadio così unico?

Immagina di assistere a una partita di calcio, con il panorama mozzafiato di una città innovativa come sfondo. Il NEOM Stadium non è solo un semplice impianto sportivo; è una fusione di architettura avveniristica e sostenibilità ambientale. Alimentato al 100% da energie rinnovabili, il suo design prevede un tetto che si integra con l'architettura della città, e sistemi di trasporto elettrici e automatizzati che rendono ogni spostamento un'esperienza fluida e futuristica.

Ma la costruzione di un'opera così ambiziosa non è priva di sfide. I costi stimati per l'intero progetto NEOM si aggirano intorno ai 500 miliardi di dollari, ma alcune fonti suggeriscono che potrebbero arrivare fino a 8,8 trilioni. La questione della sostenibilità e dell'impatto ambientale diventa quindi cruciale. Come si può garantire che un progetto di tale portata non comprometta l'ambiente circostante?

Inoltre, ci sono le critiche riguardanti il cosiddetto

Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

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Trump e il Nuovo Tariffario: Cos'è in Gioco per il Settore dell'Arredamento

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Un vento di cambiamento si è levato nel panorama dell'arredamento americano. Il presidente Donald Trump, con una decisione che echeggerà nel tempo, ha proclamato l'introduzione di una tariffa del 30% sui mobili imbottiti, un annuncio che ha acceso il dibattito su come la politica possa influenzare il design e la produzione. Da ottobre, un nuovo capitolo si aprirà per le aziende che importano quest...

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In un post su Trump Social, il presidente ha espresso la sua determinazione a fermare quello che ha chiamato un "inondazione" di prodotti dall'estero, un fenomeno che ha messo in difficoltà i produttori locali. "È una pratica ingiusta", ha dichiarato, sottolineando l'urgenza di proteggere il processo manifatturiero nazionale per ragioni di sicurezza e competitività.

Oltre alla tariffa sul mobile imbottito, una stangata del 50% colpirà anche i mobili da cucina e i lavabi da bagno, segnando un netto giro di vite su un settore già sotto pressione. L'importazione di oltre 20 miliardi di dollari di mobili ogni anno, gran parte dei quali proviene dall'Asia orientale, è ora in discussione, e le aziende americane si preparano a un futuro incerto.

Le reazioni non si sono fatte attendere. Grandi nomi del settore, come IKEA, hanno espresso preoccupazione, avvertendo che queste tariffe renderanno il business "più difficile". Le azioni di rivenditori americani come Wayfair e Williams-Sonoma hanno subito un brusco calo, un segnale chiaro di come le politiche commerciali possano influenzare le dinamiche di mercato.

In questo contesto, la comunità del design guarda con apprensione alle possibili ripercussioni che queste misure potrebbero avere sull'industria. La Milano Design Week, uno dei palcoscenici più prestigiosi per i designer, ha già visto alcuni professionisti esprimere timori riguardo agli effetti "brutali" delle tariffe sul futuro della creatività e dell'innovazione nel settore.

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Casa NM: Eccellenza dell'Architettura Contemporanea in Portogallo

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Casa NM: Eccellenza dell'Architettura Contemporanea in PortogalloSituata a Penafiel, Casa NM è un esempio straordinario di architettura contemporanea, realizzata dal team di CFDS Architecture. Questo progetto, completato nel 2024, si estende su una superficie di 300 m² e rappresenta una fusione perfetta di design, funzionalità e sostenibilità.

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Il progetto è stato curato dal talentuoso architetto Daniel Sousa, con l'obiettivo di creare uno spazio abitativo che rispecchiasse la bellezza del paesaggio circostante. Le immagini di Pedro Machado catturano l'essenza di questa meravigliosa abitazione, evidenziando l'uso innovativo dei materiali e l'attenzione al dettaglio.

Casa NM si distingue non solo per la sua estetica, ma anche per la sua efficienza energetica, un aspetto sempre più cruciale nell'architettura moderna. La scelta di marchi di alta qualità come Banema e Porcelanosa Grupo evidenzia l'impegno del team di progettazione nel garantire standard elevati in ogni fase della realizzazione.

Il design degli interni, curato da Puro - by Catarina Ferreira, completa l'opera con spazi armoniosi e funzionali, pensati per il comfort e il benessere degli abitanti.

In sintesi, Casa NM è molto più di una semplice abitazione; è un manifesto dell'architettura contemporanea portoghese, un luogo dove la bellezza e la funzionalità si incontrano. Scopri di più su questo progetto su ArchDaily.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

Il Terrazzo: Un Incontro Tra Storia e Innovazione

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Il Terrazzo: Un Incontro Tra Storia e InnovazioneIl terrazzo rappresenta un affascinante connubio tra storia e innovazione, un materiale che ha radici profonde nella tradizione architettonica italiana, risalente al Rinascimento. Questa tecnica è evoluta nel corso dei secoli, integrando soluzioni industriali moderne che ne migliorano la precisione e le prestazioni.

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Originario del nord Italia, il terrazzo è un composito cementizio che incorpora frammenti di marmo, granito, quarzo e altre rocce, creando una superficie unica e continua. Ogni granello di materiale racconta una storia geologica, offrendo una vetrina mineralogica che mantiene l'identità di ciascun aggregato.

Grazie all'innovazione tecnologica, oggi esistono sistemi come il PANDOMO Terrazzo Omnia, che consentono un controllo preciso della palette di colori e della granulometria degli aggregati. Questo materiale è altamente resistente all'abrasione e adatto per superfici interne ad alto traffico come atri e centri commerciali, grazie alla sua bassa suscettibilità a crepe e al comportamento di ritiro minimo.

Inoltre, il terrazzo è compatibile con sistemi di riscaldamento a pavimento e offre un'eccellente sostenibilità, essendo privo di solventi e a bassa emissione. Integra anche materiali riciclati, allineando prestazioni tecniche e rispetto per l'ambiente.

Un esempio di applicazione innovativa del terrazzo è l'ingresso di Tacheles a Berlino, dove il materiale è utilizzato per pavimenti e arredi su misura, creando un linguaggio visivo e tattile coerente. Le superfici del terrazzo, riflettendo la luce naturale, generano variazioni sottili nel corso della giornata, conferendo al luogo un'atmosfera unica.

In conclusione, il terrazzo non è solo un materiale da costruzione; è un ponte tra il passato e il futuro, che dimostra come le tradizioni artigianali possano essere reinterpretate con successo per soddisfare le esigenze moderne di estetica e funzionalità.

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Casa Multigenerazionale con Facciata in Mattone Traspirante a Da Nang

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Casa Multigenerazionale con Facciata in Mattone Traspirante a Da NangNascosta in un vicolo stretto di Da Nang, Vietnam, l'architettura di Live Out Studio ha completato Terracotta Breath, una residenza multigenerazionale caratterizzata da una facciata in mattone poroso. Progettata per ospitare due famiglie su un modesto lotto urbano di 7 × 22 metri, il progetto bilancia intimità e indipendenza. Al ...

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Una Palette Radicata nella Terra e nel Clima

Il design di Live Out Studio abbraccia i principi del feng shui vietnamita e un budget contenuto, risultando in una casa che si sente sia radicata che inventiva. Strategie climatiche passive garantiscono ventilazione naturale e ombra, mentre una palette di materiali composta da mattone, bambù, legno, intonaco color argilla e tetto in lamiera ondulata lega l'edificio al suo contesto locale. Questo linguaggio coeso e terroso, creato dallo studio vietnamita, fluisce dalla facciata al sentiero del giardino, formando un involucro termicamente responsivo che si integra senza soluzione di continuità nel suo denso contesto urbano.

Dettagli di Eccellenza Artigianale Locale

Ogni dettaglio porta l'impronta dell'artigianato locale. Schermi in mattone operabili filtrano luce e flusso d'aria, balaustre in corda intrecciata a mano addolciscono gli spazi di circolazione, e il mattone lavorato con cura aggiunge texture e ritmo alla facciata. Questi gesti sono tanto pratici quanto poetici — garantendo comfort nel clima tropicale e creando sottili strati di privacy e apertura.

La residenza multigenerazionale è definita dalla sua facciata in mattone poroso, mentre al centro del progetto si trova un cortile piantumato. Le strategie climatiche passive assicurano ventilazione naturale e ombra, creando un'abitazione che si sente sia radicata che inventiva, progettata per accogliere due famiglie, bilanciando intimità e indipendenza.

Scopri di più su questo straordinario progetto su designboom | architecture & design magazine.

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Le 11 Mostre di Design Imperdibili in Europa a Settembre

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Le 11 Mostre di Design Imperdibili in Europa a SettembreSettembre è un mese di rinascita per il mondo del design, con eventi e mostre che celebrano la creatività e l'innovazione in tutta Europa. In questo articolo, esploreremo le migliori mostre di design da non perdere, dalle installazioni più audaci alle interpretazioni più intime di artisti e designer.

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1. Dark Times, Bright Signs - Milano

Curata da Valentina Ciuffi, questa mostra alla galleria Delvis (Un)Limited presenta lavori di un team internazionale di creativi che esplorano l'attualità attraverso un linguaggio visivo potente. Fino a febbraio 2026, la mostra invita a riflettere sulle sfide del nostro tempo.

2. Whispers of the Forest - Parigi

Alla Galerie Gosserez, Georges Mohasseb espone opere scultoree che combinano design contemporaneo e tecniche artigianali, fino al 28 settembre. Le collezioni Tapir e Rhino sono un omaggio alla natura e alla sua bellezza.

3. Uniforms on Chairs - Milano

OLDER studio presenta una riflessione sui concetti di uniformità e unicità. Questa mostra, curata da Valentina Ciuffi, trasforma oggetti iconici in ibridi sorprendenti, interrogandosi sul nostro rapporto con il design e gli oggetti quotidiani.

4. Variation on Ceramic - Modena

Ronan Bouroullec porta la sua arte a Casa Mutina, dove esibisce opere che sfidano le convenzioni del design ceramico. Un appuntamento da non perdere per gli amanti del ceramico e del design innovativo.

5. Inchiostri - Venezia

Presso la Galleria Giorgio Mastinu Fine Art, Bouroullec presenta opere in vetro che reinterpretano il suo lavoro storico, creando composizioni uniche che mescolano vetro soffiato e colato.

6. Fragmenta - Beirut

Questa mostra itinerante esplora il tema del riuso attraverso opere realizzate con scarti di marmo. Un progetto che coinvolge artisti internazionali e promuove la sostenibilità nel design.

7. Planetario - Verona

Durante Marmomac 2025, l'installazione di Raffaello Galiotto con Margraf esplora il legame tra pietra naturale e cosmos, offrendo un'esperienza visiva unica.

8. Slow Down - Copenaghen

Parte della Biennale di Architettura, questa mostra invita a riflettere sulla lentezza e sull'importanza di ritmi più umani nel design e nell'architettura.

9. Design in Bloom - Amsterdam

Un'esplosione di colori e forme, questa mostra celebra l'interazione tra design e natura, con opere che invitano a riscoprire la bellezza del mondo vegetale.

10. Art & Design - Londra

Un appuntamento imperdibile per gli appassionati, che mette in mostra opere che uniscono arte visiva e design innovativo, esplorando nuove frontiere estetiche.

11. The Future of Furniture - Berlino

Una mostra che esplora le tendenze emergenti nel design d'interni, con focus su sostenibilità e innovazione tecnologica.

Visita queste mostre incredibili e lasciati ispirare dalle voci più creative del design contemporaneo!

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Benito: Un Sogno Minimalista e Vaulted nel Cuore di Madrid

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Nel vibrante tessuto urbano di Madrid, dove le storie si intrecciano come i filamenti di un arazzo, si erge la ristrutturazione di Benito, un progetto che trasforma un vecchio negozio di pellicce in una residenza compatta, elegante e funzionale. Qui, lo studio BURR riesce a evocare un senso di spazio e luminosità, giocando con i limiti di un piano a livelli sfalsati che diventa il cuore pulsante d...

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La disposizione architettonica si snoda in due bande sottili: una zona a piano terra, con un’altezza di soffitto generosa di quattro metri, e un mezzanino sollevato di 180 centimetri, concepito per consentire il passaggio delle auto verso un garage sotterraneo. Questo gioco di altezze crea un volume a forma di L, dove il collegamento tra i livelli diventa un’esperienza sensoriale centrale, un viaggio che invita a scoprire ogni angolo.

La scala, pensata con cura da BURR, non è solo un semplice collegamento, ma un’opera di design che cela sotto i suoi gradini porte a scomparsa per elettrodomestici, ripostigli e persino un WC compatto. Questa integrazione precisa, che ricorda gli interni dei mezzi di trasporto, permette di massimizzare lo spazio utile, allontanando il caos visivo e regalando un senso di ordine.

Il movimento attraverso l’abitazione segue un loop a forma di U: si entra dalla zona inferiore e, salendo, si raggiunge il piano superiore che riporta alla facciata principale. Questa sequenza introduce un gradiente di utilizzo pubblico e privato, separando la zona condivisa da quella più intima, in un equilibrio perfetto di convivialità e riservatezza.

Entrambi i livelli di Benito si aprono verso l’esterno, creando un legame continuo con l’aria e la luce. Al piano terra, un patio comune accoglie la freschezza del giorno, mentre il mezzanino si affaccia su una terrazza privata, un angolo di serenità. Con facciate su entrambi i lati, la ventilazione incrociata si stabilisce naturalmente, sostenuta da un layout aperto che, sebbene racchiuda solo il bagno e il WC, mantiene un’atmosfera di apertura in ogni altro spazio.

Ma non è tutto: le sfide del contesto edilizio, con servizi condivisi che attraversano il soffitto a diverse altezze, hanno spinto BURR a introdurre un intervento audace: una volta a botte che abbraccia la parte pubblica della casa. Questa soluzione offre isolamento acustico e visivo, conferendo al piccolo interno un sorprendente senso di volume e spazio, in un contrasto deliberato con le dimensioni contenute del progetto.

In questo modo, la ristrutturazione di Benito eleva una piccola porzione domestica di Madrid a qualcosa di distintivo e memorabile, senza mai cadere nell’eccesso, ma celebrando l’essenziale.

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Scopri la nuova collezione di stoviglie di Gustaf Westman con IKEA: un inno alla gioia quotidiana

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Gustaf Westman e IKEA: la nuova collezione di stoviglieIl designer svedese Gustaf Westman ha collaborato con IKEA per lanciare una vivace collezione di stoviglie e accessori per la casa, composta da 12 pezzi. Questa serie, che include piatti e tazze in porcellana, porta un tocco di giocosa innovazione nella tradizione delle decorazioni festive.

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La collezione si ispira all'idea che la celebrazione non richiede un'occasione speciale, invitando tutti a creare momenti di gioia e connessione secondo le proprie modalità. Il primo pezzo svelato, il “trono” per le polpette svedesi, rappresenta la fusione tra l'arte del design e la convivialità.

Forme scultoree e colori audaci

La collezione di Gustaf Westman è caratterizzata da forme curvilinee e una palette di colori audaci. Le tonalità di rosso e verde richiamano il design festivo tradizionale, mentre il rosa bubblegum e l'azzurro baby offrono una reinterpretazione moderna e gioiosa. I piatti con bordi quadrati e fondi arrotondati creano una coesione simile a un mosaico, mentre una tazza e piattino di grandi dimensioni per il glögg evoca i ricordi d'infanzia di Westman legati alla generosità festiva.

Le lampade e i portacandele presentano un'inventiva scultorea, richiamando le forme dei piatti e aggiungendo un tocco di modernità alla tradizione svedese. L’oversized cup-and-saucer set è pensato per ospitare biscotti e creare un'atmosfera calda e accogliente.

Un Designer per una Nuova Generazione

Maria O’Brian, leader del Range Identity di IKEA, sottolinea che l'approccio di Gustaf al colore e alla forma è in perfetta sintonia con la filosofia del marchio. Westman, con la sua audace espressione creativa, ha saputo rendere il suo lavoro accessibile a un pubblico più ampio.

Questa collezione rappresenta non solo la prima collaborazione di design di prodotto di Westman, ma anche un invito a celebrare la bellezza della quotidianità con oggetti che non solo sono funzionali ma anche pieni di vita e carattere.

In conclusione, la collezione IKEA x Gustaf Westman non è solo un insieme di stoviglie, ma un vero e proprio manifesto di gioia e connessione quotidiana.

Scopri di più su questa emozionante collezione visitando il sito di IKEA.

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Esplorando il Design a Detroit: L'Innovativa Fiera dell'Arte e del Design

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Esplorando il Design a Detroit: L'Innovativa Fiera dell'Arte e del DesignDurante il Detroit Month of Design, si è svolta la tanto attesa fiera dell'arte e del design nel suggestivo Boyer Campbell Building, un ex stabilimento cartario che rappresenta il cuore pulsante del Detroit Design District. Questa fiera ha presentato una varietà di opere realizzate da talentuosi creatori locali, dando vita a ...

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Curata dalla designer turca Bilge Nur Saltik dello studio Form & Seek, e con la partecipazione di Katy Kim per l'arte visiva, l'esposizione ha messo in evidenza una nuova tipologia di mattoni di vetro e ceramiche in silicone. Saltik ha dichiarato: "Detroit ha atteso a lungo una fiera centrale durante il mese del design, e ora questa esposizione riunisce sotto lo stesso tetto i diversi talenti della città, creando un punto di incontro tra la comunità di design e il pubblico".

La fiera ha presentato un'ampia gamma di design, con una particolare attenzione ai colori vivaci delle opere di Saltik, tra cui una collezione di vasi stampati in 3D. I progetti includevano anche le ciotole in silicone di Yosuke Shimano e pareti geometriche di tubi clusterizzati realizzate da Erika Cross. Un focus particolare è stato dedicato ai designer provenienti da Toledo, Ohio, un noto centro per il vetro, tra cui i mattoni di vetro decaedrici dello studio Phosphene, creati per diffondere la luce in modi innovativi.

Il secondo piano della fiera ha accolto installazioni artistiche che dialogavano con la storia dell'edificio, come le lampade sinuose di Justin Bailey e le sculture di Jessika Edgar. I visitatori hanno avuto l'opportunità di esplorare ogni angolo dell'ex fabbrica, scoprendo opere nascoste in spazi inaspettati, come un armadio elettrico trasformato in una torre di ceramica.

La Detroit Warehouse: Art and Design Fair, svoltasi dal 18 al 21 settembre, non è stata solo un'esposizione di design, ma un evento che ha celebrato la resilienza e la creatività di Detroit, portando alla luce la sua storia e il suo futuro attraverso l'arte e il design.

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Janet Echelman e il suo capolavoro al MIT Museum: un viaggio tra arte e clima

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Janet Echelman e il suo capolavoro al MIT Museum: un viaggio tra arte e climaIl MIT Museum presenta Remembering the Future, un'installazione monumentale dell'artista Janet Echelman, realizzata in collaborazione con l'architetto e ingegnere Caitlin Mueller. Questa straordinaria opera è sospesa sopra il grande atrio del museo e sarà aperta al pubblico dal 18 settembre 2025 fino all'autunno del 2027.

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La scultura, che trasforma i dati climatici in una forma tridimensionale, invita i visitatori a interagire visivamente e concettualmente. Entrando nel museo, l'attenzione viene subito catturata dalla vasta rete di Echelman, composta da fibre intrecciate e spliccate a mano, che si estendono in sfumature di arancione e blu, creando un soffitto di colori sopra la scala.

La rete multistrato genera una sensazione di movimento mentre la luce naturale filtra attraverso durante il giorno, e l'illuminazione programmata attiva l'opera dopo il tramonto, proiettando riflessi morbidi sulle pareti circostanti.

Questa installazione è il risultato di una partnership intensiva tra Echelman e Mueller, il cui lavoro nel gruppo Digital Structures del MIT ha informato l'innovazione strutturale del progetto. Insieme, hanno sviluppato una nuova tecnologia che amplia le possibilità geometriche delle forme basate sulla tensione, dimostrando come l'ingegneria architettonica possa fondersi con l'espressione artistica.

La forma di Remembering the Future trae ispirazione dai dati climatici che coprono l'ultima era glaciale fino alle proiezioni di futuri potenziali. Il climatologo del MIT, Raffaele Ferrari, ha fornito supporto alla modellazione dei dati, utilizzando un emulatore di modelli climatici per simulare i cambiamenti regionali in temperatura e atmosfera.

Accanto all'installazione, un chiosco digitale creato da Mueller consente ai visitatori di esplorare le dinamiche strutturali dell'opera. Attraverso un'interfaccia interattiva, gli ospiti possono regolare una versione virtuale della rete, osservando come tensione e equilibrio rispondono ai loro input, rivelando i principi ingegneristici che stabilizzano la scultura.

Questo lavoro segna l'inizio della stagione tematica TIME del MIT Museum, un programma annuale che esamina la natura del cambiamento temporale attraverso arte, scienza e tecnologia.

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L'Uzbekistan e il suo Centro per l'Arte Contemporanea: un viaggio nel futuro dell'arte

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L'Uzbekistan e il suo Centro per l'Arte Contemporanea: un viaggio nel futuro dell'arteL’Uzbekistan si fa notare nel panorama globale dell’arte contemporanea grazie al suo nuovo Centro per le Arti Contemporanee (CCA) situato a Tashkent. Questo edificio storico, costruito nel 1912 come stazione di servizio diesel, sta vivendo una trasformazione unica sotto la guida dell’architetto Gayane Umerova in ...

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Il CCA non è solo un museo, ma un vero e proprio polo culturale che mira a riunire artisti provenienti da diverse parti del mondo. La Fondazione per lo Sviluppo dell’Arte e della Cultura dell’Uzbekistan ha pianificato importanti iniziative per il 2026, tra cui il Navruz Gala e il Tashkent Public Art Festival. La mostra Hikmah, che significa “saggezza”, sarà uno degli eventi clou, presentando opere di artisti locali e internazionali.

Tra i partecipanti ci sono nomi noti come Nadia Kaabi-Linke e Muhannad Shono, con opere che esplorano il concetto di saggezza attraverso diverse culture e materiali. In particolare, l’installazione Flying Carpets di Kaabi-Linke, in prestito dal Solomon R. Guggenheim Museum, promette di attirare l’attenzione del pubblico.

Lo Studio KO ha progettato il CCA per onorare il suo passato industriale, rendendolo al contempo un luogo di incontro per le idee contemporanee. Secondo gli architetti Karl Fournier e Oliver Marty, l’obiettivo era creare uno spazio contemplativo che possa evolversi con i programmi artistici.

La direttrice artistica del CCA, Sara Raza, sottolinea l’importanza di questo centro come un luogo di dialogo tra artisti e pubblico, dove storie locali possono incontrare idee globali. L’architettura del CCA funge da ponte tra il passato e il futuro dell’arte in Asia centrale.

In conclusione, l’Uzbekistan si sta affermando sempre di più nel panorama internazionale dell’arte contemporanea, offrendo spazi innovativi e programmi stimolanti che non solo celebrano il patrimonio culturale del paese, ma anche le nuove espressioni artistiche globali.

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La Magia del Moon Pavilion: Un Rinnovamento Sostenibile tra le Acque di Huizhou

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Nel cuore di Huizhou, dove l'acqua danza dolcemente sotto il cielo, un'antica serra abbandonata ha ritrovato nuova vita grazie al genio creativo dell'Atelier Guo. Questo moon pavilion, che si erge come un sogno lucido, racconta la storia di una rinascita, un rifugio luminoso che celebra la bellezza della natura e la resilienza dell'architettura contemporanea.

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Il progetto si ispira a un verso poetico cinese, evocando un'immagine di un poeta sorridente, intossicato dalla bellezza dei fiori. L'esperienza spaziale che ne deriva è un invito a immergersi in una dimensione in cui il moon diventa protagonista, riflettendo una presenza che muta e si trasforma, proprio come il ciclo naturale della vita.

La struttura, compatta e a due piani, si erge su un abbraccio d'acqua, e il suo profilo sinuoso richiama l'ascesa lenta del satellite notturno. Al suo esterno, un'installazione artistica rotante evoca la luna, creando un dialogo affascinante tra il reale e l'immaginario. Da lontano, si può percepire una doppia luminosità, quella dell'acqua e quella della struttura, che insieme danzano in un gioco di riflessi.

Il design è una reinterpretazione coraggiosa della serra originale, un omaggio alla sua storia. Elementi della vecchia struttura, come i telai in acciaio, sono stati riutilizzati per creare nuove forme, mentre materiali innovativi, come le tavole a carbonio, riflettono un impegno costante verso la sostenibilità. La continuità con il passato è palpabile, e la vegetazione che circonda il pavilion dissolve il confine tra architettura e natura, creando un ambiente armonioso e accogliente.

Il moon pavilion non è solo un'opera d'arte, ma un simbolo di speranza e possibilità. La scelta di rivestire la struttura con policarbonato scuro fa pensare a occhiali da sole, proteggendo l'interno e amplificando la luminosità dell'installazione lunare. L'architettura diventa un palcoscenico, e gli spettatori, camminando lungo il bordo dell'acqua, sono invitati a riflettere e a sognare.

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Il Pavilion di Sydney: un Abbraccio tra Mare e Terra con il Terrazzo di Conchiglie

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Nel cuore pulsante di Sydney, dove le onde si abbracciano con la terra, sorge un'opera che sfida le convenzioni: il Pavilion progettato da Besley & Spresser. Questa struttura scultorea non è solo un rifugio per gli abitanti della città, ma un omaggio all'identità culturale e ambientale della zona. Realizzato con un innovativo terrazzo che incorpora conchiglie d'ostrica riciclate, il Pavilion s...

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Inaugurato nel 2025, dopo aver vinto un concorso di design nel 2020, il Pavilion si affaccia maestoso sul Sydney Harbor, unendo eleganza e funzionalità. La progettazione del Pavilion richiede un'attenzione meticolosa ai dettagli: il suo tetto paesaggistico, sostenuto da ottantasei colonne slanciate, è un rifugio per specie vegetali autoctone e un richiamo per uccelli e insetti. Al centro, un oculo circolare lascia filtrare la luce, creando un gioco di ombre e riflessi che danza sul pavimento in terrazzo, trasportando i visitatori in un'esperienza sensoriale unica.

Il terrazzo, frutto di un anno di sperimentazione, non è solo un materiale; è una narrazione che parla del mare e della terra. Con quasi mezzo milione di conchiglie di ostrica, un tempo destinate alla discarica, reintrodotte nel ciclo della vita, il Pavilion celebra la tradizione culinaria dell'ostrica che permea la storia della zona. "Volevamo rendere omaggio alla lunga storia di convivialità vicino al mare", spiega Jessica Spresser, co-direttrice del progetto. Ogni passo su questo pavimento racconta una storia di convivialità e rispetto per l'ambiente.

Strutturalmente, il Pavilion è un capolavoro di ingegneria. Concentrando il carico sulla periferia, la sua ampia area centrale rimane priva di ostacoli, invitando a incontri e momenti di relax. La geometria del tetto riflette le linee delle scogliere circostanti, creando un'armonia visiva che si integra perfettamente con il paesaggio. Questo spazio pubblico, concepito per essere monumentale ma accogliente, rappresenta un punto di incontro per la comunità, un luogo dove si celebra la vita e si condividono momenti insieme.

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La Croce di San Giorgio: Un Simbolo di Design e Trasformazione degli Spazi Pubblici

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Camminando per le strade d'Inghilterra, è impossibile non notare l'esplosione di bandiere con la Croce di San Giorgio. Sospese nei luoghi più inaspettati, queste bandiere raccontano storie di un patriottismo che si fa sempre più visibile. Ma cosa significa tutto questo per il design e per il nostro rapporto con gli spazi pubblici?

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La Croce di San Giorgio, simbolo di un'identità nazionale, ha attraversato epoche di significati diversi. Un tempo relegata a momenti di fervore nazionale, oggi è una presenza costante che suscita interrogativi su cosa significhi essere patriottici in un mondo complesso e spesso conflittuale. La sua crescente visibilità è un segnale di un cambiamento nel clima politico, una trasformazione che non può essere ignorata dagli architetti e dai designer.

È interessante notare come un semplice simbolo possa trasferire potere e identità, diventando oggetto di dibattito e divisione. In un'epoca in cui il patriottismo si intreccia con il populismo e le tensioni sociali, la Croce di San Giorgio emerge come un punto focale per esplorare la nostra relazione con il design e lo spazio pubblico.

Ma cosa possono fare i designer di fronte a questa situazione? Rimuovere le bandiere potrebbe sembrare una scelta divisiva, mentre non fare nulla potrebbe apparire come indifferenza. Esiste una terza via? Un'iniziativa artistica a Manchester ha invitato i cittadini a modificare le bandiere con messaggi di inclusione, dimostrando che il design può essere un mezzo per creare spazi più accoglienti.

La questione non è solo visiva, ma strutturale. Il design non è solo una questione di estetica, ma di come strutturiamo le nostre città e le nostre interazioni sociali. Riconoscere il potere del design significa anche affrontare le problematiche che si celano dietro a simboli apparentemente innocui.

In un mondo dove i segni e i simboli hanno la capacità di polarizzare, è fondamentale chiedersi: come possiamo utilizzare il design per promuovere valori di inclusione e comprensione? La risposta potrebbe trovarsi nella creazione di nuove narrazioni, storie che possano sostituire quelle divisive e offrire alternative significative.

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Un Padiglione a Forma di Conchiglia: Il Futuro della Società all'Expo 2025 di Osaka

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Nel cuore dell'Expo 2025 di Osaka, il Padiglione Pasona Natureverse, realizzato dallo studio giapponese The Design Labo, emerge come un simbolo di connessione tra l'uomo e la natura. Ispirato alla forma a spirale di un mollusco marino preistorico, il padiglione si presenta come un'opera architettonica che invita alla riflessione sulla nostra interazione con il mondo naturale. La sua struttura, che...

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Con un diametro di 43 metri, il padiglione è progettato per essere facilmente smontabile e verrà successivamente trasferito su Awaji Island come centro culturale. La struttura è realizzata con un sistema in acciaio a giunti sferici, rivestita da una membrana bianca sintetica che riflette la luce in modo etereo, creando un'atmosfera quasi incantata. All'interno, i visitatori possono esplorare spazi espositivi interattivi suddivisi in tre zone tematiche: Storia della Vita, Corpo e Mente / Legami. Ogni area ospita installazioni uniche, tra cui una scultura a forma di albero che racconta l'evoluzione e un cuore coltivato in laboratorio, simbolo dell'innovazione biomateriale.

Il percorso espositivo è pensato per ottimizzare l'esperienza dei visitatori, con un'altezza del soffitto che raggiunge i 16 metri, creando un senso di grandezza che stimola meraviglia e apprendimento. Inoltre, un sistema di raffreddamento ad acqua riveste la superficie esterna del padiglione, riducendo la necessità di aria condizionata e riutilizzando l'acqua piovana. Al calare della notte, l'illuminazione cambia, accentuando le curve del guscio e proiettando effetti luminosi che trasformano il padiglione in un'opera d'arte visiva.

Il progetto di The Design Labo non è solo un esempio di architettura innovativa, ma anche un invito a riflettere sul nostro rapporto con la natura e sull'importanza della salute fisica e mentale nel contesto della società moderna. Con il suo design distintivo e la sua missione educativa, il Pasona Natureverse Pavilion è destinato a diventare un punto di riferimento per le generazioni future, testimoniando la bellezza della simbiosi tra uomo e natura.

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Costruire Conoscenza: Ripensare il Ruolo dell'Architetto in Tempi di Incertezza

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In un mondo che cambia a ritmi vertiginosi, dove le crisi climatiche e le disuguaglianze sociali si intrecciano come trame di un romanzo in divenire, il ruolo dell'architetto si trasforma. Non si tratta più di erigere edifici iconici, ma di creare piattaforme per l'autonomia, l'apprendimento e la replicabilità. L'architettura diventa così un atto culturale, un modo per tessere relazioni e signific...

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Progetti che abbracciano tecnologie semplici, materiali locali e processi partecipativi ci insegnano che costruire può essere anche un atto educativo. Le strutture non sono più semplici contenitori, ma spazi di insegnamento reciproco, dove architetti e residenti si uniscono per condividere conoscenze e abilità, trasformando l'atto di costruire in un processo di apprendimento collettivo. Così come l'arrivo delle rondini annuncia la primavera, anche un singolo progetto esemplare può essere il seme di un cambiamento più grande.

Un esempio luminoso è la Scuola Primaria di Gando in Burkina Faso, dove l'architetto Diébédo Francis Kéré ha utilizzato blocchi di terra compressa prodotti localmente, coinvolgendo la comunità nella costruzione. Non si è trattato solo di erigere aule, ma di lasciare in eredità un'officina di costruzione funzionante, un laboratorio di competenze che ha rafforzato la comunità e ha permesso di replicare il modello altrove.

Analogamente, la Scuola Secondaria CEM Kamanar in Senegal ha visto la partecipazione attiva di mastri muratori e giovani del luogo, che hanno appreso tecniche costruttive tradizionali attraverso un processo che ha unito le risorse locali e le necessità della comunità. Questo tipo di architettura non importa modelli stranieri, ma cerca di fortificare pratiche locali e risorse disponibili, in un abbraccio che sa di casa.

Il Centro di Salute Rugerero in Rwanda, progettato da ASA Studio, ha dimostrato come l'architettura possa diventare un motore di trasformazione sociale. Qui, la costruzione è stata un'opportunità di formazione, dove la comunità ha appreso mestieri come la muratura e la falegnameria, creando le basi per futuri progetti collettivi. Allo stesso modo, in Brasile, il progetto USINA CTAH ha riunito famiglie in cooperative, trasformando ogni fase della costruzione in un momento di solidarietà e formazione tecnica.

In questo contesto, l'architettura si fa carico di un compito essenziale: diventare una pratica rigenerativa, capace di plasmare non solo spazi, ma anche persone. I progetti che funzionano come 'scuole di costruzione' non solo diffondono conoscenze, ma riducono le dipendenze esterne, lasciando un'eredità duratura. Ogni edificio può diventare un ambiente di apprendimento, un luogo dove le comunità possono crescere e prosperare.

In Perù, l'Associazione Semillas para el Desarrollo Sostenible ha dato vita a progetti che incarnano questa filosofia. Le scuole e i laboratori costruiti in contesti remoti dell'Amazzonia sono il risultato di workshop partecipativi che combinano conoscenze vernacolari con innovazioni sostenibili. Questi progetti non solo rafforzano la resilienza sociale e ambientale, ma trasformano il processo di costruzione in un atto di educazione condivisa e custodia collettiva.

In un'epoca di incertezze, gli architetti sono chiamati a essere mediatori tra conoscenze diverse, a formare lavoratori e a fornire soluzioni capaci di resistere al tempo e alla scarsità. La vera bellezza dell'architettura, quindi, risiede nella sua capacità di unire le persone in un processo continuo di apprendimento e emancipazione. Costruire conoscenza, non solo strutture, è la sfida che ci attende.

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Il Villaggio Olimpico di Milano-Cortina 2026: Un Progetto Sostenibile e Multifunzionale

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Il Villaggio Olimpico di Milano-Cortina 2026, progettato dallo studio SOM (Skidmore, Owings & Merrill), sta prendendo forma nel sito dell'ex deposito ferroviario di Porta Romana a Milano. Con la conclusione dei lavori prevista per la prossima primavera, il villaggio sarà consegnato alla Fondazione Milano Cortina in autunno, in vista dei Giochi Olimpici e Paralimpici invernali.

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Nel mese di aprile 2025, il team di ArchDaily ha avuto l'opportunità di visitare il cantiere, osservando i progressi nella costruzione degli edifici residenziali, degli spazi pubblici e delle strutture storiche restaurate che definiranno questo nuovo distretto urbano. Il villaggio rappresenta un elemento chiave del Piano Regolatore dell'Ex Deposito Ferroviario di Porta Romana e avrà un duplice scopo: ospitare gli atleti durante l'evento e trasformarsi in alloggi per studenti e abitazioni a prezzi accessibili successivamente.

Questa iniziativa non solo sottolinea l'impegno di Milano e Cortina per l'innovazione e la sostenibilità, ma rappresenta anche un'opportunità unica per riqualificare un'area storica e renderla accessibile alla comunità.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su ArchDaily Global.

La Casa MM: Un Dialogo di Luce e Materia in Argentina

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La Casa MM: Un Dialogo di Luce e Materia in ArgentinaNel cuore di Luján, una piccola perla della provincia di Buenos Aires, sorge la Casa MM, un progetto ambizioso realizzato dal Gruppo Lordi Arquitectura. Con una superficie di 270 m², questa abitazione non è solo un luogo da abitare, ma una vera e propria esperienza sensoriale, dove i materiali si intrecciano in un abbraccio di purezza e semplici...

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Immaginate un ambiente in cui il mattoni, il calcestruzzo, l'acciaio e il vetro danzano insieme, creando giochi di ombre e luci. Ogni angolo della Casa MM è pensato per esaltare la bellezza intrinseca dei materiali, rendendo omaggio alla filosofia del gruppo, che predilige l’uso di elementi nella loro essenza più autentica.

La progettazione di questa casa non è solo una questione di estetica, ma un atto di poesia architettonica. Gli spazi sono concepiti per dialogare con l’esterno, per accogliere la luce naturale e per invitare la vita a entrare, creando un’atmosfera di calore e accoglienza. Casa MM diventa così un rifugio, un porto sicuro dove l'armonia regna sovrana.

Ogni dettaglio, dalla scelta dei materiali all’orientamento degli ambienti, è pensato per massimizzare il comfort e il benessere degli abitanti. Ciò che emerge è un'opera che non solo soddisfa le esigenze funzionali, ma che si fa portavoce di un messaggio più profondo: l’architettura può e deve dialogare con il contesto in cui si inserisce.

In un mondo che spesso sembra sovraccarico, Gruppo Lordi Arquitectura ci invita a riflettere sull'importanza di tornare all'essenziale, di riscoprire la bellezza della semplicità. La Casa MM è un manifesto di questa filosofia, un esempio di come l’architettura possa essere al contempo innovativa e rispettosa delle tradizioni.

In conclusione, ogni volta che varchiamo la soglia della Casa MM, ci troviamo di fronte a un invito a sognare, a esplorare e a vivere in armonia con gli spazi che ci circondano. È un viaggio che promette di rimanere impresso nella memoria, un'esperienza che va oltre il semplice abitare.

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Dieci motivi per non perdere la Dutch Design Week 2025

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Immagina di camminare per le strade di Eindhoven, avvolto da un'aura di creatività palpabile, dove ogni angolo racconta una storia e ogni installazione è una finestra su un futuro possibile. La Dutch Design Week 2025, in programma dal 18 al 26 ottobre, promette di essere un'esperienza unica, una celebrazione del design che abbraccia il passato, il presente e le possibilità future. Preparati a scop...

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1. Umbra Pavilion di Pauline van Dongen
Una meraviglia architettonica realizzata con heliotex, un tessuto alimentato dal sole. Sotto il suo tendaggio di filati di poliestere riciclato, potrai vivere l'incanto della luce che danza al calar del sole, rivelando un design che sfida le intemperie.

2. Mostra di Laurea della Design Academy Eindhoven
Circa 200 progetti in mostra, realizzati da una generazione di designer che affrontano tematiche ardue come la crisi climatica e la giustizia sociale. Un viaggio attraverso le menti brillanti del domani.

3. Classe del 25
Un'esposizione che celebra il talento di studenti provenienti da università europee, presentando progetti che riflettono il zeitgeist attuale e le ambizioni dei designer di domani.

4. Kruisstraat Design District
Un'esposizione che esplora il concetto di 'interesse essenziale per la cultura olandese', interrogandosi su cosa significhi realmente essere parte di una comunità creativa.

5. In Azione: Kiki & Joost e Amici
Due compleanni in una grande celebrazione, dove arte e design si mescolano in un vivace parco giochi creativo, presentando opere audaci e tappeti di esperimenti.

6. Workshop Wanted di Teun Zwets
Un progetto che denuncia le difficoltà degli artigiani indipendenti nel trovare spazi di lavoro accessibili, carico di ironia e provocazione.

7. Gaza Travel Agency
Un'agenzia di viaggio speculativa che porta alla luce il diritto al ritorno dei palestinesi, un'iniziativa che utilizza il design come strumento di giustizia e dignità.

8. Redesigning Design Weeks
Un ciclo di eventi che mette in discussione l'impatto sociale ed ambientale delle settimane del design, invitando a riflettere su come queste manifestazioni possano connettersi meglio con le città che le ospitano.

9. Show Not Show
Un'esposizione che esplora la fase concettuale nel design, un invito a comprendere il processo creativo prima che il prodotto finale prenda forma.

10. Forward Furniture
Una mostra dedicata al design di mobili futuristico, con partecipazioni internazionali che promettono di stupire e ispirare.

La Dutch Design Week 2025 non è solo un evento, è un'esperienza da vivere, un invito a riflettere e a immaginare. Non perderti questa opportunità di essere parte di qualcosa di straordinario!

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Otto camere da letto misteriose per una stagione spettrale

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Quando arriva l'autunno, il mondo si tinge di sfumature più scure e misteriose, e le camere da letto diventano rifugi perfetti per nascondersi sotto le coperte. In questo articolo, esploreremo otto camere da letto avvolte da un'aura di mistero, ognuna con il proprio fascino inquietante e la propria storia. Un viaggio attraverso il design, l'architettura e la bellezza dell'ombra.

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Iniziamo con Zero House nel Regno Unito, un'opera di Rae Morris e Ben Garrett, dove il legno scuro e i toni del mogano evocano le atmosfere del film horror Shining. Qui, l'arte di giocare con le luci e le ombre si trasforma in un'esperienza sensoriale, perfetta per le notti di Halloween.

Passiamo a Casa Tres Árboles in Messico, un esempio di come le tonalità scure possono contrastare la calda luce del legno. Le camere da letto, dipinte con colori cupi, creano un'atmosfera intima e accogliente, ideale per rifugiarsi mentre il vento ulula fuori.

In Nuova Zelanda, l'Openfield House offre un'esperienza unica con il suo lucernario circolare che incornicia le montagne circostanti. La camera da letto, immersa nell'ombra, ricorda un set cinematografico, dove ogni angolo racconta una storia.

Il Shkrub in Ucraina, progettato da Sergey Makhno, è un capolavoro di design che utilizza tavole di legno scuro e illustrazioni evocative per creare un'atmosfera quasi onirica, perfetta per chi ama perdersi nei propri pensieri durante le lunghe notti invernali.

Non possiamo dimenticare la Shadow House in Australia, un'estensione di legno bruciato che gioca con la luce, trasformando la camera in un luogo di ombre danzanti e mistero. Ogni finestra è una cornice di storie non raccontate.

In Texas, l'Austin House di Melanie Raines sperimenta con colori audaci per creare un ambiente che è tutto tranne che convenzionale. Le pareti blu scuro e il letto in pelle si fondono in un abbraccio di eleganza e stranezza, perfetto per una notte di racconti spettrali.

Infine, il Kawakawa House in Nuova Zelanda, con i suoi soffitti inclinati e pareti di betulla scura, si inserisce perfettamente nel bosco circostante, offrendo un rifugio che sembra quasi uscito da un racconto di fantasmi.

Queste otto camere da letto, ognuna con il proprio carattere, ci ispirano a creare spazi che riflettono le nostre paure e desideri. Perché in fondo, anche nell'oscurità, si può trovare bellezza.

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Scopri il Premio di Architettura Città di Bassano del Grappa: Un'Occasione per Innovare

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La III edizione del Premio di Architettura Città di Bassano del Grappa si presenta come un'opportunità unica per tutti i progettisti e le menti creative che desiderano lasciare un segno indelebile nel panorama architettonico contemporaneo. Bandito dalla storica Città di Bassano del Grappa, in collaborazione con l'Ordine degli Architetti P.P.C. della Provincia di Vicenza, questo premio mira a incen...

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Il premio è aperto a opere di nuova costruzione, ristrutturazioni e trasformazioni edilizie completate tra il 1 gennaio 2019 e il 31 luglio 2025, tutte localizzate nell'affascinante territorio della Pedemontana e Territori del Brenta. Le categorie tematiche includono l'architettura pubblica, residenziale, industriale e commerciale, con un focus particolare sulla riqualificazione urbana e sull'housing sociale.

Con questo premio, si desidera promuovere l'adozione di pratiche progettuali che non solo arricchiscano il paesaggio urbano, ma che rispettino e preservino l'identità dei luoghi. Ogni progetto presentato sarà valutato in base alla sua integrazione con il contesto urbano, alla sostenibilità e all'innovazione nell'uso dei materiali.

La partecipazione è aperta a tutti i professionisti del settore, senza distinzione di nazionalità, purché siano iscritti ai rispettivi ordini professionali. Ogni candidato potrà concorrere con un massimo di due progetti, i quali dovranno essere presentati entro il 31 ottobre 2025. La documentazione richiesta include una descrizione del progetto e diversi elaborati grafici e fotografici, tutti destinati a raccontare la storia dell'opera.

Il premio, che sarà consegnato durante una cerimonia dedicata, rappresenta non solo una forma di riconoscimento, ma anche un invito a riflettere sul valore della qualità architettonica nel nostro vivere quotidiano. In un periodo in cui la sostenibilità è più che mai al centro del dibattito pubblico, il Premio di Architettura Città di Bassano del Grappa si pone come un faro che guida i progettisti verso un futuro migliore.

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Scopri i nuovi occhiali AI di Meta e OAKLEY: chiamate senza auricolari e autocapture

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Scopri i nuovi occhiali AI di Meta e OAKLEY: chiamate senza auricolari e autocaptureDurante l'evento Connect del 17 settembre 2025, Meta ha presentato due innovativi modelli di occhiali AI: il Meta Ray-Ban Display e l'OAKLEY Vanguard. Entrambi i dispositivi sono progettati per offrire un'esperienza utente unica, combinando stile e tecnologia avanzata.

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Meta Ray-Ban Display

Il Meta Ray-Ban Display è dotato di un modulo ottico con lenti trasparenti e un proiettore che visualizza testo e immagini direttamente sulla superficie delle lenti. Grazie ai microfoni e agli altoparlanti integrati, gli utenti possono effettuare chiamate video senza dover utilizzare auricolari. Inoltre, la tecnologia delle lenti Transitions consente un utilizzo versatile, sia all'interno che all'esterno.

OAKLEY Vanguard: Sport e Tecnologia

D'altra parte, l'OAKLEY Vanguard si rivolge principalmente agli appassionati di sport. Questo modello presenta un design avvolgente e offre una funzione di autocapture, permettendo di registrare video in alta definizione senza la necessità di utilizzare uno smartphone. Gli occhiali sono dotati di un sistema audio avanzato e si integrano con app come Garmin e Strava per monitorare le performance sportive in tempo reale.

Caratteristiche Tecnologiche Avanzate

Entrambi i modelli sono equipaggiati con un'unità fotocamera da 12 megapixel e un sistema AI che permette di eseguire comandi vocali e gestuali. Il Neural Band, un dispositivo indossabile al polso, consente di controllare gli occhiali semplicemente muovendo le dita o il polso, rendendo l'interazione ancora più intuitiva.

Disponibilità e Prezzo

Il Meta Ray-Ban Display sarà disponibile dal 30 settembre, mentre l'OAKLEY Vanguard uscirà il 21 ottobre. Entrambi i modelli sono un chiaro esempio di come la tecnologia possa migliorare la nostra vita quotidiana, offrendo funzionalità avanzate in un formato elegante e pratico.

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I Migliori Prodotti del London Design Festival 2025

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I Migliori Prodotti del London Design Festival 2025Il London Design Festival 2025, tenutosi dal 13 al 21 settembre, ha presentato una serie di prodotti straordinari che hanno catturato l'attenzione degli appassionati di design. Ecco i nostri preferiti:

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1. Gem Set di Britney Lee

Questa sedia in legno è un capolavoro realizzato con legno caduto dagli alberi di Londra, avvolto in alluminio, creando un'affascinante metafora sulla rarità del legno.

2. Act I: The Bed di Studio Charlotte Taylor

Un letto innovativo con piattaforme in acciaio inossidabile, progettato per essere adattabile e funzionale, perfetto per le calde notti estive londinesi.

3. Cupsan di Blast Studio

Realizzato con tazze di caffè scartate, questo prodotto si distingue per la sua bellezza e texture, mostrando l'abilità di Blast Studio nel trasformare rifiuti in opere d'arte.

4. Cut-Out di Marcel Breuer

Un classico mai messo in produzione, questa sedia in compensato ha finalmente visto la luce nel 2025, combinando design innovativo e nostalgia.

5. 100 Year Dustpan di Absolute Beginners

Un oggetto destinato a durare un secolo, realizzato da giovani designer, che trasforma materiali di scarto in strumenti utili.

6. Rocking Chair di Lewis Kemmenoe

Una sedia a dondolo dal design patchwork, che riporta in auge un classico dell'arredamento con una forma geometrica elegante.

7. Grit Shade 002: Yellow di Marf Summers

Un lampadario realizzato con carta vetrata usata, dimostrando l'abilità di Summers nel riutilizzare materiali quotidiani.

8. The Peepers di Jutta Gössl per Odd Universe

Uno sgabello leggero e impilabile, caratterizzato da un design semplice ma giocoso grazie ai suoi fori che creano un effetto visivo interessante.

9. 2025 Collection di Yael Mer e Shay Alkalay per Lightmass

Questa collezione di elementi illuminanti utilizza tecnologia additiva per creare strutture leggere e affascinanti che cambiano colore.

Per ulteriori dettagli e per esplorare altre esposizioni e installazioni, visita la nostra guida al London Design Festival 2025.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Il Rifugio Sostenibile: La Magia del Harbourside Canopy

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Nel cuore pulsante di Hsinchu, Taiwan, si erge il Harbourside Canopy, un progetto architettonico che trascende il semplice concetto di mercato. Concepito dagli abili architetti di B+P Architects, questo spazio non è solo un luogo di scambio, ma un rifugio sostenibile dove la cultura della pesca si fonde con l'innovazione architettonica.

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La struttura principale, un padiglione paesaggistico, è un abbraccio di natura e design, composto da tettoie che danzano con il vento, muri che raccontano storie di mare e alberi che si ergono come sentinelle. Un'opera che non solo accoglie i pescatori, ma invita anche i visitatori a immergersi in un'esperienza sensoriale unica.

Il mercato della pesca si apre verso il molo, creando una connessione diretta con il mare. La parete in calcestruzzo, rivolta a nord, funge da bastione contro le intemperie, mentre le berms di terra e le foreste di protezione creano una transizione armoniosa tra l'interno e l'esterno. Qui, l'arte della pesca diventa un evento educativo, dove il pubblico può apprendere e apprezzare la ricca cultura della pesca locale.

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Il Design incontra il Business: Perché la Formazione Finanziaria è Essenziale per gli Architetti

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Quando pensiamo all'architettura, spesso immaginiamo forme eleganti e spazi innovativi, ma c'è un aspetto cruciale che raramente viene menzionato: il business. In un settore dove l'estetica regna sovrana, spesso si dimentica che dietro ogni grande progetto c'è un delicato equilibrio tra creatività e gestione finanziaria. La formazione degli architetti, quindi, non può limitarsi a insegnare solo i ...

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La mia esperienza nel mondo dell’architettura mi ha insegnato che ignorare gli aspetti economici può portare a situazioni complicate. All'inizio della mia carriera, mi sono concentrato esclusivamente sul design, convinto che fosse l'unica cosa che contasse. Tuttavia, un giorno, sentendo una conversazione casuale su un progetto che era andato oltre il budget, ho capito che la mia ignoranza finanziaria poteva avere conseguenze dirette sul mio lavoro.

In un ambiente in cui la creatività è spesso vista come contrapposta al denaro, ho scoperto che la conoscenza delle dinamiche finanziarie non solo non limita l'immaginazione, ma la potenzia. Ho iniziato a pormi domande: come venivano stabiliti i costi? Quali erano le aspettative in termini di tempistiche e budget? Ogni risposta mi ha avvicinato a una comprensione più profonda del mio ruolo, non solo come designer, ma come parte di un sistema più grande.

Quando ho deciso di unirmi a uno studio più piccolo e collaborativo, ho trovato un ambiente in cui l'alfabetizzazione finanziaria era parte integrante della cultura aziendale. Qui, ho potuto partecipare attivamente alla discussione sui budget, contribuire alle proposte e capire come ogni decisione economica influenzasse il nostro lavoro creativo. Questa nuova consapevolezza ha trasfigurato la mia carriera, portandomi a ruoli di maggiore responsabilità.

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La chiave per una professione architettonica sostenibile è quindi l’integrazione di una solida formazione finanziaria. Non si tratta solo di gestire i numeri, ma di sviluppare una visione strategica che permetta di affrontare le sfide del settore. Quando gli architetti comprendono le forze economiche che influenzano il nostro lavoro, possiamo non solo migliorare la nostra carriera, ma anche contribuire a un cambiamento positivo nell’intera industria.

In conclusione, abbracciare il lato business dell'architettura non è solo una necessità; è un'opportunità per crescere e innovare. Se vogliamo che il nostro settore prosperi, dobbiamo normalizzare l'alfabetizzazione finanziaria come parte della formazione architettonica. Solo così potremo costruire un futuro in cui creatività e sostenibilità possano coesistere.

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Marmomac 2025: Design e Innovazione con la Pietra Naturale

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Marmomac 2025: Design e Innovazione con la Pietra NaturaleFino al 26 settembre 2025, Marmomac trasforma Verona in un palcoscenico di innovazione e creatività. Con oltre 1.400 aziende espositrici, l'evento non celebra solo la pietra come materiale da costruzione, ma come fonte di espressione artistica e design moderno.

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Una delle novità più affascinanti è rappresentata dagli abiti in polvere di marmo, leggeri e sostenibili, creati dalla start-up textile-tech Fili Pari, che propone alternative vegane alle pelli tradizionali. Accanto a questo, il contrabbasso in Labradorite Volga Blu, realizzato dall'azienda ucraina Golovinski, dimostra l'abilità nella lavorazione della pietra naturale, accompagnato da spartiti musicali che mostrano il connubio tra arte e musica.

Negli spazi espositivi, i visitatori possono assistere a dimostrazioni pratiche sull'uso di strumenti tradizionali e macchinari avanzati per la lavorazione della pietra. Inoltre, il cuore pulsante dell'evento è rappresentato dal The Plus Theatre, un'area dedicata alla ricerca artistica, che quest'anno celebra il centenario della visione utopica di Le Corbusier.

Il progetto, curato dall'architetto Giorgio Canale, mira a mettere in evidenza l'uso responsabile e sostenibile delle pietre naturali, un tema ribadito da Carlo Trevisani, designer di ADI. Le esposizioni non solo mostrano il design contemporaneo, ma pongono anche l'accento sulla responsabilità ecologica e sociale legata all'industria della pietra.

Tra le installazioni più suggestive, Metamorphosis combina acciaio e marmo dolomitico per creare una foresta incantata, un'opera che unisce tecnologia e artigianato. Questa mostra è curata da Giuseppe Fallacara ed è un chiaro esempio di come l'innovazione possa trasformare la percezione della pietra naturale.

In sintesi, Marmomac 2025 si propone non solo come vetrina della pietra naturale, ma come un incubatore di idee, dove il design e la tecnologia si fondono per creare nuove frontiere nell'architettura e nell'arte.

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Houston si prepara a ospitare l'Ismaili Centre: un capolavoro di Farshid Moussavi

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Nel cuore pulsante di Houston, dove l'architettura si fonde con il tessuto culturale della città, sta per nascere un'opera che promette di ridefinire il concetto di spazio pubblico. L'Ismaili Centre, progettato dall'illustre studio Farshid Moussavi Architecture, vedrà la luce nel novembre 2025 e si preannuncia come un faro di pluralismo e dialogo. Con i suoi 150.000 piedi quadrati, questo sarà il ...

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La struttura si colloca strategicamente vicino al Museum District di Houston, interagendo armoniosamente con l'ambiente circostante attraverso un linguaggio architettonico che combina pietra, metallo perforato e vetro. Ispirato dalla tradizione dell'Ismaili, il centro sarà un simbolo di apprendimento e scambio culturale, creando un nuovo punto di riferimento civico per la città.

La visione di Moussavi si concretizza in un gioco di volumi e luci, dove un atrio centrale si erge su cinque piani, incorniciato da scale in pietra testurizzata e rivestito da schermi metallici geometrici che filtrano la luce naturale. Questo equilibrio tra apertura e chiusura non è solo estetico, ma riflette un desiderio profondo di connessione tra le persone, rendendo ogni spazio un invito al dialogo.

La scelta dei materiali è altrettanto significativa: il calcare chiaro e i pannelli metallici perforati creano un'atmosfera di leggerezza e sofisticatezza, mentre l'interno si distingue per una continuità sensoriale tra sacro e civile. La luce, che penetra attraverso aperture clerestory e lucernari, danza sulle superfici, dando vita a un atrio generoso che funge da fulcro di incontri e celebrazioni.

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Ma l'Ismaili Centre non è solo un'opera architettonica: è un'istituzione pubblica concepita per la comunità. Al suo interno troveremo gallerie, teatri, spazi educativi e sale per eventi, tutti destinati a ospitare una varietà di attività culturali e sociali. Questa versatilità amplifica il ruolo del centro, trasformandolo in un luogo di apprendimento condiviso e di incontro.

Immaginato per accogliere tutti, il progetto di Moussavi si allinea con la visione di Sua Altezza l'Aga Khan, promuovendo il dialogo e l'inclusione. I giardini circostanti, progettati da Nelson Byrd Woltz, reinterpretano le tradizioni islamiche attraverso un'estetica texana, unendo natura e architettura in un abbraccio armonioso.

Con la sua prossimità a istituzioni culturali significative come la Menil Collection e la Rothko Chapel, l'Ismaili Centre si inserisce in un dialogo più ampio sull'architettura civica di Houston. La sua forma misurata, radicata nella geometria islamica ma contemporanea nell'esecuzione, si preannuncia come un nuovo simbolo di artigianato e luce per la città.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

Copia New Yorkea: La Sedia che Rappresenta l'Architettura dei Grattacieli

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Copia New Yorkea: La Sedia che Rappresenta l'Architettura dei GrattacieliMassimiliano Malagò, architetto e designer italiano, presenta la sua creazione innovativa: la sedia Copia New Yorkea. Questo pezzo unico si ispira alla logica strutturale dei grattacieli senza nucleo, traducendo i principi architettonici in una forma d'arredo domestico. Combinando materiali come ottone, velluto, giunti in PLA...

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Il design della Copia New Yorkea sfrutta un processo isomorfico, mappando le qualità spaziali e strutturali dell'architettura dei grattacieli su una seduta domestica. La sua struttura a griglia in ottone richiama le facciate a parete continua dei grattacieli aziendali, mentre un cocoon di tessuto sospeso crea la superficie di seduta. I nodi modulari stampati in 3D collegano il telaio, riflettendo i connettori parametrici tipici dei sistemi ingegneristici dei grattacieli.

Invece di imitare forme naturali come nel biomimetismo, Copia New Yorkea inverte il processo, attingendo direttamente dalle tipologie architettoniche. Adattando la monumentalità e la logica del grattacielo a una scala intima, l'opera solleva interrogativi sul trasferimento dei linguaggi di design attraverso scale e contesti diversi.

La forma racchiusa della sedia ricorda i precedenti storici come la sedia da sedan, utilizzata per trasportare individui privilegiati. Malagò trae un parallelo tra questi veicoli di privilegio e i moderni grattacieli, entrambi progettati per elevare, nascondere e proiettare autorità. 'La loro riflettività e trasparenza sono curate, non democratiche', osserva il designer.

Il progetto trae origine dall'esperienza di Malagò presso OMA a New York, dove le questioni relative alle strategie narrative usate per giustificare il design dei grattacieli hanno innescato una riflessione più ampia sulle metodologie di design isomorfico. Adattando la logica ingegneristica dei grattacieli in un oggetto di arredamento, Malagò apre un dialogo sul ruolo dell'analogia nel design e sulla politica della forma architettonica.

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Rifugio Marino: Una Villa Danese Che Abbraccia il Minimalismo Nordico

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Affacciata sulle onde serene dell'Øresund, questa villa danese si erge come un poema silenzioso, un canto di eleganza e semplicità. Con il nome evocativo di Strandgården, che significa 'il cortile sulla spiaggia', essa racconta storie di mare e di vita, di generazioni che l'hanno popolata e trasformata. Progettata dallo studio Norm Architects, la villa è un esempio sublime di come il design nordic...

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Il progetto, risultato dell'unione di due abitazioni storiche, mantiene viva la memoria del passato mentre celebra la luce e lo spazio. Gli architetti affermano che “ogni dettaglio è concepito per incoraggiare il tatto, il movimento e la connessione”. Ed è proprio questo che si percepisce varcando la soglia: un'atmosfera che invita a respirare, a muoversi, a vivere.

Le tonalità tenui dei materiali naturali – beige sabbia, grigi delicati, bianchi luminosi – si mescolano armoniosamente con il paesaggio circostante. Legno di rovere e pietra calcarea color tortora raccontano di una scelta consapevole, un richiamo alla terra e al mare. I pavimenti a listoni e le modanature suggeriscono un legame profondo con l'architettura scandinava, mentre le ampie vetrate creano un dialogo continuo tra gli spazi interni e il mondo esterno, cancellando i confini e amplificando la sensazione di libertà.

La ricerca del warm minimalism raggiunge il suo apice negli interni, dove ogni elemento è in perfetta armonia con l'altro. Arredi dalle linee morbide e trame calde si intrecciano con la solidità di un camino in pietra e la delicatezza di una scala curva, creando un'atmosfera di intimità e serenità. Ogni soggiorno, ogni camera, ogni bagno è un mondo a sé, rifugio di tranquillità, quasi un mini SPA dove il tempo sembra fermarsi.

Al piano superiore, la dimensione più intima si svela: la camera da letto padronale, un angolo di pace, è affiancata da spazi per i più piccoli, mentre i bagni evocano l'essenza di una caverna di lusso, un abbraccio di pietra e ombre. La geometria della copertura scolpisce lo spazio, modulando i riflessi della luce che danzano durante il giorno, così come nel giardino, dove alberi secolari custodiscono la memoria di questa villa, pronta ad accogliere ospiti nella sua dependance e a regalare momenti di relax nella nuova piscina in pietra, un tocco di Mediterraneo in una cornice nordica.

Questo rifugio marino non è solo un'abitazione; è una poesia architettonica, una celebrazione della vita, un invito a fermarsi, a riflettere, a godere di ogni attimo. In questa villa danese, il passato e il futuro si intrecciano in un abbraccio senza tempo.

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La Capanna Miceliale: Un Viaggio nell'Architettura Sostenibile

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Nel cuore pulsante di Seoul, dove il caos urbano incontra il desiderio di un ritorno alle origini, sorge la Capanna Miceliale, un'opera che sfida le convenzioni dell'architettura moderna. Progettata dallo studio Yong Ju Lee Architecture, questa struttura di soli 10 m² si erge come un simbolo della necessità di riconnettersi con l'ecologia e di ridurre l'impatto ambientale dell'industria edilizia.

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Ma cosa rende questa capanna così speciale? Innanzitutto, la scelta dei materiali, che si distacca dall'uso eccessivo di cemento e acciaio, per abbracciare un approccio più naturale e sostenibile. La Capanna Miceliale si fa portavoce di un'architettura che non solo costruisce, ma che crea un dialogo con l'ambiente circostante, riflettendo su come possiamo vivere in armonia con la natura.

Il progetto, completato nel 2024, è frutto di una profonda riflessione sulla direzione presa dall'architettura nel corso del XX secolo. Un'epoca caratterizzata dalla ricerca della massima efficienza e dalla produzione industriale, che ha spesso dimenticato le radici ecologiche e il rispetto per il nostro pianeta. La Capanna Miceliale, quindi, non è solo un edificio; è un manifesto, un invito a ripensare il nostro rapporto con l'ambiente.

Ogni dettaglio della capanna è stato concepito per minimizzare le emissioni di carbonio, cercando di ripristinare un equilibrio tra l'edificato e il naturale. Questo progetto ci ricorda che l'architettura può e deve essere una forza per il bene, un'opportunità per innovare e ispirare una nuova generazione di progettisti e cittadini.

In un mondo che corre veloce verso il futuro, la Capanna Miceliale ci invita a fermarci, a riflettere e a riconnetterci con ciò che è fondamentale: la terra, la vita, e l'arte di costruire.

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Il Padiglione Ritmico di DL Atelier: Un Viaggio tra Bambù e Fiume

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Nel cuore della provincia di Guangdong, in Cina, un padiglione si snoda come un poema visivo tra le fronde di un boschetto di bambù e il dolce scorrere del fiume Tiegang. Il Floral Wander Loop di DL Atelier è molto più di una semplice struttura; è un racconto architettonico che si ispira ai ‘Sedici Piaceri della Vita in Huizhou’ del poeta Su Shi. Qui, ogni curva e ogni spazio raccontano una storia...

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Organizzato in un lungo anello che segue il corso del fiume e la viabilità circostante, il padiglione non è un ostacolo, ma un interfaccia spaziale che favorisce l’incontro tra l’uomo e l’ambiente. Le sue moduli, realizzati in acciaio corten, si elevano sopra il suolo, creando un passaggio permeabile che invita la luce e la pioggia a danzare all’interno, mentre le forme si alternano in un ritmo di compressione e rilascio.

Attraverso quattro episodi spaziali - Pleasant, Powerless, Serendipitous e Expansive - il visitatore è guidato in un viaggio che evoca le varie fasi della vita di Su Shi. Si inizia con un piazzale d’ingresso che, con la sua pavimentazione in ghiaia e bordi di bambù, accoglie dolcemente, preparando l’anima a ciò che verrà. Poi, un corridoio di acciaio corten si stringe in un abbraccio, dove la luce filtra attraverso aperture sottili, rendendo ogni passo un momento di riflessione.

Alla fine del percorso, un padiglione circolare ospita un’installazione floreale dell’artista Chen Zhuo. Un omaggio alla natura, dove l’acciaio inossidabile riflette il mondo esterno, mentre una luce zenitale incornicia il fogliame di bambù, segnando la transizione da uno spazio chiuso a uno aperto.

Infine, il loop si espande verso il fiume, dove altalene di rete metallica si affacciano sull’acqua. Qui, il paesaggio aperto, la luce naturale e le superfici riflettenti creano un contrasto con l’intimità del corridoio, simbolizzando il passaggio dall’angustia alla libertà.

Attraverso il Floral Wander Loop, DL Atelier non solo costruisce uno spazio, ma intreccia una narrativa storica con il linguaggio architettonico contemporaneo, trasformando la poesia di Su Shi in una forma tangibile. È una celebrazione della vita, della natura e della bellezza intrinseca dell’architettura, un luogo dove ogni passo è una scoperta.

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Pietrasanta e il Rinascimento: Un Viaggio tra Arte e Identità

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In un angolo incantato della Versilia, dove il mare incontra le montagne, si erge Pietrasanta, un luogo dove la bellezza si mescola all'arte, e l'identità si riflette nel lavoro degli artigiani. Qui, l'architetto Tiziano Lera, figura di spicco nel panorama dell'eco-progettazione, ci guida attraverso una narrazione che è insieme un inno e un appello. "Questo posto ha una magia unica", afferma con f...

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Lera non è solo un architetto; è un custode della cultura e della tradizione. Cresciuto nella fonderia di famiglia, ha imparato fin da giovane a vedere la bellezza nel bronzo, nel mosaico, nei materiali che raccontano storie. La sua visione va oltre il semplice progettare: è un percorso di riscoperta, un invito ai giovani a riconnettersi con le proprie radici. "Il Rinascimento deve essere un percorso continuo", sottolinea, sottolineando l'importanza dell'educazione e della consapevolezza nei confronti delle ricchezze locali.

La Via dell'Arte, da lui concepita, è un simbolo di questo impegno. Un tracciato che si snoda tra Pietrasanta e Montignoso, un cammino che non è solo fisico, ma anche spirituale, in cui ogni passo è un richiamo a valorizzare il patrimonio artistico e culturale. Le università americane guardano a questo progetto come a un modello, una fusione di arte, bellezza e sacralità.

Tuttavia, Lera esprime preoccupazioni: la Versilia sta perdendo il suo dialogo interno. Forte dei Marmi e Pietrasanta, pur essendo vicine, sembrano sfilacciarsi, come se avessero dimenticato il legame che le unisce. "I grandi artisti che vengono qui non si preoccupano dei confini; sono attratti dalla magia di questo territorio". È un richiamo a ristabilire le connessioni, a far fiorire un dialogo che nutra l'arte e gli artisti.

Il futuro di Pietrasanta, secondo Lera, dipende dai giovani. "Dobbiamo coltivare il Rinascimento nelle scuole", afferma, suggerendo che l'educazione artistica non è solo un'opzione, ma una necessità. Ogni studente dovrebbe avere l'opportunità di conoscere e apprezzare le bellezze che rendono il nostro territorio unico al mondo. L'arte è un patrimonio, un benessere socio-economico che va preservato, un equilibrio magico da mantenere.

In un mondo che cambia rapidamente, l'architetto Lera ci ricorda che la bellezza è un valore da difendere. E così, in questo viaggio tra arte e identità, Pietrasanta continua a brillare, invitandoci a scoprire la sua magia e a diventare parte di una storia che è, e sempre sarà, un percorso di rinascita.

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Design e Periferie: Scoperte Creative a Chiaravalle e Quartiere Adriano

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Milano, una delle capitali del design mondiale, non smette mai di sorprendere. Oltre ai suoi famosi quartieri centrali, esistono angoli meno conosciuti che nascondono storie affascinanti e opportunità creative. Due designer olandesi, Pete Fung e un collega ancora da nominare, hanno deciso di esplorare queste periferie, in particolare Chiaravalle e il Quartiere Adriano, per sviluppare nuovi approcc...

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Chiaravalle, un piccolo borgo nella periferia sud-est di Milano, può sembrare un luogo insolito per un progetto di design. Tuttavia, Fung lo descrive come un “altrove” che, pur essendo parte di Milano, offre un’esperienza unica, lontana dal trambusto della città. Con il suo paesaggio rurale e la tranquillità, Chiaravalle è stata scelta come base per un programma di residenza di design, dove Fung ha lavorato a stretto contatto con la comunità locale, in particolare con giovani migranti.

Allo stesso modo, il Quartiere Adriano, situato al confine con Sesto San Giovanni, rappresenta un terreno fertile per la sperimentazione. Qui, i designer hanno vissuto come antropologi, immergendosi nella vita quotidiana e cercando di capire le sfide sociali e culturali che affrontano i residenti. Entrambi i quartieri presentano una distanza percepita dal centro che supera quella reale, rendendoli luoghi ideali per riflessioni critiche sul design e la sua sostenibilità.

Il progetto, intitolato “Redesigning Design Weeks”, mira a ripensare il modo in cui gli eventi di design possono essere più inclusivi e sostenibili. Fung e il suo team hanno ideato attività che non solo coinvolgono i residenti, ma cercano anche di affrontare temi urgenti come l'isolamento e l'integrazione. Attraverso l’esplorazione e la collaborazione, questi designer stanno cercando di creare un legame più profondo tra le persone e il loro ambiente.

Il design, spesso visto come un’arte borghese, può rischiare di semplificare problemi complessi come la gentrificazione. Fung mette in guardia contro questa tendenza, sottolineando l’importanza di ascoltare le voci locali e di non imporre soluzioni dall’alto. La loro missione è di rendere il design accessibile a tutti e di utilizzare la creatività per rivitalizzare le comunità senza snaturarle.

In conclusione, il lavoro di questi designer olandesi è un esempio luminoso di come il design possa andare oltre l’estetica e diventare uno strumento di cambiamento sociale. Chiaravalle e il Quartiere Adriano non sono più solo periferie dimenticate, ma spazi di innovazione, dialogo e crescita, dove il design si fonde con la vita quotidiana.

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Da Fienile a Culla dell'Arte: La Magia di Belesì a Paroldo

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Da Fienile a Culla dell'Arte: La Magia di Belesì a ParoldoA Paroldo, un antico fienile ha subito una trasformazione incredibile, diventando un rinomato centro per l'arte contemporanea, noto come Belesì. Questo progetto, ideato da Maurizio Luciano e Cinzia Gallo, è un esempio di come la tradizione possa fondersi con l'innovazione. Grazie ai fondi europei del PNRR, questa struttura storica ha trovat...

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Belesì è parte del format internazionale ArtCaffè, un'iniziativa nata a Seul per avvicinare l'arte contemporanea a un pubblico più ampio. Luciano spiega come l'arte possa intimidire e come ArtCaffè abbia trovato un modo per superare queste barriere, ponendo l'accento sul processo creativo piuttosto che sul prodotto finale.

La scelta del fienile non è casuale. Luciano sottolinea che ogni spazio ha una sua storia e il fienile di Paroldo, con le sue travi e pietre, offre una scenografia unica per installazioni e performance artistiche. Il nome stesso, “Belesì”, che in piemontese significa “qui”, richiama le radici locali e il senso di comunità.

A partire da dicembre, Belesì proporrà incontri mensili in streaming e eventi dal vivo con artisti, creando uno spazio di dialogo orizzontale tra pubblico e creatori. Ogni incontro sarà accompagnato da momenti di convivialità, favorendo domande e riflessioni spontanee.

Questo progetto non si limita a essere un nodo della rete ArtCaffè; mira a diventare un vero punto di riferimento per l'arte contemporanea nella regione. Con eventi che celebrano la creatività locale, Belesì si propone di contribuire alla crescita di un fermento artistico già presente.

Insomma, con Belesì, Paroldo non solo preserva la sua tradizione, ma si proietta verso il futuro, creando un ponte tra passato e contemporaneità attraverso l'arte.

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Design Mumbai 2025: Un Palcoscenico per l'Arte e la Creatività Indiana

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Nel cuore pulsante di Mumbai, dove il vibrante caos urbano incontra l'eleganza del design contemporaneo, si svolgerà la seconda edizione di Design Mumbai, dal 26 al 29 novembre 2025. Questo evento, concepito come un crocevia di talenti emergenti e marchi internazionali, promette di esaltare la creatività indiana con una serie di collaborazioni esclusive e conversazioni illuminanti.

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Guidato da esperti del settore come Ian Rudge, Michael Dynan e Piyush Suri, Design Mumbai 2025 si propone di trasformare Jio World Garden in un palcoscenico dove l’innovazione si intreccia con la tradizione. Tra le anteprime internazionali, spicca la creazione di un caffè site-specific da parte di Lucas Muñoz Muñoz, realizzato con materiali recuperati da progetti di ristrutturazione di THE Park Hotels. Un'opera che esplora temi di impermanenza e rinnovamento, riflettendo la continua evoluzione del design.

Il programma di talk, Design Mumbai Exchange, arricchirà ulteriormente l'esperienza, con voci autorevoli come Manijeh Verghese e Adam Markowitz che affronteranno questioni urgenti come la sostenibilità, la resilienza urbana e il futuro del lavoro. Ogni discussione sarà un invito a riflettere su come il design possa modellare le nostre vite e i nostri spazi.

In questo contesto, l’arte della falegnameria e dell’arredamento avrà un ruolo centrale, con marchi come Natuzzi e Racconti che presenteranno collezioni uniche. La poliedricità di Design Mumbai si manifesta anche nella presenza di giovani talenti nella Emerging Designers Pavilion, dove studi come Studio Abrash e Wannas Design Atelier sfideranno le convenzioni con progetti innovativi e audaci.

La manifestazione non è solo un evento, ma una celebrazione della creatività indiana che si affaccia sul palcoscenico globale. Con ogni installazione e ogni conversazione, Design Mumbai 2025 si propone di posizionare la città come un hub di design internazionale, riflettendo il dinamismo della sua economia creativa e il suo crescente impatto sulla scena mondiale.

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La Magia del Dorset: Un Viaggio nella Rivitalizzazione di una Beach House

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Immaginate di trovarvi di fronte a una casa che racconta storie di onde e brezze marine, una testimonianza tangibile di epoche passate. La Dorset Beach House, situata nel cuore della splendida Swanage, è un esempio di come l'architettura possa fondersi con la natura, creando un luogo dove il passato e il presente danzano insieme in perfetta armonia.

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Questo progetto, frutto della creatività di Architecture for London, si distingue per la sua capace rivitalizzazione di una struttura in legno risalente ai primi del '900. La casa, affacciata su un mare che sembra sussurrare segreti, è stata ristrutturata con un occhio attento alla sostenibilità e all’estetica, riflettendo il profondo rispetto per l'ambiente circostante.

Con i suoi 160 m² di superficie, la Dorset Beach House non è solo un rifugio, ma un invito a vivere in armonia con la bellezza naturale del Dorset. Ogni angolo è stato progettato per catturare la luce e il paesaggio, permettendo alla natura di entrare in ogni stanza come un ospite gradito.

La scelta dei materiali, come quelli forniti da Claybrooks Studio e Havwoods, sottolinea l'impegno verso una costruzione responsabile e innovativa. Ogni dettaglio, dalla struttura portante alle finiture, è stato pensato per integrarsi perfettamente con il contesto, in un equilibrio delicato tra l'architettura e il panorama marino.

Questo progetto non è solo un esempio di architettura residenziale, ma rappresenta anche una filosofia. È un richiamo a riflettere su come possiamo vivere in modo più sostenibile, creando spazi che non solo soddisfano le esigenze moderne, ma che rispettano e celebrano il mondo naturale che ci circonda.

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Otto spazi living autunnali ispirati ai colori delle foglie cadute

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Otto spazi living autunnali ispirati ai colori delle foglie caduteL'autunno è ormai alle porte nell'emisfero settentrionale e, per celebrare questo cambiamento stagionale, abbiamo raccolto un lookbook di otto soggiorni open-plan avvolti in tonalità calde e terrose. Dai monti dell'India alla costa scozzese, questi spazi abitativi combinano finiture e arredi morbidi che richiamano i colori delle fog...

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Zero House, Regno Unito

La Zero House è la casa di Londra del duo musicale Rae Morris e Ben Garrett, che hanno ristrutturato questa proprietà di metà secolo. I pavimenti in mahogany sottile rivestono il camino a tutta parete, accentuato da un divano arancione bruciato e soffitti in legno di tonalità rossastra. Le porte scorrevoli a tutta altezza offrono una vista sul lussureggiante giardino con i suoi numerosi alberi.

Appartamento di Parigi, Francia

Lo studio Atelier HA ha utilizzato il colore come elemento strutturale in questo appartamento parigino, situato in un edificio ottocentesco. Un bancone da cucina a strisce definisce il tono dello spazio open-plan, caratterizzato da arredi morbidi in arancione e elementi luminosi in verde brillante.

Tidal House, Scozia

La Tidal House è una casa costiera sulla Solway Coast, costruita dallo studio Brown & Brown. L'apertura dell'area living open-plan con pareti cremisi e divani marrone nocciola crea un'atmosfera accogliente, attorno a un camino sospeso di grande impatto.

Shadow House, Australia

Realizzata dallo Grotto Studio, la Shadow House è un'estensione in legno bruciato di un cottage luminoso a Perth. L'area living open-plan è caratterizzata da pannelli in legno chiaro e opere d'arte rosse, illuminate da una finestra clerestory.

Hybrid House, India

Situata ai piedi dei monti Aravalli in Rajasthan, la Hybrid House di Sketch Design Studio presenta un'ampia area living open-plan con pareti in intonaco di calce e pavimenti in terracotta, arricchita da dettagli in kolam e piante verdi che aggiungono un tocco di freschezza.

Casa Magarola, Spagna

Lo studio Raúl Sánchez Architects ha scelto un intonaco di tonalità arancione bruciato per la facciata della Casa Magarola, ripetendo il colore all'interno con telai di finestre e una scala a chiocciola drammatica.

Somers House, Australia

Costruita dallo studio Kennedy Nolan, la Somers House è caratterizzata da una palette di colori terrosi progettata per evocare un senso di pace, con toni di sughero e piastrelle marrone violaceo che dominano il design.

Courtyard House, USA

La Courtyard House, progettata da No Architecture, presenta un giardino centrale con alberi decidui. All'interno, un grande tappeto arancione completa l'area living open-plan, armonizzandosi con l'ambiente circostante.

Questo è l'ultimo della nostra serie di lookbook, che fornisce ispirazione visiva dall'archivio di Dezeen. Per ulteriori idee, consulta i precedenti lookbook dedicati a cucine in marmo, bagni in terrazzo e case in ex fabbriche.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Elizabeth Diller: L'Architettura che Evolvono come Software

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Elizabeth Diller: L'Architettura che Evolvono come SoftwareElizabeth Diller, architetto di fama mondiale, è una figura di spicco nell'architettura contemporanea. Fondatrice dello studio Diller Scofidio + Renfro, Diller ha rivoluzionato il modo in cui concepiamo gli edifici, portando un approccio innovativo che integra il concetto di tempo nella progettazione. Secondo Diller, l'architettura non dov...

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Nel suo processo creativo, Diller utilizza storyboard per immaginare la vita all'interno degli edifici. Questo metodo permette di considerare non solo la forma e la funzione, ma anche l'esperienza temporale degli utenti. Progetti iconici come il The Broad Museum di Los Angeles e la High Line di New York sono esempi tangibili di come l'architettura può essere concepita per interagire con l'ambiente circostante e il contesto urbano.

Ma l'architettura di Diller non si limita a creare spazi visivamente accattivanti; affronta anche questioni cruciali come la gentrificazione e la pianificazione urbana. Diller sottolinea l'importanza di un coinvolgimento attivo degli architetti nella definizione delle città, affermando che l'architettura e la pianificazione urbana dovrebbero andare di pari passo per creare un ambiente urbano equilibrato e sostenibile.

La resilienza è un altro pilastro del pensiero di Diller. In un mondo in rapido cambiamento, progettare edifici che possano adattarsi e resistere alle sfide future è fondamentale. La sua visione per il museo del futuro, come dimostrato in progetti come The Shed, combina flessibilità architettonica e funzionalità, garantendo che gli spazi possano ospitare una varietà di eventi e installazioni.

In sintesi, Elizabeth Diller rappresenta una nuova era nell'architettura, dove il design non è solo una questione di estetica, ma un processo dinamico che deve rispondere alle esigenze di una società in continua evoluzione. La sua idea di architettura come 'hardware' che si aggiorna come un software è un concetto che potrebbe definire il futuro dell'architettura e dell'urbanistica.

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Creazioni in Legno al Festival di Woodstock: L'Arte di Costruire per la Pace

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Nel cuore pulsante di Bethel, New York, dove nel 1969 si è svolto il leggendario festival di Woodstock, un gruppo di studenti e docenti di dieci università si è riunito per dare vita a un sogno di legno e innovazione. Il BuildFest 2: Peace Rises, quarto capitolo di una saga artistica, ha visto più di 150 partecipanti costruire installazioni in legno che raccontano storie di comunità e speranza.

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Per cinque giorni, queste menti brillanti hanno vissuto e lavorato sul sito, esplorando come le tecnologie emergenti possano contribuire al bene collettivo. Sotto la curatela di Neal Lucas Hitch, il festival ha dato vita a strutture sperimentali, frutto di metodi di assemblaggio e fabbricazione all’avanguardia.

Tra le creazioni, spicca Polylith, un palcoscenico modulare realizzato con un braccio robotico a sei assi, progettato con un occhio attento alla circolarità e ispirato dall'etica comunitaria di Woodstock. Al suo fianco, la suggestiva Trillium, un canopy illuminato costruito con plastica riciclata e legno recuperato, riflette la luce come i petali del fiore da cui prende il nome, simbolo di trasformazione e rinnovamento.

Non meno affascinante è il Peace Pavilion, un’installazione che offre ai visitatori due spazi identici separati da un elegante schermo di legno, invitandoli a sedersi e a riflettere. Le frasi e le liriche incise al laser, che riecheggiano gli ideali del festival del '69, creano un legame emotivo con il passato. Durante il festival, studenti e docenti non si sono limitati a costruire; hanno anche partecipato a programmi culturali quotidiani, culminati in un concerto della band rock sperimentale Guerilla Toss.

Il BuildFest 2, che ha avuto luogo dal 10 al 14 settembre, non è solo un evento; è una celebrazione dell'arte, della tecnologia e della pace, un invito a riflettere su come il progresso possa coesistere con il benessere umano. Le installazioni rimarranno visibili fino a novembre, un'eredità di creatività che invita tutti a sognare e costruire un futuro migliore.

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Rinasce l'Accademia: Les Galeries Bartoux, un Nuovo Faro dell'Arte a Venezia

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Nel cuore pulsante di Venezia, dove le acque si intrecciano con i sogni, si erge una nuova dimora dell'arte: Les Galeries Bartoux. L'ex cinema dell'Accademia, un tempo simbolo di proiezioni e storie di celluloide, ora risplende sotto una nuova luce, aprendo le sue porte a una rinascita artistica senza precedenti. È un evento che non si limita a celebrare la fine di un'era, ma invita a vivere una n...

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La serata d'inaugurazione, avvolta in un'atmosfera di glamour e aspettativa, ha visto la partecipazione di artisti e collezionisti da ogni angolo d'Europa. Un tappeto rosso ha accolto i visitatori, mentre le vetrine illuminate brillavano come fari in una notte stellata. I veneziani, commossi dalla nostalgia, hanno ricordato i momenti trascorsi tra le poltrone del vecchio cinema, ora sostituite da sale espositive che raccontano storie di arte e tecnologia. 1.200 metri quadrati di spazio, dove antiche travi in legno e marmi chiari si intrecciano con videoproiezioni che danzano sulle pareti, creando un'esperienza visiva immersiva.

All'inaugurazione, il presidente del Veneto Luca Zaia ha tagliato il nastro, affiancato da artisti di fama come Fabio Viale e Lorenzo Quinn. Lorenza Lain, direttrice della galleria, ha condiviso la sua emozione nel dare nuova vita a un luogo iconico, trasformandolo in un centro di dialogo tra creatività e comunità. "Ciò che nasce oggi è molto più di una galleria: è un invito a esplorare, a interagire, a vivere l'arte in modo autentico," ha dichiarato.

Les Galeries Bartoux non è soltanto un nuovo spazio espositivo; è un caffè d'arte, un cinema immersivo e un punto di incontro per gli amanti della cultura. Con oltre 800 ospiti tra collezionisti, critici e curiosi, l'inaugurazione ha riportato il glamour internazionale lungo il cosiddetto Miglio dell'Arte, un tratto di Dorsoduro che collega l'Accademia alla Collezione Peggy Guggenheim. Nella nuova sala cinematografica, alta dodici metri, le immagini scorrono come sogni liquidi, mentre il Cafè des Arts promette di diventare il nuovo ritrovo chic della città.

La famiglia Bartoux, con una visione lungimirante, ha voluto preservare l'architettura originale, mantenendo intatte le travi e le pietre che raccontano la storia di questo luogo amato. E mentre il brindisi si alza tra le sculture del giardino, l'attesa cresce per la mostra dedicata a Salvador Dalì, che debutterà a dicembre. Un omaggio al grande maestro del surrealismo, che aveva già lasciato tracce della sua genialità a Venezia, promettendo di trasformare la città in un sogno onirico, liquido e surreale.

Les Galeries Bartoux si inserisce così nel mosaico artistico di Venezia, un luogo dove la bellezza parla francese e ogni parete è un racconto che sussurra: l'arte è viva, et très chic. Con circa 70 opere esposte, tra cui alcune sculture iconiche di Dalì, la galleria si conferma un nuovo faro per l'arte contemporanea, un invito a vivere l'arte in tutte le sue forme.

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La lampada in legno piegato di Anton Mikkonen: un'opera d'arte ispirata alla natura

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La lampada in legno piegato di Anton Mikkonen: un'opera d'arte ispirata alla naturaIl giovane designer finlandese Anton Mikkonen ha presentato una collezione di pezzi scultorei di illuminazione e arredamento durante la Habitare fair a Helsinki Design Week. Mikkonen è stato selezionato come uno dei quattro designer per Habitare Talents, un'esposizione annuale che mette in luce i creativi emergenti ...

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Tra le sue creazioni, spicca una lampada in legno piegato, progettata in modo da ricordare una farfalla appuntata al muro. Realizzata in compensato di betulla spesso solo 0,4 millimetri, la lampada può essere montata in una forma curva, grazie a bastoncini di betulla curvati a vapore che la sostengono. Quando questi bastoncini vengono rimossi, la lampada può essere facilmente imballata per il trasporto.

“Mi piace pensare a questa lampada come a una farfalla appesa al muro,” ha dichiarato Mikkonen, sottolineando l'effetto luminoso creato dalla lampadina che illumina la sottile ombra di legno da dietro.

Oltre alla lampada, la collezione include anche altri pezzi in legno, come la sedia Volymmi, realizzata in abete finlandese e concepita per essere ambigua nel suo utilizzo. “Non credo che i mobili debbano avere una forma prestabilita,” ha affermato Mikkonen. “Mi piace provare a vedere le cose in modo diverso.”

La collezione comprende anche un tavolo laterale realizzato con quattro pezzi di pino interconnessi e un banco-tavolo in pino scuro. Mikkonen ha utilizzato una tecnica di pressatura e saldatura manuale per creare i suoi pezzi in acciaio, evidenziando il “processo grezzo” della loro manifattura.

Una delle ultime opere presentate è Void, una mensola a parete in stile brutalista, realizzata in acciaio forato spesso un millimetro, progettata per testare i limiti della creazione di strutture rigide con materiali minimi.

“Tutti i miei lavori sono molto prototipali,” ha aggiunto Mikkonen. “Credo che la bellezza del creare risieda nella libertà creativa.” La collezione di Mikkonen rappresenta un perfetto equilibrio tra innovazione e tradizione, rendendolo uno dei nomi più promettenti del design contemporaneo.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

RF Studio Espande la Fondazione delle Arti Performative a Bali con un Ritiro in Bambù per Artisti

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RF Studio Espande la Fondazione delle Arti Performative a Bali con un Ritiro in Bambù per ArtistiRF Studio ha recentemente completato una residenza per la Yayasan Bali Purnati, una fondazione dedicata alle arti performative a Bali. Situata a Batuan, a sud di Ubud, questa nuova struttura si compone di tre ville e nove camere per ospiti, progettate per accogliere artisti in residenza e supportare pr...

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Il progetto si integra armoniosamente nel paesaggio circostante, fondendosi con i campi di riso e la vegetazione nativa, grazie a un design che minimizza l'intervento umano. Gli architetti hanno tratto ispirazione dalle caratteristiche esistenti del sito, come alberi, pietra vulcanica, bambù, legno recuperato e terracotta, creando spazi abitativi interconnessi.

La collaborazione tra il designer principale di RF Studio, Rafael Freyre, e la Yayasan Bali Purnati è iniziata nel 2002, quando Freyre è giunto sull'isola con disegni e visione artistica. Questa residenza arricchisce l'amfiteatro e il palco della fondazione, rendendo l'architettura parte di un sistema vivente. Gli interni sono stati realizzati in stretta collaborazione con artigiani locali, con mobili e accessori progettati specificamente per il sito.

La Yayasan Bali Purnati è una piattaforma dove le tradizioni balinesi si intersecano con l'esperimentazione contemporanea, accogliendo artisti di diverse discipline, tra cui danza, musica e arti visive. Con l'apertura di questa nuova residenza, la fondazione rafforza la sua capacità di ospitare artisti internazionali, offrendo un'alternativa allo sviluppo rapido dell'isola. Esperienze quotidiane come riposare, bagnarsi e prendersi cura dei giardini diventano parte di un'esperienza performativa più ampia.

Rafael Freyre ha creato un'opera architettonica nel cuore della principale fondazione artistica internazionale di Bali, rinnovando una tradizione che ha avuto inizio 26 anni fa nei campi di riso a sud di Ubud.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

Riscoprire il Locale: La Nuova Era dell'Architettura Sostenibile Secondo Piers Taylor

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In un mondo in cui le frontiere tra globale e locale si sfumano, Piers Taylor ci invita a riscoprire l'essenza del locale. Nel suo libro Learning from the Local, l'architetto britannico ci conduce in un viaggio attraverso una nuova era di design sostenibile, in cui l'architettura non è solo un riflesso del passato, ma una reazione creativa alle sfide contemporanee.

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Il libro raccoglie oltre trenta casi studio da ogni angolo del pianeta, da Burkina Faso a Giappone, da Grecia a Australia, dimostrando che la vera innovazione architettonica non si trova nella mera imitazione, ma nella capacità di riimmaginare il contesto locale. In questo senso, Taylor non propone un manuale rigido, ma piuttosto un invito a esplorare le relazioni tra geografia, ecologia e comunità.

L'architettura, nella visione di Taylor, deve dialogare con l'ambiente, rispondendo alle esigenze delle persone e rispettando il clima e la cultura di ogni luogo. Non più un mero involucro estetico, ma un processo in continua evoluzione, in cui ogni edificio diventa un racconto di appartenenza e identità. Il suo approccio si distacca dalla nostalgia per il passato, esplorando un futuro in cui la responsabilità verso il pianeta diventa centrale.

In un'epoca segnata da emergenze climatiche e disuguaglianze sociali, le parole di Taylor risuonano come un mantra: "Come possono gli edifici appartenere al loro luogo?". Un interrogativo che invita a considerare non solo l'estetica, ma anche l'impatto sociale e ambientale delle nostre scelte progettuali.

Le immagini e i progetti presentati nel libro offrono uno sguardo ispiratore su come l'architettura possa essere un medium di cambiamento. Dalla Scuola Primaria Gando progettata da Kéré Architecture alla Casa negli Ulivi di Invisible Studio, ogni opera è un esempio di come l'innovazione possa nascere dal rispetto delle tradizioni locali e dall'uso di materiali disponibili sul posto. Frank Gehry e Glenn Murcutt sono solo alcune delle figure illustri che affiancano i talenti emergenti, creando un mosaico di esperienze e visioni.

In definitiva, Learning from the Local non è solo un libro, ma un manifesto per un'architettura che si impegna a essere sensibile, responsiva e, soprattutto, locale. Un invito a tutti noi, architetti e non, a ripensare il nostro rapporto con l'ambiente e con le comunità che lo abitano.

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Ritorno al Futuro: Il Rinnovamento dell'Eagle and Child di Foster + Partners

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Nel cuore di Oxford, tra le pieghe di una storia che affonda le radici nel 1840, si erge l'Eagle and Child, un pub che non è solo un luogo di ritrovo, ma un vero e proprio scrigno di storie. Qui, gli Inklings, quel gruppo di scrittori che includeva nomi come J.R.R. Tolkien e C.S. Lewis, si incontravano per dare vita a conversazioni che avrebbero cambiato la letteratura. Oggi, questo luogo iconico ...

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Questo è il primo progetto di pub per la celebre firma architettonica, e si presenta come una sfida avvincente: come preservare l’anima di un luogo intriso di storia, mentre si introduce un tocco di modernità? La risposta risiede nella collaborazione con gli architetti del patrimonio Donald Insall Associates e nella visione del team di Foster + Partners, che punta a mantenere intatto il carattere originale dell'edificio sottoposto a tutela.

Il piano di ristrutturazione prevede la creazione di spazi di lavoro informali al piano superiore per l'Ellison Institute of Technology e un caffè al piano terra, destinato a trasformare l'Eagle and Child in una meta quotidiana per residenti e visitatori. Gerard Evenden, capo dello studio, sottolinea come ogni intervento sarà delicato, volto a rispettare le molteplici stratificazioni della storia di questo pub. Il progetto prevede anche il restauro del famoso 'Rabbit Room', dove gli Inklings si ritrovavano, e la rinascita di due salotti, con un occhio attento a preservare elementi storici, come le imperfezioni nelle riparazioni in pietra e i lucernari degli anni '80.

La parte posteriore dell'edificio vedrà l'aggiunta di una sala da pranzo, progettata per integrarsi armoniosamente con l'architettura esistente, il tutto incorniciato da un giardino rinnovato e da un passaggio storico che collegherà il pub al caffè. Un percorso che si snoda tra il passato e il futuro, dove ogni pietra racconta una storia e ogni angolo invita a una nuova conversazione.

Foster + Partners, fondato dal premio Pritzker Norman Foster, dimostra ancora una volta la sua abilità nel creare spazi che non solo soddisfano le esigenze moderne, ma celebrano e onorano il passato. La ristrutturazione dell'Eagle and Child non è solo un progetto architettonico, ma un atto di amore verso un luogo che ha ispirato generazioni di pensatori e creativi. Un luogo che, grazie a questo rinnovamento, continuerà a vivere e a raccontare le proprie storie nel corso dei decenni a venire.

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Scopri l'arte attraverso la realtà virtuale: ART MASTERS al Museo del Prado

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Scopri l'arte attraverso la realtà virtuale: ART MASTERS al Museo del Prado ACCIONA Living & Culture ha lanciato ART MASTERS: A Virtual Reality Experience presso il Museo del Prado di Madrid, un'iniziativa pionieristica che unisce arte classica e tecnologia immersiva. Questa esposizione ridefinisce il modo in cui il pubblico interagisce con opere d'arte, utilizzando la realtà virtuale per portare ...

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I visitatori possono immergersi in Las Meninas di Velázquez, Il Giardino delle Delizie Terrestri di Bosch, Venere e Adone di Veronese, Il Senso della Vista di Brueghel e Rubens, e Il Sabba delle Streghe di Goya. Mai prima d'ora opere che non hanno mai lasciato le mura del museo sono state accessibili a un pubblico globale attraverso un'esperienza narrata e immersiva.

Dal suo debutto internazionale, ART MASTERS ha catturato l'attenzione di oltre 10.000 visitatori a Shanghai e più di 8.600 a Buenos Aires, segnando l'inizio di un viaggio globale che porterà queste opere in nuove città.

La risposta di ACCIONA Living & Culture a una domanda cruciale per i musei nell'era digitale è chiara: come può un'istituzione d'arte classica evolversi in un mondo dominato da intrattenimento e tecnologia immersiva? Integrando i tesori artistici del Museo del Prado con le ultime innovazioni in intelligenza artificiale e realtà virtuale, questa esperienza offre una narrazione visiva e interattiva che affascina sia i visitatori esperti che i neofiti.

Guidati da un guardiano del museo, i visitatori intraprendono un viaggio immaginario di 35 minuti, esplorando paesaggi surreali e corridoi misteriosi. Ogni scena combina ricerca accademica con design teatrale, creando un'esperienza che trasforma i visitatori in partecipanti attivi, svelando passaggi segreti e interagendo con personaggi.

Con ART MASTERS, la bellezza e il significato delle opere sono riportati in vita, permettendo una connessione più profonda con la loro simbolica e storia. Non perdere questa opportunità unica di vivere l'arte come mai prima d'ora!

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Ristrutturazione Creativa: Il Jiangnan House di B.L.U.E. Architecture Studio a Yangzhou

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Ristrutturazione Creativa: Il Jiangnan House di B.L.U.E. Architecture Studio a Yangzhou Nel cuore del distretto di Guangling, a Yangzhou, la B.L.U.E. Architecture Studio ha dato nuova vita a un antico cinema, trasformandolo nel Jiangnan House, un hotel che combina modernità e tradizione. Questo progetto di ristrutturazione fa parte del programma di rinnovamento urbano della storica città di Guang...

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Il team di design ha collaborato con diverse realtà locali, creando un ambiente che celebra il tessuto urbano storico. La hall dell'hotel sfrutta l'ex auditorium del cinema, preservando la struttura in legno originale del tetto per mantenere un'atmosfera ariosa e luminosa. Elementi come un nuovo schermo cinematografico e un giardino centrale richiamano l'eredità culturale di Yangzhou.

Il Jiangnan House offre quaranta camere, molte delle quali si trovano nel layout del cortile preservato delle strutture heritage ristrutturate. Queste camere sono state progettate ispirandosi alle forme dei padiglioni e delle terrazze tipiche dei giardini tradizionali di Yangzhou, utilizzando corridoi fluidi e tetti stratificati per creare un senso di movimento e prospettive variegate.

Materiali come mattoni riciclati, cemento modellato in bamboo e piastrelle in pietra intagliate a mano si combinano con tecniche contemporanee, riflettendo la texture delle vecchie mura dei cortili. Ogni unità è dotata di aria condizionata, riscaldamento e bagni privati, garantendo un'atmosfera autentica grazie all'uso di legno naturale, pietra e mattoni fatti a mano.

Dettagli come pannelli in legno lavorati a mano e superfici in rame ossidato richiamano le tradizioni artigianali di Yangzhou, mentre la vegetazione verticale lungo i corridoi ammorbidisce le facciate, arricchendo l'esperienza degli ospiti. Con il Jiangnan House, la B.L.U.E. Architecture Studio ha creato un rifugio che onora il passato, mentre si proietta verso il futuro.

Questo progetto non solo offre un'esperienza di soggiorno unica, ma rappresenta anche un esempio significativo di riuso adattivo, contribuendo a preservare la cultura e la storia di Yangzhou per le generazioni future.

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Innovazione, efficienza e sostenibilità a Km 0

L'Isolamento: La Chiave per Un'Edilizia Sostenibile e Innovativa

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L'Isolamento: La Chiave per Un'Edilizia Sostenibile e InnovativaNel mondo moderno, dove l'efficienza energetica è più di una semplice moda, ma una necessità vitale, l'isolamento diventa un concetto centrale. La sua corretta misurazione non è solo una questione tecnica, ma un'arte che può determinare il destino di interi edifici e, di riflesso, del nostro ambiente.

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Perché l'isolamento è così cruciale? Immagina uno spazio dove il freddo invernale e il caldo estivo si combattono in un duello silenzioso. La misura dell'isolamento è il ponte che permette di mantenere la temperatura ideale, riducendo così i costi energetici e l'impatto ambientale. La scelta dei materiali e delle tecnologie giuste non è mai stata così importante, e la saturazione del mercato richiede una guida esperta e informata.

In questo contesto, l'evento formativo proposto offre un'opportunità unica per approfondire le normative e le modalità di selezione dei materiali. Con relatori esperti, si discuterà di prestazioni certificate e dell'importanza della valutazione corretta delle dichiarazioni di prestazione. Non solo teoria, ma anche esempi pratici di sistemi innovativi e sostenibili.

Il Programma dell'Evento

Introduzione normativa: Scopriremo l'importanza della corretta dichiarazione della prestazione termica dei materiali isolanti.
Soluzioni tecnologiche: I relatori presenteranno materiali innovativi, come gli isolanti termoriflettenti, e discuteranno della produzione a km quasi zero, un passo verso un'edilizia più rispettosa dell'ambiente.
Domande e Risposte: Un momento di confronto diretto per chiarire dubbi e approfondire tematiche specifiche.

La partecipazione gratuita, previa registrazione, rende questo evento accessibile a chiunque desideri espandere le proprie conoscenze in un settore in continua evoluzione. Non perdere l'occasione di fare la differenza nel mondo dell'edilizia e dell'efficienza energetica.

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Nove materiali e piastrelle che trasformano le superfici piatte in opere d'arte

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In un mondo dove le superfici piatte dominano gli spazi, si cela un universo di possibilità pronte a essere esplorate. Immagina di camminare su pavimenti che raccontano storie, dove ogni piastrella è un frammento di natura, una poesia visiva che affascina e sorprende. In questa ricerca di bellezza e funzionalità, emergono nove materiali e piastrelle che non solo abbelliscono gli ambienti, ma li tr...

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La collezione Navona di Walker Zanger evoca il pallido splendore del travertino, un materiale che ha visto la luce del giorno nel Colosseo e nella Casa Bianca. Ogni piastrella è un omaggio a una bellezza senza tempo, una danza di venature leggere che incanta lo sguardo.

Ma non è tutto. La collezione Couture di Alessandro La Spada per Antolini ci trasporta in un regno di motivi grafici, dove la pietra naturale si fonde con accenti metallici, creando un’armonia visiva che celebra il processo di formazione della roccia stessa. Dodici motivi diversi, un viaggio attraverso la materia e il design.

Fiandre, con la sua nuova gamma di superfici Marble Lab, esplora tonalità come Dama Bianca e Breccia Imperiale, mimando la bellezza del marmo con sfumature neutre che si adattano a ogni interno. Un raffinato equilibrio tra natura e modernità, perfetto per chi cerca eleganza e versatilità.

Le piastrelle Tabacco Terrae di Casalgrande Padana, con il loro inconfondibile grigio-marrone, evocano il calore e la profondità del tabacco, mentre Neolith reinventa la pietra sinterizzata, riproducendo venature drammatiche che raccontano storie di granito e quarzo.

Scoprire la Corkform di Quadrant è un'esperienza sensoriale: il sughero, proveniente dall'industria vinicola portoghese, diventa un pavimento morbido e isolante, un abbraccio per i piedi che offre un'armonia perfetta tra comfort e sostenibilità.

Marazzi sorprende con le sue Top tiles, lastre di grande formato in pregiato gres porcellanato, mentre Pretty Plastic reinterpreta il PVC, dando vita a piastrelle riciclate in tonalità accattivanti come Grigio, Verde e Terracotta. Un esempio perfetto di come la sostenibilità possa sposarsi con il design contemporaneo.

Infine, la Growth collection della Good Plastic Company, sviluppata in collaborazione con Gensler, ci invita a riflettere sulla bellezza del riutilizzo attraverso otto motivi ispirati alla natura, come Cliff e Pebble, che trasformano i rifiuti in arte.

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Ispirato all'articolo pubblicato su: Dezeen

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Sofà Bloom: Un Abbraccio di Design e Natura

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Nel mondo del design, dove gli oggetti raccontano storie e i materiali evocano emozioni, il sofà Bloom di Hee Welling per Ocee & Four si erge come un poema visivo, un inno alla morbidezza e alla convivialità. Immaginate un giardino in fiore, dove i petali si intrecciano in un abbraccio caldo e accogliente: così si presenta questa creazione che strizza l'occhio alla natura, con curve delicate e...

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La struttura modulare di Bloom permette una versatilità senza precedenti, permettendo di plasmare il sofà in configurazioni che spaziano da accoglienti divani a isole intime, perfette per il lavoro concentrato o semplicemente per un momento di relax. Ogni elemento è pensato per rispondere a un bisogno umano, per invitare a sedersi, a condividere, a sognare. “Volevo creare un sistema che si sentisse veramente invitante”, confida Welling, catturando l'essenza di ciò che significa vivere uno spazio.

Ma non è solo l'estetica a colpire: Bloom è frutto di una scelta responsabile, realizzato con materiali sostenibili e un design riparabile, per garantire una vita lunga e fruttuosa al vostro nuovo compagno di stanza. Con un telaio robusto e componenti sostituibili, questo sofà è più di un semplice pezzo d'arredo; è un investimento in un futuro più verde.

In un'epoca dove il culto dell'effimero rischia di prevalere, Bloom si pone come un faro di speranza, un oggetto che invita a rallentare, a prendersi cura di ciò che ci circonda. Sedersi sul sofà Bloom significa immergersi in un abbraccio di design e natura, un'esperienza che trasforma il soggiorno in un rifugio di serenità.

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Riscoprire il Fascino del Micro Living: Un Viaggio nel Design Parigino a Londra

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Nel cuore pulsante di Londra, dove le strade si intrecciano e le storie si mescolano, si nasconde un piccolo gioiello di design: il London Pied-à-terre, un micro appartamento di soli 26 metri quadrati. Qui, l'architettura di DHaus si ispira a quell'atmosfera parigina che sa di eleganza e funzionalità, ridefinendo il concetto di abitare in spazi ridotti. Questo progetto invita a riflettere su come ...

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Entrando, si viene accolti da un senso di apertura e luminosità. Le pareti interne sono state abbattute, creando un flusso continuo che massimizza la luce naturale. La cucina si fonde con la zona living, dando vita a un ambiente armonioso in cui ogni elemento è concepito per ottimizzare l'uso dello spazio. Mobili su misura e soluzioni di stoccaggio invisibili si integrano perfettamente, mantenendo l'ordine e la coerenza visiva.

Un'imponente porta d'ingresso in stile egiziano, alta quattro metri, segna il passaggio tra l'esterno e l'intimità di questo rifugio urbano, mentre un divano che si trasforma in letto e un tavolo che si adatta a ogni occasione riflettono la versatilità della vita moderna. Ogni dettaglio è stato concepito per sostituire la tradizionale decorazione con un design che si esprime attraverso la forma e la funzionalità.

Il team di DHaus, fondato nel 2017 e attivo tra Londra e Parigi, ha saputo trarre ispirazione dalla vita nei piccoli spazi parigini, noti per la loro ottimizzazione e luminosità. Con un occhio attento all'integrità dei materiali, il progetto ha scelto pavimenti Dinesen dalla Danimarca, celebri per la loro resistenza e bellezza naturale. La cucina in acciaio inox, una novità per DHaus in un contesto residenziale, rappresenta un ulteriore passo verso il design contemporaneo.

In un mondo dove la densità urbana è una sfida quotidiana, il London Pied-à-terre si erge come un manifesto di come vivere bene in spazi limitati. La sua progettazione non solo risponde alle esigenze abitative, ma invita anche a una nuova visione del vivere: un invito a scoprire la bellezza del compatto.

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Architettura da Sogno: Scopri i Progetti Finalisti dei Dezeen Awards 2025

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Nel cuore pulsante della creatività architettonica mondiale, i Dezeen Awards 2025 si preparano a svelare la loro prestigiosa shortlist, un viaggio che ci conduce attraverso 92 progetti straordinari, selezionati tra i migliori talenti distribuiti in 30 paesi. Ogni progetto, una storia unica, si distingue per l'audacia e l'innovazione che caratterizzano la nostra epoca.

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In cima alla lista, AIM Architecture, Olson Kundig Architects e Herzog & de Meuron rappresentano solo una frazione dei visionari che hanno contribuito a dare vita a edifici che sfidano le convenzioni. Da un blocco di edilizia sociale a Barcellona, con piani non gerarchici, a un centro per le arti performative costruito con mattoni di terra in Uganda, ogni progetto racconta un pezzo di mondo, un riflesso delle culture e delle esigenze locali.

La shortlist include case che si integrano armoniosamente nel paesaggio, come la casa a forma di L a New York, con interni in compensato e dettagli giocosi, oppure il cottage avvolto in sughero a Londra — un omaggio alla sostenibilità e all'estetica vintage degli anni '70.

Un elemento che colpisce è la varietà dei progetti: dai centri culturali in Cina alle strutture di produzione dell'artigianato del mezcal in Messico. Queste opere non sono solo spazi fisici, ma esperienze sensoriali che invitano alla riflessione e all'interazione.

Il 25 novembre, durante un evento che promette di essere ricco di emozioni, verranno annunciati i vincitori di ciascuna categoria, e tutti gli occhi saranno puntati su quel momento culminante in cui il progetto architettonico dell'anno sarà incoronato. La celebrazione non è solo per i vincitori, ma per tutti coloro che hanno partecipato a questa competizione, uniti dalla passione per il design e l'architettura.

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Il Puddle Pavilion: un fiume ghiacciato nel cielo grazie all'alga

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Il Puddle Pavilion: un fiume ghiacciato nel cielo grazie all'algaNel cuore dell'Iowa, il Puddle Pavilion progettato dallo studio I/Thee si erge come un'opera d'arte architettonica che invita i visitatori a immergersi nella bellezza della natura. Situato lungo un ruscello a Bondurant, questo padiglione è stato creato per offrire uno spazio in cui le persone possano connettersi più profondamente con...

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Il Puddle Pavilion è caratterizzato da una canopia libera realizzata in resina bio-based, composta per il 56% da contenuti biologici derivati da alghe. Questo materiale, fornito dalla Checkerspot, è stato versato sul terreno in modo da creare forme organiche, lasciate influenzare da forze naturali come la gravità e la tensione superficiale.

Come descritto dal team di design, il padiglione non è solo una metafora di una pozzanghera, ma una vera e propria pozzanghera, creata attraverso strati di resina che si sono solidificati nella loro forma unica. Questa tecnica, che contrasta con l'approccio tradizionale degli architetti, abbraccia un componente organico e imprevedibile, rendendo il design del padiglione un'esperienza visiva e sensoriale straordinaria.

Il progetto è composto da due volumi che delimitano un sentiero di pietra che conduce al ruscello. Grandi massi disposti attorno al padiglione offrono posti a sedere e creano una scala che scende verso l'acqua, incoraggiando la fruizione dell'area da parte dei visitatori.

Il Puddle Pavilion è il secondo padiglione realizzato da I/Thee nell'ambito del progetto ARTocka Trail Loop, un'iniziativa volta a valorizzare gli spazi verdi locali attraverso installazioni artistiche pubbliche. L'anno precedente, lo studio ha completato The Dining Room, un padiglione distintivo costruito con terra battuta e panchine blu brillanti.

Con il crescente interesse per l'uso delle alghe nel design, il Puddle Pavilion si inserisce in una tendenza più ampia che esplora materiali sostenibili e innovativi. Designer e studi stanno sperimentando con plastiche derivate da alghe e calcestruzzo carbon neutral, contribuendo così a un futuro architettonico più ecologico.

In conclusione, il Puddle Pavilion non è solo un rifugio nella natura, ma un simbolo di innovazione e sostenibilità, che invita chiunque a riflettere sul legame tra architettura e ambiente.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Architecture – Dezeen.

No. 8 House: Un'Elegante Fusione di Tradizione e Modernità in Cina

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No. 8 House: Un'Elegante Fusione di Tradizione e Modernità in Cina Situata nel villaggio di Dongnan, vicino alla storica città di Shaxi in Dali, Yunnan, la No. 8 House è un progetto residenziale realizzato dagli Xian Architects. Questa residenza si inserisce perfettamente nel contesto storico della regione, dove le tradizioni della comunità Bai continuano a influenzare la vita quotidiana.

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Il design della casa trae ispirazione dal Kuige Stage in Sideng Street, una struttura in legno storica caratterizzata da ampi eaves che definiscono il suo carattere spaziale. Gli architetti hanno introdotto eaves curvi su terrazze, corridoi e parapetti del tetto, creando un dialogo visivo con il patrimonio architettonico locale e offrendo ombra nel luminoso bacino di Dali.

La disposizione spaziale è centrata su una serie di courtyards e volumi di sky-well. Due torri verticali, la Torre del Sundial e la Torre dei Libri, ancorano la composizione, fungendo da interpretazioni contemporanee dei tradizionali sky-well che portano luce naturale, vento e pioggia all'interno. Questi vuoti, insieme agli eaves sollevati e ai courtyards aperti, creano un'interazione dinamica tra ombra, aria e clima, integrando i ritmi dell'ambiente nella vita quotidiana.

Il courtyard a livello del terreno collega gli spazi abitativi principali, che includono un soggiorno, una zona pranzo, una sala yoga e meditazione, una suite principale e sei camere per gli ospiti. Il giardino posteriore ospita spazi funzionali e ricreativi come un magazzino, una cantina, un'area di essiccazione, un laboratorio di falegnameria e un campeggio all'aperto. Il team di Xian Architects segue strategie materiali e formali che enfatizzano la continuità tra interno ed esterno, creando condizioni di transizione tra zone aperte e chiuse, supportando sia attività collettive che individuali.

Questo progetto esplora come l'architettura possa mediare tra tipologie tradizionali e esigenze abitative contemporanee, riflettendo un approccio progettuale radicato nella vita quotidiana e situando la residenza all'interno di un più ampio continuum culturale e ambientale.

La No. 8 House di Xian Architects è un esempio emblematico di come l'architettura possa unire il passato e il presente, offrendo uno spazio che risponde alle esigenze moderne pur rispettando le tradizioni locali.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

CAPtured: Il Cappello che Difende la Privacy nell'Era dei Social Media

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In un mondo dove la tecnologia si intreccia inesorabilmente con il tessuto della nostra vita quotidiana, emerge un accessorio capace di sollevare interrogativi profondi: CAPtured. Presentato con un'aria di mistero durante la London Fashion Week, questo cappello, frutto della collaborazione tra Droga5 Dublin e la designer Ancuta Sarca, non è solo un oggetto di design, ma un manifesto culturale.

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Immaginate di indossare una creazione che, oltre a decorare la vostra testa, funge da guardiano silenzioso della vostra privacy. Grazie a una tecnologia visiva alimentata dall'intelligenza artificiale, CAPtured è in grado di identificare quando un obiettivo di smartphone è puntato verso di voi. In quel preciso istante, un meccanismo ingegnoso si attiva, calando un velo protettivo sul vostro volto, nascosto agli sguardi indiscreti e ai flash dei social media.

Ma la magia di CAPtured non si limita a una mera funzione di difesa; esplora il delicato confine tra identità e tecnologia, sollevando domande cruciali sul consenso nell’era della condivisione isterica. L'estetica del cappello, curata con maestria da Ancuta Sarca, riflette il dinamismo urbano, unendo moda e innovazione in un abbraccio che sfida le convenzioni.

CAPtured non è solo una risposta a una crescente preoccupazione per la privacy, ma un invito a riflettere sul nostro rapporto con le immagini e la loro diffusione. In un'epoca in cui ogni istante è potenzialmente condiviso, questo cappello si erge come un simbolo di ribellione, un baluardo contro l'oggettivazione dell'individuo, un richiamo a riprendere il controllo sulle proprie immagini.

In definitiva, il cappello CAPtured è più di un accessorio; è un'opera d'arte, un oggetto di design e un pezzo di tecnologia che, con grazia, ci invita a considerare il valore della nostra identità in un mondo in cui ogni click potrebbe trasformarci in star involontarie di una narrazione altrui.

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Cinque Temi Inaspettati Emersi dalla Dutch Design Week 2025

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Ogni anno, la Dutch Design Week (DDW) sorprende con fili conduttori inaspettati che emergono dal suo ricco programma. Quest’anno, la manifestazione si svolge a Eindhoven e il tema ufficiale è "Passato. Presente. Possibile", ma vi sono anche altre idee che rimbalzano tra i padiglioni, risvegliando la curiosità e l’immaginazione di designer, visitatori e appassionati di arte. Ecco i cinque temi prin...

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Democrazia in CPR
In un'epoca in cui le strutture democratiche sembrano vacillare, i designer si sono mobilitati per ripristinare il dialogo e l'engagement civico. Progetti come "Designing Democracy: In Need of New Dialogues" hanno invitato i visitatori ad ascoltarsi e a riappropriarsi del proprio potere, mentre iniziative come la "Connection Lost" hanno trasformato la tecnologia in un manifesto per la libertà digitale. Ogni angolo della manifestazione vibrava di un fervore per la partecipazione attiva e la riconquista della democrazia.

Creature Curiose
L'abbondanza di creature strane e forme aliene ha trovato spazio nei cuori e nelle menti dei visitatori. La meraviglia e l’ignoto si fondono nell'interattività dell'opera "The Alien Between Us" di Laura A. Dima, dove esseri robotici invitano a un contatto empatico. Queste entità bizzarre non sono solo frutto dell'immaginazione, ma rappresentano anche un invito a riflettere sulla vita oltre l'umano, in tutte le sue manifestazioni.

Wool Re(discovered)
Il dibattito sulla lana, non come materiale di lusso ma come risorsa preziosa e trascurata, ha trovato una voce forte alla DDW. L'esposizione "Wool: Re(discovered)" celebra le fibre locali, il loro potenziale rigenerativo e l'importanza di riscoprire tecniche artigianali. Con progetti che vanno dai tappeti ai mobili stampati in 3D, la lana si ripresenta come simbolo di sostenibilità e innovazione.

Agenzia oltre l'AI
La crescente interazione con l'intelligenza artificiale ha portato a riflessioni profonde sulla nostra agenzia come creatori. Opere come "From Text-to-Clay" di Vera van der Burg utilizzano l'AI non come un fine, ma come un mezzo per esplorare la relazione tra tecnologia e materialità. I designer stanno interrogando il futuro, non solo accettando l'AI, ma reinventando il proprio ruolo nel processo creativo.

Il Tempo è Adesso
Il tempo, come concetto e come medium, è diventato un tema centrale. I giovani designer stanno esplorando nuovi modi di esprimere la temporalità attraverso performance, video e installazioni. L’opera "Chronotopic Fractures" di Aleksandra Nazarova, ad esempio, mette in discussione il ritmo della natura rispetto a quello umano, invitando a riflettere su un'esperienza più lenta e consapevole.

La Dutch Design Week 2025 si conferma così un palcoscenico per idee audaci e un laboratorio di creatività, dimostrando che il design può essere un catalizzatore per il cambiamento sociale e culturale. Non perdere l'opportunità di esplorare questi temi affascinanti!

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Graham Foundation: 573.300 Dollari in Sostegno a 39 Organizzazioni Internazionali per il 2025

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Graham Foundation: 573.300 Dollari in Sostegno a 39 Organizzazioni Internazionali per il 2025La Graham Foundation per gli Studi Avanzati nelle Belle Arti ha annunciato un totale di 573.300 dollari in grants assegnati a 39 organizzazioni in tutto il mondo. Questi fondi, scelti tra oltre 200 proposte, sosterranno una vasta gamma di iniziative, dalle mostre e installazioni a pubblicazioni e eventi ar...

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Tra i progetti finanziati, spicca l'esposizione “Bruce Goff: Material Worlds” presso l'Art Institute of Chicago, evidenziando l'impegno della Graham Foundation nel promuovere il discorso architettonico e l'esperimento di design.

Nel corso di quasi sette decenni, la fondazione ha fornito oltre 45 milioni di dollari in supporto diretto a più di 5.200 progetti. Con l'aggiunta dei grantee del 2025, la fondazione mira a rafforzare ulteriormente la sua rete internazionale di individui e organizzazioni che avanzano idee architettoniche e coinvolgimento pubblico.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su ArchDaily Global.

Cortina e il Villaggio Eni: Un Sogno Architettonico di Mattei e Gellner

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Nel cuore del Cadore, dove le vette dolomitiche si tingono di blu e verde, sorge un luogo che racconta una storia di innovazione e visionarietà: il Villaggio Eni di Borca di Cadore. Voluto da Enrico Mattei e progettato dall'architetto Edoardo Gellner, questo villaggio rappresentava un'idea audace: creare uno spazio di vacanza interclassista, dove i dipendenti dell'ENI potessero godere della bellez...

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Negli anni '50, quando l'idea di una vacanza per tutti era ancora un sogno, Mattei decise di trasformare questo sogno in realtà. Sotto la maestria di Gellner, il villaggio si ergeva come un'opera d'arte, sfuggendo ai canoni tradizionali dell'architettura montana. Con le sue case dalle linee moderne, tetti piani e colori vivaci, il Villaggio Eni si presentava come un rifugio per il popolo, un luogo dove la classe sociale non contava. Le ville, disegnate con un occhio attento al dettaglio, riflettevano una nuova estetica, ispirata ai maestri dell'architettura contemporanea.

Oggi, mentre ci prepariamo per le Olimpiadi Milano-Cortina 2026, la storia di Gellner e Mattei risuona come un canto nostalgico. I lavori per le nuove infrastrutture si intrecciano con il passato, e il Villaggio Eni resta un simbolo di una visione audace, un luogo dove l'architettura incontra l'umanità. La chiesa, progettata in collaborazione con Carlo Scarpa, è un esempio di come il cemento possa dialogare con la natura, creando spazi che parlano di spiritualità e bellezza.

Ma la vera magia del Villaggio Eni risiede nei suoi dettagli: gli interni curati, le finestre che incorniciano panorami mozzafiato, e l'atmosfera che trasmette un senso di appartenenza e comunità. Oggi, queste ville, pur con il peso del tempo, continuano a raccontare storie di vita, di vacanze e di incontri. Gli appassionati di architettura e storia si ritrovano qui, per ammirare un'opera che, sebbene nata settant'anni fa, continua a vivere e a ispirare.

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Comelit: Innovazione e Sostenibilità nel Design Domestico

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Comelit: Innovazione e Sostenibilità nel Design DomesticoNel mondo moderno, una casa domotica rappresenta un passo fondamentale verso una vita più comoda e sostenibile. Per questo motivo, EuroMilano ha scelto di collaborare con Comelit Group SpA, un leader internazionale nel settore della tecnologia per la casa. Fondata nel 1956, Comelit si distingue per la progettazione e realizzazione di sistemi...

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I prodotti Comelit sono progettati per adattarsi a ogni esigenza abitativa, garantendo un utilizzo facile, pratico ed efficiente. Grazie all’innovazione tecnologica, Comelit contribuisce a rendere le residenze di Feel UpTown non solo più intelligenti ma anche più sostenibili.

Essere parte di un progetto come Uptown District significa abbracciare un ecosistema abitativo orientato al benessere delle persone, dove ogni elemento è pensato per migliorare la qualità della vita. La sinergia tra design e tecnologia si traduce in un ambiente che guarda al futuro, con un focus sul comfort e sulla sicurezza degli abitanti.

Per ulteriori informazioni sui prodotti e le soluzioni domotiche di Comelit, visita il loro sito ufficiale o contattali direttamente:

Comelit Group S.p.A.
Via Don Arrigoni, 5 – 24020 Rovetta S. Lorenzo (BG) Italy
Telefono: +39 0346 750 011

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Armadi come Dichiarazioni Architettoniche: Oltre il Semplice Stoccaggio

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Armadi come Dichiarazioni Architettoniche: Oltre il Semplice StoccaggioNel mondo del design d'interni, l'armadio non rappresenta più solo un luogo di stoccaggio. Oggi, è considerato un elemento architettonico che può definire il carattere di uno spazio. Seguendo il concetto di capsule wardrobe, che risale agli anni '70 grazie a Susie Faux, possiamo vedere come un guardaroba ben progettato possa si...

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In molte culture visive, l'idea di un armadio ordinato e funzionale è stata rappresentata in modo umoristico, come nei cartoni animati. Personaggi come Doug Funnie o Dexter hanno mostrato come un armadio possa semplificare la vita quotidiana. Per figure iconiche come Steve Jobs, indossare un'uniforme quotidiana ha eliminato la piccola ma ripetitiva decisione di 'cosa indossare?', liberando tempo ed energie per questioni più importanti.

Per altri, il momento della scelta di cosa indossare è un piacere, capace di influenzare il tono della giornata e il proprio stato d'animo. In questo senso, il guardaroba diventa un'estensione dell'identità, un luogo dove le scelte pratiche e simboliche si incontrano. Espressioni come 'uscire dal guardaroba' o 'scheletro nell'armadio' evidenziano la dimensione culturale di questo elemento della casa.

Nella progettazione contemporanea, l'armadio ha acquisito nuove sfumature: può guidare la circolazione in uno spazio, influenzare la percezione e persino plasmare l'atmosfera di un ambiente. In questo articolo, esploreremo come gli armadi possano diventare vere e proprie dichiarazioni architettoniche, in grado di elevare l'estetica e la funzionalità degli spazi domestici.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su ArchDaily Global.

Hybla: il Sistema di Sedute di Elisa Ossino per Boffi

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Hybla: il Sistema di Sedute di Elisa Ossino per Boffi Il sistema di sedute Hybla, progettato dalla designer Elisa Ossino per l'azienda italiana Boffi, rappresenta un perfetto connubio tra eleganza e funzionalità. Ispirato agli stili degli anni '70, Hybla offre una serie di moduli minimalisti, arricchiti da generosi cuscini di seduta che garantiscono massimo comfort.

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La modularità di Hybla consente di riconfigurare i moduli in base alle dimensioni e alle esigenze degli spazi, offrendo così infinite possibilità di layout. Gli utenti possono scegliere tra una vasta gamma di opzioni di rivestimento, tra cui pelle e velluto, rendendo ogni composizione unica e personalizzata.

"Quando ho progettato Hybla, desideravo evocare il fascino degli interni caldi e accoglienti degli anni '70", afferma Ossino. "Le linee, i profili sottili, la generosità dei posti a sedere e la morbidezza delle composizioni suggeriscono sia raffinatezza che comfort."

Per ulteriori informazioni su Hybla e per esplorare le opzioni disponibili, contatta Boffi all'indirizzo info@boffiuk.com.

Hybla è un perfetto esempio di come il design moderno possa richiamare il passato, creando spazi che sono sia funzionali che esteticamente gradevoli.

Scopri di più su questo e altri progetti visitando il Dezeen Showroom e lasciati ispirare dalle ultime tendenze nel mondo del design.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Overlap House: l'Innovativa Fusione di Casa e Ufficio di Sugurufukuda

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Overlap House: l'Innovativa Fusione di Casa e Ufficio di SugurufukudaSituata in Giappone, l'Overlap House progettata da Office Sugurufukuda rappresenta una nuova frontiera nell'architettura residenziale e lavorativa. Completata nel 2025, questa struttura di 74 m² sfida le convenzioni tradizionali creando spazi che non sono rigidamente separati da muri, ma piuttosto da confini sovrapposti che crean...

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Il progetto, descritto dettagliatamente su ArchDaily, presenta un piano semplice, suddiviso in quattro aree che, a prima vista, possono sembrare stanze identiche, disposte come un'unità di studio. Tuttavia, le connessioni tra le stanze e la disposizione delle aperture impediscono una visione completa dell'intero spazio, dando vita a un senso di scoperta e sorpresa.

Con questo design innovativo, Sugurufukuda riesce a creare un ambiente versatile che può adattarsi sia a necessità residenziali che lavorative, dimostrando come l'architettura possa rispondere alle esigenze contemporanee senza sacrificare l'estetica e la funzionalità.

Per ulteriori dettagli sull'Overlap House, visita www.archdaily.com.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

Il Louvre e la Magia della Videoarte: Un Nuovo Capitolo con Mohamed Bourouissa

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In un angolo di Parigi, dove l'arte si fonde con la storia, il Louvre ha deciso di aprire le sue porte a una nuova dimensione: quella della videoarte. Per la prima volta, il museo più famoso del mondo accoglie un'opera di questo genere nella sua collezione permanente. Stiamo parlando di Les 4 temps dell'artista franco-algerino Mohamed Bourouissa, un viaggio visivo che esplora la bellezza dei Giard...

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Questo progetto rappresenta non solo un'innovazione per il Louvre, tradizionalmente legato alle arti figurative, ma anche un dialogo profondo con il passato e il presente. Les 4 temps, visibile nella Salle de la Chapelle dal 22 ottobre 2025 al 19 gennaio 2026, ci invita a riflettere su come l'arte possa raccontare storie di vita e di luoghi, intrecciando la narrazione con la realtà urbana e le esperienze personali dell'artista.

La collaborazione tra il Louvre e Bourouissa è iniziata nel 2024, attraverso un progetto innovativo che ha visto l'artista gestire l'account Instagram del museo. Ogni settimana, ha condiviso un video che catturava l'essenza dei giardini, trasformando la quotidianità in poesia visiva. Questo dialogo ha dato vita a un'opera autonoma, in cui la colonna sonora è stata creata registrando le vibrazioni delle piante, un'armonia che si fonde con il battito della città.

Mohamed Bourouissa, nato a Blida nel 1978 e oggi una delle voci più promettenti dell'arte contemporanea, utilizza la sua arte per esplorare temi complessi come l'identità, la memoria collettiva e la periferia. Le sue opere, che hanno trovato spazio in prestigiose istituzioni come il Palais de Tokyo e il Centre Pompidou, sono un invito a riflettere sulla nostra esistenza e sulla società che ci circonda.

Questa nuova acquisizione segna un passo significativo nella storia del Louvre, aprendo la strada a un futuro in cui l'arte contemporanea e quella classica possono coesistere e dialogare, arricchendo l'esperienza del visitatore e celebrando la creatività in tutte le sue forme.

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Riverside Condominium: Un Nuovo Inizio per Santa Comba Dão

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Nel cuore di Santa Comba Dão, un edificio che ha segnato il paesaggio per oltre vent'anni sta per rinascere. Il Riverside Condominium, concepito dagli architetti di MJARC, rappresenta non solo un progetto architettonico, ma un manifesto di sostenibilità e rispetto per la memoria. La riabilitazione di questa struttura non è un semplice atto di ristrutturazione, bensì un atto d'amore verso il passat...

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Con una superficie di 4000 m², il Riverside Condominium si propone di elevare gli standard di qualità abitativa attraverso un'attenta integrazione di materiali moderni e tecniche costruttive innovative. Le scelte progettuali, firmate da Maria João Andrade e Ricardo Cordeiro, si sono orientate verso un dialogo continuo tra antico e contemporaneo, tra storia e futuro.

Le collaborazioni con marchi rinomati come MOSO, Technal e Porcelanosa Grupo hanno permesso di dotare questo complesso di elementi di alta qualità, rendendolo non solo esteticamente gradevole, ma anche funzionale e sostenibile. Gli architetti hanno saputo armonizzare l'ambiente circostante, creando un luogo che non è solo un'abitazione, ma un vero e proprio spazio di vita.

Riverside non è solo un nome; è un invito a riflettere su come possiamo abitare il nostro mondo. La riqualificazione di Santa Comba Dão è quindi un esempio luminoso di come l'architettura possa rispondere alle sfide contemporanee, abbracciando le opportunità del presente senza dimenticare il passato.

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Rivitalizzare il Gymnasium di Kenzo Tange: Il Progetto Vincitore del Radical Renewal Competition

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Rivitalizzare il Gymnasium di Kenzo Tange: Il Progetto Vincitore del Radical Renewal Competition Il designer Ethan Akiyama Poh ha trionfato nel Radical Renewal Competition di Dezeen e Bentley con una proposta audace che reimmagina il gymnasium dismesso di Kenzo Tange, attualmente minacciato di demolizione. La sua idea, chiamata New Ground, si propone di trasformare l'edificio in un vibrante centr...

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Il gymnasium, progettato dal vincitore del Pritzker Architecture Prize, è attualmente vuoto e presenta limitazioni sismiche e spaziali che ne compromettono l'uso. La proposta di Akiyama Poh mira a preservare la struttura storica, trasformandola in un food hall dedicato ai prodotti del Mare Interno di Seto, circondato da spazi pubblici e uffici, creando così un valore economico e culturale a lungo termine.

Il progetto si basa sui principi metabolisti di Tange, un movimento architettonico giapponese post-bellico che esplorava l'evoluzione degli edifici come organismi viventi. La nuova proposta prevede una griglia strutturale che integra il gymnasium con il contesto urbano, collegando strade e strutture vicine e rendendolo un punto di riferimento regionale.

La competizione ha invitato architetti e designer a selezionare edifici di rilevanza storica e a proporre trasformazioni innovative per rivitalizzarli. Il progetto New Ground è stato scelto come vincitore per come riesce a rielaborare un'icona architettonica per le esigenze del XXI secolo. Max Fraser, direttore editoriale di Dezeen, ha sottolineato l'importanza di adattare le strutture storiche anziché demolirle, evidenziando l'impatto ambientale dell'edilizia.

Il gymnasium di Kagawa, progettato da Tange nel 1964, condivide una storia simile con il Yoyogi National Gymnasium di Tokyo, ma mentre quest'ultimo è diventato un simbolo nazionale, il gymnasium di Takamatsu rischia di essere dimenticato. La proposta di Akiyama Poh non solo mira a preservare la memoria storica dell'edificio, ma lo reinventa come un simbolo economico e culturale della regione.

Con la sua visione innovativa, Akiyama Poh ha dimostrato come l'architettura possa evolvere ed adattarsi ai bisogni contemporanei, ponendo interrogativi sul futuro degli edifici storici e il loro ruolo nelle comunità moderne.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

La Camera di Amore e Psiche: un viaggio tra i colori di Mantova

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Nel cuore di Mantova, un capolavoro risplende nuovamente: la Camera di Amore e Psiche, recentemente sottoposta a un restauro meticoloso, torna a brillare come una gemma nel vasto mosaico dell'arte rinascimentale. Questo ambiente, situato all'interno del magnifico Palazzo Te, è una delle espressioni più raffinate del Manierismo italiano, realizzato dal grande maestro Giulio Romano e dai suoi alliev...

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Il soffitto, un imponente ciclo pittorico, racconta la storia d’amore tra Amore e Psiche, ispirata dalle Metamorfosi di Apuleio. Le decorazioni, ricche di dettagli e colori vibranti, si snodano in un racconto che affascina e sorprende, dando vita a un'opera d'arte che trascende il tempo. L'apoteosi della narrazione, con il matrimonio di Psiche e Amore celebrato da Giove, si erge al centro della volta, avvolgendo i visitatori in un abbraccio di bellezza e meraviglia.

Il recente intervento di restauro, sostenuto dalla Fondazione Giulio e Giovanna Sacchetti, ha riportato alla luce la luminosità originale degli affreschi, rivelando anche nuove scoperte sulle tecniche e i materiali utilizzati nel Rinascimento. Attraverso un'attenta analisi diagnostica e un approccio sostenibile, i restauratori hanno potuto non solo restaurare, ma anche approfondire la conoscenza delle opere, aprendo a nuove prospettive di studio.

Un aspetto fondamentale di questo restauro è stato il rispetto per le tecniche tradizionali, che permette di mantenere viva la storia di quest'opera straordinaria. L'intervento ha incluso un'accurata pulizia delle superfici, il trattamento delle decorazioni in stucco e delle pitture ad affresco, restituendo così la vitalità a questa sala, conosciuta come l'ambiente più sontuoso di Palazzo Te.

Ogni dettaglio, ogni sfumatura, racconta una storia di passione, arte e dedizione. E così, la Camera di Amore e Psiche non è solo un luogo da visitare, ma un'esperienza da vivere, un invito a immergersi in un mondo di bellezza senza tempo. Mantova, con il suo patrimonio artistico inestimabile, ci ricorda che l’arte è un linguaggio universale, capace di unire passato e presente, di emozionarci e farci sognare.

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La Fondazione Cartier: un Nuovo Inizio nel Cuore di Parigi

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Il 25 ottobre 2025, Parigi si preparerà ad accogliere una nuova era dell'arte contemporanea con la riapertura della Fondazione Cartier pour l'Art Contemporain. Questa istituzione, già simbolo di innovazione, si trasforma grazie al genio architettonico di Jean Nouvel, che ha reinventato i Grands Magasins du Louvre in un organismo mobile, un palcoscenico per l'arte che sfida le convenzioni del museo...

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La prima esposizione, Exposition Générale, curata da Formafantasma, riunisce oltre 600 opere di oltre 100 artisti, tra cui nomi illustri come David Lynch, Claudia Andujar e Sarah Sze. Questi artisti tracciano un percorso attraverso quarant'anni di creazione contemporanea, invitando il pubblico a esplorare un ambiente dove ogni opera diventa parte di un dialogo in continua evoluzione.

Nouvel ha concepito un edificio che si comporta come una macchina cinetica, dotata di cinque piattaforme monumentali in acciaio, ciascuna capace di cambiare la configurazione degli spazi espositivi con un semplice comando. Questi spazi, ricchi di luce e movimento, offrono un'esperienza sensoriale unica, dove il confine tra l'interno e l'esterno si dissolve, creando un palcoscenico urbano trasparente.

Le sezioni della mostra, suddivise in quattro costellazioni tematiche - Machines d'architecture, Être nature, Making Things e Un monde réel - offrono una visione sfaccettata del nostro mondo contemporaneo. Ogni sezione invita il visitatore a riflettere su questioni di architettura, natura, artigianato e tecnologia, mescolando opere d'arte, installazioni e performance.

La Fondazione Cartier non è solo un luogo dove osservare, ma un campo di esperimenti sociali e culturali, dove l'arte si intreccia con la vita quotidiana. Con un design che dialoga con la storia del sito, il nuovo spazio ricorda le grandi esposizioni dell'800, mentre si proietta verso il futuro.

Parigi, con la sua architettura e la sua anima artistica, si prepara a celebrare questa rinascita, dove ogni visitatore è invitato a diventare parte di un'esperienza collettiva, un viaggio attraverso l'arte che promette di essere tanto sorprendente quanto illuminante.

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Riscopri il Pulse Autocycle del 1985: un veicolo jet-like con canopy scorrevole e sedili in tandem

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Immaginate un veicolo che fluttua tra il sogno di un aereo e la realtà di un'automobile. È così che si presenta il Pulse Autocycle, un gioiello del 1985, concepito da Jim Bede, un visionario nel mondo della progettazione aeronautica. Con la sua scocca aerodinamica e il canopy scorrevole, il Pulse evoca l'immagine di un jet pronto al decollo, mentre si adagia delicatamente su tre ruote, una danza p...

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Prodotto negli Stati Uniti tra il 1985 e il 1990, il Pulse Autocycle è un veicolo raro, con solo 326 esemplari realizzati dalla Owosso Motor Car Company nel Michigan. Questo veicolo, descritto come un Ground Cruising Recreational Vehicle, mescola sapientemente elementi di automobile e motocicletta, creando una categoria intermedia che affascina e sorprende.

Entrando nel cockpit del Pulse, si viene accolti da un'atmosfera biplanica, con sedili in tandem rivestiti in vinile marrone e dettagli a contrasto. Ogni elemento è pensato per trasmettere un senso di avventura, dal cruscotto ispirato alla Yamaha XS400, fino ai controlli disposti con cura davanti al volante a tre razze. Ogni viaggio diventa un'esperienza unica, un viaggio nel tempo che ci riporta indietro a un'epoca in cui l'innovazione era la regina.

La meccanica del Pulse è altrettanto affascinante: un motore Yamaha da 399cc, dotato di un sistema di controllo dell'induzione, accompagna il pilota in ogni curva. Con un design esteriore che richiama le linee degli aerei, il Pulse Autocycle è un'opera d'arte su ruote, un esempio di come l'ingegneria possa sposare la bellezza.

In un mondo che corre veloce, il Pulse ci invita a rallentare, a vivere il momento, a sognare. È più di un veicolo; è un simbolo di un'epoca, un collezionabile per chi sa apprezzare l'eleganza della rarità.

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Sensori luminosi da sacchetti di plastica riciclati: la nuova frontiera per rilevare metalli tossici nell'acqua

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Sensori luminosi da sacchetti di plastica riciclati: la nuova frontiera per rilevare metalli tossici nell'acqua Un team di ricercatori dell'Universitas Gadjah Mada di Yogyakarta, Indonesia, ha sviluppato un metodo innovativo per trasformare i sacchetti di plastica riciclati in nanomateriali e sensori in grado di rilevare metalli tossici nell'acqua potabile. Questo processo inizia con il polietile...

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I ricercatori convertono i sacchetti in particelle molto piccole, note come carbon quantum dots (CQDs), che sono più piccole di un virus. La produzione di queste particelle avviene attraverso l'uso combinato di due metodi: pirolisi e trattamento idrotermale. La pirolisi implica il riscaldamento della plastica senza ossigeno, mentre il trattamento idrotermale consiste nel riscaldare il materiale in acqua sotto pressione.

Durante il processo, viene aggiunto meno del sette percento di perossido di idrogeno per aiutare a decomporre il polietilene, e l'intero procedimento richiede circa dieci ore. Il risultato è una soluzione contenente i CQDs, che brillano sotto la luce UV, diventando fluorescenti. Questo fenomeno di emissione luminosa è dovuto alla struttura degli atomi di carbonio e ai gruppi chimici attaccati alla superficie dei CQDs.

Il bagliore dei sacchetti di plastica riciclati può quindi essere utilizzato per rilevare metalli tossici nell'acqua potabile. Maggiore è l'intensità della luce, minori sono i metalli tossici presenti nell'acqua. I ricercatori hanno testato i CQDs con diversi metalli e hanno osservato che reagiscono specificamente con gli ioni ferrici, evidenziando la presenza di ferro carico di tre. Quando i CQDs si attaccano a questo ferro, il bagliore diventa più debole, indicando una maggiore concentrazione di metallo nell'acqua.

Finora, i sensori sono in grado di rilevare anche concentrazioni di 9,50 micromolari, sufficienti per verificare se l'acqua potabile è contaminata. I risultati dello studio sono stati accurati e ripetibili. Inoltre, i ricercatori hanno analizzato l'efficacia del bagliore dei CQDs usando un parametro chiamato quantum yield, che misura l'emissione di luce rispetto alla luce assorbita. I CQDs realizzati con sacchetti di plastica hanno raggiunto un quantum yield del 10.04%, dimostrando che possono emettere una luce sufficientemente intensa per essere utilizzati come sensori.

Attualmente, i ricercatori credono che questa scoperta possa essere applicata in kit di test per l'acqua portatili a basso costo, grazie all'uso di sacchetti di plastica riciclati come sensori.

Immagini: Teslariu Mihai via Unsplash, Daniele Levis Pelusi via Unsplash, Naja Bertolt Jensen via Unsplash.

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Scopri l'Arte del Home Staging: Corso di Specializzazione in Interior Styling

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Immagina di entrare in un ambiente dove ogni elemento racconta una storia, dove i colori danzano armoniosamente e i materiali si uniscono per creare un'atmosfera che parla direttamente al cuore. Questo è il potere dell'Interior Styling e dell'Home Staging, due discipline che vanno oltre il semplice arredamento, trasformando spazi in vere e proprie opere d'arte.

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Il corso di specializzazione in Interior Styling e Home Staging di Istituti Callegari è un viaggio affascinante che offre strumenti e tecniche per valorizzare ogni ambiente. Con una durata di 8 mesi, il corso prevede un mix di lezioni online e in aula, laboratori pratici e un numero limitato di allievi per garantire un'esperienza formativa personalizzata e coinvolgente.

Ogni partecipante avrà l'opportunità di esplorare la teoria e psicologia del colore, scoprire la storia del design, e imparare a creare moodboard evocativi. Le esercitazioni pratiche sono guidate da esperti del settore, offrendo una preparazione concreta e immediatamente applicabile.

Ma non è tutto: il corso include anche moduli dedicati all'home staging e alla fotografia immobiliare, aree in crescita nel mercato attuale. Queste competenze ti permetteranno di lavorare come interior stylist, home stager, o persino come fotografo immobiliare, aprendo la porta a numerose opportunità di carriera, sia nel settore dell’arredamento che nella vendita di immobili.

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Singapore: Il Giardino di Architettura da Scoprire

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Singapore: Il Giardino di Architettura da ScoprireNel cuore pulsante del Sud-Est asiatico, Singapore emerge come un faro di innovazione architettonica e sostenibilità. Conosciuta come la "City in a Garden", questa città-stato ha saputo intrecciare la modernità con la natura in un abbraccio unico. Ogni angolo di Singapore racconta una storia, una narrazione di come l'urbanizzazione possa danzare ar...

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Dalla maestosa silhouette del Marina Bay Sands al meraviglioso Jewel Changi Airport, progettato da Safdie Architects, fino alla storicità del National Gallery Singapore, ex Corte Suprema, la città è un palcoscenico di stili architettonici che si intrecciano. Qui, l'architettura non è solo un insieme di edifici, ma un racconto visivo che riflette la cultura e l'identità di un popolo.

Progetti come i Colonnade Condominiums di Paul Rudolph e le Pearl Bank Apartments di Tan Cheng Siong sono testimonianze di un modernismo che abbraccia il contesto ambientale. I nomi di architetti rinomati come Moshe Safdie, Norman Foster e WOHA risuonano nelle strade di Singapore, ognuno lasciando un'impronta indelebile attraverso le loro creazioni innovative.

Cosa rende Singapore così speciale? La risposta è semplice: la sua capacità di reinventarsi, di guardare al futuro senza dimenticare le sue radici. Ogni progetto, ogni parco, ogni spazio pubblico è un invito a esplorare e a sognare. È un viaggio che attraversa la storia, la cultura e la sostenibilità, un percorso che ci insegna che architettura e natura possono coesistere in perfetta armonia.

Se sei un amante dell'architettura o semplicemente un curioso viaggiatore, Singapore ti aspetta con i suoi tesori nascosti e i suoi panorami mozzafiato. Scoprire questa città è un'esperienza che arricchisce, una lezione di come il futuro possa essere verde e vibrante.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

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Il Gioco della Luce: Un Asilo Innovativo nel Cuore del Giappone

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Nel cuore di Himi, una città della Prefettura di Toyama, un nuovo asilo scolastico si erge come un abbraccio di legno e luce. Progettato dallo studio Shio Architect Design Office, diretto dall'architetto Ataru Shio, il Himi Shinmachi Daycare Center è un esempio straordinario di come l'architettura possa influenzare positivamente l'apprendimento nei bambini. Questo spazio educativo, frutto di un pr...

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La forma dell'edificio è pensata per rispondere alle peculiarità del sito, un lungo lotto che si estende da nord a sud, con una linea fognaria sotterranea che ne attraversa il cuore. La collocazione strategica della struttura non solo ottimizza lo spazio utilizzabile, ma permette anche alla luce naturale di inondare gli interni, creando un ambiente accogliente e stimolante per i più piccoli.

Realizzato con un tradizionale sistema di telai in legno, l'asilo utilizza materiali locali supportati da un programma di sovvenzione per risorse regionali. Questo approccio non solo celebra l'artigianato locale, ma promuove anche un uso sostenibile delle risorse. Con una disposizione degli spazi aperta e luminosa, l'edificio è progettato per rimanere brillante anche nei giorni più nuvolosi, offrendo ai bambini un ambiente indoor attivo e confortevole.

Un elemento fondamentale del design è la sicurezza. Gli angoli acuti sono stati minimizzati e materiali autentici come il legno e le piastrelle sono stati scelti per favorire un contatto tattile diretto con superfici naturali sin dalla tenera età. Così, il bambino può esplorare, giocare e imparare in un contesto che incoraggia il movimento e l'interazione.

Il Himi Shinmachi Daycare Center non è solo un asilo, ma un manifesto di come l'architettura possa rispondere alle esigenze di una comunità, promuovendo un'educazione precoce che si integra armoniosamente con la cultura costruita della Prefettura di Toyama. In questo spazio, ogni curva racconta una storia, ogni raggio di luce accoglie un sorriso, e ogni giorno è un nuovo inizio per i piccoli esploratori.

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I centri commerciali stanno tornando? Un'analisi delle nuove tendenze architettoniche

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Negli ultimi tempi, un acceso dibattito si è sviluppato intorno ai progetti architettonici che mirano a rinnovare i centri storici delle città. Recentemente, i lettori hanno espresso preoccupazioni riguardo al progetto dello Heatherwick Studio per un nuovo centro commerciale a Praga, un'area storica di grande valore culturale. Il progetto prevede uno sviluppo di 15.000 metri quadrati che include n...

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Commenti come "triste vedere la mancanza di rispetto per il contesto" e "questo progetto uccide il carattere della città" evidenziano un sentimento diffuso tra i residenti e gli appassionati di architettura. La domanda provocatoria di un commentatore, "Are malls back?" invita a riflettere se stiamo assistendo a un ritorno di queste strutture commerciali, spesso criticate per la loro omogeneità e mancanza di identità locale.

Ma cosa significa realmente per le città moderne? I centri commerciali possono coesistere con il patrimonio storico? Alcuni sostengono che la presenza di centri commerciali possa danneggiare i piccoli negozi che offrono un’identità unica ai quartieri. In contrasto, altri vedono nel rinnovamento un’opportunità per rivitalizzare le aree urbane e attirare visitatori.

In parallelo, notizie come quella di Gustaf Westman e il suo piatto IKEA per polpette hanno destato l'attenzione, dimostrando che anche nel design di oggetti quotidiani ci sono tendenze che si scontrano con il gusto e la funzionalità. La discussione sui commenti si è allargata, sollevando interrogativi su cosa vogliano realmente i consumatori e come si evolverà il mercato.

In conclusione, i centri commerciali sono tornati? O stiamo solo assistendo a un'evoluzione nel modo in cui concepiamo lo spazio commerciale all'interno delle nostre città storiche? È un tema complesso, e il dibattito è aperto.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Architecture – Dezeen.

Le Sculture Funzionali di Iranzo: Trasformare Reti di Polipropilene Scartate in Arte

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Le Sculture Funzionali di Iranzo: Trasformare Reti di Polipropilene Scartate in Arte Il progetto Permanent Souls di Iranzo esplora la trasformazione dei materiali scartati in sculture funzionali, che esistono tra visibilità e assenza. Utilizzando reti di polipropilene, originariamente provenienti da contesti sportivi e di costruzione, Iranzo le combina con resina epossidica per creare strutture le...

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Il processo di design pone l'accento sull'artigianato e sulla specificità dei materiali. Ogni pezzo è realizzato attraverso un metodo artigianale che preserva le qualità distintive delle reti, stabilizzandole in nuove forme. Le opere risultanti portano con sé le tracce del loro utilizzo precedente, ma sono riformulate in oggetti, come sedie e tavoli, che sono sia utilitari che aperti all'interpretazione.

Formalmente, le sculture suggeriscono funzionalità senza imporla. La loro leggerezza, trasparenza e geometrie sospese permettono molteplici interpretazioni, sia come oggetti da utilizzare fisicamente che come strutture che incorniciano semplicemente lo spazio e la percezione. Attraverso questo processo, il progetto di Iranzo considera la persistenza del materiale oltre il suo scopo iniziale.

Permanent Souls evidenzia la trasformazione dei residui industriali quotidiani in forme scultoree che portano sia peso strutturale che concettuale, posizionandole al confine tra memoria, utilizzo e astrazione. Le sculture di Iranzo, leggere e trasparenti, sfumano il confine tra forma e funzione, mentre i materiali scartati trovano una nuova vita come opere d'arte.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

L'installazione teatrale in bambù di Cheng Tsung Feng a Taiwan

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L'installazione teatrale in bambù di Cheng Tsung Feng a TaiwanPresso il storico Tempio Wenwu di Lukang, Changhua, l'artista Cheng Tsung Feng ha completato Theatre, una vasta installazione in bambù che reinterpreta la tradizione in via di estinzione delle scene temporanee per l'opera, un tempo centrali nei festival templari taiwanesi. Costruita con migliaia di pali intrecciati, l'opera si erge come...

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Theatre trae ispirazione dalle scene in bambù che, fino a qualche decennio fa, venivano rapidamente erette per le rappresentazioni operistiche e le celebrazioni templari in tutto Taiwan. La struttura di Feng richiama questa ephemerità, trasformandola in uno spazio esperienziale. Il telaio è composto da una rigorosa griglia verticale-orizzontale di segmenti di bambù, addolcita da strisce di bambù intagliate che tracciano archi sinuosi attraverso la facciata e il piano di base.

I visitatori sono invitati a entrare nell'installazione dell'artista taiwanese salendo le scale in bambù che conducono alla vasta piattaforma centrale. Una volta all'interno, vengono avvolti dalla griglia trasparente, dove la luce filtra attraverso le pareti e i pavimenti a listelli, e la tattilità del bambù emerge con forza. Durante il giorno, il palco diventa un luogo di riposo, un posto per riunirsi o giocare. Di notte, illuminato da lampade festose, l'installazione si trasforma in uno spazio cerimoniale che richiama l'atmosfera delle tradizionali rappresentazioni operistiche con il loro colore, spettacolo e senso di ritualità condivisa.

Muovendosi attraverso Theatre, le persone oscillano tra i ruoli di pubblico e performer, incarnando lo scambio ciclico al cuore stesso del teatro. Il progetto di Feng colloca la memoria all'interno dell'esperienza vissuta, animando la tradizione attraverso la partecipazione. Situato di fronte al secolare Tempio Wenwu, il teatro in bambù attira visitatori e passanti, offrendo loro uno spazio per riposare, giocare o esibirsi.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

Lavoro sul campo: L'arte di Filippo Manzini in mostra a Milano

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Lavoro sul campo: L'arte di Filippo Manzini in mostra a MilanoDal 19 settembre 2025, la galleria Building Terzo Piano di Milano ospita la mostra personale di Filippo Manzini, intitolata Lavoro sul campo. Con questa esposizione, l'artista fiorentino, nato nel 1975 e attualmente residente a Milano, trasforma lo spazio espositivo in un luogo di tensioni e risonanze, attraverso una serie di sculture, ...

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La mostra è arricchita da un testo critico di Giorgio Verzotti, che esplora il concetto di equilibrio, un tema centrale nella pratica artistica di Manzini. Inaugurata con un'azione performativa, l'esposizione permette al pubblico di assistere alla creazione delle opere che sfidano le leggi della gravità.

Le opere di Manzini si caratterizzano per un minimalismo lirico, dove ogni elemento è progettato per sostenere o appoggiarsi all'altro, creando sculture relazionali. I materiali utilizzati, che spaziano dal legno all'ottone, dal granito al tessuto, riflettono un'estetica poverista e un desiderio di leggerezza.

Tra le opere esposte, spicca Sospensione (2025), che presenta due cubi di granito avvolti in una benda di tessuto, mentre Noi oltre lo spazio (2025) utilizza la gravità per unire elementi di legno, corda e marmo. Ogni creazione si inserisce in un dialogo con l'ambiente, generando tensioni percettive che invitano alla riflessione.

Filippo Manzini non si limita al white cube; il suo lavoro si espande nel contesto urbano, come evidenziato nel video pratica 2025-06-12 T08:27, girato nel Giardino 9 Novembre di Milano. Qui, l'artista si fa strumento di misura, utilizzando il proprio corpo per interagire con l'architettura circostante e creare sculture effimere.

In Lavoro sul campo, la tensione diventa un principio vitale, e le geometrie dei materiali si intersecano in un'armonia visiva che esplora i temi della gravità e della resistenza. Non perdere l'occasione di immergerti in questa esperienza unica nel mondo dell'arte contemporanea.

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Un Gelato di Fantasia: L'Architettura Sculpturale di Foguel Studio

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Nel cuore di Tandil, Argentina, un gelato non è solo un dolce, ma diventa l'ispirazione per un'opera d'arte. Foguel Studio, con la sua visione audace, trasforma un semplice negozio di gelato in un tempio di meraviglia, dove ogni angolo svela una storia, e ogni materiale si fonde in un abbraccio di creatività. Qui, il marmo si fa crema, i coni si ergono come colonne, e l'innocenza dell'infanzia si ...

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Il progetto per il negozio Figlio è un viaggio audace oltre i confini dell'architettura tradizionale. Foguel, designer e artista con un background nella scenografia, infonde nel suo lavoro una sensibilità teatrale, dove i materiali e i simboli si intrecciano in un dialogo continuo. All'interno, i rivestimenti in marmo, i tavoli in legno a forma di cono e le vasi che raccontano ogni gusto di gelato si mescolano in un'esperienza sensoriale senza pari.

Al centro di questo spazio creativo si erge una scultura ibrida di sette metri, un omaggio contemporaneo ai capolavori greco-romani, capace di evocare la grandezza di Michelangelo e le meraviglie dell'antichità attraverso un filtro ironico e postmoderno. L'eleganza di questo eccesso ornamentale trascende il semplice commercio, trasformando il negozio in un ambiente monumentale, dove tecnologia e natura si incontrano in un abbraccio sorprendente.

Foguel, fondatrice di questo studio innovativo a Buenos Aires, celebra così l'architettura come un atto di fantasia. In questo luogo, ciò che di solito si scioglie e svanisce viene immortalato nella pietra, permettendo a ogni visitatore di vivere un sogno che sfida la realtà. Qui, l’architettura non è solo funzionale, ma è un racconto, un gioco intellettuale e istintivo che trasforma il quotidiano in un'opera d'arte.

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La Casa dei Cuarti Rodanti: Un Eccellente Esempio di Architettura Sostenibile in Ecuador

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La Casa dei Cuarti Rodanti: Un Eccellente Esempio di Architettura Sostenibile in EcuadorSituata su una pendenza a Ilaló, la Casa dei Cuarti Rodanti, progettata da Rama Estudio, rappresenta un approccio innovativo e consapevole all'architettura residenziale. Questa abitazione, con i suoi 140 m², è stata realizzata per una giovane coppia con una visione sensibile del vivere, integrandosi perfettamen...

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Il progetto è stato concepito come una risposta ai tradizionali modelli costruttivi, proponendo soluzioni economiche e rispettose dell'ambiente. La Casa dei Cuarti Rodanti non è solo un'abitazione, ma un simbolo di una comunità impegnata nella gestione responsabile delle risorse idriche e nella conservazione dell'ecosistema locale.

Il team di architetti, guidato da Carolina Rodas, Felipe Donoso e Carla Chávez, ha lavorato in sinergia con esperti di ingegneria e architettura del paesaggio, creando uno spazio che non è solo esteticamente gradevole, ma anche funzionale e sostenibile. La Casa dei Cuarti Rodanti si propone come un'alternativa concreta e ispiratrice per le future costruzioni nelle aree rurali in espansione urbana.

Questo progetto, completato nel 2024, è già stato oggetto di attenzione e ammirazione da parte della comunità architettonica internazionale, grazie alla sua capacità di coniugare bellezza, funzionalità e rispetto per l'ambiente. Scopri di più sulla Casa dei Cuarti Rodanti e lasciati ispirare dalla sua architettura innovativa.

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Norman Foster: L'Archistar del Nuovo Stadio di Milano

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Nel cuore pulsante di Milano, una nuova era si prepara a sbocciare, e a guidarla c'è un nome che risuona come un eco nel mondo dell'architettura: Norman Foster. Maestro indiscusso del design contemporaneo, Foster è il genio creativo dietro il progetto del nuovo stadio di Milano, un'opera che promette di ridefinire non solo l'architettura sportiva, ma anche l'intera esperienza urbana.

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Nato a Manchester il 1° giugno 1935, la sua carriera è una sinfonia di innovazione e impegno verso la sostenibilità. Cresciuto in una famiglia operaia, Foster ha sempre avuto un occhio per il disegno tecnico, un talento che ha affinato all'University of Manchester e alla Yale University. Qui ha forgiato legami con altri grandi visionari, come Richard Rogers, dando vita a un percorso professionale che ha portato alla fondazione del suo studio, Foster + Partners.

Con un approccio pionieristico, Foster ha saputo unire estetica e tecnologia, creando opere iconiche come il grattacielo “The Gherkin” a Londra e il Reichstag a Berlino, simbolo di trasparenza e sostenibilità. Ogni suo progetto è un inno alla bellezza e alla funzionalità, un connubio che ora si appresta a realizzarsi nel nuovo stadio di Milano.

Questo impianto non sarà solo un luogo di eventi sportivi, ma un esempio di come l'architettura possa dialogare con l'ambiente. Con linee guida precise stabilite dal comune di Milano, il progetto prevede che il 50% dell'area non venga cementificata e che oltre 80.000 metri quadrati siano dedicati al verde, restituendo così alla città un polmone vitale. Lo stadio avrà una capienza di 72.000 posti, con spazi per uffici, hotel e parcheggi, tutto concepito per armonizzarsi con il paesaggio urbano.

Il nome di Norman Foster è una garanzia di qualità e innovazione. La sua visione futuristica trasformerà Milano in un centro di attrazione globale, dove architettura e sostenibilità si intrecciano in un abbraccio perfetto.

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La Trasformazione di una Centrale Elettrica di Philadelphia in un Club Sportivo Innovativo

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La Trasformazione di una Centrale Elettrica di Philadelphia in un Club Sportivo InnovativoUn progetto straordinario ha preso vita a Philadelphia, dove la Delaware Power Station, una storica centrale elettrica costruita nei primi anni del 1900, è stata trasformata in Ballers, un club sportivo multifunzionale. Questa nuova struttura, situata nel quartiere di Fishtown, offre campi di pickleball, calc...

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Il progetto è stato realizzato dai locali Good City Studio e Hexagon Studio Architects, che hanno lavorato in sinergia per ridisegnare l'area, ora parte di un complesso misto chiamato The Battery, che include spazi residenziali e commerciali. La ristrutturazione è stata principalmente condotta dallo studio di architettura Strada.

La sala turbine, con i suoi 23 metri di altezza e senza colonne, offre uno spazio ideale per gli sport di squadra, come sottolineato dalla fondatrice di Good City Studio, Amanda Potter. "Il soffitto grandioso e l'ampio spazio libero hanno reso l'ambiente perfetto per gli sport indoor," ha dichiarato.

All'interno di Ballers, i campi sono disposti su più livelli, con aree sociali e un ristorante che si integrano armoniosamente con l'architettura industriale dell'edificio. La decorazione è stata ispirata dallo stato abbandonato della centrale, con graffiti artistici che adornano le pareti, realizzati da talentuosi artisti locali.

Tra gli elementi distintivi, un bar centrale è incastonato in una struttura di cemento, mentre pezzi vintage e personali arricchiscono gli spazi interni, come una gabbia in acciaio giallo brillante, simbolo della passione di Potter per il design degli anni '90.

Ballers non è solo un hub sportivo; è un esempio di come le strutture storiche possano essere riutilizzate in modi innovativi e funzionali. Con altre due location già in programma a Boston e Los Angeles, Ballers sta rapidamente diventando un punto di riferimento nel panorama sportivo americano.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Cersaie 2025: La Casa Sensibile secondo Elena Salmistraro

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Il Cersaie 2025 porta in scena un concetto innovativo: la Casa Sensibile. Non è solo un luogo fisico, ma un organismo vivente che interagisce con le emozioni di chi lo abita. In questo contesto, la designer Elena Salmistraro ci guida alla scoperta di spazi che ascoltano, proteggono e raccontano storie.

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La Casa Sensibile è caratterizzata da una luce che cambia con il passare delle ore, materiali che sollecitano i sensi e angoli che invitano alla riflessione. Elena Salmistraro sottolinea l'importanza di creare ambienti che favoriscano il benessere; ogni elemento, dai colori ai tessuti, ha un ruolo fondamentale nel plasmare la nostra esperienza quotidiana. "I colori trasformano la percezione degli spazi e la luce ne rivela la verità", afferma Salmistraro.

Il design emozionale è al centro di questa visione: ogni oggetto deve avere una funzione emotiva, non solo pratica. Che sia per un single, una coppia o una famiglia, la Casa Sensibile è un luogo che evolve con i suoi abitanti, dove ogni oggetto scelto con cura contribuisce a rompere l'anonimato e a creare un'esperienza unica.

Elena Salmistraro, con la sua fusione di arte e design industriale, ha collaborato con marchi prestigiosi e ha ricevuto riconoscimenti internazionali. La sua visione per la Casa Sensibile, presentata al Cersaie, rappresenta un passo avanti verso spazi che non solo accolgono, ma che migliorano la qualità della vita.

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La Biennale di Architettura di Pisa 2025: Un Viaggio nel Futuro tra Natura e Innovazione

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Dal 10 ottobre al 16 novembre 2025, Pisa si trasformerà in un palcoscenico di idee e innovazioni grazie alla Biennale di Architettura. Un evento che invita a riflettere sul nostro futuro attraverso il tema "NATURE", un dialogo aperto tra architettura ed ecologia. In un periodo in cui il nostro pianeta chiede attenzione, la Biennale si propone come un cantiere di idee, dove oltre settanta studi int...

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Curata dall’Associazione LP, questa VI edizione non è solo una mostra, ma un vero e proprio laboratorio di pensiero. Gli spazi storici di Pisa – dalle logge agli arsenali – diventeranno luoghi di discussione e riflessione, unendo architetti, cittadini e amministratori in un’unica narrazione. La missione? Riscoprire i legami tra l’uomo e la natura, promuovendo una conversione ecologica ed etica che sfidi le convenzioni del passato.

Il presidente del Comitato Scientifico, Massimo Pica Ciamarra, ci ricorda che per affrontare questa sfida servono coraggio e immaginazione. La Biennale, da sempre, si è proposta come un dispositivo civico, cercando soluzioni innovative per il benessere collettivo. Ogni progetto esposto sarà un tassello di un mosaico che unisce architettura, salute, paesaggio e tecnologia, invitando a ripensare il nostro modo di vivere gli spazi urbani.

Sei ambiti di ricerca guideranno la narrazione di quest’anno: dall’importanza delle infrastrutture verdi alla connessione tra città e natura, dal ruolo dell’acqua nella rigenerazione urbana alla creazione di spazi lavorativi più sostenibili. Ogni tema sarà esplorato attraverso mostre, conferenze e talk, offrendo una panoramica a 360 gradi su come possiamo costruire un futuro in sintonia con l’ambiente.

La Biennale di Architettura di Pisa 2025 non sarà solo un evento da osservare, ma un’occasione per partecipare attivamente a una riflessione condivisa. La qualità della vita e la tutela dei paesaggi fragili saranno al centro di questa manifestazione, che si preannuncia ricca di spunti e incontri.

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Un Rifugio di Speranza: Anduhyaun, il Santuario per Donne Indigene a Toronto

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Nel cuore pulsante di Toronto, un luogo emerge come simbolo di speranza e rinascita: l'Anduhyaun Emergency Shelter. Questo rifugio, progettato con maestria dallo studio LGA Architectural Partners, non è soltanto un edificio, ma un abbraccio che accoglie le donne indigene colpite dalla violenza domestica. Ogni angolo di questo spazio è concepito per rispettare e celebrare le tradizioni ancestrali, ...

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Varcando la soglia dell'Anduhyaun, si viene accolti da un corridoio sinuoso che si snoda come un fiume, conducenti verso stanze dedicate all'accoglienza, alla consulenza e alla saggezza degli Anziani. LGA ha saputo infondere nei materiali e nelle forme un richiamo all'acqua, alla terra e al cielo, elementi intrisi di significato e vitalità. Le porte, sapientemente arretrate, garantiscono una continuità nel fluire di questo ambiente curvo, mentre i rivestimenti blu delle piastrelle evocano la serenità e la profondità dell'acqua.

Il piano terra si apre in uno spazio condiviso, una cucina e una sala da pranzo luminose, dove le residenti possono unirsi per preparare e gustare i pasti, creando legami e condividendo storie. Questo è un luogo di autonomia, dove l'atto di cucinare diventa un momento di connessione e sostegno reciproco. Proseguendo, si incontra Nookomis, una sala circolare che porta il nome della parola Ojibwe per 'nonna'. Qui, il legno rosso di sommacco avvolge le pareti, offrendo un'atmosfera intima per cerimonie e meditazioni, un vero e proprio rifugio per le anime in cerca di pace.

Al piano superiore, l'architettura si fa ancora più accogliente, con spazi comuni e camere da letto progettate per garantire privacy e comfort. Ogni suite è dotata di un bagno privato, un lusso raro in rifugi di questo tipo, rendendo l'esperienza abitativa più dignitosa. Le stanze, arredate con cura, possono essere collegate per accogliere famiglie più numerose, sottolineando l'impegno dell'Anduhyaun nel rispondere ai bisogni delle sue residenti.

“Vivi di crescita e trasformazione”, afferma LGA, e questo rifugio è testimone di un'eredità culturale che perdura da decenni. Un luogo dove le donne possono ritrovare la propria voce e la propria forza, immerso in un ambiente che celebra le loro radici e la loro resilienza.

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Sculture Cubiche di Cemento: Un Legame Tra Rokko e Berlino

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Sculture Cubiche di Cemento: Un Legame Tra Rokko e BerlinoIl progetto fernsehen stabilisce un dialogo unico tra due paesaggi con storie parallele di estrazione e rinnovamento: il Monte Rokko in Giappone e Berlino, Germania. Ogni sito ospita una struttura di cemento identica, creando un'installazione abbinata che li collega attraverso trasmissioni video dal vivo e registrate.

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Il Monte Rokko è stato ampiamente estratto per granito durante il periodo Edo, portando a un'ampia deforestazione e declino ambientale. Durante l'era Meiji, sforzi di riforestazione graduali hanno ripristinato il territorio. Oggi, la montagna porta le tracce stratificate sia dei danni che del recupero. Berlino, la base degli artisti, riflette un ciclo simile di distruzione e rigenerazione nella sua storia urbana.

Concepite da Riku Ikegaya, Kohei Hayashi e Yu Kamijo, le sculture cubiche installate a Rokko e Berlino sono punteggiate da aperture tubulari strette, richiamando la forma dei telescopi. All'interno di esse, dispositivi video proiettano la vista dal sito abbinato: l'installazione di Rokko mostra l'attività urbana di Berlino, mentre quella di Berlino trasmette immagini dell'ambiente naturale di Rokko.

Questa installazione funge da dispositivo percettivo e monumento. Le registrazioni catturano realtà contrastanti ma parallele. A Berlino, gli spettatori vedono il passaggio di persone, veicoli e ritmi cittadini. A Rokko, le immagini rivelano vegetazione, cambiamenti climatici e movimenti animali. Insieme, queste prospettive connettono ambienti distanti, inquadrando la coesistenza di condizioni naturali e urbane.

Il progetto esamina come la visione possa collegare spazio e tempo, operando come un dispositivo percettivo e un monumento. Il titolo fernsehen, che in tedesco significa 'vedere lontano', sottolinea la dualità della distanza e della mediazione, inquadrando l'installazione come un'esplorazione di come la percezione, la tecnologia e il contesto influenzino il modo in cui i paesaggi vengono compresi nel tempo e nello spazio.

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Ville moderne: la nuova vita dei container dismessi

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Immaginate un mondo dove i sogni abitativi prendono forma da ciò che è stato considerato scarto. Container dismessi, abbandonati al loro destino, ora si trasformano in affascinanti ville moderne. L’architetto, un alchimista della forma e della funzione, con una visione che sfida il convenzionale, propone soluzioni abitative che parlano di sostenibilità e innovazione. Una villetta, frutto di questa...

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Ogni container racconta una storia, un passato di viaggi e avventure, e ora si prepara a vivere nuove esperienze, accogliendo famiglie e sogni. Le linee pulite e i materiali riciclati si fondono in un’armonia che celebra la modernità, mentre nel cuore di queste strutture si nasconde il calore di un’abitazione. Gli spazi interni, sapientemente progettati, offrono un equilibrio perfetto tra estetica e funzionalità, un invito a vivere la casa come un’opera d’arte.

Ma non è solo una questione di estetica; è un manifesto di responsabilità ambientale. In un’epoca in cui il consumo e l’inquinamento sono sotto la lente d’ingrandimento, queste costruzioni rappresentano una risposta concreta e creativa, un nuovo modo di pensare l’abitare.

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Scuola di Design Aral: un laboratorio per il futuro globale

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Scuola di Design Aral: un laboratorio per il futuro globaleLa Fondazione per lo Sviluppo dell'Arte e della Cultura dell'Uzbekistan (ACDF) ha recentemente lanciato l'Aral School, un innovativo programma di educazione ecologica aperto a studenti post-laurea fino al 5 ottobre 2025. Gayane Umerova, presidente dell'ACDF e fondatrice della scuola, ha descritto l'obiettivo del programma come "affrontare ...

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Annunciato dal designer bioregionale e direttore del programma Aral School, Jan Boelen, durante il World Design Congress a Londra, il corso di sei mesi si svolgerà a Nukus, Uzbekistan. Il programma è aperto a studenti post-laurea in architettura, design e altre discipline come artigianato, biotecnologia e informatica. La prima coorte parteciperà da gennaio a giugno 2026 in quello che Boelen ha definito un "laboratorio per il nostro futuro globale" per sviluppare urgentemente soluzioni ecologiche, culturali ed economiche nella regione del Mar d'Aral.

Il Mar d'Aral, un lago salato interno un tempo grande quanto la Svizzera, è stato ridotto a circa il 10% della sua dimensione originale dagli anni '60. Entro gli anni '80, si era ridotto a meno della metà della dimensione originale, e nel 2007 la porzione nordorientale del mare si era prosciugata, causando una perdita catastrofica di biodiversità e vita ittica. L'Aral School vedrà studenti internazionali e regionali collaborare con esperti di design e ingegneria dell'Uzbekistan e del Karakalpakstan per sviluppare soluzioni innovative per lo sviluppo ecologico, sociale ed economico dell'area.

Due team di 10 studenti, guidati da mentori esperti, svilupperanno proposte focalizzate su due temi: cibo e acqua. Ogni argomento sarà affrontato utilizzando un metodo in quattro fasi per identificare le risorse locali e ripensarle attraverso il design. Una volta sviluppati i prototipi, le soluzioni saranno implementate coinvolgendo le comunità locali, con l'obiettivo di rigenerare gli ecosistemi danneggiati.

I progetti in fase di sviluppo saranno presentati al Salone del Mobile nell'aprile 2026, seguiti da un'esposizione e pubblicazione al 2026 Aral Culture Summit. "Il mondo sta evolvendo, ma il campo del design è a volte bloccato in vecchi paradigmi", ha affermato Boelen. "In un certo senso, il Mar d'Aral è un luogo dove si riuniscono le preoccupazioni più urgenti di oggi. Terra, acqua, energia, cibo, tessuti e qualità dell'aria: questi sono i temi che dobbiamo affrontare se vogliamo sopravvivere sulla Terra".

Il programma multidisciplinare è aperto per le candidature fino al 5 ottobre 2025. Un webinar per i potenziali candidati si svolgerà il 1° ottobre. Per ulteriori informazioni sull'iniziativa e per candidarsi, visita il sito web della Aral School.

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Motociclette Elettriche: L'Innovazione di DAB Motors tra Design e Cultura Pop

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Nel mondo delle motociclette elettriche, DAB Motors si distingue per la sua audace serie di prototipi, conosciuta come Thursday Experiment. Ogni modello è una fusione di arte, moda e tecnologia, un concept che ridefinisce la percezione della motocicletta come oggetto scultoreo. Tra le ispirazioni più affascinanti, troviamo il design delle auto da corsa e persino l'aereo privato di artisti contempo...

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La serie attualmente comprende sette modelli, ognuno dei quali esplora un tema unico. L'ultimo, Experiment 007: 80s Futurism, trae spunto dall'estetica digitale dei film degli anni '80. Questo veicolo non è solo una motocicletta, ma un esperimento visivo che gioca con luce, geometria e movimento, tracciando linee rosse che illuminano la sua forma. Le sue superfici riflettono l'illuminazione artificiale, creando un'atmosfera futuristica che cattura l'immaginazione.

Un altro modello memorabile è l'Experiment 005: Drake Airplane, che trae ispirazione dal design esclusivo del Boeing 767 di Drake. Qui, il blu chiaro e i dettagli dorati evocano il lusso della private aviation, mentre il telaio della motocicletta si trasforma in un richiamo all'estetica del gioiello, con dettagli che rimandano a interni raffinati e a uno stile di vita elitario.

Ma non è solo il mondo dell'aviazione a ispirare DAB Motors; anche il mondo delle corse ha un ruolo centrale. Experiment 003: 90s Racing riporta alla mente le vibranti livree delle auto da corsa degli anni '90, mettendo in luce come i colori e le strisce possano raccontare storie di velocità e progresso. La motocicletta diventa così un palcoscenico per narrazioni visive, dove ogni colore ha un significato.

Un altro modello, Experiment 004: Jewelry, trasforma la motocicletta in un oggetto di lusso, con una finitura blu gemma e un design che evoca la permanenza e la precisione, un vero e proprio gioiello su due ruote. È un invito a riflettere su come la mobilità possa esprimere non solo funzionalità, ma anche un senso di identità e appartenenza.

Attraverso questa serie, DAB Motors dimostra che le motociclette elettriche possono essere molto più di semplici mezzi di trasporto; possono essere opere d'arte che celebrano la cultura pop, il design e l'innovazione tecnologica. Ogni giovedì, il team di DAB Motors ci regala un nuovo experiment, un passo verso il futuro della mobilità sostenibile, dove estetica e funzionalità si fondono in un'unica visione.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

Oggetti Riscoperti: L'Esposizione Unbroken Trasforma Rifiuti in Design Unico

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Oggetti Riscoperti: L'Esposizione Unbroken Trasforma Rifiuti in Design UnicoDurante il London Design Festival, l'esposizione Unbroken ha catturato l'attenzione con i suoi arredi unici realizzati da designer che hanno reimmaginato oggetti destinati al rifiuto. Curata dal designer Francesco Feliziani, la mostra invita a riflettere sulla sostenibilità e sul modo in cui trattiamo i rifiuti.

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Feliziani ha chiesto a sette creativi di salvare oggetti destinati alla discarica e trasformarli in pezzi di design funzionali. Tra le opere esposte troviamo la AIR Chair, creata dallo stesso Feliziani, che riutilizza un supporto per basket per realizzare una sedia innovativa. Il bordo del canestro diventa il sedile, mentre il pannello acrilico funge da schienale.

Altri designer, come 2LG Studio, hanno rinnovato una sedia utilizzando bande di resistenza rosse, aggiungendo un tocco di colore e funzionalità. Sebastian Bergne, invece, ha decomposto un cavallo a dondolo per creare il Trauma Table, un pezzo che trasforma il legno in un tavolo dal design sorprendente.

La mostra non si limita solo a opere di design, ma solleva anche domande importanti sull'impatto del consumo e sul potere della riparazione. Ogni oggetto scartato porta con sé una moltitudine di possibilità, se solo si riesce a guardare da una prospettiva diversa.

Le opere sono state messe all'asta il 20 settembre, con i proventi devoluti a Camden Giving, un'iniziativa locale che supporta progetti comunitari. Unbroken non è solo un'esposizione, ma un invito a riflettere sul nostro rapporto con gli oggetti e sull'importanza di dare loro una seconda vita.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

La Magia della 18esima Quadriennale di Roma: Un Viaggio nell'Arte Contemporanea

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Un nuovo capitolo si apre al Palazzo delle Esposizioni di Roma, un luogo che si trasforma in un palcoscenico per l’arte contemporanea, ospitando la 18esima edizione della Quadriennale. L’evento, che celebra l’arte italiana degli ultimi 25 anni, si presenta sotto l’egida di un tema evocativo: Fantastica. Un termine che, nella sua duplice accezione, invita a riflettere sulla meraviglia e sull’immagi...

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Con la curatela di cinque esperti, il progetto riunisce cinquantiquattro artisti viventi, tra cui molti volti nuovi, in un dialogo che abbraccia stili e linguaggi diversi. Questa edizione, che segna un traguardo significativo, è anche un tributo alla memoria del presidente Luca Beatrice, scomparso prematuramente.

La mostra si snoda attraverso 2000 metri quadri di spazio espositivo, presentando 187 opere, molte delle quali create appositamente per l’occasione. Ogni sezione, curata con maestria, offre un’esperienza immersiva, invitando il visitatore a scoprire le traiettorie artistiche che contraddistinguono il nostro tempo.

In aggiunta, l’esposizione storica I giovani e i maestri: la Quadriennale del 1935, curata da Walter Guadagnini, rende omaggio alle radici di questo evento, evocando un senso di continuità tra passato e presente. L’architettura dell’allestimento, firmato da BRH+/ Barbara Brondi & Marco Rainò, gioca con i vuoti e i pieni, creando un’atmosfera in cui l’arte vive e respira.

La Quadriennale non è solo una mostra, ma un progetto espositivo corale che si arricchisce di performance e incontri, rendendo l’esperienza di visita ancora più coinvolgente. Fantalk, il public program a cura di Nicolas Ballario, stimola discussioni attuali, riflettendo le suggestioni delle opere esposte. In un momento in cui Roma si riafferma come un centro culturale vitale, la Quadriennale si presenta come un faro luminoso per l’arte contemporanea.

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Eindhoven e il Design: Dove il Futuro Prende Forma

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Nel cuore dell’Olanda, Eindhoven si erge come un faro di creatività e innovazione, un luogo dove il design non è solo un mestiere, ma una filosofia di vita. Ogni ottobre, la città si trasforma in un laboratorio vivente, accogliendo la Dutch Design Week (DDW), un evento che celebra la bellezza della collaborazione e l'immaginazione senza confini. Quest’anno, con oltre 2.500 designer coinvolti, l’at...

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La DDW, giunta alla sua 25esima edizione, è molto più di una semplice esposizione; è un palcoscenico dove le idee si intrecciano, si confrontano e si trasformano in prototipi. Tutto ciò avviene sotto il tema ‘Passato, Presente, Possibile’, un invito aperto a riflettere sul percorso compiuto e sulle future possibilità del design. I visitatori si troveranno immersi in un caleidoscopio di installazioni, mostrando come il design possa influenzare la società in modi inaspettati, dall’innovazione tecnologica alla sostenibilità.

Ma cos’è che rende la DDW così speciale? È l’energia pulsante che si percepisce ad ogni angolo, un miscuglio di sperimentazione e tradizione, dove giovani talenti e designer affermati collaborano per dare vita a progetti che non solo commentano il mondo, ma che agiscono al suo interno. Questo dialogo intergenerazionale è fondamentale per mantenere viva la fiamma del design, unendo l'urgenza dei giovani con la saggezza di chi ha già tracciato un percorso.

In un contesto in continua evoluzione, Eindhoven si impegna a proteggere il suo battito creativo. L'iniziativa ‘Design Development Eindhoven’ nasce con l'obiettivo di garantire che i designer possano continuare a vivere e lavorare nella città, senza essere sopraffatti dall'espansione tecnologica. Perché la creatività non è solo un elemento decorativo; è essenziale per la qualità della vita.

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L'Architettura Ondulata del Centro Sportivo Hushan: Un Nuovo Icona di Jiangshan

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Nel cuore pulsante di Jiangshan, dove le montagne sfiorano il cielo e i fiumi danzano tra le valli, sorge l'Hushan Swimming Center, un capolavoro architettonico firmato LYCS Architecture. Questo centro sportivo rappresenta la prima struttura di livello professionale in grado di ospitare competizioni nazionali di nuoto, con una superficie di 14.244 metri quadrati, dove ogni angolo racconta una stor...

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Immaginate un luogo dove la competizione si intreccia con la quotidianità, dove un pool olimpionico a otto corsie si affianca a uno spazio di allenamento di sei corsie, entrambi profondi due metri, pronti ad accogliere atleti e cittadini in un abbraccio di sport e comunità. Situato ai piedi del maestoso Hushan, il centro si affaccia sul porto di Jiangshan, unendo in un unico respiro la forza della natura e l’energia umana.

La progettazione, ispirata dal tema del 'fiume e della montagna', abbraccia le linee morbide e ondulate del paesaggio circostante, creando un linguaggio architettonico che si fonde con l’ambiente. La facciata, composta da 2.943 pannelli metallici unici, si presenta come una pelle squamosa che cattura la luce e il movimento, richiamando l’immagine dell’acqua che scorre e delle cime montuose.

Ogni dettaglio è pensato per ottimizzare l’esperienza dell’utente: la circolazione duale separa atleti e spettatori, creando un flusso armonioso durante le manifestazioni. L’ingresso principale, caratterizzato da un tetto ripiegato verso l’interno, invita a esplorare spazi condivisi, dove pubblico e atleti possono incontrarsi e interagire.

Internamente, le travi esposte si estendono fino a 48 metri, rivelando una logica strutturale audace e una scala imponente. Le pareti e i soffitti, con finiture modulari e pannelli metallici colorati, creano un ambiente funzionale e riconoscibile, capace di trasformarsi in un palcoscenico per eventi sportivi e attività comunitarie. Le partizioni retrattili offrono flessibilità spaziale, adattandosi alle esigenze di ogni evento.

Il Centro Sportivo Hushan non è solo una piscina, ma un simbolo di sviluppo urbano e culturale, una testimonianza di come l’architettura possa rispondere alle esigenze contemporanee di adattabilità ed efficienza. Con la sua forma che abbraccia il paesaggio, si erge come un faro di innovazione e comunità, pronto a scrivere nuove pagine nella storia dello sport a Jiangshan.

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L'Essenza della Natura nel Design: Scopri il Mindcraft Project di Copenhagen

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Nel cuore di Copenhagen, dove l'arte del design si intreccia con la bellezza della natura, si svolge il Mindcraft Project. Questa esposizione annuale celebra l'innovazione e la creatività, presentando opere che riflettono le geometrie naturali e le leggi fisiche che governano il nostro mondo. Ogni anno, un gruppo selezionato di talentuosi designer danesi si riunisce per dare vita a pezzi unici, in...

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Il curatore di quest'edizione, Pil Bredahl, ha sfidato i partecipanti a esplorare questi concetti attraverso una lente contemporanea. Tra le opere più suggestive, troviamo gli sgabelli di legno curvato di Anne Dorthe Vester, che richiamano l'estetica delle prime tavole da surf e delle pagaie tradizionali. Questi sgabelli, chiamati Ro, sono un perfetto esempio di come il design possa fondersi con la funzionalità e la bellezza.

Ma non è solo il legno a raccontare storie in questo progetto. L'artista tessile Lærke Lillelund ha portato il suo approccio innovativo, creando pendenti scultorei che sembrano alghe colorate in movimento, frutto di tecniche giapponesi di shibori. Ogni pezzo è una sinfonia di colori e materiali, che trasmette un senso di fluidità e connessione con l'oceano.

La varietà dei materiali utilizzati nella mostra è sorprendente: dal vetro alla terra, dal legno ai tessuti, ogni elemento racconta una storia di trasformazione e rispetto per l'ambiente. I designer Bendixen e Baruël, ad esempio, hanno creato sculture in legno utilizzando rami salvati da progetti di disboscamento, esplorando le possibilità architettoniche delle strutture naturali.

La mostra del Mindcraft Project è un viaggio attraverso la creatività danese, un'opportunità per vedere come l'arte e la natura possano fondersi in un dialogo senza tempo. I visitatori possono immergersi in un mondo dove la tradizione si incontra con l'innovazione, e il risultato è un design che non solo abbellisce gli spazi, ma invita a riflettere.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Pentagram presenta il nuovo logo di Austin ispirato alla sua bellezza naturale

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Pentagram presenta il nuovo logo di Austin ispirato alla sua bellezza naturale L'agenzia di design Pentagram ha recentemente svelato il nuovo logo per la città di Austin, Texas. Questo logo, caratterizzato da archi verdi e blu, rappresenta il paesaggio circostante e le risorse naturali della città. Sebbene il logo sia stato presentato come parte di un'iniziativa di rebranding da 1,1 milioni di dol...

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Il nuovo logo si distingue per due archi che si intersecano, formando una lettera "A" inclinata, simbolizzando la "bellezza naturale" di Austin, come dichiarato da DJ Stout, partner di Pentagram. L'arco blu in primo piano rappresenta le abbondanti risorse idriche della città, inclusi il fiume Colorado e Barton Springs, mentre il verde simboleggia la posizione di Austin all'inizio della fertile Hill Country del Texas.

Questo progetto di rebranding è stato realizzato in collaborazione con lo studio locale TKO Advertising e mira a stabilire un'identità grafica coerente per i servizi governativi della città, che, secondo Stout, non ha mai avuto un vero sistema di identità dai tempi della sua fondazione. "Ci sono oltre 300 variazioni di logo esistenti che presentano un'identità di marca disordinata e caotica per questa città moderna e in crescita," ha affermato Stout.

Nonostante le critiche iniziali sui social media, Pentagram ha scelto di puntare sulla bellezza naturale di Austin, rifiutando motivi più tradizionali e governativi, come una palette di rosso, bianco e blu, che erano stati scartati da focus group locali. "Austin è un'isola blu in uno stato prevalentemente rosso," ha aggiunto Stout, evidenziando l'indipendenza mentale della città.

Il logo è stato scoperto in anticipo a causa di una fuga di notizie, che ha complicato ulteriormente la situazione, contribuendo a malintesi e critiche. "Sapevamo che qualsiasi cosa mostrata al pubblico sarebbe stata controversa, ma queste circostanze sfortunate hanno reso tutto più difficile," ha concluso Stout.

Il nuovo logo di Austin rappresenta un passo significativo verso la creazione di un'identità di marca coerente per la città, riflettendo il suo spirito e la sua bellezza naturale.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Un Cortile Verde: L'Anima di una Casa-ufficio Ibrida a Bangkok

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In una Bangkok frenetica, dove il cemento e l'asfalto sembrano dominare ogni angolo, emerge un'opera che sfida le convenzioni: P Home, una casa-ufficio ibrida conçepita dallo studio Krubka. Qui, la natura non è un semplice accessorio, ma il cuore pulsante di un'abitazione che si snoda in verticalità, abbracciando la luce, l'aria e il verde in ogni sua sfumatura.

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Occupando un lotto urbano di 400 mq, questa struttura compatta non solo ospita uffici in affitto e uno studio privato, ma diventa anche un rifugio familiare. L'architettura non si limita a separare le funzioni, ma crea un dialogo continuo tra gli spazi grazie a vuoti luminosi e aperture che permettono alla ventilazione naturale e alla luce di penetrare in profondità. Al centro di questo progetto, un cortile aperto, ancorato da un maestoso albero di Crescentia alata Kunth, diventa il cuore pulsante della casa, un luogo di incontro tra interni, clima e luminosità.

Nel disegno di P Home, la verticalità gioca un ruolo cruciale. Il parcheggio al piano terra accoglie i visitatori, mentre gli uffici si trovano al secondo piano e nel mezzanino. La casa, invece, si estende sul terzo piano e nel mezzanino superiore. Questa disposizione crea un fluido percorso di accesso, favorendo transizioni morbide tra gli spazi e attutendo la densità urbana. Una scala di acciaio rosso funge da controparte delicata al rigore del calcestruzzo a vista, permettendo agli utenti degli uffici di risalire facilmente, mentre i residenti accedono all'abitazione tramite un ascensore privato.

Il soggiorno richiede un rito silenzioso: attraversare il cortile sotto il grande albero di Crescentia prima di entrare nella sala doppia. È un gesto semplice, ma carico di significato, che sottolinea l'importanza della natura nella vita quotidiana. Grandi porte scorrevoli, lucernari e un tendaggio di tessuto retrattile portano luce, brezza e protezione dalla pioggia, mentre interni minimali mettono in risalto le qualità dei materiali: calcestruzzo a vista, blocchi di vetro e mattoni forati che plasmano giochi di luce e ombra. Così, P Home diventa un santuario, dove calcestruzzo, clima e vita umana coexistono in perfetta armonia.

Con P Home, Studio Krubka ci invita a riflettere su come l'architettura possa rimanere aperta, respirabile e connessa alla natura, anche nel cuore di una metropoli densamente popolata. La progettazione verticale non solo ottimizza lo spazio, ma invita la luce naturale e il flusso d'aria tropicale a penetrare in ogni livello. Il cortile centrale, presente solo nella zona residenziale, non è solo un dispositivo climatico, ma rappresenta un simbolo, un punto di incontro tra la vita quotidiana e il ritmo naturale.

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Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.designboom.com.

Cersaie 2025: La Ceramica Tra Innovazione e Design Avanguardistico

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Cersaie 2025: La Ceramica Tra Innovazione e Design Avanguardistico Il Cersaie 2025, il Salone Internazionale della Ceramica per l’Architettura e dell’Arredobagno, ha presentato un'ampia gamma di novità nel settore della ceramica. Tra texture 3D e soluzioni hi-tech, le aziende hanno dimostrato come la ceramica possa reinventarsi, offrendo infinite possibilità per l'arredamento degli interni e degl...

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I Nuovi Rivestimenti e Formati

Nei padiglioni di Bologna, sono emerse innovazioni che spaziano dai mini formati da comporre come puzzle a maxi lastre sempre più leggere. I rivestimenti in gres effetto pietra e cemento continuano a dominare, ma con aggiornamenti significativi. Mentre i marmi policromi lasciano spazio a materiali lapidei più neutri, le palette si arricchiscono di toni delicati come grigi e beige.

Il Ritorno del Colore e delle Texture

Un trend significativo emerso è il ritorno del colore, con piastrelle cariche e vitaminiche. Formati più piccoli, come le quadrotte 10x10 e 15x15, si affiancano a formati rettangolari, portando un tocco di vivacità agli ambienti. Gli effetti tridimensionali, cannettati e prismatici, danno vita a pareti dinamiche e coinvolgenti.

Decorazioni e Pavimenti Ispirati al Passato

I rivestimenti decorativi, con fantasie floreali e geometrie ispirate agli azulejos iberici, offrono un modo unico per movimentare gli spazi. Anche i pavimenti effetto terrazzo e cotto, con cartelle colori sempre più ampie, si integrano perfettamente con le proposte più essenziali, facilitando la scelta per i progettisti.

Innovazione Tecnologica e Sostenibilità

Dal punto di vista tecnico, le aziende si stanno concentrando su lastre più sottili e resistenti, riducendo così l'uso di materie prime. La creazione di effetti superficiali innovativi, che variano dalla mano ruvida alla finitura setosa, è il risultato di un’accurata ricerca. Inoltre, si stanno esplorando nuove amalgame cementizie per realizzare rivestimenti dal design audace e moderno.

In conclusione, il Cersaie 2025 ha dimostrato che la ceramica non è solo un materiale funzionale, ma anche un mezzo espressivo che continua a sorprendere con la sua versatilità e innovazione. Con nuovi rivestimenti e formati, la ceramica si prepara a essere protagonista nelle case del futuro.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su living.corriere.it.

Il Teatro del Futuro: Un Viaggio nel Design Sostenibile

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Nel cuore pulsante di Christchurch, un nuovo capitolo di architettura e cultura sta per aprirsi. Il Teatro Court, disegnato dal celebre studio Haworth Tompkins, non è solo un luogo di spettacolo, ma un manifesto di sostenibilità e innovazione. Con una superficie di 3700 m², questa meraviglia architettonica rappresenta un perfetto equilibrio tra estetica e funzionalità.

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Immaginate un edificio dove ogni dettaglio è stato pensato per ridurre l'impatto ambientale. La partnership tra il consiglio comunale di Christchurch e il Teatro Court si fonda su un obiettivo comune: creare uno spazio che non solo accolga il pubblico, ma che possa raccontare una storia di rispetto per la natura e il futuro. Ogni materiale, dalla legno di Abodo agli elementi acustici di Autex, è stato scelto con cura per garantire una qualità e una sostenibilità senza pari.

È questo il futuro del teatro? Una fusione di arte e scienza, dove il design incontra le esigenze di una comunità in crescita. Il team di progettazione, composto da nomi illustri come Roger Watts e Steve Tompkins, ha lavorato instancabilmente per trasformare questa visione in realtà. Con l'ausilio di ingegneri e architetti paesaggisti, hanno creato un'esperienza immersiva che abbraccia l'innovazione a 360 gradi.

Ma il Teatro Court non è solo un luogo per le performance. È uno spazio dove le idee possono germogliare, dove ogni spettacolo può risuonare non solo nelle orecchie degli spettatori, ma anche nel loro cuore. Un luogo dove la cultura si intreccia con la sostenibilità, creando un ciclo virtuoso di ispirazione e responsabilità.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

Esplorando l'industria dell'illuminazione: il nuovo numero di Dezeen Agenda USA

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Esplorando l'industria dell'illuminazione: il nuovo numero di Dezeen Agenda USAIl recente numero della nostra edizione americana di Dezeen Agenda presenta un'intervista con Bruce Hannah sullo stato del design dei mobili e un'indagine su come i marchi di illuminazione statunitensi stanno innovando. Iscriviti oggi stesso!

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Con la riapertura dell'ufficio di architettura di Donald Judd a Marfa, dopo il restauro, questa edizione di Dezeen Agenda si concentra sul design dei mobili. L'industrial designer Hannah ha dichiarato a Dezeen che i designer di mobili di oggi stanno lavorando con "ingredienti migliori". La Morrison Hannah Task Chair è stata ripubblicata lo scorso anno con Knoll. "La ricetta non è cambiata, ma gli ingredienti sono cambiati in gran parte in meglio," ha affermato Hannah.

In un campo correlato, la reporter di Dezeen, Ellen Eberhardt, indaga su come le aziende di illuminazione americane stiano utilizzando la stampa 3D e la produzione digitale per cercare di riparare l'industria dell'illuminazione, definita "estremamente rotta". La californiana Gantri ha recentemente aperto una fabbrica dotata di oltre 1.000 stampanti 3D.

Altrove nella newsletter, mettiamo in evidenza un trio di progetti di ospitalità a New York, dal restauro del Waldorf Astoria a cura di SOM, al ristorante più recente del Rockwell Group nel Flatiron District e un hotel all'interno di una locanda del 1917 a NoHo. L'ultima newsletter ha anche presentato il progetto più recente completato da Herzog & de Meuron a Filadelfia e una cabina in legno nello Stato di Washington elevata su colonne d'acciaio.

L'edizione USA di Dezeen Agenda è una newsletter curata inviata ogni secondo venerdì, contenente notizie di rilevanza, opinioni, interviste e progetti provenienti da tutta l'America. Leggi l'ultima edizione di Dezeen Agenda USA o iscriviti qui. Puoi anche iscriverti alle nostre altre newsletter; l'edizione globale di Dezeen Agenda è inviata ogni giovedì e contiene una selezione dei principali eventi della settimana.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Rivoluzione Verde: Incentivi Potenziati per le Pompe di Calore e il Futuro Sostenibile

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Nel vasto teatro dell'energia, dove le sfide si intrecciano con le opportunità, l'Italia si prepara a scrivere un nuovo capitolo della sua storia energetica. Le pompe di calore, simbolo di un futuro sostenibile, si trovano al centro di un rinnovato slancio grazie a incentivi potenziati. È un momento di svolta, una danza delicata tra innovazione e tradizione, in cui l'efficienza energetica si fonde...

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Recentemente, il governo ha accolto con favore la direttiva Red III, un passo fondamentale verso l'aumento della quota di rinnovabili. Non si tratta solo di numeri, ma di un ambizioso progetto che prevede un incremento costante della capacità installata, con l'obiettivo di superare le vecchie abitudini e abbracciare il nuovo. La quota di rinnovabili, infatti, dovrà crescere dell'1,1% all’anno dal 2026 al 2030, un impegno che non lascia spazio a compromessi.

Uno dei punti salienti di questo decreto è la possibilità di installare pompe di calore anche in aggiunta a caldaie recenti, segnando un cambiamento significativo nel modo in cui concepiamo il riscaldamento. Non più una semplice rottamazione, ma un invito a integrare tecnologie avanzate in un sistema esistente, creando un equilibrio tra efficienza e praticità. La trasformazione energetica non è solo una questione di installazioni, ma di cultura e consapevolezza.

Ma non finisce qui. L'edilizia avrà un ruolo cruciale in questa metamorfosi. Le ristrutturazioni non saranno più solo un atto di rinnovamento estetico, ma un'opportunità per adottare soluzioni energetiche che rispettino l'ambiente. Almeno il 20% dei consumi per l'acqua calda sanitaria dovrà provenire da fonti rinnovabili, un segnale chiaro di come ogni scelta edilizia possa contribuire a un futuro più verde.

In questo contesto, gli incentivi non sono solo numeri su un foglio, ma l'incarnazione di un sogno collettivo di sostenibilità. Le pompe di calore add on, installate in sinergia con caldaie di recente installazione, rappresentano la chiave per un approccio più intelligente all'energia. È un modo per abbracciare il cambiamento senza sacrificare il passato, per costruire ponti tra ciò che è stato e ciò che può essere.

Insomma, l'Italia si trova davanti a una straordinaria opportunità. Con questi incentivi, siamo chiamati a essere pionieri in un'era di rinnovabili, dove ogni scelta conta e ogni gesto verso la sostenibilità può fare la differenza. È tempo di alzare lo sguardo e abbracciare il futuro che ci attende, un futuro in cui le pompe di calore non saranno solo apparecchi, ma simboli di un'era nuova.

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Scaffale in Marmo Plastico: Arredamento Riconfigurabile da Materiali Riciclati

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Nel mondo del design contemporaneo, dove l'innovazione e la sostenibilità si intrecciano come due amanti appassionati, emerge un gioiello: lo scaffale in marmo plastico. Progettato da DLS World Official in collaborazione con WOULD YOU LOVE Seoul, questo sistema di arredamento modulare non è solo una semplice struttura, ma una vera e propria ode alla creatività e alla responsabilità ambientale.

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Il cuore pulsante di questo progetto è il marmo plastico, un composito realizzato da scarti industriali riciclati. Ogni pannello racconta una storia unica, con un motivo marmoreo che varia a seconda della miscela e del processo di recupero dei materiali. Qui, ogni imperfezione diventa un tratto distintivo, una celebrazione della diversità intrinseca dei materiali riciclati, trasformandoli in un simbolo di individualità visiva.

La struttura dello scaffale è pensata per una facile assemblabilità: un sistema di clip-joint personalizzato consente di montare e smontare senza l'ausilio di strumenti, rendendo l'operazione un gioco da ragazzi. Gli elementi si incastrano con precisione, eliminando l'uso di viti o adesivi. Questo metodo di costruzione non solo facilita la vita dell'utente, ma riflette anche un approccio architettonico all'arredamento, dove la flessibilità e la riutilizzabilità dei materiali sono al centro del processo.

Funzionalmente, il design si adatta a qualsiasi esigenza: i moduli possono essere combinati per creare tavoli, unità di scaffalatura o pareti di stoccaggio più ampie, rispondendo alle necessità spaziali e pratiche di chi li utilizza. Questa adattabilità fa sì che il Plastic Marble Display Shelf non sia solo un mobile, ma un compagno di viaggio che evolve insieme ai tuoi bisogni.

In un'epoca in cui l'attenzione verso l'ambiente è più vitale che mai, lo scaffale in marmo plastico si erge come un esempio di design circolare. Non si tratta solo di un'idea di riutilizzo, ma di un processo formale e funzionale che integra la sostenibilità nell'estetica e nella logica degli oggetti quotidiani.

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Rivoluzione del Gioco: Zoii Kids e l'Architettura di Tommasi

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Nel cuore pulsante di Padova, dove le storie si intrecciano tra le vie storiche e l'arte si fa quotidianità, sorge un luogo dedicato ai più piccoli: Zoii Kids. Qui, l'architettura non è solo un involucro, ma un gioco di forme e colori, un abbraccio che invita i bambini a esplorare e a sognare.

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Progettato dallo studio Architettura Tommasi, questo spazio retail di 50 metri quadrati è una danza armoniosa tra il patrimonio architettonico e il design contemporaneo. Situato a pochi passi da Piazza dei Signori, il negozio si presenta come un rifugio ludico, dove ogni angolo è pensato per stimolare la curiosità e l’immaginazione dei bambini.

La ristrutturazione ha saputo mantenere il rispetto per l’eredità storica del luogo, integrando elementi moderni che creano un'atmosfera giocosa. Ogni dettaglio, dalla scelta dei materiali all’illuminazione curata da iGuzzini, è stato studiato per trasformare l’esperienza di acquisto in un’avventura. Sedie colorate di Sitland invitano a sostare, mentre le finiture in legno di Artwood raccontano storie di calore e accoglienza.

Ma non è solo un negozio: è un laboratorio di idee, un luogo dove i bambini possono interagire con l'ambiente che li circonda, imparando a scegliere e a sognare. La ristrutturazione è stata curata nei minimi dettagli, dalla selezione dei materiali fino alla restaurazione di elementi preesistenti affidata a Soppelsa, per garantire un equilibrio perfetto tra antico e nuovo.

In questo spazio, il confine tra il gioco e la realtà si dissolve, e ogni visita diventa un'opportunità per scoprire, esplorare e, perché no, anche inventare. Zoii Kids non è solo un negozio di abbigliamento: è un viaggio nel mondo dell'infanzia, dove ogni bambino può sentirsi protagonista di una storia unica.

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Formatech: L’Arte di Riscoprire i Materiali nel Design Contemporaneo

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Nel cuore pulsante del design contemporaneo, dove ogni superficie racconta una storia e ogni scelta riflette un valore, emerge Formatech, una collezione di ceramica in gres porcellanato concepita da Florim in collaborazione con Gensler. Non si tratta semplicemente di un prodotto decorativo, ma di un sistema di design flessibile, un viaggio attraverso l'evoluzione dei materiali fondamentali come il...

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Formatech è un dialogo continuo tra l'abilità industriale di Florim e la visione creativa di Gensler. In un'epoca in cui l'architettura richiede sempre più autenticità e consapevolezza ambientale, questa collezione si propone come una riflessione sulla trasformazione, la durevolezza e la responsabilità. Ogni piastrella conserva le tracce del tempo, le impronte degli strumenti e le patine che raccontano esperienze vissute, rendendo le superfici non solo elementi estetici, ma veri e propri strumenti architettonici.

Il nome Formatech, che unisce il concetto di 'forma' e 'tecnologia', sottolinea l'equilibrio tra prestazioni estetiche e tecniche. Piuttosto che imitare, la collezione interpreta, cristallizzando i materiali in fasi specifiche del loro ciclo di vita. Con tre finiture distinte—Cast, che richiama le inclusioni e gli aggregati del cemento; Forge, ispirata alle variazioni cromatiche del metallo ossidato; e Cure, una versione minimale dell'intonaco—Formatech offre soluzioni versatili e coerenti, adattabili a una vasta gamma di applicazioni architettoniche.

Questa collezione è il frutto di un intenso dialogo tecnico e creativo, capace di esplorare l'inclinazione naturale della materia a cambiare. Con una tecnologia decorativa all'avanguardia, che include grafiche a tampone, applicazioni cromatiche digitali e materiali tridimensionali, Formatech non solo raggiunge una ricchezza visiva, ma garantisce anche la resilienza necessaria nei contesti architettonici più impegnativi. Ogni finitura offre variazioni di lucentezza e texture, rendendo ogni superficie unica e irripetibile.

La sostenibilità è un pilastro fondamentale della collezione Formatech. Prodotta in stabilimenti alimentati fino al 100% da energie rinnovabili, essa contiene fino al 60% di materiali riciclati. Ogni fase della produzione è pensata per recuperare e riutilizzare rifiuti e acque reflue, inserendo la collezione nell'ambito del progetto CarbonZero di Florim, che mira a compensare le emissioni di CO₂ lungo l'intero ciclo di vita del prodotto. Essere una Benefit Corporation e una B Corp certificata significa per Florim non solo innovare nel design, ma anche fare una scelta responsabile per un'architettura orientata al futuro.

In conclusione, Formatech rappresenta un delicato equilibrio tra autenticità e innovazione, dove il gres porcellanato diviene sia espressivo che funzionale. La collezione invita a esplorare come le superfici ceramiche possano riflettere l'essenza degli elementi grezzi, restituendo la verità formale di materiali come cemento, metallo e intonaco in una dimensione accessibile e duratura.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

Architettura come Argomento: Comprendere il Pensiero Architettonico

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Architettura come Argomento: Comprendere il Pensiero Architettonico L'architettura non è definita solo dagli edifici, ma dalle idee che li rendono possibili. Prima delle limitazioni di capitale, regolamenti e approvvigionamenti, c'è un momento in cui l'architettura è libera di esprimere il proprio pensiero. Questo primo confronto con questo momento fertile avviene spesso nel contesto accademico, ...

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Per molti, la tesi rappresenta anche la prima opportunità di pensare oltre la struttura dei programmi accademici: una prima occasione per esplorare qualcosa di più personale, irrisolto o addirittura irragionevole. Sebbene spesso vista come un punto di arrivo, la tesi è meglio compresa come un inizio: il primo coinvolgimento con l'architettura come forma di ragionamento, dove il progetto non è ancora una risposta, ma una domanda.

In questo contesto, è fondamentale riconoscere che l'architettura richiede di "pensare" con un approccio critico, mettendo in discussione le convenzioni e i limiti imposti. La tesi diventa così un laboratorio di idee, un momento in cui gli studenti possono esplorare le loro visioni e confrontarsi con le sfide del mondo reale.

In conclusione, il pensiero architettonico è un viaggio di scoperta che inizia con la tesi, un processo che invita a riflettere, esplorare e, soprattutto, a porre domande.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su ArchDaily Global.

Il Libro delle Opere: Un Viaggio nell'Arte di Michele De Lucchi

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Nel silenzio di un atelier, tra pennelli e tele, si cela un universo di storie e colori: questo è il Libro delle Opere, un inno all'arte concepito da Michele De Lucchi. Immaginate, se volete, un registro meticoloso dove ogni pagina è un battito di cuore, un respiro di creatività che si fonde con la vita quotidiana. Qui, l’artista non solo annota i suoi lavori, ma cattura l'essenza stessa del suo v...

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Un insieme di dettagli: vendite, acquisti, tecniche e materiali utilizzati, trasformano queste pagine in un diario intimo, un racconto che si snoda come un filo sottile tra emozione e professione. Non è solo un elenco di opere, ma un racconto di esperienze, un archivio di ricordi che testimoniano la passione e la dedizione di un artista moderno, lontano dalle luci della ribalta, ma profondamente presente nel mondo dell'arte.

Ogni opera racchiude in sé non solo la visione del suo creatore, ma anche il dialogo silenzioso con i suoi acquirenti, le storie di chi ha scelto di portare un pezzo di quell'universo nelle proprie vite. Così, le pagine del Libro delle Opere diventano il palcoscenico di un’esistenza dedicata all’arte, dove ogni tratto è un passo, e ogni colore è un’emozione vibrante.

In un mondo che corre veloce, De Lucchi ci invita a fermarci, a riflettere, a osservare. In questo libro, l’arte non è solo un gesto estetico, ma un modo di essere, un modo di raccontare il mondo attraverso gli occhi di un artista che ha scelto di vivere in modo autentico.

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Le immagini in questo articolo sono reinterpretazioni visive generate con l'ausilio dell'Intelligenza Artificiale. Le immagini originali di riferimento sono disponibili nell'articolo fonte.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su micheledelucchi.substack.com.

Innovazione Sismica: Scopri il Potenziale del Sistema NPS®

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Innovazione Sismica: Scopri il Potenziale del Sistema NPS® Il Sistema NPS® rappresenta una svolta significativa nel campo delle costruzioni sismiche. Progettato per garantire maggiore sicurezza e durabilità, questo innovativo sistema a telaio misto acciaio-calcestruzzo è stato sviluppato per rispondere alle esigenze di edifici in zone ad alta sismicità.

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Durante il World Conference on Earthquake Engineering (WCEE) 2024, Tecnostrutture presenterà un intervento che mette in luce i vantaggi del Sistema NPS®, frutto di un lavoro di ricerca collaborativa con l’Università di Washington.

Vantaggi del Sistema NPS®

Velocità di realizzazione: La prefabbricazione dei componenti consente una costruzione più rapida.
Miglioramento della sicurezza: Riduce i rischi in cantiere durante le fasi di costruzione.
Durabilità: Strutture progettate per resistere nel tempo, anche in caso di eventi sismici.

Il telaio strutturale NPS®, composto da colonne saldate in acciaio e travi autoportanti, offre prestazioni superiori rispetto ai tradizionali telai in calcestruzzo armato. Con il suo design innovativo, il Sistema NPS® permette una migliore dissipazione dell'energia in caso di sollecitazioni sismiche, garantendo un'elevata resistenza e duttilità.

Progettazione e Applicazioni

Il Sistema NPS® si presta a molteplici applicazioni, inclusi edifici strategici come ospedali e strutture direzionali. La progettazione avviene attraverso un approccio integrato che include l'uso di tecnologie di calcolo avanzate e metodologie BIM.

Grazie alla sua capacità di raggiungere elevati standard di prestazione sismica, il Sistema NPS® si propone come una soluzione ideale per chi cerca un'alternativa alle tradizionali costruzioni in calcestruzzo armato. Con il giusto approccio progettuale, è possibile superare le performance richieste dalle normative vigenti.

In conclusione, il Sistema NPS® non è solo un'innovazione tecnica, ma una risposta concreta alle sfide del futuro nella progettazione di edifici sicuri e sostenibili.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.tecnostrutture.eu.

Foster + Partners Reinventa il Megayacht con il Nuovo Concetto 'Outlier I'

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Foster + Partners Reinventa il Megayacht con il Nuovo Concetto 'Outlier I' Foster + Partners, noto studio di architettura britannico, ha presentato il suo innovativo concetto di megayacht, Outlier I, durante il Monaco Yacht Show. Con una lunghezza di 88 metri, questo yacht rappresenta un'evoluzione nel design marittimo, combinando l'architettura con l'ingegneria navale avanzata.

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L'Outlier I è frutto di una collaborazione con Lateral Engineering e si distingue per la sua struttura elegante e funzionale. Le linee orizzontali di vetro che attraversano lo scafo scuro offrono un'estetica raffinata, mentre le terrazze angolate creano una geometria stratificata che cattura l'attenzione.

Una delle innovazioni più significative di questo concept è la posizione del motore, spostato verso prua, liberando così le sezioni centrali e posteriori da vincoli meccanici. Questo ha permesso di progettare spazi interni senza interruzioni, con atri a doppia altezza che conferiscono una qualità spaziale rara nel mondo dei megayacht.

Interni Ampi e Luminosi

All'interno, l'Outlier I offre un'atmosfera di apertura e luminosità. Un atrio centrale alto e spazioso inonda la nave di luce naturale, grazie a vetrate dal pavimento al soffitto che incorniciano viste spettacolari del mare. I materiali scelti, come legno chiaro e tessuti morbidi, creano un ambiente raffinato e accogliente.

Con circa il 40% di spazio in più rispetto ad altri yacht della stessa lunghezza, l'Outlier I vanta terrazze e promenade esterne più ampie. Il ponte posteriore, dotato di piscina e elipista, si estende verso le acque, offrendo spazi all'aperto per il relax e la socializzazione.

Progettato per la Personalizzazione

Nonostante la sua lunghezza di 88 metri, l'Outlier I ha un dislocamento di 2000 GT, che facilita l'ormeggio e supporta le comodità di un'imbarcazione molto più grande. Ogni layout è personalizzabile, rendendo questa nave adatta sia per ritiri intimi che per grandi eventi sociali.

Con un design pensato per crociere costiere e viaggi prolungati, l'Outlier I è pronto per avventure esplorative. Il suo telaio interno flessibile permette di variare le configurazioni, da suite private a zone multifunzionali per l'intrattenimento.

Il concetto Outlier I rappresenta una nuova era nel design dei megayacht, unendo comfort e adattabilità in modo inedito.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su designboom | architecture & design magazine.

L'Arte del Suono: Le Pannelli Acustici di Emma Hayes per Autex

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In un mondo dove il rumore si insinua in ogni angolo, Emma Hayes propone una sinfonia visiva e acustica, un incontro tra arte e funzionalità. Collaborando con Autex Acoustics, l'innovativa designer ha dato vita a una collezione di pannelli acustici che non solo attutiscono i suoni, ma trasformano gli spazi in opere d'arte ispirate ai paesaggi mozzafiato della Nuova Zelanda.

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Ogni pannello, parte di una serie di otto straordinarie creazioni, è caratterizzato da motivi che richiamano le delicate sfumature delle acque e della vegetazione, conferendo agli interni una qualità pittorica che cattura lo sguardo e calma l'anima. Questo approccio artistico è il risultato di metodi analogici che Hayes ha affinato nel tempo, fondendo pittura, disegno e texture in un unicum di grande impatto visivo.

Ma la bellezza non è l'unico obiettivo di questa collezione. Autex Acoustics, da sempre impegnata nella sostenibilità, ha scelto di realizzare questi pannelli utilizzando il 75% di materiale riciclato, un gesto che riflette una filosofia aziendale ben precisa: ridurre l'impatto ambientale senza compromettere la qualità. Ogni pezzo è certificato come carbon-neutral, testimoniando un impegno concreto verso un futuro più sostenibile.

La collezione è stata recentemente presentata nel rinnovato showroom di Autex, situato nel cuore pulsante di Clerkenwell, Londra. Qui, l'atmosfera è stata arricchita da una collaborazione con lo studio di design Unispace, che ha creato un ambiente perfetto per esaltare le proprietà acustiche e visive delle opere di Hayes. Non è solo un luogo di vendita, ma un'esperienza immersiva.

Fondata nel 1967, Autex Acoustics si è affermata come pioniere nella produzione di materiali fonoassorbenti per uffici e spazi multifunzionali. La loro recente installazione al LA Design Festival, che evoca una foresta incantata, ha ulteriormente dimostrato la capacità del brand di combinare design e funzionalità in modo unico e affascinante.

Per scoprire di più sulla collezione di Emma Hayes e sulle altre proposte di Autex Acoustics, visita il sito ufficiale e lasciati ispirare da un mondo dove l'estetica incontra l'ecologia.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Norman Foster: 90 Anni di Visioni e Innovazioni nell'Architettura

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Nel vasto panorama dell'architettura contemporanea, il nome di Norman Foster risuona come un faro di innovazione e visione. A 90 anni, questo straordinario architetto non ha perso la sua energia, anzi, continua a ispirare generazioni con le sue idee audaci. Originario di Manchester, Foster ha iniziato il suo viaggio professionale in circostanze umili, ma con una determinazione che lo ha portato a ...

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La sua carriera prende forma in un piccolo studio, un monolocale condiviso con la moglie, e cresce fino a diventare Foster+Partners, un gigante del design con uffici in 12 paesi e oltre 2500 dipendenti. Progetti come il Millennium Bridge a Londra e il Reichstag a Berlino non sono semplici opere architettoniche; sono manifesti di come la progettazione possa migliorare la qualità della vita e promuovere la sostenibilità.

Foster non si limita a progettare edifici; egli crea spazi che raccontano storie e promuovono l'interazione sociale. La sua visione va oltre il presente; è un architetto che guarda al futuro, esplorando anche come l'intelligenza artificiale possa trasformare il modo in cui concepiamo gli spazi. “La dimensione umana”, afferma, “è insostituibile”. Questo approccio, che fonde tecnologia e sensibilità umana, è ciò che rende il suo lavoro così unico e rilevante.

Oggi, con 95 progetti in corso in 49 città, Foster continua a essere una fonte di ispirazione. Il suo consiglio ai giovani architetti è chiaro: “Accettate qualsiasi progetto che vi offra l’opportunità di innovare”. Un invito a non temere il fallimento, ma a vedere ogni esperienza come un passo verso la crescita personale e professionale.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.ad-italia.it.

Innovazione e Tradizione: La Mostra Grain Pile di Design in Legno

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Innovazione e Tradizione: La Mostra Grain Pile di Design in LegnoLa mostra Grain Pile, ospitata nell'antica caserma dei pompieri di Clerkenwell, presenta sei designer londinesi che offrono nuove interpretazioni del mobile in legno. Commissionata da Ercol e Max Radford Gallery, questa esposizione è parte del London Design Festival.

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I sei designer – Andu Masebo, Eddie Olin, Joe Armitage, Jaclyn Pappalardo, Isabel Alonso e Lewis Kemmenoe – hanno creato una varietà di pezzi, tra cui sedie, tavoli e armadi, utilizzando il legno e le attrezzature disponibili presso la vasta fabbrica di Ercol a Buckinghamshire.

Max Radford, fondatore della galleria, ha dichiarato che i designer hanno visitato la fabbrica più volte, esplorando le capacità del luogo e interagendo con il CEO di Ercol, Henry Tadros, per comprendere meglio i materiali e le tecniche di lavorazione.

Tra le opere esposte, spiccano i Seconds Stools di Masebo, realizzati con parti difettose di mobili, che conferiscono a ciascuno uno stile unico. Lewis Kemmenoe ha presentato una sedia a dondolo dal design contemporaneo, mentre Isabel Alonso ha creato dei tavoli geometrici che richiamano la forma iconica della sedia Windsor di Ercol.

Jaclyn Pappalardo ha progettato un armadietto dal nome evocativo Mezza Luna, caratterizzato da porte che si curvano verso l'interno, mentre Eddie Olin ha dato vita a una serie di panchine e tavoli con dettagli in acciaio inossidabile. Infine, Joe Armitage ha realizzato una collezione di sedie e pouf ispirati all'architettura modernista del Keeling House a Londra.

La mostra Grain Pile è un esempio brillante di come tradizione e innovazione possano fondersi, offrendo una nuova vita al legno e alla lavorazione artigianale. Non perdere l'opportunità di vedere queste opere dal 13 al 21 settembre durante il London Design Festival.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

Tre Case Vacanze Prefabbricate per Sorelle in Queensland

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Tre Case Vacanze Prefabbricate per Sorelle in QueenslandIspirato dall'amore per le vacanze in famiglia, Blok Modular ha collaborato con lo studio di architettura australiano Vokes e Peters per creare Blok Three Sisters, un trio di case vacanze prefabbricate situate sull'isola di North Stradbroke, in Queensland. Queste case sono state progettate per tre sorelle che, da bambini, trascorrevano le vac...

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Le case di Blok Three Sisters sono state prefabbricate nella fabbrica di Blok Modular a Brisbane e successivamente assemblate sul sito da un costruttore locale. Il progetto è stato inserito nella longlist della categoria housing dei Dezeen Awards 2025.

Design e Comfort

Ogni casa ha un layout identico, concepito per adattarsi alle esigenze delle famiglie nel tempo. Il piano terra di ciascuna abitazione può funzionare come un appartamento autonomo senza barriere architettoniche, ideale per accogliere parenti più anziani. Un giardino-cortile separa la camera da letto frontale dagli spazi sociali sul retro, creando un'atmosfera di intimità e privacy.

Al primo piano, si trovano due camere aggiuntive e un bagno illuminato da un lucernario. Una delle camere affaccia sul cortile centrale, mentre l'altra offre una vista sulla strada attraverso una grande finestra. Per garantire la privacy, le facciate anteriori sono dotate di finestre alte e schermature in legno bianco.

Spazi Esterni e Atmosfera Unica

Ogni casa si apre su un portico a doppia altezza, rifinito con pannelli in fibra-cemento bianchi e legno. Questi portici offrono uno spazio privato e riparato, affacciato su un giardino condiviso circondato da alberi imponenti. La zona pranzo e la cucina si aprono su questo portico tramite porte scorrevoli in vetro a tutta altezza, mentre il soggiorno elevato presenta finestre scorrevoli che offrono una vista sull'Oceano Pacifico.

Secondo Vokes e Peters, “come dispositivo spaziale archetipico, il giardino raccoglie i piaceri sensoriali dell'ambiente, insieme ai rituali domestici quotidiani.” La sensazione della brezza salina, la chiarezza della luna, e il profumo del gelsomino sono solo alcune delle esperienze che rendono queste case uniche.

In conclusione, Blok Three Sisters rappresenta un perfetto esempio di come l'architettura prefabbricata può creare spazi che non solo soddisfano le esigenze abitative, ma anche custodiscono i ricordi di famiglia e il passare del tempo.

Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su Dezeen.

FENDI SS26: Un Mondo di Colori e Pixel di Marc Newson

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Nel cuore pulsante di Milano, dove l'arte e la moda si intrecciano in un abbraccio di emozioni, si è svolto lo spettacolo FENDI SS26. Il maestro del design, Marc Newson, ha concepito un set che va oltre il semplice palcoscenico: un campo di pixel vibranti, ispirato alla composizione dei quilt e alla bellezza dei fiori. Ogni scatola, disposta in altezze e dimensioni diverse, si trasforma in un univ...

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Entrando nel Palazzo Fendi, ci si sente avvolti da un'atmosfera che ricorda l'osservazione ravvicinata di un’immagine digitale, dove i pixel, in continua mutazione, creano un paesaggio in movimento. Le modelle, sfilando, interagiscono con questo sfondo, rendendo ogni abito una parte integrante di un'opera d'arte collettiva. I colori audaci della collezione risuonano con quelli del set, creando un dialogo visivo che cattura l'attenzione e invita alla riflessione.

La collezione SS26 di FENDI non è soltanto un insieme di capi, ma un'esperienza sensoriale. Giacche strutturate, cappotti ampi e vestiti fluttuanti si stagliano contro le scatole pixelate. I materiali, che spaziano dall'organza al jacquard, dal cotone alla pelle, si combinano in un gioco di pieni e vuoti, enfatizzando le silhouette e il volume di ogni pezzo. I colori si susseguono in un'armonia di bianco, giallo, turchese, rosso, rosa e corallo, creando un'onda di emozioni che coinvolge chi osserva.

La colonna sonora, composta da Frédéric Sanchez, accompagna il tutto con melodie che richiamano il cinema italiano, l'opera e la musica elettronica, creando un ritmo che si intreccia con il movimento delle modelle e la trasformazione dei colori sul set. Ogni nota, ogni passo, ogni colore si fondono in un'esperienza unica, in cui il design di Marc Newson si fa custode di un concetto di trasformazione e bellezza.

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Calma Lounge Chair: L'Abbraccio Perfetto di Layer per Andreu World

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In un mondo dove il frastuono spesso ci sovrasta, emerge una creazione che invita al silenzio e alla contemplazione: la Calma Lounge Chair. Progettata dal talentuoso designer britannico Benjamin Hubert, attraverso il suo studio Layer, questa sedia rappresenta l'abbraccio perfetto tra forma e funzione, un rifugio per chi cerca un angolo di serenità, sia a casa che in ambienti corporate.

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Con la sua silhouette avvolgente e il morbido padding, la Calma Lounge Chair si fa cocoon per il corpo, una sorta di nido che racchiude chi vi si siede. Non si tratta di una sedia qualsiasi, ma di un pezzo di design che sfida le convenzioni: realizzata senza l'uso di colla, il suo rivestimento può essere rimosso facilmente per riparazioni o sostituzioni, un gesto che parla di sostenibilità e lungimiranza.

Ogni dettaglio è pensato per garantire un'esperienza senza pari. Il meccanismo reclinabile, ad esempio, permette di bloccare la sedia in qualsiasi posizione desiderata, evitando i soliti ingombranti pomelli o leve. Qui, una discreta linguetta in pelle all'interno del sedile diventa il segreto per un comfort personalizzato e armonioso.

Disponibile in modelli a schienale basso e alto, la Calma offre anche la possibilità di rivestire l'esterno dello schienale in compensato di noce, un tocco di eleganza che si sposa perfettamente con l'ambiente circostante. Questa sedia è consigliata per aree d'attesa, hall e lounge, dove ogni angolo può diventare un rifugio di tranquillità.

In definitiva, la Calma Lounge Chair di Layer per Andreu World non è solo un oggetto d'arredo, ma un invito a rallentare, a vivere il momento, a lasciarsi avvolgere dalla calma. È un pezzo di design che trascende il tempo e lo spazio, perfetto per chi ama circondarsi di bellezza e funzionalità.

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Shabtab Residential: La Magia degli Spazi di Confine

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Nel cuore pulsante di Qeytarieh, Tehran, si erge il progetto Shabtab, un'opera che trascende la mera architettura residenziale per abbracciare l'arte di vivere. Qui, ogni balcone non è un semplice elemento di facciata, ma diventa il fulcro stesso della creazione, un ponte tra l'intimità del focolare e l'infinita vita urbana che lo circonda.

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La visione di STUDIO SAHEB si dispiega in 3100 m² di pura innovazione, dove le linee architettoniche si intrecciano con la necessità di spazi di transizione. Le soglie morbide, pensate per accogliere e relazionare, trasformano il concetto di abitare, rendendo ogni appartamento un rifugio che si affaccia su un mondo vibrante.

La luce penetra attraverso le aperture sapientemente studiate, disegnando ombre danzanti sui pavimenti, mentre il vento si fa complice di un dialogo continuo tra interno ed esterno. Ogni dettaglio è curato con una meticolosità che parla di un'architettura consapevole, capace di rispondere alle sfide contemporanee senza dimenticare il passato.

Progetto dopo progetto, STUDIO SAHEB si distingue per un approccio che abbraccia la sostenibilità e l'innovazione, sempre con uno sguardo rivolto verso il futuro. Shabtab è più di un semplice edificio; è un manifesto di ciò che può essere l'architettura residenziale nel ventunesimo secolo.

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Fonte e Ispirazione: Questo articolo è stato ispirato da contenuti pubblicati su www.archdaily.com.

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